Belle paire de fauteuils du milieu du siècle de Miroslav Navratil, produite par Cesky Nabytek en 1959. Le modèle a été conçu pour la Trienalle de Milan. Les sièges sont en plastique laminé de couleur noire (sur l'un des fauteuils) et bleue (sur l'autre). Les sièges sont finis avec un tissu original de couleur grise et un petit coussin. Les chaises sont en état d'origine, le bois est laqué et en très bon état. Le tissu présente une certaine usure, plus sur une chaise. Mais les chaises sont encore en très bon état. Le design classique de cette chaise Navratil n'a jamais été démodé et est devenu un exemple du design du milieu du siècle dans le monde entier.Le prix est pour la paire.Informations complémentaires sur les dimensions :hauteur du siège 34cm

Cet ensemble de 4 chaises à manger Kreuzschwinger vintage en fil de métal chromé de Schlubach, en Allemagne. Conçuespar Till Behrens en 1983.Cette chaise assez lourde, de haute qualité, se balance doucement d'avant en arrière sans assistance mécanique. Elles s'adaptent automatiquement aux changements de votre posture, ce qui vous donne un grand confort d'assise et une grande tolérance au niveau du dos.Till Behren est un architecte, urbaniste et designer allemand, né dans une famille d'ingénieurs, d'inventeurs et d'architectesLe design des Kreuzschwingers a été récompensé par plusieurs prix de design. La chaise est exposée au Vitra Museum de Weil am Rhein, au Musée allemand d'architecture de Francfort et au Musée des arts appliqués de Cologne.En excellent état d'origine.Un design bien connu et bien documenté dans la littérature générale sur le design.Ces chaises sont présentes dans de nombreuses collections importantes dans le monde entierHauteur du siège 47 cm

Table en bronze patiné TL 59 par Afra &Tobia Scarpa pour Poggi 1975Une pièce très rare par l'un des plus célèbres duo de designers.Nous avons deux bases de tables et nous pouvons donc fournir un plateau sur mesure en verre ou même en marbre.Afra (1937-2011) et Tobia (1935-) Scarpa ont tous deux étudié à l'Institut d'architecture de Venise. Tobia a d'abord travaillé pour le fabricant de verre italien Venini. À partir de 1960, le couple a ouvert son propre bureau de design. Leur travail comprend l'architecture et des articles de la vie quotidienne comme des meubles et des vêtements. Tobia & Afra ont conçu pour de nombreuses grandes entreprises italiennes et internationales comme Flos, Gavina, B&B Italia, Cassina, Knoll International et de nombreux projets d'intérieur pour de nombreuses entreprises dans le monde entier.D 120 cm, H 72 cm, ? 120 cm

À travers la Coffee Table (1944), Isamu Noguchi a transposé l'esthétique biomorphique de ses œuvres sculpturales dans un meuble aux lignes organiques caractéristiques. C'est vraisemblablement la raison pour laquelle Noguchi considérait la table comme sa création de mobilier la plus réussie. Deux pieds en bois, disponibles en frêne noir, en érable ou en noyer, sont disposésà angle droit afin de former un support stable pour le lourd plateau de verre épais. La Coffee Table est largement accepté dans le monde du mobilier vintage comme la plus grande réussite du designer Isamu Noguchi. Ce visionnaire japonais a su convertir le style biomorphique de ses sculptures en un meuble aux lignes organiques. Cette table est disponible en une large gamme de bois allant du frêne au noyer en passant par l'érable, offrant à la table le support nécessaire pour son plateau de verre épais.

Cette chaise longue pivotante emblématique a été conçue par Arne Jacobsen en 1958 pour l'hôtel SAS Royal Copenhagen au Danemark et est l'une des chaises les plus célèbres au monde, reconnue par les amateurs de design de tous les pays comme la chaise Egg.Il s'agit du mobilier scandinave classique du milieu du siècle qui a rendu le design des meubles danois célèbre sur tous les continents. Arne Jacobsen savait comment combiner les matériaux et les formes pour créer des meubles emblématiques qui sont aujourd'hui plus populaires que jamais. Le meilleur du design danois.Produit par Fritz Hansen en tant que Mod. No 3317 en 2008.Celui-ci présente une coque en fibre de verre avec son revêtement original en cuir brun cognac patiné, une base en aluminium à quatre étoiles, une fonction pivotante et inclinable. Marqué de l'étiquette originale du fabricant, République de Fritz Hansen, produit en 2008.

Depuis 1916, Nathan produit des meubles de style scandinave de haute qualité qui sont recherchés et appréciés dans le monde entier.Ce long buffet de la gamme Corsica de Nathan est un magnifique meuble, parfait pour ajouter un style Mid-Century à votre maison. Avec un grand espace de rangement pour toutes sortes d'objets soigneusement sélectionnés, cette pièce est sûre d'attirer l'attention de tous ceux qui entrent dans la pièce dans laquelle elle est placée.Lors de sa production initiale, la société a déclaré que cette pièce combinait le meilleur du design moderne avec une simplicité classique des lignes, superbement réalisée dans les moindres détails, et elle n'avait certainement pas tort. Le beau teck ambré a un grain magnifique et lorsqu'il est combiné avec ces superbes poignées sculptées, vous ne pouvez pas vous empêcher de vouloir toucher cette pièce.

La lampe PH 5 est une icône du design danois qui a gagné une immense popularité dans le monde entier. La PH 5 a été conçue par l'éminent designer et architecte Poul Henningsen en 1958 et a été produite par Louis Poulsen jusqu'à aujourd'hui. La forme de la lampe a été conçue sur le principe d'un système réfléchissant qui dirige la lumière non seulement vers le bas, mais aussi sur les côtés, éclairant la lampe elle-même. Grâce à sa structure, la PH 5 fournit une lumière diffuse et non éblouissante dans un ton chaud.La lampe est en très bon état, avec des traces minimes du temps sous la forme d'une patine naturelle.Dimensions :diamètre : 50cmhauteur : 26,7 cmLa lampe a été soigneusement nettoyée, elle est équipée d'un nouveau câble tressé d'environ 2 mètres de long. En outre, la garniture de tête est fixée à la lampe.Veuillez noter que les objets que nous vendons sont usagés, souvent âgés de 40 à 50 ans, et présentent donc des traces d'utilisation qui ne peuvent pas toujours être saisies sur les photos.

Ce célèbre fauteuil a été conçu par J. Smidek - l'un des plus célèbres designers de meubles en Europe.Il a été produit dans les années 60 dans l'usine tchécoslovaque TON - l'une des plus anciennes usines de meubles en bois courbé au monde.Le fauteuil a fait l'objet d'une rénovation complète - en tenant compte de tous les détails et normes de l'original.La structure en bois a été divisée en deux parties afin d'éliminer les interstices créés au niveau des joints par le temps et d'éliminer la mobilité due à l'effritement de la colle. L'étape suivante a consisté à enlever les anciennes couches de peinture et de vernis. Enfin, le cadre a été recollé et peint avec de la peinture satinée de teck. Le siège a également été démonté des anciennes couches de matériau, de mousse et de ceintures. Un renforcement a été ajouté à l'aide de mousse mi-dur, de bandes et de moutons. À la toute fin, le siège a été rembourré d'un beau tissu jaune, résistant aux dommages et hydrophobe.Vous pouvez également apporter vos propres modifications à la finition du bois et au type de tissu.

Bo?ek Šípek est considéré comme le père du néo-baroque . Ses œuvres architecturales et autres conceptions sont connues dans le monde entier. Il avait des bureaux à Amsterdam, Prague et Shanghai.Sous la présidence de Václav Havel, il a été l'architecte du château de Prague. À Maastricht, il a conçu une sculpture en verre à l'entrée de la bibliothèque universitaire de Maastricht, dans la Grote Looiersstraat.Bo?ek Šípek est décédé à l'âge de 66 ans.Borek Sipek a conçu la Oto Otanek pour Vitra en 1988. Cette chaise a été construite avec différents matériaux, bois,cuivre et acier. L'assise a été sculptée dans le bois et peinte en noir. Les pieds avant et arrière sont en bois, peints en noir. Les pieds latéraux sont en acier recouvert d'une peinture teintée. Le dossier est en cuivre véritable, martelé en forme ronde. Magnifique design aux formes rondes, organiques et quadriques. Vitra a produit cette chaise en série limitée, un véritable objet de collection.

Canapé trois places GE 290 en chêne massif, conçu par Hans Wegner en 1955 pour Getama, Danemark. Oreillers vert olive dans un état raisonnable avec quelques décolorations. Nous proposons également les chaises à dossier haut et bas assorties. Mesures : H 75 x L 181 x P 78. Hauteur d'assise 41 cm. Ce canapé sera expédié à l'étranger dans une caisse en bois faite sur mesure. Le coût du transport vers la caisse américaine incluse est de 1.275,00 euros. Hans J. Wegner a été l'un des moteurs du Danish Modern et a contribué à changer l'opinion du grand public sur le mobilier dans les années 1950 et 1960. Sa passion pour la conception de chaises, plus de 500 d'entre elles, est reconnue dans le monde entier et se reflète dans son titre de maître de la chaise. Il est célèbre pour intégrer des joints parfaitement exécutés aux formes exquises et les combiner avec une curiosité constante pour les matériaux et un profond respect pour le bois et ses caractéristiques naturelles. Ses créations meublent le minimalisme avec une douceur organique et naturelle.

Bougeoir Art Déco danois à deux bras par Just Andersen dans Disko MetalLe bougeoir est fabriqué en disko métal, un alliage de plomb et d'antimoine, qui est une invention d'Andersen et qui porte le nom de la baie de Disko au Groenland, où il a grandi.Le bougeoir est en bon état et marqué par Just. A.Just Andersen 1884-1943 est né à Godhavn sur l'île de Disko, située à l'ouest du Groenland. Ses parents étaient inspecteur et directeur d'homologation dans le nord du Groenland. Le gène créatif de Just Andersen a été très manifestement stimulé et développé pendantson enfance.Grâce à l'entreprise de ses parents, il a grandi avec une vision du monde et en contact avec des chercheurs et des explorateurs qui ont été plus tard célèbres et inscrits dans l'histoire de leur exploration et de leurs archives du Groenland, parmi lesquels Robert Edwin Peary et Knud Rasmussen.Just Andersen avait une envie créative et un talent bien au-delà de l'ordinaire et devint célèbre non seulement comme artiste de corpus mais aussi comme orfèvre et sculpteur.DimensionsHauteur : 4,73 in. (12 cm)Largeur : 6,89 in. (17,5 cm)Profondeur : 4,34 in. (11 cm)

La lampe PH 5 est une icône du design danois qui a gagné une immense popularité dans le monde entier. La PH 5 a été conçue par l'éminent designer et architecte Poul Henningsen en 1958 et a été produite par Louis Poulsen jusqu'à aujourd'hui. La forme de la lampe a été conçue sur le principe d'un système réfléchissant qui dirige la lumière non seulement vers le bas, mais aussi sur les côtés, éclairant la lampe elle-même. Grâce à sa structure, la PH 5 fournit une lumière diffuse et non éblouissante dans un ton chaud.La lampe est en très bon état, elle présente des taches visibles sur les photos.Dimensions :diamètre : 50cmhauteur : 26,7 cmLa lampe a été soigneusement nettoyée, elle est équipée d'un nouveau câble tressé d'environ 2 mètres de long. Possibilité de remplacer le câble par n'importe quelle longueur et couleur. De plus, la garniture de tête est attachée à la lampe.Veuillez noter que les objets que nous vendons sont usagés, souvent âgés de 40 à 50 ans, et présentent donc des traces d'utilisation qui ne peuvent pas toujours être saisies sur les photos.

La lampe PH 5 est une icône du design danois qui a gagné une immense popularité dans le monde entier. La PH 5 a été conçue par l'éminent designer et architecte Poul Henningsen en 1958 et a été produite par Louis Poulsen jusqu'à aujourd'hui. La forme de la lampe a été conçue sur le principe d'un système réfléchissant qui dirige la lumière non seulement vers le bas, mais aussi sur les côtés, éclairant la lampe elle-même. Grâce à sa structure, la PH 5 fournit une lumière diffuse et non éblouissante dans un ton chaud.La lampe est en très bon état, avec des traces minimes du temps sous la forme d'une patine naturelle. La couleur de cet exemplaire est blanc-écru.Dimensions :diamètre : 50cmhauteur : 26,7 cmLa lampe a été soigneusement nettoyée, elle est équipée d'un nouveau câble tressé d'environ 2 mètres de long. En outre, la garniture de tête est fixée à la lampe.Veuillez noter que les objets que nous vendons sont usagés, souvent âgés de 40 à 50 ans, et présentent donc des traces d'utilisation qui ne peuvent pas toujours être saisies sur les photos.

Martin Eisler & Carlo Hauner pour Forma, sofa, bois dur brésilien, métal et tissu, Brésil, les années 1960. Paire de chaises Bone du duo de designers brésiliens Eisler et Hauner. Cette chaise est l'icône du design moderne brésilien du milieu du siècle dernier, dans les années 1960. Cette pièce particulière est exécutée avec un cadre en acier recouvert de noir et des lattes de bois brésilien patinées. Il est difficile de trouver ces chaises iconiques dans un état de vieillissement aussi admirable, ce qui en fait un ensemble désirable. Les lattes sont droites au milieu et courbées vers les extrémités et positionnées en ligne de façon rythmique. Carlo Hauner (1927-1997) et Martin Eisler (1913-1977) sont tous deux nés en Europe, en Italie et en Autriche respectivement, et ont immigré au Brésil après la Seconde Guerre mondiale. Ils étaient tous deux très investis dans l'utopie brésilienne moderne de création d'un monde meilleur.L 140 cm, P 77 cm, H 82 cm, SH 35 cm

Lampe originale modèle 6556 Super.Icône du design modernistes et avant-gardiste des années 30.lampe de bureau très fonctionnelle.Christian Dell était l’un des maîtres (atelier du métal) les plus connus du Bauhaus de Weimar.Composée d’une structure et d’un abat-jour en acier noir, contre poids en fonte, deux rotules. Le bras de la lampe est inclinable, l’abat-jour est rotatif.Lampe entièrement restaurée, entièrement démontée, décapée, repeinte «peinture au four» (comme à l’époque) et bien sûr électrifiée (travail professionnel, 30 ans d’expériences de restauration de lampes).Très bon état.La série de Christian Dell est basée sur deux rotules brevetée dans le monde entier et représente l’un des meilleurs du design BAUHAUS. Les lampes Kaiser Idell se sont rapidement transformées en artefacts de design et sont à ce jour considérées comme des classiques du design.Nous sommes spécialisés depuis 30 ans dans les lampes du Bauhaus, par ailleurs nous avons organisé une exposition pour les 100 ans du Bauhaus sur les lampes du Bauhaus.Dimensions: L: 18 cm, H: 44 cm, P: 32 cm. Abat jour: H: 17 cm, diamètre 16 cm.

Fauteuil de bureau pivotant des années 70 - 80 que l’on doit à la fameuse maison Ronéo: solide, de haute qualité et confortable il est composé d’un piétement étoilé en métal lui permettant de pivoter et de revenir à sa place. Fixe en hauteur, l’assise (h47cm50cm46.5cm de profondeur) et le dossier sont rembourrés et garnis de tissu rouge brique. La compagnie française du Neostyl est née en 1902. A l’origine, elle s’appelait Neostyl (société anglaise) et était spécialisée dans la fabrication et la commercialisation de duplicateurs de stencils. En 1907, la compagnie française du Neostyl devient la compagnie du Roneo dans le but de fabriquer et distribuer aussi du mobilier de bureau d’abord en bois puis rapidement en métal.a son apogée dans les années 60 ronéo construit une usine dans l’Oise mettant une fin définitive au mobilier en bois.ces activités ont permis à la société de se développer pour devenir une référence incontournable dans le monde du mobilier de bureau.pour preuve ronéotyper et ronéoter (reproduire à la ronéo) sont présents dans les dictionnaires. En 1970, l’entreprise est cédée au groupe anglais vickers. Le mobilier ronéo reste une des marques phares dans le mobilier industriel.

Ces fauteuilsen cuir, modèle Coronado, ont été conçus en 1966 par Afra et Tobia Scarpa pour B&B Italia : Au confort incomparable, alliant tradition et innovation ils sont l'une des créations iconiques du duo Afra Bianchin et Tobia Scarpa, mondialement connues et reconnues sous le duo Afra et Tobia Scarpa. Tous 2 nés dans les années 30, diplômés de l'école d'architecture de Venise, le couple commence leur vie en tant que concepteurs de verre dans la grande maison Murano. De nombreuses collaborations suivront : par exemple avec la fameuse société Gavina en 1960, Cassina en 1968, Flos en 1973 et même la marque de prêt à porter Benetton de 1964 aux années 90. Leurs oeuvres sont exposées dans les musées du monde entier : le musée d'art moderne de New York, Le Louvre à Paris, à Londres, au Danemark... Que ce soit dans le verre, le textile, l'architecture ou le design les 2 artistes sont visionnaires et avant-gardistes : ils sont les premiers à utiliser l'halogène pour l'éclairage ou encore le moulage à froid pour le mobilier, comme ici ces fauteuils. De 1950 à aujourd'hui ils incorporeront de nouvelles technologies, tout en conservant l'histoire, les formes pures, sobres, minimalistes et la fonction.

La Conversazione Classica conçue par Gio Ponti carreaux de céramique. Nouvel ensemble de carreaux de céramique de stock avec un célèbre dessin réalisé par Gio Ponti en 1925 pour le producteur de céramique Richard Ginori. Les carreaux sont en parfait état et sont livrés avec leur boîte d'origine. Chaque carreau mesure : 20 x 20 cm. Les carreaux seront expédiés à l'étranger dans une caisse faite sur mesure. Le coût du transport assuré vers les États-Unis est inclus dans la caisse. Gio Ponti est l'un des architectes les plus célèbres et les plus influents du XXe siècle. Il a révolutionné le monde de l'architecture et du design. Gio Ponti est né à Milan, en Italie, en 1891 et a obtenu un diplôme d'architecture après avoir servi l'armée de son pays pendant la Première Guerre mondiale. Il a accepté son premier emploi dans une entreprise italienne de céramique, en tant que directeur artistique, et a commencé à s'intéresser à l'architecture peu après. Il est possible que son début de carrière dans la conception de céramiques ait influencé le reste de sa carrière, car Ponti n'a jamais considéré l'architecture comme une simple création de bâtiments. Au contraire, il concevait souvent l'intérieur des bâtiments également, créant des meubles (chaises, tables basses), des appareils d'éclairage et même des articles comme la céramique, la verrerie et l'argenterie.

Le banc, école Bossche, Dom Hans van der Laan, Jan de Jong, Pays-Bas, années 1960. Moine bénédictin néerlandais et architecte. Dom Hans van der Laan était une figure de proue de l'école Bossche. Ses théories sur les rapports numériques dans l'architecture et le mobilier, notamment en ce qui concerne le nombre plastique (Plastisch Getal), ont eu une grande influence. En 1977, l'architecte et moine Dom Hans van der Laan a publié son tract L'espace architectural, 15 leçons sur la disposition de la résidence humaine. Il s'agit d'une théorie qui cherche à saisir et à organiser l'essence de l'expérience spatiale comme base du processus de conception. L'exposition Une maison pour l'esprit explore le monde tangible autour de la philosophie de Van der Laan. L'espace architectural, une œuvre hermétique jusqu'à ce jour, est pour une fois ouvert dans un nouveau laboratoire du passé vers le futur. Alors qu'il écrivait son tract, Van der Laan a construit l'abbaye de Roosenberg à Waasmunster. Il a travaillé intuitivement avec des concepts tels que la proximité et la superposition, comme gestes spatiaux pour l'immobilité et la spiritualité d'une part, et l'intensité de la rencontre d'autre part. En plus de dessins et de modèles originaux, Une maison pour l'esprit présente de nouvelles analyses d'universitaires et d'artistes sur le matériel pédagogique, le mobilier, la vaisselle, les vêtements et la typographie de Van der Laan.L 204 cm, P 48 cm, H 84 cm, SH 48 cm

Ces trois chaises de salle à manger ont été conçuesà l'origine par la société Thonet en 1904, et se trouvent dans les catalogues de vente Thonet sous le numéro de modèle 13. On pense que ces pièces particulières ont été fabriquées par la société Thonet dans une de ses usines de l'ancienne Tchécoslovaquie vers 1930.La conception de ces chaises est similaire aux modèles n° 3 et n° 23, mais celle-ci a été conçue avec quatre supports supplémentaires entre le siège et le dossier. L'assise ronde avec le support circulaire élancé et l'arc doux des pieds sont tous deux une marque de fabrique du design Thonet au début du XXe siècle.Ces types de chaises étaient très populaires non seulement pour leur confort, mais elles étaient aussi souvent utilisées par les architectes dans les restaurants du monde entier en raison de la nature de leur design qui s'intégrait parfaitement dans n'importe quel intérieur - qu'il soit moderne ou traditionnel.Les trois chaises sont en très bon état et ne présentent qu'une usure mineure.Les chaises ont récemment été complètement remises à neuf pour retrouver leur splendeur d'antan. Notre artisan expérimenté a mené la restauration au plus haut niveau, en faisant revivre le beau motif naturel du siège et du dossier qui ont ensuite été finis à la main avec du vernis à la gomme-laque.

Cette figurine moderniste en céramique représentant un chat noir a été produite dans les années 1970. La figurine est fabriquée en céramique de haute qualité de couleur noire brillante. Le chat est parfaitement réalisé, subtil et digne à la fois.Les sculptures animalières ont une très longue tradition et remontent à l'époque paléolithique. Au cours des siècles suivants, les artistes ont forgé des formes animales en pierre, en argile collée et en bronze coulé. Ce n'est qu'aux XIXe et XXe siècles que la sculpture animalière a acquis une position indépendante. Avec le développement de l'art des cabinets et des collections, les petites sculptures représentant divers animaux ont gagné en popularité. Les artistes de l'Art nouveau se sont inspirés du monde des animaux à pleines mains, créant aussi bien des sculptures indépendantes que des meubles, des bijoux inspirés des formes des corps des animaux. Dans le style Art déco, les formes complexes des animaux étaient réduites à des formes simples et géométriques qui, associées à des détails et à des matériaux raffinés, donnaient un effet incroyablement décoratif. Le maître de ce type de traitement est François Pompon, dont la figure d'un ours polaire marchant est entrée dans le canon. Les grands artistes d'avant-garde n'ont pas non plus reculé devant les formes animales. Il suffit de citer Pablo Picasso ou Henry Moore.Cette figurine est dans un état vintage original.

Canapé modulaire post-moderne de Mario Bellini en gris pour B&B Italia dans les années 1970. L'ensemble du canapé secompose de 4 grands éléments d'assise, 3 dossiers et 2 accoudoirs. Le canapé a été rembourré avec une laine Bouclé grise. Nous pouvons assembler le canapé de vos rêves et le rembourrage dans un tissu de votre choix, dans la mesure où le stock actuel le permet. Expédition dans le monde entier avec un service de gants blancs sur demande. Les dimensions de chaque élément sont de taille moyenne : L 64, P 96, H 68, SH 33 cm. Ce dessin est devenu célèbre presque immédiatement après avoir été présenté dans l'exposition L'Italie et le nouveau paysage domestique au musée du MoMA en 1972. Mario Bellini (1935-) a une formation d'architecte et est devenu l'un des principaux créateurs du style italien de l'après-guerre. Au début de sa carrière, il a travaillé avec Olivetti, Cassina et B&B Italia, ce qui lui a permis d'acquérir très tôt des connaissances sur les résines synthétiques et les polyuréthanes. Ses meubles sont passionnants, tant par l'utilisation des matériaux que par l'originalité de ses conceptions. Bellini ne croyait pas aux limites précises du design, mais il concevait plutôt pour la relation de l'homme et de l'environnement. Il est impossible de classer l'œuvre de Bellini, tant son travail est complexe et original. Ce canapé sectionnel peut être rembourré sur demande spéciale.

Ce vase en cristal Tulip a été conçu par Jan Johansson pour la verrerie suédoise Orrefors dans les années 1970. Ce vase transparent est fabriqué en cristal d'art au plomb. Il a la forme d'une tulipe à six pétales.Jan Johansson est né en 1942. Il est arrivé à Orrefors en 1969 après avoir suivi une formation d'orfèvre à Stockholm au College of Arts, Crafts and Design. En tant qu'artiste, il s'intéresse au raffinement des effets optiques du cristal clair et sculptural, comme dans la série d'accessoires de barman Street, en verre taillé. Jan Johansson recherche activement de nouveaux moyens d'expression et élargit le champ d'application de la technique de la fugue.La verrerie suédoise Orrefors tire son nom du village forestier de Småland où elle a été fondée. Au XXe siècle, le nom d'Orrefors est devenu synonyme de verre suédois parfait. La réputation d'Orrefors s'est répandue dans le monde entier au milieu des années 20, d'abord grâce à la présentation d'Orrefors à l'exposition de Göteborg en 1923, puis grâce à la participation à l'exposition révolutionnaire de l'Exposition internationale des arts décoratifs à Paris en 1925, où Orrefors et les artistes eux-mêmes ont reçu le Grand Prix. La société s'est développée et a élargi ses lignes de produits. Actuellement, la société opère sous le nom d'Orrefors Kosta Boda AB et constitue le plus grand groupe de verreries de Scandinavie.Ce vase est dans un état vintage original. Malheureusement, l'autocollant original d'Orrefors n'a pas été conservé.

Ensemble de quatre fauteuils Artona en noyer et cuir noir, par Afra & Tobia Scarpa pour Maxalto, Italie 1975. Tout comme la célèbre chaise 'Africa', ces fauteuils cubiques du couple de designers italiens Afra et Tobia Scarpa font partie de la même série 'Artona'. Ces chaises sont d'une qualité artisanale exceptionnelle. La conception est simpliste et cubique. Le point fort est le travail du bois. Le noyer est incrusté de lignes de bois sombres, qui créent un effet d'ébène. C'est dans le dos incurvé qu'il est le mieux exposé. Les lignes sombres sont magnifiquement visibles et éclairent vraiment le design. Rembourré en cuir noir d'origine. Afra (1937-2011) & Tobia (1935) Scarpa ont tous deux étudié à l'Institut d'architecture de Venise. Tobia a d'abord travaillé pour le fabricant de verre italien Venini. A partir de 1960, le couple a ouvert son propre bureau de design. Leur travail comprend l'architecture et les objets quotidiens comme les meubles et les vêtements. Tobia & Afra a conçu pour de nombreuses grandes entreprises italiennes et internationales comme Flos, Gavina, B&B Italia, Cassina, Knoll International et de nombreux projets d'intérieur pour de nombreuses entreprises dans le monde entier. Aussi vendu par 2 et par pièce.

Cette grande figurine de guépard a probablement été produite en Italie dans les années 1970. La figurine est fabriquée en céramique de haute qualité peinte à la main dans des nuances intenses d'orange. Le guépard est parfait pour le bureau ou le salon, et comme complément d'un intérieur dans le style Hollywood Regency.Les sculptures animalières ont une très longue tradition et remontent à l'époque paléolithique. Au cours des siècles suivants, les artistes ont forgé des formes animales en pierre, en argile collée et en bronze coulé. Ce n'est qu'aux XIXe et XXe siècles que la sculpture animalière a acquis une position indépendante. Avec le développement de l'art des cabinets et des collections, les petites sculptures représentant divers animaux ont gagné en popularité. Les artistes de l'Art nouveau se sont inspirés du monde des animaux à pleinesmains, créant aussi bien des sculptures indépendantes que des meubles, des bijoux inspirés des formes des corps des animaux. Dans le style Art déco, les formes complexes des animaux étaient réduites à des formes simples et géométriques qui, associées à des détails et à des matériaux raffinés, donnaient un effet incroyablement décoratif. Le maître de ce type de traitement est François Pompon, dont la figure d'un ours polaire marchant est entrée dans le canon. Les grands artistes d'avant-garde n'ont pas non plus reculé devant les formes animales. Il suffit de citer Pablo Picasso ou Henry Moore.Cette figurine est dans un état vintage original.

Cimeterre de Boris Tabacoff pour le Mobilier Modulaire Moderne France 1970, ensemble de 4Un ensemble de magnifiques chaises de salle à manger en cimeterre de Boris Tabacoff pour le Mobilier Modulaire Moderne (M.M.M.) des années 1970. Un bel exemple de design moderniste de l'ère spatiale par le designer Boris Tabacoff (1927-1985), né en Bulgarie mais élevé en France, pour le M.M.M. français. Tabacoff a eu son propre style distinctif, tant en termes de design que d'utilisation des matériaux. Tabacoff est très connu pour son design flottant et son utilisation audacieuse de matériaux contrastés, par exemple le chrome et le plexiglas. Bien que Tabacoff ait travaillé pour de nombreuses marques, son travail pour M.M.M. est certainement l'un des plus attrayants et des plus recherchés dans le monde du design.Le jeu de cimeterre en vente a été produit par M.M.M. dans les années 70. Les chaises reposent sur un pied en métal chromé en forme de cimeterre (demi-lune) et la barre de liaison est également en acier chromé. La partie assise est constituée d'une structure en contreplaqué façonné, rembourrée de mousse et de simili-cuir de type nubuck en brun foncé.L'ensemble est en bon état, avec une légère usure et de la corrosion sur les cadres. Le rembourrage et la mousse sont entièrement neufs et les chaises sont parfaitement stables. Les vis de connexion entre le siège et le cadre sont complètes et il n'y a aucune tolérance entre les deux. Il n'y a pas non plus d'anciennes réparations visibles sur le cadre.

Ce siège mural emblématique a été conçu par Dom Hans van der Laan aux Pays-Bas dans les années 1970.Son design minimaliste etaccrocheur est très reconnaissable et constitue l'un des plus beaux exemples du design néerlandais du milieu du siècle dernier. Le siège est en bois, il a une structure en métal et des clous en cuivre. Ce siège de qualité est une véritable pièce de l'histoire du design (néerlandais).Il provient d'un cabinet médical de la ville néerlandaise de Sint-Michielsgestel. Le bâtiment a été conçu dans le style de l'école Bossche par le bureau d'architectes Vermeulen à Veldhoven, aux Pays-Bas. Nous disposons des dessins originaux de l'architecte, ainsi que de photos du cabinet.Il reste en bon état d'origine, avec une usure mineure conforme à l'âge et à l'utilisation, préservant une belle patine.Dom Hans van der Laan, initiateur, architecte, designer. Le moine bénédictin et architecte Hans van der Laan (1904-1991) a peut-être eu une œuvre réduite, mais son héritage est très apprécié dans le monde de l'architecture. Bien qu'il ait conçu trois monastères et une habitation privée, ce n'est qu'à l'âge de 53 ans qu'il a achevé sa première véritable conception, l'abbaye de St Benedictusberg à Vaals dont ce banc est issu. Le bâtiment a immédiatement été acclamé comme son chef-d'œuvre. La plus grande partie de la vie de Van der Laan a toutefois été consacrée à la conceptualisation de la forme, des proportions et de la manière dont les êtres humains perçoivent les espaces architecturaux. Il a également développé la théorie des nombres plastiques.

Ensemble de deux fauteuils Artona en noyer et cuir noir, par Afra & Tobia Scarpa pour Maxalto, Italie 1975. Comme la célèbre chaise Africa, ces chaises longues cubiques du couple de designers italiens Afra et Tobia Scarpa font partie de la même série Artona. Ces chaises témoignent d'un savoir-faire artisanal absolument stupéfiant. Le design est simpliste et cubique. Le travail du bois est un point fort. Le noyer est incrusté de lignes sombres qui donnent l'impression d'être en ébène. Cet effet est particulièrement visible dans le dos incurvé. Les lignes sombres sont magnifiquement visibles et illuminent vraiment le design. Tapissé de cuir noir d'origine. Afra (1937-2011) et Tobia (1935) Scarpa ont tous deux étudié à l'Institut d'architecture de Venise. Tobia a d'abord travaillé pour le fabricant de verre italien Venini. À partir de 1960, le couple a ouvert son propre bureau de design. Leur travail comprend l'architecture et des objets du quotidien comme des meubles et des vêtements. Tobia & Afra ont conçu pour de nombreuses grandes entreprises italiennes et internationales comme Flos, Gavina, B&B Italia, Cassina, Knoll International et de nombreux projets d'intérieur pour de nombreuses entreprises dans le monde entier.

Un bureau de table iconique conçu par Dom Hans van der Laan aux Pays-Bas dans les années 1970.Son design minimaliste et accrocheur est très reconnaissable et constitue l'un des plus beaux exemples du design néerlandais du milieu du siècle dernier. La table est en bois, travaillée dans un style très reconnaissable. Cettepièce de qualité est une véritable découverte de l'histoire du design (néerlandais).Elle provient d'un cabinet médical de la ville néerlandaise de Sint-Michielsgestel. Le bâtiment a été conçu dans le style de l'école Bossche par le bureau d'architectes Vermeulen à Veldhoven, aux Pays-Bas. Nous disposons des dessins originaux de l'architecte, ainsi que de photos du cabinet.Il reste en bon état d'origine, avec une usure mineure conforme à l'âge et à l'utilisation, préservant une belle patine.Dom Hans van der Laan, initiateur, architecte, designer. Le moine bénédictin et architecte Hans van der Laan (1904-1991) a peut-être eu une œuvre réduite, mais son héritage est très apprécié dans le monde de l'architecture. Bien qu'il ait conçu trois monastères et une habitation privée, ce n'est qu'à l'âge de 53 ans qu'il a achevé sa première véritable conception, l'abbaye de St Benedictusberg à Vaals dont ce banc est issu. Le bâtiment a immédiatement été acclamé comme son chef-d'œuvre. La plus grande partie de la vie de Van der Laan a toutefois été consacrée à la conceptualisation de la forme, des proportions et de la manière dont les êtres humains perçoivent les espaces architecturaux. Il a également développé la théorie des nombres plastiques.

Nature morte expressionniste des années 1960 du célèbre peintre suédois Bedgt Delefors, qui a vécu dans les années 1917-1996. Image manuscrite signée dans le coin inférieur gauche. Réalisée en technique à l'huile sur toile. Dans le cadre original.Erik Bengt Torgny Delefors était un peintre suédois. Delefors a étudié à l'école de peinture Art Guild à Borås en 1943-1947, à l'école d'art Valanda en 1948 et avec André Lhote à Paris 1949-1953, à l'Académie de la Grande Chaumière à Paris 1950. Avec George Andersson, il a exposé à la galerie d'art de Borås en 1950. Plus tard dans l'année, il a exposé avec Nini Landgren et Stig Delang dans le Vänersborg, avec Greta Ehrnberg au salon d'art de Lorensberg en 1963, et des collections à la galerie d'art de Liljevalch. Il a eu sa première exposition individuelle en 1951 à la Lilla Galleriet à Stockholm.En 1952, il a reçu une bourse culturelle de l'État français, une bourse culturelle de la ville de Göteborg en 1975, et une bourse de travail de l'État en 1976 et 1980. Son art consiste en une peinture expressive de figures, de natures mortes intenses et d'intérieurs. L'œuvre de Delefors est représentée au Moderna Museum de Szkokcholma, au Gothenburg Art Museum, au Borås Art Museum, au Swedish Art Council. Ses œuvres font également partie de collections privées dans le monde entier.Livraison dans l'UE - 30 eur

Ce canapé modulaire en cuir a été produit par la manufacture allemande Musterring dans les années 1960. Le canapé est entièrement rembourré de cuir naturel brun foncé. Il se compose de cinq modules, dont deux d'angle. Cette configuration offre de nombreuses possibilités d'aménagement intérieur. Cette pièce est extrêmement confortable grâce à ses sièges profonds et à son cuir souple. C'est un produit moderne et de grande classe, dans une forme brutaliste et postmoderne. En raison de sa finition brute, il est parfait pour les espaces industriels. Le meuble est fabriqué avec les meilleurs matériaux, ce qui lui assure durabilité et confort.Dès le début, en 1938, lorsque l'architecte Josef Höner a fondé l'entreprise, il s'agissait d'un anneau de coopération exemplaire - en bref : le but de Musterring était de réunir l'industrie et le commerce en une association de services forte sous une seule marque. Aujourd'hui, Musterring est une marque de décoration intérieure active et connue dans le monde entier, qui s'identifie à ses racines régionales et historiques. Aujourd'hui, quatre-vingts ans plus tard, ce système est toujours considéré comme moderne et orienté vers l'avenir.L'ensemble est dans son état d'origine. Le cuir est recouvert d'une patine naturelle, présente des rayures et une légère décoloration pigmentaire, des marques. Les trois modules font 83 cm de large et 88 cm de profondeur, et les deux modules d'angle font 100 cm de large et 100 cm de profondeur.

R &Y Augousti a été fondée en 1989 par le duo mari-femme Ria et Yiouri Augousti. Leurs parcours artistiques les ont réunis en tant qu'innovateurs dans leur domaine en faisant revivre les techniques artisanales du galuchat et d'autres matériaux exotiques qui étaient prédominantes à l'époque de l'Art Déco dans les années 1930. Grâce à leur mélange de design vintage et contemporain, leur marque de meubles et d'accessoires pour la maison a été saluée dans le monde entier. D'une première collection pour le luxueux Hôtel Crillon à Paris, à des collections exclusives pour des magasins de luxe comme Barneys New York & Bergdorf Goodman, ils ont finalement ouvert leur magasin phare dans la célèbre rue Du Bac dans le 7e arrondissement de Paris, en France. À partir de là, ils ont commencé à travailler en étroite collaboration avec des décorateurs d'intérieur, des architectes et des célébrités de renommée mondiale pour créer des pièces sur mesure pour leurs maisons et leurs projets, tout en respectant l'univers Augousti. Bien que le galuchat soit leur signature ADN, les R&Y Augousti sont connus comme les pionniers des mélanges de motifs de matériaux exotiques de galuchat, de coquillages, de parchemin, de peau d'anguille, de pierres semi-précieuses, de peaux de serpent et de métal. Leurs étonnants motifs sont reconnaissables par leur clientèle mondiale. Ce vase unique en peau de serpent est également très recherché et montre l'étendue de l'environnement de design dans lequel Augousti travaille.

VASE POT COUVERT CUBISTE EN VERRE COLORÉ NOIR AVEC EFFET DE GLACURE GIVREE,TRAVAILLÉ À LA MEULE, SIGNÉ A. RIECKE, DATÉ DE 1930, À LA LUMIERE, LA COULEUR EST VIOLETTE (VOIR PHOTOS)Parfait état, rare pièce.Hauteur 29 cmDiam base 13,5 cmCirconférence 51 cmPoids 1kg895A. Rieke a utilisé différents matériaux pour sublimer ses vases, et a travaillé en collaboration avec plusieurs artistes de son époque. Pièces uniques travail entièrement manuel. Parfait état.A. RIECKE, artiste russe, installé à Paris a été responsable du décor en verrerie Art Déco de 1930 à 1937 du restaurant La Coupole à Paris.Le Restaurant La Coupole est le temple de l’Art Déco. Il naît en 1927 de la volonté de deux Auvergnats, Ernest Fraux et René Lafon. Le soir de l’inauguration, tout le monde des Arts, des Lettres, de la nuit est là : des artistes et leurs modèles, des mondains et des flambeurs.Parmi les premiers artistes et intellectuels à adopter le lieu, on peut citer Jean Cocteau, Foujita, Kisling, Giacometti, Zadkine, Joséphine Baker, Man Ray, Georges Braque ou Brassaï. Louis Aragon et Elsa Triolet s’y rencontrent en 1928. Dans les années 1930, les aficionados du lieu sont Picasso, Simone de Beauvoir et Jean-Paul Sartre, Sonia Delaunay, André Malraux, Jacques Prévert, Marc Chagall, Édith Piaf parmi tant d’autre.

Ce grand léopard en céramique a été fabriqué en Italie dans les années 1970. Il est fabriqué en céramique de haute qualité peinte à la main. Il a l'air très digne et élégant. Cet objet décoratif possède un tampon imprimé sur le dessous avec les mots Made in Italy. Cette figurine s'accorde parfaitement avec le style Régence de Holywood.Les sculptures animalières ont une très longue tradition et remontent à l'époque paléolithique. Au cours des siècles suivants, les artistes ont forgé des formes animales en pierre, en argile collée et en bronze coulé. Ce n'est qu'aux XIXe et XXe siècles que la sculpture animalière a acquis une position indépendante. Avec le développement de l'art des cabinets et des collections, les petites sculptures représentant divers animaux ont gagné en popularité. Les artistes de l'Art nouveau se sont inspirés du monde des animaux à pleines mains, créant aussi bien des sculptures indépendantes que des meubles, des bijoux inspirés des formes des corps des animaux. Dans le style Art déco, les formes complexes des animaux étaient réduites à des formes simples et géométriques qui, associées à des détails et à des matériaux raffinés, donnaient un effet incroyablement décoratif. Le maître de ce type de traitement est François Pompon, dont la figure d'un ours polaire marchant est entrée dans le canon. Les grands artistes d'avant-garde n'ont pas non plus reculé devant les formes animales. Il suffit de citer Pablo Picasso ou Henry Moore.Cette figurine est dans un état vintage original frappé.

Un lit de jour ou un banc conçu par Dom Hans van der Laan aux Pays-Bas dans les années 1970.Son design minimaliste et accrocheur est très reconnaissable et constitue l'un des plus beaux exemples du design néerlandais du milieu du siècle dernier. Le lit de jour est en bois, fabriqué dans un style très reconnaissable. Cette pièce de qualité est un véritable morceau de l'histoire du design (néerlandais). Elle est finie avec des clous en cuivre, ce qui ajoute de la beauté à la pièce.Il provient d'un cabinet médical de la ville néerlandaise de Sint-Michielsgestel. Le bâtiment a été conçu dans le style de l'école Bossche par le bureau d'architectes Vermeulen de Veldhoven, aux Pays-Bas. Nous disposons des dessins originaux de l'architecte, ainsi que de photos du cabinet.Il reste en bon état d'origine, avec une usure mineure conforme à l'âge et à l'utilisation, préservant une belle patine.Dom Hans van der Laan, initiateur, architecte, designer. Le moine bénédictin et architecte Hans van der Laan (1904-1991) a peut-être eu une œuvre réduite, mais son héritage est très apprécié dans le monde de l'architecture. Bien qu'il ait conçu trois monastères et une habitation privée, ce n'est qu'à l'âge de 53 ans qu'il a achevé sa première véritable conception, l'abbaye de St Benedictusberg à Vaals dont ce banc est issu. Le bâtiment a immédiatement été acclamé comme son chef-d'œuvre. La plus grande partie de la vie de Van der Laan a toutefois été consacrée à la conceptualisation de la forme, des proportions et de la manière dont les êtres humains perçoivent les espaces architecturaux. Il a également développé la théorie des nombres plastiques.

marques mineures ith - taches, comme photographié, mais pas de coupures ou de dommages. Ces lampes se vendent ensemble et le prix est pour la paire. L’emballage est offert gratuitement. Nous prenons des soins professionnels spéciaux tout en faisant nos valises. Pour un transport sûr, les nuances seraient enveloppées séparément dans du papier bulle et une couche externe de carte. Ceux-ci seraient empilés ensemble. Les bases seraient également enveloppées séparément dans du papier bulle et une couche externe de carte. Ensemble, ces pièces seraient en boîte, sans danger pour l’affichage ou l’expédition avec un coursier. Dimensions supplémentaires: La hauteur totale de la lampe avec l’abat-jour est de 69 cm. Chaque base seule (sans l’ombre de la lampe) est Hauteur: 47 cm; Largeur: 14,5 cm; Profondeur: 14,5 cm. Chaque ombre de lampe est à elle seule Hauteur: 28,2 cm - Diamètre: 35 cm. BANCI FIRENZE HISTOIRE Banci a été trouvé en 1899, dans le quartier florentin d’Oltrarno. Commençant comme verriers, la compagnie s’est étendue à la restauration des lustres, et plus tard déplacé à la production. Dans les années 1950 et 1960, la production de piècesd’éclairage en cristal Florentine Tole et Murano les a rendues célèbres dans le monde entier. Aujourd’hui Banci Firenze est une destination pour la production de lustres de luxe et des systèmes d’éclairage avec une grande attention aux détails - l’artisanat italien de qualité.

Peter Foeller, Feuerschiff, 1990.Sérigraphie couleur.Numéro EA.Cette œuvre est signée par l'artiste. Elle porte un titre, une date et un numéro individuel.Dimensions de la feuille 10075Dimensions de l'ouvrage 6855. Non encadré.Peter Foeller est né en 1945 et a grandi à Königsbach. Il a étudié à la Hochschule für Gestaltung de Pforzheim et à la Hochschule der Künste Berlin. Depuis lors, ses œuvres ont été exposées dans le monde entier. Il est ainsi l'un des artistes allemands qui a le plus de succès dans le pays. Il n'est pas facile de décrire la langue de travail de Foeller. Les amateurs d'art se disputent également sur la manière de classer ses œuvres avec précision. L'artiste s'oppose à toute tentative de catalogage hâtif et s'oppose au catalogage. Il y a une caractéristique importante dans son travail, un leitmotiv récurrent, que les experts en art décrivent comme des principes synthétiques de création d'ordre et de désordre esthétiques. La devise de vie de Foeller est la formation de paires d'opposés extrêmement opposées pour lesquelles il existe de nombreux noms symboliques : former clairement l'esprit constructif contre la force primaire, l'intellect contre l'émotion, la raison contre le mysticisme, la logique - l'illogisme, la conscience - l'inconscience. Il traite les images comme des opposés, avec une forme géométrique et amorphe, avec des arêtes vives et une nébuleuse nuageuse, avec une solidité et des éclaboussures de liquide, avec une rigidité et une vitalité extraordinaires.État d'origine, marquesmineures. Nous avons également d'autres œuvres de cet auteur, Mondschiff et Intermezzo, disponibles dans d'autres offres.

Cet ensemble brutal de cinq modules formant deux canapés et un fauteuil a été conçu par la manufacture allemande COR dans les années 1960. Les pièces étaient rembourrées avec du cuir naturel de couleur marron. Le cuir a une patine naturelle, des changements de pigment et différentes nuances : du brun clair au brun foncé. Les sièges sont souples et profonds. Au début des années 1960, Friedrich Wilhelm Möller a mis au point le système de rembourrage pionnier Conseta - un nom dérivé du latin consedere, qui signifie s'asseoir ensemble.Le COR a été fondé en 1954 par Helmut Lübke et le Prince Bentheim-Tecklenburg en Rhénanie-du-Nord-Westphalie - au cœur de la région du meuble de l'Est de la Westphalie-Lippe. Lorsque le co-fondateur royal a quitté l'entreprise dans les années 1980, la famille est devenue l'unique propriétaire du COR. Ils ont ainsi fait preuve de clairvoyance, de fiabilité et d'un dévouement à la qualité exceptionnelle, tout en étant fiers de la croissance de l'entreprise. Le nom vient de la région de Rome. COR est le mot latin qui signifie cœur. Il a été choisi parce que les armoiries du co-fondateur royal contenaient trois cœurs. Les gens suivent leur cœur lorsqu'ils meublent leur maison. Conseta est l'un des classiques du canapé dans le monde et n'a pas perdu de sa popularité depuis plus de cinquante ans.L'ensemble est dans son état d'origine. Il présente une patine naturelle, des décolorations, des changements de pigment, des éraflures et des usures mineures. Le siège a une hauteur de 37 cm. La largeur du fauteuil est de 94 cm.

R &Y Augousti a été fondée en 1989 par le duo mari-femme Ria et Yiouri Augousti. Leurs parcours artistiques les ont réunis en tant qu'innovateurs dans leur domaine en faisant revivre les techniques artisanales du galuchat et d'autres matériaux exotiques qui étaient prédominantes à l'époque de l'Art Déco dans les années 1930. Grâce à leur mélange de design vintage et contemporain, leur marque de meubles et d'accessoires pour la maison a été saluée dans le monde entier. D'une première collection pour le luxueux Hôtel Crillon à Paris, à des collections exclusives pour des magasins de luxe comme Barneys New York & Bergdorf Goodman, ils ont finalement ouvert leur magasin phare dans la célèbre rue Du Bac dans le 7e arrondissement de Paris, en France. À partir de là, ils ont commencé à travailler en étroite collaboration avec des décorateurs d'intérieur, des architectes et des célébrités de renommée mondiale pour créer des pièces sur mesure pour leurs maisons et leurs projets, tout en respectant l'univers Augousti. Bien que le galuchat soit leur signature ADN, les R&Y Augousti sont connus comme les pionniers des mélanges de motifs de matériaux exotiques de galuchat, de coquillages, de parchemin, de peau d'anguille, de pierres semi-précieuses, de peaux de serpent et de métal. Leurs étonnants motifs sont reconnaissables par leur clientèle mondiale. Cette table d'appoint unique en coquille de noix de coco naturelle au fini craquelé, aux couleurs organiques variées et au plateau en verre est en bon état, ce qui correspond à son âge et à son utilisation.

Peter Foeller, Intermezzo, 1990.Sérigraphie couleur.Numéro 91130.Cette œuvre est signée par l'artiste. Elle porte un titre, une date et un numéro individuel.Dimensions de la feuille 10075Dimensions de l'œuvre 7355. Non encadré.Peter Foeller est né en 1945 et a grandi à Königsbach. Il a étudié à la Hochschule für Gestaltung de Pforzheim et à la Hochschule der Künste Berlin. Depuis lors, ses œuvres ont été exposées dans le monde entier. Il est ainsi l'un des artistes allemands qui a le plus de succès dans le pays. Il n'est pas facile de décrire la langue de travail de Foeller. Les amateurs d'art se disputent également sur la manière de classer ses œuvres avec précision. L'artiste s'oppose à toute tentative de catalogage hâtif et s'oppose au catalogage. Il y a une caractéristique importante dans son travail, un leitmotiv récurrent, que les experts en art décrivent comme des principes synthétiques de création d'ordre et de désordre esthétiques. La devise de vie de Foeller est la formation de paires d'opposés extrêmement opposées pour lesquelles il existe de nombreux noms symboliques : former clairement l'esprit constructif contre la force primaire, l'intellect contre l'émotion, la raison contre le mysticisme, la logique - l'illogisme, la conscience - l'inconscience. Il traite les images comme des opposés, avec une forme géométrique et amorphe, avec des arêtes vives et une nébuleuse nuageuse, avec une solidité et des éclaboussures de liquide, avec une rigidité et une vitalité extraordinaires.État d'origine, marques mineures. Nous avons également d'autres œuvres de cet auteur, Mondschiff et Feuerschiff, disponibles dans d'autres offres.

Une table de travail rare conçue par Dom Hans van der Laan aux Pays-Bas dans les années 1970.Son design accrocheur et minimaliste est très reconnaissable et le style de l'école Bossche, dans lequel elle a été conçue, fait partie de l'histoire du design néerlandais du milieu du siècle. La table est en bois, fabriquée dans un style très reconnaissable. Son plateau est en bois stratifié vert et sa finition est assurée par des clous en cuivre, ce qui lui confère un style fantastique.Elle provient d'un cabinet médical de la ville néerlandaise de Sint-Michielsgestel. Le bâtiment a été conçu dans le style de l'école Bossche par le bureau d'architectes Vermeulen à Veldhoven, aux Pays-Bas. Nous disposons des dessins originaux de l'architecte, ainsi que de photos du cabinet.Il reste en bon état d'origine, avec une usure mineure conforme à l'âge et à l'utilisation, préservant une belle patine.Dom Hans van der Laan, initiateur, architecte, designer. Le moine bénédictin et architecte Hans van der Laan (1904-1991) a peut-être eu une œuvre réduite, mais son héritage est très apprécié dans le monde de l'architecture. Bien qu'il ait conçu trois monastères et une habitation privée, ce n'est qu'à l'âge de 53 ans qu'il a achevé sa première véritable conception, l'abbaye de St Benedictusberg à Vaals dont ce banc est issu. Le bâtiment a immédiatement été acclamé comme son chef-d'œuvre. La plus grande partie de la vie de Van der Laan a toutefois été consacrée à la conceptualisation de la forme, des proportions et de la manière dont les êtres humains perçoivent les espaces architecturaux. Il a également développé la théorie des nombres plastiques

Peter Foeller, Mondschiff, 1990.Sérigraphie couleur.Numéro 100100.Cette œuvre est signée par l'artiste. Elle porte un titre, une date et un numéro individuel.Dimensions de la feuille 9570.Dimensions de l'œuvre 6155. Non encadrée.Peter Foeller est né en 1945 et a grandi à Königsbach. Il a étudié à la Hochschule für Gestaltung de Pforzheim et à la Hochschule der Künste Berlin. Depuis lors, ses œuvres ont été exposées dans le monde entier. Il est ainsi l'un des artistes allemands qui a le plus de succès dans le pays. Il n'est pas facile de décrire la langue de travail de Foeller. Les amateurs d'art se disputent également sur la manière de classer ses œuvres avec précision. L'artiste s'oppose à toute tentative de catalogage hâtif et s'oppose au catalogage. Il y a une caractéristique importante dans son travail, un leitmotiv récurrent, que les experts en art décrivent comme des principes synthétiques de création d'ordre et de désordre esthétiques. La devise de vie de Foeller est la formation de paires d'opposés extrêmement opposées pour lesquelles il existe de nombreux noms symboliques : former clairement l'esprit constructif contre la force primaire, l'intellect contre l'émotion, la raison contre le mysticisme, la logique - l'illogisme, la conscience - l'inconscience. Il traite les images comme des opposés, avec une forme géométrique et amorphe, avec des arêtes vives et une nébuleuse nuageuse, avec une solidité et des éclaboussures de liquide,avec une rigidité et une vitalité extraordinaires.État d'origine, marques mineures. Nous avons également d'autres œuvres de cet auteur, Feuerschiff et Intermezzo, disponibles dans d'autres offres.

Une table à manger 778 conçue par Afra & Tobia Scarpa en 1965 et produite en Italie par Cassina. Ce modèle est un exemple de l'utilisation de planches de bois massif disposées pour former un cadre en forme de C. La table, dont le plateau s'ouvre, est supportée par quatre tréteaux, dont deux sont quelques centimètres plus bas que les autres afin que le plateau puisse reposer sur eux lorsque la table est fermée. Le confinement est résolu sur les deux côtés restants par les tréteaux plus grands qui dissimulent complètement la double épaisseur du plateau. Grâce à cette solution structurelle, le renforcement nécessaire du pied est assuré par la configuration en L des planches.L'extension de la table se fait en soulevant une moitié du plateau articulé et en faisant glisser la moitié inférieure horizontalement.Ce mouvement est rendu possible par deux rails métalliques qui guident de petites roues en nylon fixées au plateau.Afra (1937-2011) & Tobia (1935-) Scarpa ont tous deux étudié à l'Institut d'architecture de Venise. Tobia a d'abord travaillé pour le fabricant de verre italien Venini. À partir de 1960, le couple a ouvert son propre bureau de design. Leur travail porte sur l'architecture et les objets de la vie quotidienne comme les meubles et les vêtements. Tobia & Afra ont conçu des projets pour de nombreuses grandes entreprises italiennes et internationales comme Flos, Gavina, B&B Italia, Cassina, Knoll International et de nombreux projets d'intérieur pour de nombreuses entreprises dans le monde entier.Dimensions : l 75 130 cm x p 130 250 cm x h 73 75 cm l 29,5 51,2 in. x p 51,2 98,4 in. x h 28,7 29,5 in.Excellent état de conservation.

Ce vase en verre de la série Contrast Vase a été conçu par Anna Ehrner pour la verrerie suédoise Kosta Boda dans les années 1980. Le vase est fabriqué en verre épais et lourd de haute qualité. Grâce à la décoration appliquée à la main, faite de lignes calligraphiques tourbillonnantes et contrastées, chaque Contrast Vase est une œuvre d'art exceptionnelle. Riche en détails et fortement expressif dans son motif, il sera parfait pour de nombreux arrangements.Anna Ehrner est née en 1948 à Danderyd. Elle est une designer et artiste verrier suédoise. Elle a également travaillé comme professeur à Konstfack. Ehrner est une styliste expérimentale et frugale avec un langage de design simple mais puissant et la capacité d'obtenir des couleurs brillantes lorsqu'elles sont utilisées peu fréquemment. Les lignes tourbillonnantes colorées à l'intérieur de la masse de verre sont devenues la spécialité d'Ehrner, de même que le verre frisé des séries Basket et Energy.Kosta Boda est un design innovant avec une approche individuelle. Fondée en 1742, la verrerie est la plus ancienne de Suède et continue à produire du verre intemporel et de haute qualité. Kosta Boda a conservé son charme historique et ses méthodes de production traditionnelles, tout en développant des techniquesmodernes qui élargissent les possibilités d'expression des designers. En créant un verre qui continue de ravir le monde d'aujourd'hui et la prochaine génération. En 1976, le nom de la société a été changé en Kosta Boda AB. Kosta Boda fait partie d'Orrefors Kosta Boda AB depuis 1989.Ce vase est dans un état vintage original.

Un bureau vraiment rare et magnifique de la fin des années 1940, construit en acier poli et en érable Tiger Stripe, attribué à Florence Knoll et portant l'inscription 01 FK.Le plus ancien des bureaux de FK qui est entré dans le courant principal était le bureau en bois modèle 17 avec des tiroirs à louvre qui a été construit en érable. Au début des années 1950, l'unité de planification de FK a entrepris un projet pour IBM visant à créer une toute nouvelle série de bureaux pouvant être configurés de différentes manières et reposant sur une structure de support métallique qui était soit chromée soit revêtue d'oxyde noir. Cette conception a été répétée à de nombreuses reprises au fil des ans sous différents numéros de modèle. Cependant, dans la plupart des cas, les modèles comportaient un tiroir ou un meuble suspendu (ou flottant) qui était fixé au cadre sur le côté et également fixé à la partie inférieure du plateau.Ce bureau est donc un hybride du modèle 17 original des années 1940, avec des tiroirs à persiennes, et des modèles à structure métallique des années 1950, qui ont commencé avec le contrat IBM et sont devenus les bureaux Knoll classiques que tout le monde reconnaît. En d'autres termes, c'est le chaînon manquant entre les deux. Mais c'est bien plus que cela...Tout d'abord, il est produit en érable à rayures tigrées, également connu sous le nom d'érable frisé ou de violon qui crée un motif chatoyant (profondeur de l'œil de chat souvent associée aux pierres précieuses), produisant des lignes ondulées connues sous le nom de flammes

Marcel Genay, Cosmo Chimera sur VisbyLithographie sur papier JohannotLe nombre 330Cette œuvre est signée par l'artiste. Elle porte un numéro individuel (crayon)Dimensions de la feuille 3855Travail non encadréMarcel Genay est né en France en 1928. Il a vécu à Biarritz jusqu'à sa mort en 1993. Il a beaucoup voyagé et son travail est exposé dans des galeries du monde entier. Il s'est rendu à de nombreuses reprises en Suède, où il a régulièrement organisé des expositions, ce qui a apporté richesse et nostalgie romantique à ses compositions. Marcel Genay a illustré une collection du célèbre poète Louis Guillaume, de nombreux documentaires télévisés, des articles de journaux nationaux et régionaux, un article dans la revue de science-fiction Horizon du Fantastique. Les poèmes de Marcel Genay ont inspiré de nombreux artistes. L'un de ses poèmes a été sélectionné pour figurer dans l'Anthologie des poètes contemporains. Aujourd'hui, ses œuvres font partie de nombreuses collections privées et de galeries.Le travail a été réalisé sur du papier Arches Johannot. Il s'agit d'un produit haut de gamme composé de 75 cotons et de 25 alfa méditerranéens. Grâce à des méthodes de production traditionnelles, utilisant une machine à papier cylindrique, les feuilles ont une texture naturelle et harmonieuse, semblable à celle du papier fait à la main. Grâce à cette technique, les fibres sont réparties de façon homogène et le papier est plus stable et plus résistant à la déformation. La stabilité dimensionnelle leur permet de s'étirer uniformément après le trempage. Chaque feuille comporte un filigrane pour garantir l'authenticité du produit.État d'origine, marques mineures.

Cabinet moderne du milieu du siècle en palissandre Ico Parisi Un spectaculaire trumeau sur mesure conçu par Ico Parisi et très probablement produit par Ariberto Colombo, sur commande spéciale uniquement. Très peu de pièces ont été réalisées, suivant les spécifications spécifiques du client. C'est la seule pièce certifiée en vente dans le monde entier. Le trumeau a 4 grands tiroirs et 6 petits tiroirs. Il est accompagné d'un certificat d'authenticité délivré par l'Archivio del Design di Ico Parisi. Signé par Roberta Lietti, conservateur des Archives Ico Parisi. De plus, l'armoire sera expédiée outre-mer dans une caisse en bois faite sur mesure. Domenico Ico Parisi (1916, Palerme-1996, Côme) était un architecte et designer italien. Parisi est l'un des plus importants créateurs de style du design italien de meubles des années 1950. Ami proche de Gio Ponti, il est sans doute l'un des protagonistes qui a déterminé le style de l'époque. Il se définit comme un artiste de la Renaissance, qui s'intéresse à toutes les formes d'art. Il ne voulait pas être étiqueté seulement comme un architecte, ou un designer industriel, un peintre, un photographe ou un artiste d'installation, bien qu'il ait poursuivi toutes ces activités pendant ses plus de cinquante ans de vie créative. Ico Parisi a vécu presque toute sa vie à Côme, en Italie, où son père travaillait comme professeur d'art. Ico Parisi a conçu de nombreux intérieurs, des meubles (principalement en bois et en métal), du verre et des bijoux. Il a également travaillé sur des projets d'architecture, à la fois de façon indépendante et avec sa femme, Luisa. Leur studio était un lieu de rencontre pour les collaborations entre les artistes établis et les designers de l'époque. Parmi ses clients, on compte Singer & Sons, Altamira, m.i.m., Longhi et Cassina.

Ce canapé trois places a été conçu par le designer danois Johannes Andersen pour le fabricant suédois Trensum en 1958. Ce modèle est issu de la prestigieuse série Capri. Le cadre de ce canapé moderniste a une forme de boomerang, avec des coussins d'assise amples. Cette pièce a été revêtue d'un tissu en velours de la meilleure qualité, de couleur vert bouteille. La base est constituée de pieds chromés, minimalistes et en forme de T. La forme géométrique dans le style de l'ère spatiale distingue ce canapé des autres. C'est un design élégant et intéressant qui impressionne de tous les côtés. Le canapé possède une large assise, conçue pour que le confort de repos soit le plus élevé possible. Peut-être le design le plus célèbre d'Andersen et actuellement le plus recherché, il présente tous les éléments pour lesquels il était connu : une forme vraiment distinctive, des courbes frappantes et des bords coupés qui adoucissent le design en présentant une approche plus organique de la forme. Ce canapé est une icône du design.Johannes Andersen est né en 1903. Il est l'un des plus célèbres designers danois du 20e siècle. Il a fait un apprentissage d'ébéniste et a été certifié en 1922. Au milieu des années 1930, lorsque le design moderne danois a gagné en popularité au-delà du Danemark, il a ouvert son propre atelier. Avec succès dès le début, il a rapidement développé son style, influencé par les tendances danoises et l'éthique scandinave. Il a continué à travailler avec d'autres maisons de design, notamment CFC Silkeborg au Danemark et Trensum en Suède. Il est mort en 1991, mais son nom est immortel car il est connu dans le monde entier pour sa façon de jouer avec les formes.Ce canapé est en très bon état vintage, il a été entièrement restauré et retapissé. L'assise mesure 38 cm de haut.

Cet ensemble de deux canapés en cuir Conseta a été conçu par Friedrich Wilhelm Möller et fabriqué en Allemagne par COR à la fin du XXe siècle. Au début des années 1960, Friedrich Wilhelm Möller a mis au point un système pionnier de meubles rembourrés. Conseta - un nom dérivé du latin consedere, qui signifie s'asseoir ensemble. Il était et continue d'être la symbiose parfaite d'un système holistique. Au fil des décennies, Conseta s'est développé tranquillement mais avec force pour devenir un best-seller international et un classique du design. L'intemporalité et en même temps la modernité. Cette pièce était recouverte de cuir noir patiné naturellement. Elle est dotée de coussins amovibles et d'accoudoirs carrés rembourrés.Le COR a été fondé en 1954 par Helmut Lübke et le Prince Bentheim-Tecklenburg en Rhénanie-du-Nord-Westphalie - au cœur de la région du meuble de l'Est de la Westphalie-Lippe. Lorsque le co-fondateur royal a quitté l'entreprise dans les années 1980, la famille est devenue l'unique propriétaire du COR. Ils ont ainsi fait preuve de clairvoyance, de fiabilité et d'un dévouement à la qualité exceptionnelle, tout en étant fiers de la croissance de l'entreprise. Le nom vient de la région de Rome. COR est le mot latin qui signifie cœur. Il a été choisi parce que les armoiries du co-fondateur royal contenaient trois cœurs. Les gens suivent leur cœur lorsqu'ils meublent leur maison. Conseta estl'un des classiques des canapés dans le monde et n'a pas perdu de sa popularité depuis plus de cinquante ans.Les canapés sont dans leur état d'origine, avec des traces d'âge, des éraflures mineures, des déformations et une patine naturelle. Le siège est à une hauteur de 39 cm.

Une chaise longue facile et attrayante conçue par Osvaldo Borsani, fabriquée par Tecno en Italie vers 1960.Cette belle chaise a un style fantastique : le cadre est fait de métal laqué noir rectangulaire, combiné aux coussins carrés, ce qui crée une apparence très moderne. Les accoudoirs en bois brun foncé, de forme incurvée, forment un joli contraste. Cela donne au style moderne une belle touche d'élégance. Les coussins sont nouvellement rembourrés dans un beau tissu bleu sarcelle, qui s'harmonise parfaitement avec le reste du design.Il reste en très bon état, d'époque, avec une usure mineure correspondant à l'âge et à l'utilisation, préservant une belle patine. Hauteur d'assise 35cm.Osvaldo Borsani (1911-1985) Né à Varedo, près de Milan, en Italie. Il a étudié l'architecture au Politecnico di Milano. Après avoir obtenu son diplôme, il rejoint l'entreprise familiale, l'Atelier Varedo, en tant que designer de meubles. En 1953, il s'associe avec son collègue designer Fulgencio pour former une nouvelle société appelée Tecno, qui devient célèbre pour son approche technologique de la conception de meubles basée sur la recherche. L'organisation Tecno est devenue l'une des entreprises de design les plus influentes d'Europe, car elle a développé des approches nouvelles et innovantes pour les bâtiments et les bureaux municipaux. Osvaldo a été l'unique designer de la société pendant plus de 30 ans, jusqu'à ce que, dans les années 1980, d'autres designers comme Gae Aulenti, Norman Foster et d'autres commencent à apporter leur contribution à la société. Les créations de Borsani ont été célébrées et exposées dans des musées et des galeries du monde entier. En 1961, il a reçu le prestigieux Premio Compasso d'Oro en hommage à l'ensemble de ses réalisations.

Rare Jean Gillon pour la chaise longue Probel avec ottoman, en bois d'Imbuia et cuir brésilien.Jean Gillon (1919-2007), né en Roumanie et naturalisé au Brésil, était un créateur complexe : architecte, designer et plasticien. Bien que ses premiers travaux au Brésil aient porté sur l'architecture, Gillon s'est tourné vers la conception de meubles en 1961, lorsqu'il a fondé la Fábrica de Móveis Cidam, le nom original de ce qui allait devenir Italma WoodArt. En 1964, l'attention de Gillon s'est tournée vers le monde et il a commencé à s'étendre sur le marché international, en exportant ses produits dans vingt-deux pays différents. Il a collaboré avec MTM - Indústria de Móveis Village, Italma et Probel, qui ont produit ses dessins.L'Imbuia ou noyer brésilien est un arbre exotique qui pousse naturellement dans les forêts subtropicales montagnardes Araucaria angustifolia du sud du Brésil et qui est utilisé pour des meubles haut de gamme très appréciés en raison de sa beauté mais aussi pour sa haute densité, étant classé comme bois dur.La chaise longue et l'ottoman sont tous deux en bon état, sans taches ni déchirures sur le cuir ou la structure en bois, seulement avec des signes normaux d'utilisation dus à l'âge et avec une belle patine du temps. Une chaise longue très confortable qui attirera facilement l'attention du spectateur, s'adaptant à tout intérieur, qu'il soit classique ou moderne. Labellisé Probel, fabriqué au Brésil.Mesures (HxLxP) : Chaise : 99x73x90 cm, Pouf : 37x61x51 cm.La couleur des objets peut varier légèrement en fonction des sources d'éclairage photographiques ou desréglages de votre écran. Si vous avez besoin d'informations complémentaires, n'hésitez pas à nous contacter.

Ce vase transparent a été conçu par Sven Palmquist pour la verrerie suédoise Orrefors dans les années 1950. Le vase est fait de verre d'art.Sven Palmquist est né en 1906 à Lenhovda, en Suède. Il est surtout connu pour sa collaboration avec la verrerie Orrefors, pour laquelle il a créé une série de bols Fuga. Palmqvist a exercé le métier de graveur chez Orrefors. Il a obtenu son diplôme en 1931 avec une spécialisation en gravure, puis a étudié à Stockholm au Konstfack (Collège universitaire des arts, de l'artisanat et du design) et à l'Académie royale suédoise des beaux-arts. L'illustre carrière de Palmqvist chez Orrefors s'est étendue sur plus de quatre décennies. Ce designer polyvalent a également créé des sculptures en verre que l'on peut voir dans des églises, dans l'entrée de la SVT à Stockholm et dans des bureaux à Dubaï. Les créations de M. Palmqvist sont exposées dans le musée saisonnier Orrefors, qui a ouvert ses portes sur le site d'une ancienne usine. On se souvient de lui comme d'un fondateur important du design du verre scandinave au XXe siècle.La verrerie suédoise Orrefors tire son nom du village forestier de Småland où elle a été fondée. Au XXe siècle, le nom d'Orrefors est devenu synonyme de verre suédois parfait. La réputation d'Orrefors s'est répandue dans le monde entier au milieu des années 20, d'abord grâce à la présentation d'Orrefors à l'exposition de Göteborg en 1923, puis grâce à la participation à l'exposition révolutionnaire de l'Exposition internationale des arts décoratifs à Paris en 1925, où Orrefors et les artistes eux-mêmes ont reçu le Grand Prix. La société s'est développée et a élargi ses lignes de produits. Actuellement, l'entreprise opère sous le nom d'Orrefors Kosta Boda AB et constitue le plus grand groupe de verreries de Scandinavie. Elle développe, produit et distribue une large gamme d'objets en verre utilitaires et artistiques pourun usage privé et public.Ce vase est dans un état vintage original.

Superbe et élégante paire de fauteuils à accoudoirs en cuir pleine fleur Straccio Ivory retapés, conçus par De Pas, D'Urbino et Lomazzi pour Zanotta en 1968.Plutôt que de s'user, le cuir pleine fleur se patine au cours de sa vie utile. Il est généralement considéré comme un cuir de la plus haute qualité. Les meubles et les chaussures sont souvent fabriqués en cuir pleine fleur. La couleur correcte de ces chaises longues Ivory est visible sur les images 2 - 4 -7 - 10 et 12. La hauteur d'assise est de 38 cm.Ces beautés seront expédiées assurées à l'étranger dans une caisse en bois fabriquée sur mesure. Le coût du transport est inclus dans la caisse.Les designers sont nés à Milan dans les années 1930. Depuis 1966, ils sont partenaires dans la conception de l'architecture, des objets, des installations et du mobilier, ainsi que de l'urbanisme. Au cours des années 1960, ils se sont surtout concentrés sur le mobilier et les bâtiments temporaires présentant des signes, des matériaux et des technologies industrielles d'avant-garde. Ils ont conçu et construit plusieurs maisons gonflables pour le pavillon italien à l'exposition universelle d'Osaka et à la 14e Triennale de Milan.En 1972, ils ont participé à l'exposition Italie : The New Domestic Landscape au M.o.M.A. de New York. En même temps, ils ont testé, à travers une série d'installations, des créations à la limite entre l'architecture et le design, notamment des installations pour l'exposition Italienische Möbel Design 195080 à Cologne.En 1979, ils ont reçu le prix Compasso d'Oro. Leurs œuvres appartiennent aux plus grands musées du monde. Leur production est décrite dans les histoires du design italien et dans les principales publications internationales de ce domaine. Outre l'activité de design, ils ont également apporté une contribution théorique par l'intermédiaire de l'Association du design industriel. Ils ont commencé leur collaboration avec Zanotta en 1966. M. De Pas est décédé en 1991.

Bol Ultima Thule conçu par Tapio Wirkkala pour la société finlandaise Iittala. Le célèbre motif en verre a été inspiré par la beauté de la Finlande. Le verre finlandais classique a établi son statut d'icône lorsque Finnair a commencé à l'utiliser en première classe. Un article en verre au plomb, décoré de gouttes caractéristiques. Une fusion dynamique de l'art et de la fonction. Les plats sont fabriqués dans des formes en bois, de sorte que les éléments de la collection diffèrent dans leur texture, qui change au cours du processus de cuisson. L'objet est en très bon état et présente peu de signes d'utilisation.La collection Ultima Thule propose une large gamme d'articles de table à la fois fonctionnels et décoratifs. La vaisselle peut être lavée dans un lave-vaisselle.Dimensions :hauteur 7 cm diamètre 21 cm diamètre de la base 20 cmDimensions en pouces :hauteur 2,8 en diamètre 7,3 en diamètre de base 7,9 enLe développement de la marque Iittala dans les années 1930 et 1940 a été mené par des pionniers tels qu'Alvar Aalto, Aino Aalto et Kaj Franck, et c'est également à cette époque que l'on a assisté à une percée dans les premiers stades du modernisme et du fonctionnalisme. On croyait que les objets devaient toujours être conçus avec réflexion et disponibles pour tous. L'idée principale d'Iittala est de proposer des produits esthétiquement et fonctionnellement durables qui apportent joie et plaisir dans la vie quotidienne, que ce soit pour manger, créer une ambiance ou stocker de petits objets à la maison. Les objets Iittala sont conçus pour être combinés avec différents projets dans différentes séries ainsi qu'avec l'environnement domestique existant. Les fabricants de marques estiment que les gens ont le droit de s'attendre à ce que le design qu'ils achètent dure toute une vie. Le monde est de plus en plus conscient de la valeur du design à long terme. Iittala est convaincu que la qualité ne se démode jamais.

Cette cruche à vide a été conçue par Erik Magnussen pour la manufacture danoise Stelton en 1976. Elle est cataloguée sous le nom de EM77. Il est une icône du design primé depuis 1977 et est constamment l'un des best-sellers de Stelton. C'est l'une des conceptions les plus vendues de l'histoire de la société. L'EM77 a une forme cylindrique brevetée avec un couvercle à charnière qui permet de verser d'une seule main. En plus du bouchon à bascule, il possède un bouchon à bascule unique. Le pichet Kelton s'ouvre automatiquement lorsqu'il est incliné et le couvercle se referme après avoir été rangé. La cruche est dans la couleur rare du café au lait.Erik Magnussen est né en 1940 à Copenhague. Il est diplômé de l'école des arts appliqués et du design où il a obtenu un diplôme avec une médaille d'argent. Il a travaillé pendant de nombreuses années pour Bing & Grøndahl, et son travail récent comprend des projets pour des marques telles que Fritz Hansen, Franz Schneider Brakel, Royal Selangor, Licht & Form et Paustian. Les créations d'Erik Magnussen sont exposées dans des musées du monde entier. Il a reçu le prix Lunning en 1967, et dix ans plus tard le 1er prix du mobilier. En 1983, il a été nommé designer de l'année par le Conseil danois du design, et ses produits ont reçu à plusieurs reprises le prix ID de la Société danoise de design industriel. Erik Magnussen a reçu la médaille Bindesbøll en 1996 et a reçu des bourses du Fonds Ole Haslund, du Fonds anniversaire du Jueweller royal A. Michelsen et du Fonds commémoratif Knud V. Engelhardt. En 1997, Erik Magnussen a reçu le prix Red Dot lors du concours Design Innovations 1997 organisé par le Design Zentrum Nordrhein-Westfalen et a remporté le Good Design Gold Prize décerné par l'Organisation japonaise de promotion du design industriel.La cruche est dans un état vintage original. Entièrement fonctionnelle, elle garde la chaleur pendant de nombreuses heures. Elle présente des signes normaux d'utilisation. La capacité est de 1 litre.

Œuvre d'art expressionniste signée (lithographie couleur) par le peintre et graphiste suédois de la vente aux enchères Bengt Olson ( Olsson). Œuvre de l'artiste réalisée dans les années 1960. La lithographie est signée à la main et numérotée par l'auteur dans la partie inférieure du tableau. Dans un cadre d'époque original. Conservée en bon étatBengt Olson (Olsson), né le 22 juin 1930 à Kristinehamn, est un peintre, graphiste et sculpteur suédois qui a vécu et travaillé à Paris la majeure partie de sa vie. Il est marié à Christiane Fulconis, qu'il a rencontrée à Paris lorsqu'il s'y est installé et a commencé son grand travail dans la ville.Fils d'Allan Olson et d'Elin Maria Johnsson. Bengt Olson a grandi à Kristinehamn avec des parents qui s'intéressaient à l'art et, dès son enfance, il a commencé à subvenir à ses besoins en peignant à partir de l'âge de 15 ans. Il a étudié à l'école d'art de Valand à Göteborg de 1948 à 1952 avec, entre autres, Endre Nemes . Après avoir obtenu son diplôme, il s'est rendu en France pour poursuivre sa formation avec Fernand Léger en 1953.Bengt maîtrise tous les matériaux et techniques tels que l'huile, le pastel, l'aquarelle, le sablage et le glaçage. On y voit de tout, des peintures aux énormes sculptures, et un intérêt brûlant pour l'architecture où la ville et la nature doivent interagir avec l'art.Il s'installe en France en 1960. À l'automne 1964, il entre en contact avec Carl Nesjar en France, qui a travaillé avec les sculptures de Pablo Picasso, et ils obtiennent la permission de Picasso en 1964 de mettre à l'échelle une maquette de sa série de sculptures Lesdames de Mougins pour la placer sur les rives du lac Vänern à Vålöviken à sept kilomètres de Kristinehamn. Elle est devenue la Jaqueline de 15 mètres de haut en béton sablé, la plus grande sculpture de Picasso au monde. 2Bengt a depuis travaillé lui-même avec la technologie du béton sablé à Paris. Il a également utilisé des carreaux de faïence de pointe.Il a eu l'honneur d'ériger neuf des plus grandes œuvres monumentales de Paris dans les années 60 et 70.

Armoire Art déco peinte à la main dans le style de Kandinsky, BelgiqueIl y a une véritable histoire de l'art à raconter à travers cette pièce.À l'époque de son espace artistique d'avant-garde, Peers a peint ce meuble de rangement à la manière de Kandinsky pour pouvoir rembourser un fournisseur. Une pratique bien connue et fréquemment utilisée dans le monde des artistes émergents.En 1981, Annie Gentils a ouvert l'espace d'exposition Montevideo avec son petit ami de l'époque, Stan Peers, dans le port d'Anvers. Montevideo était situé dans un entrepôt vacant du même nom, emprunté à la capitale de l'Uruguay. Il s'agissait de l'un des quinze entrepôts portuaires de la South America Line, construits en 1895 au Kattendijkdok. Ces entrepôts ne répondaient plus aux normes de récupération des navires et étaient inoccupés depuis les années 1950. L'entrepôt de Montevideo avait une superficie de 2000 mètres carrés et une structure symétrique avec trois portes de chaque côté, des piliers en acier, des murs en bois et un sol en pavés.Avec Montevideo, Gentils et Peers a voulu répondre au besoin des jeunes artistes de disposer de scènes pour leur travail. L'objectif des initiateurs était de créer un point de rencontre pour les activités artistiques expérimentales nationales et internationales, un lieu dynamique où les artistes pourraient exposer sans avoir à se plier à toutes sortes de normes de sélection. Avec leur espace d'exposition, Gentils and Peers ne s'opposaient pas du tout aux musées ou galeries existants, mais voulaient être un point de contact et promouvoir le flux vers les institutions artistiques officielles. De 1981 à 1985, ils ont présenté un large éventail d'expositions et de performances, en plus des défilés de mode, des concerts, de la danse, du théâtre et du cinéma.Wassily Kandinsky était un peintre et graveur franco-russe. Son style de peinture appartenait initialement à l'expressionnisme, parfois aussi appelé symbolisme. Kandinsky est l'un des peintres qui ont donné une forme et un fondement philosophique à l'art abstrait dans le premier quart du vingtième siècle.

Chaise shaker Elder, une paire, cadre en érable avec sièges tissés, 2003 anglais. Ces chaises ont été nettoyées en douceur tout en respectant la patine vintage et sont prêtes à l’emploi. La conception de cette chaise est basée sur l’antique chaise arrière de l’échelle ShakerElder. Cette paire a été faite en 2003 par 'Shaker of Malvern, UK', et vendue à Londres par 'Shaker Limited'. L’étiquette originale est présente sous chaque siège. La 'Shaker of Malvern' Company est liée aux 'Shaker Workshops' dans le Massachusetts, Etats-Unis. Le mobilier Shaker est admiré dans le monde entier pour sa simplicité, sa menuiserie innovante, sa qualité et sa fonctionnalité. Il exprime magnifiquement l’harmonie et l’ordre que les Shakers cherchaient dans tous les aspects de leur vie. Ses lignes nettes et nettes, sa force et sa légèreté singulière rendent ces chaises adaptées aux intérieurs modernes et traditionnels. Les principes sous-jacents du design Shaker ont inspiré certains des meilleurs designers du mobilier moderne. Par exemple, les chaises arrière de l’échelle Shaker ont profondément influencé le travail des designers danois d’après-guerre. Avec ses proportions généreuses et ses lignes seigneurieuses, ce fauteuil Shaker classique est exceptionnellement confortable. Les finesiales minces sur les poteaux arrière et les virages « champignon » sur les accoudoirs sont copiés en détail de la chaise Shaker antique. Le premier original américain a été fait à la communauté mt. Liban New York Shaker dans les années 1860. Le cadre est l’érable dur avec une finition d’huile et de cire à la main, un vernis séculaire connu des fabricants de meubles Shaker eux-mêmes. Le fabricant a utilisé un mélange fabriqué par l’huile Odies qui est une huile et une cire entièrement naturelles qui n’est pas toxique à la fois dans l’utilisation et la finition. Il durcit et atteint un lustre encore plus grand au fil du temps et est très résistant aux taches et à l’humidité. Le siège tissé est dans le ruban de chaise en couleur redrust indien dans un motif de damier. Chaque chaise a le timbre du fabricant d’origine à l’intérieur d’une jambe telle qu’elle est photographiée. Ces chaises se vendent ensemble, et le prix est pour la paire. Les deux chaises sont en très bon millésime c

Ensemble de quatre chaises à manger restaurées en chêne avec dossier réglable par Kai Kristiansen pour Schous Møbelfabrik.Les chaises ont le design léger etélégant typique de Kai Kristiansens qui leur permet de s'intégrer facilement là où vous le souhaitez dans votre maison. Ce design est si unique que son collègue, le célèbre designer Hans J. Wegner, a qualifié le modèle 42 de beau sous tous les angles lorsque la chaise a été dévoilée en 1956.Les chaises ont été restaurées et refaites par notre ébéniste afin de s'assurer qu'elles sont en très bon état et ne présentent que des signes minimes de vieillissement et d'utilisation. Elles seront rembourrées sans frais supplémentaires dans le tissu Kvadrat de votre choix ou, moyennant un petit supplément, dans le cuir de Sorensen Leather avant d'être expédiées.Kai Kristiansen a été l'un des derniers élèves du célèbre architecte Kaare Klint qui a fondé le design moderne danois et a jeté les bases du style Danish Modern. Dans les années 1958-1978, Kristiansen a travaillé dans son entreprise à Aarhus, qu'il possédait conjointement avec le fabricant de meubles Illum Wikkelsø (1919-1999).Les œuvres de Kristiansens ont répondu à leur demande la plus intense pendant quelques décennies à partir de 1950, puis leur production a été arrêtée. Cependant, plusieurs d'entre elles sont maintenant produites à nouveau par le fabricant de meubles japonais Miyazaki Chair Mill à Tokushima. Un producteur australien a également inclus la production de Kristiansen dans son portefeuille. Kai Kristiansen aurait pu être à l'origine de la production en série de meubles, s'il avait accepté une offre du fondateur d'Ikea, Ingvar Kamprad. Il a refusé de s'inscrire dans le personnel d'Ikea.Les expositions de Kristiansen comprennent de nombreuses participations à des salons du meuble et du design à Milan, Paris, Cologne et Londres. Parmi ses œuvres les plus appréciées figure la collection Paper Knife, qui comprend deux canapés, une table basse et un fauteuil. Ses 4110 og Handy chairs sont également très vendus. En fait, le nom de Kai Kristiansen est probablement mieux connu par un public sélectionné de designers de meubles du monde entier qu'il ne l'est généralement dans son pays d'origine.DimensionsHauteur : 29,14 in. (74 cm)Largeur : 21,26 in. (54 cm)Profondeur : 18,12 in. (46 cm)Hauteur du siège : 18,12 in. (46 cm)

Ensemble de huit chaises à manger en chêne restaurées et refaites à neuf, avec dossier réglable, par Kai Kristiansen pour Schous Møbelfabrik.Les chaises ont le design léger et élégant typique de Kai Kristiansens qui leur permet de s'intégrer facilement là où vous le souhaitez dans votre maison. Ce design est si unique que son collègue, le célèbre designer Hans J. Wegner, a qualifié le modèle 42 de beau sous tous les angles lorsque la chaise a été dévoilée en 1956.Les chaises ont été restaurées et refaites par notre ébéniste afin de s'assurer qu'elles sont en très bon état et ne présentent que des signes minimes de vieillissement et d'utilisation. Elles seront rembourrées sans frais supplémentaires dans le tissu Kvadrat de votre choix ou, moyennant un petit supplément, dans le cuir de Sorensen Leather avant d'être expédiées.Kai Kristiansen a été l'un des derniers élèves du célèbre architecte Kaare Klint qui a fondé le design moderne danois et a jeté les bases du style Danish Modern. Dans les années 1958-1978, Kristiansen a travaillé dans son entreprise à Aarhus, qu'il possédait conjointement avec le fabricant de meubles Illum Wikkelsø (1919-1999).Les œuvres de Kristiansens ont répondu à leur demande la plus intense pendant quelques décennies à partir de 1950, puis leur production a été arrêtée. Cependant, plusieurs d'entre elles sont maintenant produites à nouveau par le fabricant de meubles japonais Miyazaki Chair Mill à Tokushima. Un producteur australien a également inclus la production de Kristiansen dans son portefeuille. Kai Kristiansen aurait pu être à l'origine de la production en série de meubles, s'il avait accepté une offre du fondateur d'Ikea, Ingvar Kamprad. Il a refusé de s'inscrire dans le personnel d'Ikea.Les expositions de Kristiansen comprennent de nombreuses participations à des salons du meuble et du design à Milan, Paris, Cologne et Londres. Parmi ses œuvres les plus appréciées figure la collection Paper Knife, qui comprend deux canapés, une table basse et un fauteuil. Ses 4110 og Handy chairs sont également très vendus. En fait, le nom de Kai Kristiansen est probablement mieux connu par un public sélectionné de designers de meubles du monde entier qu'il ne l'est généralement dans son pays d'origine.DimensionsHauteur : 29,14 in. (74 cm)Largeur : 21,26 in. (54 cm)Profondeur : 18,12 in. (46 cm)Hauteur du siège : 18,12 in. (46 cm)