Il s'agit d'un véritable album à colorier, le premier réalisé par François Schuiten. Les dessins, inédits en noir et blanc, mettent en scène l'univers onirique de François Schuiten. Dirigeables, locomotives, sous-marins et villes étranges se côtoient dans ces pages, qui sont autant d'appels à l'imagination et à la création.

CONVERSATIONS AVEC JACQUES SAMSON Un auteur de bandes dessinées n'est pas fait que de bandes dessinées ; c'est ce dont atteste la variété des travaux graphiques, des rencontres, des affinités, des expériences, des propos que vous trouverez dans cet ouvrage. Il illustre l'appétit qu'a Emmanuel Guibert, l'auteur du Photographe, de La guerre d'Alan, d'Ariol et de nombreux autres livres pour petits et grands, de créer en bonne compagnie.

Art médiatique conciliant l'image et le texte, la bande dessinée est née au creuset du journal : elle a dès l'origine exploité les enjeux de l'actualité, et a très vite imaginé des personnages qui sont eux-mêmes journalistes. Le lecteur croisera ainsi dans ce livre les parcours de nombreux héros reporters connus (Tintin, Lefranc, Fantasio, Jeannette Pointu) et moins connus (Marc Dacier, Guy Lebleu et bien d'autres), il se plongera dans l'histoire mouvementée des magazines (Pilote, Vaillant, Spirou...) et il pourra saisir les multiples interactions (historiques, culturelles, professionnelles, économiques) entre la bande dessinée et la presse.Si la perspective retenue concerne essentiellement la BD franco-belge, elle n'est pas exclusive : deux chapitres évoquent la tradition des comics anglo-saxons qui, depuis la naissance de Superman, a elle aussi vu naître un imaginaire du journalisme particulièrement riche. Le but de cet ouvrage est par ailleurs de montrer qu'en dépit de la mort de revues comme Pilote ou Tintin, la généralisation de l'album n'a fait disparaître ni les héros reporters ni la presse de bande dessinée.La troisième partie envisage ainsi le succès du reportage graphique et de magazines tels que La Revue dessinée,qui témoigne de la vivacité intacte des échanges entre le journalisme et le neuvième art. Maître de conférences à l'Université de Reims, Alexis Lévrier est spécialiste de l'histoire de la presse. Il a notamment publié Le Contact et la distance. Le journalisme politique au risque de la connivence (Paris, Les Petits Matins, 2016) et, avec Adeline Wrona, Matière et esprit du journal, du Mercure galant à Twitter (Paris, Sorbonne Université Presses, 2013).Guillaume Pinson est professeur au Département de littérature, théâtre et cinéma de l'Université Laval. Ses recherches portent sur l'histoire de la culture médiatique et il codirige le projet Médias 19. Son dernier ouvrage s'intitule La Culture médiatique francophone en Europe et en Amérique du Nord, de 1760 à la veille de la Seconde Guerre mondiale (Québec, PUL, 2016).

Chris Ware est sans doute le plus important auteur de bande dessinée de ces dernières années, et pas seulement aux Etats-Unis, son pays de naissance et de résidence.Abondamment illustrée, cette première monographie en langue française propose plusieurs traversées d'une oeuvre déjà imposante bien qu'encore en plein devenir. On y trouvera une présentation chronologique ainsi qu'un long entretien accordé à Benoît Peeters. Même si Chris Waree s'excuse sans cesse de ne pas répondre comme il faudrait, il tient sur son travail et sur l'art de la bande dessinée un discours d'une extrême richesse.C'est pourquoi l'ouvrage comprend aussi quatre articles inédits en français de Ware, que vient compléter une étude de Jacques Samson traitant de l'originalité et de la modernité de l'auteur de Jimmy Corrigan.

Fin de la première journée.Il n'est pas venu. J'essaierai encore demain : peut-être viendra-t-il, ne serait-ce que pour défier la loi des probabilités. Je le vois déjà, avec son feutre, debout dans son imperméable, comme sur les photos, le col relevé, le dos à l'objectif, cloué au bout de la jetée comme une paire de jumelles sur leur socle, fixant l'horizon lointain comme si plus rien d'autre n'existait. Oui, exactement ainsi, le chapeau baissé sur le front, la tête tournée, répétant sans cesse les mêmes phrases brèves et incompréhensibles, qui finiront par le rendre malade et qui bourdonneront dans ses oreilles comme un dernier roulement de tambour.Il y aura un bruit de pas derrière lui, le contact glacé d'un canon noir contre son cou et pari - une maudite éclaboussure en travers du ciel. Les vagues viennent se briser, dans une monotonie lugubre, le long du sombre littoral. Par-delà les derniers pilotis noirs de la jetée, le ciel et la mer se confondent derrière un rideau de pluie grise. L'air salé, les algues, le crissement des galets sous les pas, l'inévitable cri des mouettes - tout y est, je suis chez moi.Vers l'intérieur, dans les quartiers est de la ville, le crépitement des armes automatiques décroît, s'éteint. Demain, je reviendrai.

Le 15 octobre 1905 commençait à paraître dans la presse américaine une bande dessinée qui allait révolutionner le monde de la narration par l'image : Little Nemo in Slumberland. Winsor McCay, qui fut aussi un des pionniers du dessin animé, a créé avec son petit Nemo un personnage tout aussi attachant que l'Alice de Lewis Carroll. Par la qualité, voire l'audace de ses dessins, par la subtilité de sa réflexion sur le monde du rêve, Little Nemo reste un exemple inégalé. Pour beaucoup d'auteurs et de critiques, il s'agit même de la plus belle bande dessinée de tous les temps. L'oeuvre de McCay restait pourtant peu étudiée et médiocrement éditée. Alternant études des meilleurs spécialistes de la bande dessinée et hommages des plus grands auteurs, cet album voudrait profiter du centenaire de Little Nemo pour lui donner enfin sa vraie place.

Je n'ai pas fait le japon. Après quinze années d'un séjour quasi ininterrompu, je suis au japon sans y avoir rien vu. Je ne me suis jamais offert les services d'une geisha et n'ai croisé aucun samouraï, je n'ai pas assisté à la parade du mariage princier et l'extrême droite nippone a négligé de m'insulter, je n'ai pas visité le temple d'or de Kyôto et ne me suis pas plus approché des cerfs de Nara,je n'ai passé aucune nuit dans un hôtel capsule ni aperçu un seul pousseur dans le métro de Tôkyô... Mais il y a pire, l'incompréhensible, l'inexcusable négligence, j'ose à peine l'avouer : je suis au japon sans avoir vu le Mont Fuji ! Que vont penser mes anciens amis de Nancy, eux qui parvenaient, chaque été et avec quel brio, à visiter toutes les choses indispensables d'un pays, en un mot à le faire ? Ainsi Michel qui, en juillet 1987, avait fait la Thaïlande, ou ce vieux Roger, à qui il n'avait pas fallu plus de trois semaines pour faire la Chine ! Voilà bien un souvenir, celui de mes chers amis, qui m'invite à l'humilité, peut-être au regret : non, décidément, je n'ai pas fait le japon.

« Dans cet hôtel, il doit y avoir plusieurs centaines de chambres. Entre le hall et celle que j'occupe, j'ai compté pas moins de vingt-cinq portes. Mais ce nombre est variable, tantôt supérieur, tantôt inférieur. Sans parler de tous ces escaliers et de tous ces couloirs dont on ne voit jamais le bout. Qu'importe, une vingtaine de chambres noires suffisent amplement à les noyer dans le doute et à m'accorder un sursis, une chance de plonger à terre et d'ouvrir le feu le premier. »En attendant ses démons pour le règlement de compte final, le narrateur échappe à ses cauchemars en s'immergeant dans des fragments de séries noires imaginaires.Après ces deux chefs-d'oeuvre du roman graphique que sont La Cage et L'Enquêteur, Martin Vaughn-James nous emmène dans un troisième labyrinthe. À travers une fine et dense succession d'images et de mots, il nous plonge dans la mémoire onirique de nos propres chambres noires.

Tout le monde a lu Fraise et Chocolat, l'un des événements éditoriaux de 2006 qui a permis la découverte d'une voix de femme totalement nouvelle en bande dessinée. Personne n'avait jamais parlé d'amour et de sexe comme Aurélia Aurita : avec franchise mais aussi avec humour, avec crudité mais non sans candeur. Le temps passe. Chocolat (Chenda) aime toujours Fraise (Frédéric), et en est toujours aimée, mais aux ébats se mêle le doute, l'enthousiasme se teinte de peur. Le monde extérieur aussi est là : une amie attachante (Kan Takahama), un voisin raciste, le quotidien et ses contraintes, la menace de la séparation, les superstitions petites et grandes de l'héroïne qui va jusqu'à invoquer le divin... Mais surtout il y a l'amour, et les vraies-fausses naïvetés qui font le style incomparable d'Aurélia Aurita et l'enchantement du lecteur (et des lectrices).

Tintin n'est pas le personnage conventionnel et froid, humaniste et chrétien, misogyne et réactionnaire que l'on décrit souvent.On manque le génie de tintin si on le réduit à un sage porte-parole des codes moraux et politiques de son temps, mais on se trompe aussi si on ne voit en lui qu'un prodigieux lecteur des codes des autres. malgré les apparences, tintin ne décode pas la chine, les incas, le tibet, l'amérique... les codes quels qu'ils soient, vénérables et anciens, excitants et modernes, ne lui suffisent pas. il passe à travers.C'est cela qui explique ses délires, son attirance pour la folie, ses moments oniriques considérés comme réels. quand tintin hallucine, comme sur l'île de l'étoile mystérieuse, c'est pour brouiller tous les codes symboliques : l'eden, robinson, noé, le champignon phallique, le spectre de la bombe h, l'araignée-mère, etc. et cela n'est pas sans risque... il manque d'y rester, d'y perdre la raison et la vie.Et voilà pourquoi, dans le sens très précis que deleuze et guattari donnaient à ce mot, l'on peut qualifier tintin de schizo .

Lire une bande dessinée ou un dessin de presse est simple, mais cette simplicité est trompeuse. Dans Images à mi-mots, Pierre Fresnault-Deruelle nous apprend à lire les images, vignettes de bande dessinée et dessins de presse confondus. Il le fait « à mi-mots », car les images sont à bien des égards porteuses de mots, par exemple sous forme de calembours visuels ou encore sous forme de mots dans l'image.Ce livre, toutefois, est bien plus qu'un manuel. Fresnault-Deruelle nous communique aussi son amour et son intelligence des images. Rassemblant et rapprochant de nombreux exemples très variés, de Winsor McCay à Emmanuel Guibert en passant par Plantu et Geluck, il offre enfin un éventail tout à fait étonnant de ce que l'image peut représenter et produire actuellement.

Chenda se rend pour la première fois au Japon en 2004. Immédiatement séduite par Frédéric et par le pays du Soleil levant, elle y voyage à plusieurs reprises. Si l'amour qu'elle porte à son nouvel amant est réciproque, il n'en est pas de même, hélas, avec son nouveau pays d'adoption. Procédurière jusqu'à l'absurde, l'administration transforme ses séjours en calvaire bureaucratique. Derrière les déboires de Chenda avec les services d'immigration nippons, c'est aussi une histoire plus globale qui se dessine. Le Japon n'est pas le seul pays à traiter ses étrangers avec méfiance et de manière arbitraire...

Depuis 1995, le marché français de la bande dessinée connaît une progression continue du nombre de titres publiés. Cette situation a changé les stratégies des éditeurs et les pratiques professionnelles des diffuseurs et des libraires, dans le sens d'une industrialisation des pratiques. Comment faut-il comprendre cette évolution ? Doit-on s'en inquiéter ou s'en réjouir ? Quel impact a-t-elle sur les lecteurs ? Menace-t-elle la création ou favorise-t-elle la diversité ? Des éditeurs, diffuseurs, libraires, universitaires, journalistes, spécialistes et auteurs analysent sous des angles très divers la situation actuelle de la bande dessinée sous l'oeil vigilant de Mathieu Sapin et Benoît Peeters qui en proposent chacun à leur manière des synthèses éclairantes. Ce volume, le premier à interroger la situation économique de la bande dessinée en langue française, est appelé à devenir une référence.

Dessiné par une débutante et publié à un tirage d'abord modeste, le premier volume de Fraise et Chocolat connaît un succès aussi rapide qu'inattendu. Au centre du « buzz », Chenda - alias Aurélia Aurita - est en quelques semaines l'objet de toutes les attentions mais aussi de nombreuses attaques, et tente de faire face. Buzz-moi retrace la carrière de ses ouvrages, telle que l'a vécue l'auteur au fil des mois. Des coulisses des médias généralistes (de Elle à Libé, d'Europe 1 au Grand Journal de Canal Plus) à celles du milieu de la bande dessinée (éditeurs, festivals, lectrices et lecteurs), le livre raconte de manière vive et souvent drôle comment le tourbillon suscité par Fraise et Chocolat a été vécu par celle qui en est à la fois le créateur, le témoin et l'analyste.

Un homme, en quête de son passé, à la recherche d'un rêve d'enfant, voyage douloureux et définitif en forme d'exorcisme pour trouver la paix et le bonheur ; deux jeunes femmes curieuses et volontaires ; un violoncelliste, poète et serein, un peu fou ; l'astronome résident du Pic du Midi, mystérieux, clairvoyant ; deux enfants sur les toits de la cathédrale de Strasbourg : tous convergent, parfois sans le savoir, vers l'aube rare et matinale du rayon vert. « C'est que ce rayon » dit Jules Verne « a pour vertu de faire que celui qui l'a vu ne peut plus se tromper sur les choses de sentiment ; c'est que son apparition détruit illusions et mensonges ; c'est que celui qui a été assez heureux pour l'apercevoir une fois, voit clair dans son coeur et dans celui des autres ».

« En sélectionnant et en présentant les documents proposés dans ce livre, nous avons cherché à donner une idée de la richesse de l'image humoristique en Angleterre, en France, en Allemagne et aux États-Unis - une culture dont William Hogarth fut le grand précurseur au XVIIIe siècle. Pour comprendre l'évolution des formes séquentielles qui ont fait le lit de la bande dessinée moderne, leurs interactions constantes avec des formes concurrentes dont nous ne soupçonnons plus l'existence doivent être prises en compte. Les «raisons d'être» des histoires séquentielles sont multiples, et elles ne deviennent intelligibles que si l'on tient compte des solutions alternatives qui se présentaient à ces dessinateurs.Il faut dire que la variété des expériences menées tous azimuts par les artistes humoristiques, dans ces pays et durant cette période, met à mal toute classification et suggère au contraire l'idée d'un véritable continuum. Du rébus au roman en estampes à la Töpffer, de la caricature politique à l'illustration romanesque, du feuilleton dessiné aux «macédoines» thématiques, les illustrateurs professionnels travaillant pour le ivre et la presse au XIXe siècle prennent un malin plaisir à générer des formes hybrides et à ne laisser aucun genre intermédiaire inexploré.Dans ce paysage décidément bien éclectique, on comprendra qu'il ne soit pas possible de fixer a priori - c'est-à-dire axiomatiquement - les limites de notre corpus. Il ne s'agit pas non plus d'aborder ces productions comme des approximations ou des tâtonnements qui tendraient peu à peu à se rapprocher de la seule forme réellement pertinente - la bande dessinée familière et transparente du XXe siècle. Nous nous proposons de les voir, au contraire, comme des formes dynamiques qui explorent avec audace leur propre espace de possibilité. Elles se rapprochent en cela des productions qui depuis une vingtaine d'années prolifèrent aux frontières du genre «bande dessinée» dans nos librairies.À l'instar de nos auteurs les plus inventifs, les créateurs marquants du XIXe siècle aimaient, en effet, l'ironie et la prise de risques : ils innovaient, tout en revisitant souvent des modèles qui apparaissaient archaïques ou dérisoires aux lecteurs de l'époque. Pour donner corps aux pressentiments que leur inspiraient les transformations du temps - le progrès industriel en particulier - ils faisaient feu de tout bois. Chris Ware, aujourd'hui, ne procède pas autrement quand il emprunte aux origines du cinématographe, aux funnies et aux réclames des années 20, aux diagrammes didactiques des années 50, les bribes d'un langage polyphonique qui lui sert à décrire l'Amérique contemporaine. Ce dialogue entre la «préhistoire» de la bande dessinée et les formes les plus innovantes qu'elle prend aujourd'hui est l'une des justifications de cet ouvrage. » Thierry Smolderen

C'est avec la vie et les expériences des gens ordinaires que s'écrivent les histoires.C'est avec la vie et les expériences de quelqu'un comme le mage Tosechi que s'écrivent les légendes.

En cent quatre-vingt pages que ne traverse aucun personnage, Martin Vaughn-James bâtit un univers obsessionnel d'une rare puissance à partir de l'incessante transformation de quelques lieux et quelques objets : chambres peu à peu envahies par le sable, murs qui se lézardent à vue d'oeil, larges taches d'huile, d'encre ou de sang, végétation proliférante qui recouvre des ruines, tableaux et cadres amoncelés dessinant le plus aberrant des musées. La Cage est un somptueux labyrinthe, un ouvrage étrange devenu un classique. L'ouvrage est accompagné d'une préface de l'auteur, qui le resitue dans le contexte des années 70, de la contre-culture et du Nouveau Roman.

Personnage androgyne et comme sorti de nulle part, Tintin est devenu au fil des ans un héros mythique. Il a permis à Hergé d'explorer des mondes hostiles et d'y emmener ses jeunes lecteurs. Lieu de mille projections, Tintin est la figure à laquelle chacun peut s'identifier, sa pureté lisse rendant possible toutes les incarnations. Son corps reste indestructible sous les attaques, son esprit lui permet de se tirer des situations les plus périlleuses.Après Les Métamorphoses de Tintin, l'une des meilleures références sur le sujet, Jean-Marie Apostolidès mène ici une enquête approfondie qui bouleverse toutes les idées reçues sur l'univers d'Hergé. Il renouvelle en profondeur notre vision du personnage de Tintin et de son auteur, en nous donnant des clés textuelles, biographiques et psychanalytiques pour mieux comprendre l'identification durable à ce personnage en apparence simple et consensuel.