SONATES POUR PIANO N 15 PASTORALE 16 21 WALDSTEIN

SONATES N° 1-8 POUR VIOLON & AUTRES INSTRUMENTS

En 10 ans, Hugo TSR est devenu LE rappeur emblématiqu e de la scène rap indé. Complètement secret et quasi absent des réseaux sociaux, Hugo TSR est l’un des plus suivis et adulés. Hugo TSR est le plus connu des MCs de l’Underground français. Une côte croissante auprès des auditeurs depuis 10 ans, en solo ou avec le TSR Crew, il est devenu (contre son gré) l’icône du boombap français et reconnu comme l’un des meilleurs « kickeurs » de sa génération. Son flow, son écriture soignée et son choix de prods toujours juste ont fait de lui LE rappeur connu de tous dans le milieu du rap. Son attitude, discrète voire mystérieuse, et la simplicité du personnage qu’il incarne, commun à tout un chacun, suscitent un engouement et une identification sans pareils. Cinquième album solo d’Hugo TSR, « roi des punchlines légendaires », entre nonchalance et détachement d’un jeune graffeur qui déambule dans les rues du 18ème arrondissement, décrivant sa ville et sa vie sans épargner le système capitaliste dans lequel il cherche une place où s’épanouir. Adulé par de très nombreux supporters, il remplit de grandes salles de concerts en des temps records et ce sans publicité, ni interview, ni invité sur ses albums. Une musique artisanale et authentique d’un homme qui base sa sensibilité artistique sur des principes de vie fondamentaux. Du rap haut débit, des images, de l’humour, et des détails qui en font un MC hors pair. Pour ceux qui aiment : Le Gouffre - Demi Portion - Scred Connexion - Scylla

Esbjörn Svensson : 10 ans déjà... Un « live » inédit capté à Londres célèbre le trio suédois mythique Le 14 juin 2008, le monde de la musique apprenait la terrible nouvelle de la disparition du pianiste suite à un accident de plongée. La carrière du trio s’arrêtait alors brutalement, en pleine ascension et conquête de la planète entière. Il faut rappeler qu’e.s.t. a été la seule formation européenne à avoir fait la couverture de la Bible américaine du Jazz Downbeat (1934 !). Nombreux sont les groupes qui ont été largement influencés par le trio suédois : Gogo Penguin, Mammal Hands, Portico Quartet, etc...Les concerts du groupe étaient des moments très spéciaux et sortaient des ornières du jazz; il s’agissait d’une expérience inoubliable, quelque part entre Sigur Ros, Radiohead et Keith Jarrett, et le public finissait souvent dans un état second, presque en transe ! Les disques s’arrachaient à l’issue des concerts, et il n’était pas rare d’en vendre deux ou trois cents dans des petites salles de province ! En 2010, le très respecté journal britannique The Times a élu « e.s.t. Live In Hambourg » comme l’album jazz de la décennie 2000-2010 ! Cet album a été enregistré le 20 mai 2005 au Barbican Center de Londres. POUR CEUX QUI AIMENT Brad Mehldau, Keith Jarrett, Avishai Cohen, Michael Wollny

Simply Road trip Nombre de disques : 3Simply Road Trip, c'est 3 CDs du plus parfait des smooth jazz pour se lancer sur de longues routes. Incluant BOB JAMES, ASTRUD GILBERTO, CHET BAKER, STAN GETZ, THE BRECON BROTHERS et plus encore, la compilation est, à coup sûr, la meilleure des bandes originales de vos voyages.

Stan Getz - Live in Europe 1972 Nombre de disques : 2 Disque 1 : Captain Marvel - Day waves - Lush life - Captain Marvel - I remember Clifford - La fiesta - Time's lie

Capturé à Tokyo lors d'un concert mémorable, ce trio ultra-inventif explore les méandres mélodiques et rythmiques d'un répertoire qui est basé sur les thèmes du pianiste Enrico Pieranunzi, mais aussi quelques compositions collectives et trois thèmes d'Ennio Morricone. La basse de Marc Johnson résonne, les baguettes de Joey Baron frétillent, nous vibrons à l'unisson.

ANTI réédite une version remasterisée du mythique album de Tom Waits, 'REAL GONE', préssé en vinyle noir 180g ! * Ecrit et produit par Tom Waits et Kathleen Brennan, sa femme et collaboratrice de longue date. 'Real Gone' présente 15 titres de funk, rock-steady jamaicain, blues, des rythmes et mélodies latines et africaines et pour la première fois pas de piano.

Quel genre d'homme a pour surnom Howlin' Wolf ? Réponse : un géant de trois cents livres avec une voix si puissante qu'elle sonne comme si elle pouvait faire tomber des bâtiments tout entiers ! Wolf domina littéralement la scène blues de l'après-guerre de Chicago.

Ce double album contient l'intégralité de l'enregistrement The Astaire Story. Initialement édité en coffret deluxe de 4 vinyles, il fut réalisé par le producteur Norman Granz pour démontrer l'immense talent de chanteur du grand Fred Astaire dans un contexte jazz, accompagné par un groupe d'exception sous la direction du maître Oscar Peterson.

Pour son premier album chez Sub Pop, Morgan Delt nous offre un rock psychédélique haut en couleurs qui évoque les plus belles heures du Summer of Love. C’est un psychédélisme west coast qui imprègne le premier LP de Morgan Delt sur Sub Pop, ressemblant ni plus ni moins à un coucher de soleil sans fin. Après avoir sorti une cassette suivie d’un excellent premier album en 2013 sur le label Trouble In Mind (Jacco Gardner, Fuzz, Ty Segall), le californien affine maintenant sa musique en explorant de nouvelles plages sonores, plutôt que de s’enfermer dans une ligne déjà toute tracée, laissant ses diverses influences s’entrelacer selon ses propres vision et sensibilité. Il en résulte un album de 10 chansons composé entièrement par Delt, qui se veut d’une beauté et d’une cohérence à couper le souffle, où chaque détail et arrangement semble s’agencer au millimètre pour donner au résultat final une allure de pièce montée : complexe, riche et digeste. Enregistré dans son Topanga Canyon Studio, et masterisé par JJ Golden, il est plus subtil et énigmatique que son prédécesseur, et se rapproche plus de la mouvance psyche signée 1967. Aspergé d’échos brumeux, avec de longs et lents accords, encadrés par de doux murmures et voix transportés par des effets hallucinogènes, ainsi que quelques guitares fuzz, c’est à peu près ce qui vous attend dans Phase Zero.

Véritable légende de la bass music britannique, DOBIE sort aujourd'hui son premier album depuis 1997 et la parution du classique «The Sound Of One Hand Clapping». Touche à tout, le compositeur génial dote les treize pistes instrumentales de «We Will Not Harm You» de sonorités techno, house, dubstep, latines, jazz, soul, funk... le tout venant soutenir une solide base hip-hop.

Véritable légende de la bass music britannique, DOBIE sort aujourd'hui son premier album depuis 1997 et la parution du classique «The Sound Of One Hand Clapping». Touche à tout, le compositeur génial dote les treize pistes instrumentales de «We Will Not Harm You» de sonorités techno, house, dubstep, latines, jazz, soul, funk... le tout venant soutenir une solide base hip-hop.

Le LP original Watermelon Man !, présenté ici dans son intégralité en version remasterisée 180 grammes ! Ramon Mongo Santamaraa Rodraguez est un musicien Cubain, originaire de La Havane, particulièrement connu pour avoir composé le standard de jazz Afro Blue, enregistré - entre autres - par John Coltrane. Ce vinyle brillant regorge de sonorités latines, de cha-cha-cha, et de mélanges de mambo, de blues, de soul et de de jazz.

Out of Reach est l'un des albums les plus méconnus de Can en raison du départ du bassiste Holger Czukay et du rôle moins central du batteur Jaki Liebezeit laissant la tâche des percussions en partie à Reebop Kwaku Baah. Comme sur l'album Saw Delight, le nouveau bassiste Rosko Gee s'impose largement dans le groupe et sa manière de jouer plus jazz impressionne, spécialement sur les improvisations magistrales de November et « Serpentine.

L'essor du cor à l'époque baroque Le corniste Alessandro Orlando et l'ensemble Sarbacanes proposent de découvrir comment sonnaient les cors dits naturels à la fin de l'époque baroque, en faisant voisiner d'authentiques sonneries de chasse avec des Ouvertures de Telemann, qui s'inspirent des musiques de plein air tout en offrant au cor une place nouvelle au sein de l'orchestre.

Tous les hits les plus chics des années 60, par les icônes absolues de la chanson française ! On retrouve sur cette incroyable compilation 2CD les meilleurs titres de BORIS VIAN, FRANCOISE HARDY, SERGE GAINSBOURG, YVES MONTAND, mais aussi d'artistes étrangers (MILES DAVIS, ART BLAKEY) de légende qui ont été influencés par l'art de vivre à la française.

En 2018, le choeur du King's College a célébré les 100 ans de Nine Lessons & Carols, le festival emblématique qui est apprécié par des millions de personnes dans le monde entier chaque année à Noël. Dirigé par Sir Stephen Cleobury, ce spectacle marquant est maintenant disponible à l'occasion de la sortie anniversaire officielle de King's College Recordings.

Yellow Fever était le second enregistrement des Hot Tuna lancé en 1975 et comme à chacune de leurs sorties, étaient inclus à l'album des chansons originales de guitar-rock écrites par Jorma Kaukonen ainsi que des versions interprétant les chiffres symboliques du blues, comme la chanson de Bo Carter Hot Jelly Roll Blues.

So What ? avant d'être un album est une composition jazz de MILES DAVIS parue pour la première fois en 1959 sur l'album Kind of Blue . Il est devenu un morceau standard du jazz. Aujourd'hui Union Square Music nous propose l'album des essentielles de MILES DAVIS avec des morceaux qui marquèrent l'histoire du jazz.

Le duo charismatique sortira son nouvel album le 16 octobre, quatre ans après Mutual Friends. La nature modeste mais charmante de ses deux jeunes femmes-artistes est à l'image de la musique de WE WERE HERE, le deuxième album très attendu de BOY : une brève et vive rafale de mélodies délicieuses, de savoir-faire parfaitement assuré et de grâce espiègle. Mais leur modestie est trompeuse : le naturel décontracté de Steiner et Glass dissimule une détermination à écrire des chansons qui durent, des compositions où chaque note participe à la beauté de l'ensemble. L'album voit BOY déployer ses ailes, explorer de nouvelles textures et de nouvelles approches musicales tout en restant fidèle à son esthétique. On retrouve la capacité de Glass à émouvoir avec une subtile modulation et son don pour les arrangements épurés, complétés de façon appropriée par les textes directs et touchants de Steiner. Cet album laisse les deux musiciennes mettre en valeur leur sensibilité caractéristique, en évoquant par exemple l'intrusion des problèmes d'un compagnon dans une relation de couple sur le titre très ryhtmé « Fear » et sur « Flames ». Non seulement WE WERE HERE confirme la réputation acquise par BOY avec Mutual Friends, mais il souligne encore plus le don précieux du groupe pour l'écriture de chansons intimement détaillées qui parlent aux hommes et aux femmes, des hommes et des femmes, des moments singuliers et pourtant universels de nos vies.

Le retour du groupe de prog' ultra prolifique Quand on pense au Dream Syndicate, ce n'est pas seulement la sauvagerie avec laquelle le chanteur/guitariste Steve Wynn, le batteur Dennis Duck, le bassiste Mark Walton et le guitariste Jason Victor se produisent - c'est aussi l'écriture soignée de Wynn qui vient immédiatement à l'esprit. à l'heure actuelle, chaque critique de rock a déterminé à l'avance qui, selon lui, Wynn lui rappellera et ce qu'il pense de ce style de chansons. Cette fois, non ! Ce qui nous amène à The Universe Inside. Chaque article ou critique jamais écrit prétendra que c'est nouveau et différent - et bien, ça l'est ! Il suffit de regarder la durée des chansons : 20 : 27, 7 : 36, 8 : 56, 9 : 55 et 10 : 53. Ok, bien sûr - la Syndicate ont occasionnellement sorti une longue chanson en vinyle, John Coltrane Stereo Blues était de 9 minutes... Pour la première fois, chaque chanson est le fruit d'un travail d'écriture collectif. Ce qui ressort, c'est la connaissance de Dennis Duck de l'avant-garde européenne, la passion de Jason Victor pour le prog des années 70, l'expérience de Mark Walton dans les collectifs de musique sudiste et l'amour de Wynn pour le vintage jazz électrique. L'affichage éblouissant des pochettes d'album devrait à lui seul vous donner une idée des changements. Mais ne nous croyez pas sur parole.

Le retour du groupe de prog' ultra prolifique Quand on pense au Dream Syndicate, ce n'est pas seulement la sauvagerie avec laquelle le chanteur/guitariste Steve Wynn, le batteur Dennis Duck, le bassiste Mark Walton et le guitariste Jason Victor se produisent - c'est aussi l'écriture soignée de Wynn qui vient immédiatement à l'esprit. à l'heure actuelle, chaque critique de rock a déterminé à l'avance qui, selon lui, Wynn lui rappellera et ce qu'il pense de ce style de chansons. Cette fois, non ! Ce qui nous amène à The Universe Inside. Chaque article ou critique jamais écrit prétendra que c'est nouveau et différent - et bien, ça l'est ! Il suffit de regarder la durée des chansons : 20 : 27, 7 : 36, 8 : 56, 9 : 55 et 10 : 53. Ok, bien sûr - la Syndicate ont occasionnellement sorti une longue chanson en vinyle, John Coltrane Stereo Blues était de 9 minutes... Pour la première fois, chaque chanson est le fruit d'un travail d'écriture collectif. Ce qui ressort, c'est la connaissance de Dennis Duck de l'avant-garde européenne, la passion de Jason Victor pour le prog des années 70, l'expérience de Mark Walton dans les collectifs de musique sudiste et l'amour de Wynn pour le vintage jazz électrique. L'affichage éblouissant des pochettes d'album devrait à lui seul vous donner une idée des changements. Mais ne nous croyez pas sur parole.

David Gray, le célèbre auteur-compositeur-interprète britannique a sorti dans toute sa carrière neuf albums et quatre compilations. On se rappelle évidemment du magnifique album White Ladder, avec son titre phare Babylon, qui avait marqué un tournant dans sa carrière. Un an après la sortie de son dernier album, découvrez la première vague de rééditions.

Violons, flûtes et accordéons sont à l'honneur dans ce volume dédié à l'une des musiques folk les plus typées d'Europe, avec ses gigues festives et ses artistes phares que sont par exemple Cara Dillon et Sharon Shannon. En bonus, l'album Ships In The Forest de Karan Casey, l'une des voix les plus neuves et engagées de la musique traditionnelle irlandaise.

GOSSIP a toujours été un groupe indé avec un pied dans le monde de l'électro. Le tracklisting de cet album témoigne du respect que GOSSIP entretient avec cette communauté. Ce mariage est aujourd'hui consommé avec Rework-It. Cette compilation de remixes propose de revisiter les plus grands tubes de GOSSIP, notamment : Standing In The Way Of Control et Listen Up!

Nouveau coup d'éclat de Antonio Florio : la découverte et l'édition de la Passion selon saint Jean composée en 1685 par le Napolitain Gaetano Veneziano, que Glossa publie sous le titre de Passio, avec le contre-ténor Raffaele Pe dans le rôle difficile de l'Évangéliste. Le coup d'éclat est double puisqu'on ignorait l'existence d'une Passion italienne baroque autre que celle de Alessandro Scarlatti, dont était contemporain Veneziano, élève préféré de Antonio Provenzale et maître de la chapelle royale. La découverte de cette partition dans l'Archivio dell'Oratorio dei Girolamini de Naples dévoile des horizons absolument insoupçonnés. L'oeuvre surprend en effet par son mélange de modernité et d'archaïsme dans l'accompagnement instrumental, interprété par Florio à la tête de la Cappella Neapolitana. Les interventions extroverties et atmosphériques du Christ (le ténor Luca Cervoni), de Ponce Pilate (la basse Marco Bussi) et de la Foule (le Coro Ghislieri) parachèvent cette oeuvre d'une beauté étrange. Voici donc, dans le sillage de la récupération du nom de Gaetano Veneziano en cours de réalisation par Florio (rappelons son disque La Santissima Trinità chez Glossa parmi d'autres nombreux enregistrements de musique italiennes sacrées), une nouvelle perle du baroque napolitain, commentée par le maître en la matière, Dinko Fabris.

Le premier grand classique de Miles pour Columbia, enregistré en 1956 avec son quintette d'exception (Miles, Coltrane, Garland, Chambers, Jo Jones). En bonus, une version culte de Round Midnight enregistré avec les mêmes musiciens pour Prestige quelques mois plus tard.

Simply Reggae Ce sont DESMOND DEKKER, JOHN HOLT, DERRICK MORGANE BOB & MARCIA qui ont rendu le monde entier fou de reggae. Aujourd hui, ils sont juste-là, avec une pile de classiques et raretés du reggae que seuls les plus gros fans ou DJ les plus pointus connaissent... Alors allumez les basses, préparez-vous à danser, et lancez Simply Reggae.

Digne héritier des grands mandolinistes tels que Jacob do Bandolim, Joël Nascimento et Armandinho Macedo, Hamilton de Holanda, né en 1976, a révolutionné l'instrument emblématique du choro, le bandolim (mandoline), auquel il a ajouté une cinquième double corde, portant leur nombre de huit à dix, élargissant ainsi sa palette sonore. Né dans une famille de musiciens, il a bénéficié à la fois d'une ambiance musicale familiale stimulante et d'une formation académique poussée. Connu à un âge très précoce grâce à son superbe duo avec son frère Fernando César à la guitare 7 cordes - les Dois de Ouro (littéralement Duo en Or), Hamilton de Holanda s'est imposé très tôt comme le nouveau visage du vieux choro, titre d'un de leurs meilleurs albums, consacré au répertoire des grands classiques du genre. Considéré comme un des plus grands virtuoses de bandolim de tous les temps, Hamilton de Holanda est également un des compositeurs actuels de choro les plus intéressants. Il fait partie de ces musiciens qui contraignent le réel à se plier à leurs appétits sans mesure. Ainsi a-t-il ajouté deux cordes à son bandolim, cet instrument des joueurs de choro, et inventé la technique qui lui était nécessaire pour le soumettre à ses extravagances. Sa personnalité musicale puise ses sources tant dans le répertoire classique que dans celui du jazz ou de la Musique Populaire Brésilienne. Ce nouvel album, enregistré avec beaucoup de déférence, est un hommage inspiré à l'un des rois de la Samba, Chico Buarque, dont Hamilton a sélectionné avec soin certaines des plus grandes sambas. Le charisme et l'enthousiasme contagieux d'Hamilton de Holanda et de son groupe, leur jeu impeccable et débordant de savante inventivité font d'eux un des groupes les plus remarquables d'interprètes et de compositeurs de musique brésilienne contemporaine. « Une musique universelle, des mélodies dignes d'un rêve tropical, un art de la percussion invraisemblable, de magnifiques riffs, une guitare d'une rare finesse, des lignes de basse inspirées, les solistes qui forment ce groupe sont exceptionnels. » (extrait de presse).

Un jour avant le 4 novembre, 'election day', sort Radio Faris le 6ème album de FARIS NOURALLAH. FARIS est américain, et dans cette Amérique, il ne s'y sent pas bien. Originaire de Jordanie. Il vit au Texas, à Dallas, Etat des rednecks où Faris a tatoué sur son bras en arabe : Palestine libre . Il ne traîne pas trop dans les rues de Dallas. Il préfère rester dans son studio pour enregistrer en solo ses albums. Pour lui, la musique s'écoute sur disque et non pas sur scène. Il décline toutes propositions de tournée, depuis la fin des NOURALLAH BROTHERS, (duo avec SALIM son frère), il n'aura pas remis un pied sur les planches, trop fatigué par le fait de devoir rejouer sans cesse les mêmes chansons. Radio Faris est un disque intime qui montre une autre Amérique. Il y porte un regard critique sur cette Amérique va t'en guerre . En 19 titres, il évoque ses craintes, ses déceptions avec son sens de l'humour et de la dérision que ces fans connaissent bien. Comme toujours, FARIS NOURALLAH a composé les 19 titres de Radio Faris dans la pure tradition de la pop song. Son écriture est ingénieuse, surprenante. FARIS NOURALLAH possède l'art d'écrire une chanson avec trois fois rien. On compare souvent son écriture à celle LENNON/MC CARTNEY ou encore RAY DAVIES. Avec Radio Faris, FARIS NOURALLAH s'impose plus que jamais comme l'auteur compositeur le plus brillant de sa génération. Branchez vous sur Radio Faris !

Il n'y a rien à dire : effectivement, « Smash » est sans aucun doute le meilleur album de ces punks californiens fers de lance du label mythique Epitaph. Avec ce deuxième essai, Offspring atteint un équilibre parfait entre compositions mémorables et esprit punk puriste. C'est donc le disque à recommander à ceux qui estiment, à tort ou à raison, que le groupe a mis un peu trop d'eau dans son vin lors des albums suivants.

Fruit d'une longue maturation, son nouvel album marque une étape importante dans le parcours de cette artiste intègre et d'une rare sensibilité Trois voyelles et deux consonnes, comme une unité suave et chantante : le nom d'Awa Ly est déjà une harmonie vocale. Enfant, Awa chantait par instinct et ne pensait pas en faire sa profession. L'idée s'est imposée plus tard, alors que la jeune femme semblait promise à une brillante carrière de productrice. On ne triche pas avec sa destinée : de même qu'Awa, écoutant son coeur, avait quitté la France pour s'installer à Rome, elle n'hésitera pas à s'engager pleinement dans une voie artistique. Comédienne à l'occasion, elle décide de se consacrer entièrement à la musique et enregistre, en 2014, un premier EP intitulé Awa Ly. Son mélange de folk, de jazz et d'emprunts aux musiques du monde séduit, en France comme en Italie, et les concerts s'enchaînent. Fruit d'une longue maturation, son nouvel album marque une étape importante dans le parcours de cette artiste intègre et d'une rare sensibilité. Il s'ancre fortement dans son esthétique avec une présence et une assurance encore plus marquées. A son sujet, Awa évoque une ambiance tribale, mystérieuse et mystique inspirée d'abord par la nature, les racines, la terre. Le folk acoustique se pare de blues, de métriques hypnotiques, de plaintes non appuyées mais profondes.

Ce CD contient l'intégralité du LP original d'Eric Dolphy Outward Bound. Il s'agit de son premier album en tant que leader, et présente un quintette avec Freddie Hubbard à la trompette, Jaki Byard à laau piano, George Tucker à la basse et Roy Haynes à la batterie. C'était aussi la première des nombreuses collaborations entre Dolphy et Hubbard.

L'incontestable réputation de Patrick Burgan en tant que maître de l'art vocal a peut-être occulté son goût pour les chatoyantes draperies orchestrales. Les deux facettes du compositeur seraient-elles d'ailleurs distinctes ? La recherche d'atmosphères poétiques, le recours à des thématiques empruntées à la littérature, jettent des ponts entre les pans de son catalogue, comme nous le prouvent les oeuvres ici réunies.

Pionnier du rock'n'roll, JERRY LEE LEWIS, surnommé « The Killer » impose un style rapide et énergique, tant au piano qu'au chant, livrant des prestations scéniques électriques, n'hésitant pas à frapper le clavier avec ses poings ou ses talons, ou même à jouer debout. Ce nouveau coffret, « A Whole Lotta », retrace la belle carrière du « bad boy ». C'est un très bel objet qui raviera les fans tout comme les curieux.

Pour enregistrer ses dernières compositions folkblues, Eric Bibb (entouré de quelques vieux potes musiciens) rejoint dans un petit studio de la campagne britannique l'un des pères fondateurs du British blues and folk boom, le contrebassiste Danny Thompson (ex Alexis Korner, Pentangle, Donovan, John Martyn), pour une exubérante série de sessions acoustiques.

Out of Reach est l'un des albums les plus méconnus de Can en raison du départ du bassiste Holger Czukay et du rôle moins central du batteur Jaki Liebezeit laissant la tâche des percussions en partie à Reebop Kwaku Baah. Comme sur l'album Saw Delight, le nouveau bassiste Rosko Gee s'impose largement dans le groupe et sa manière de jouer plus jazz impressionne, spécialement sur les improvisations magistrales de November et « Serpentine.

The Saxophones clôturent leur passionnante année 2018 avec Singing Desperately Suite, un EP basé sur la chanson du même nom, extraite de leur premier album Songs of the Saxophones. Singing Desperately Suite est un EP concept, qui caricature l'évolution des relations amoureuses du chanteur : Alexi Erenkov.

On ne présente plus le Quatuor Hermès, devenu le plus brillant de la jeune génération des quatuors français grâce à un parcours solide, sans faute et sans esbroufe. Après un disque Schumann encensé par la presse et le public, les 4 musiciens nous offre ici un programme qu’ils ont dans la tête et les doigts depuis très longtemps, mais... on n’enregistre pas les quatuors de Ravel, Debussy et Dutilleux à la légère ou pour une amourette à laquelle tous les quatuors succombent de façon irrépressible. « Le hasard fait de cet enregistrement se trouve être celui de nos 10 ans ! Mais comme rien n’est jamais qu’uniquement fruit du hasard, c’est aussi le privilège du temps, de ces années partagées ensemble et donc de la sagesse qui en a été finalement le déclencheur, comme un amour qui prend le temps ». De ce lien entre «les Hermès» et ces oeuvres magistrales est né cet enregistrement d’une maturité exceptionnelle, ou émotion, poésie et fusion quasi irréelle vous saisissent dès les premières mesures de Ravel, et ne vous lâchent plus jusqu’au dernier accord du quatuor de Debussy. Cet art si particulier des Hermès de vous prendre immédiatement la main et ne pas la lâcher est le résultat d’un travail subtil où fluidité, choix des timbres, des couleurs, des atmosphères vous racontent des histoires avec engagement et fraîcheur. Une sorte d’élégance naturelle, équilibre entre spontanéité et profond respect des grands maîtres, de la musique tout simplement.

Soul Jazz Records présente cette étonnante nouvelle collection, The World of Keith Haring, rassemblant les musiques qui ont influencé l'artiste Keith Haring L'art de Keith Haring est aujourd'hui l'un des plus reconnaissables des artistes visuels de sa génération, définissant le New York des années 1980 pendant une période intense où les artistes et musiciens du centre-ville collaboraient comme jamais ils ne l'avaient fait auparavant. L'inspiration musicale de Haring provient des sons funk/dance/punk du centre-ville de clubs comme The Mudd Club, de la discothèque underground au Paradise Garage de Larry Levan, ainsi que des débuts du hip-hop et de l'électro. La sortie de l'album coïncide avec l'ouverture de la première grande exposition au Royaume-Uni du travail de Keith Haring, elle aura lieu à Tate Liverpool pendant une période de six mois. La musique présentée ici inclut le travail d'un nombre d'amis proches de Haring, dont Jean-Michel Basquiat, Yoko Ono, Larry Levan, John Sex et George Condo (The Girls), ainsi qu'une bonne dose de disco rare, d'électro précoce et de morceaux funk/dance/punk new-yorkais. Cet album est disponible en double CD avec livret 48 pages, et triple vinyle (+ code de téléchargement). Les deux formats de l'album comportent des photographies époustouflantes, des notes détaillées et des interviews.

MARTYN, DJ hollandais désormais établi à Washington, a su créer une empreinte unique au fil de son parcours. Fort de 15 années de DJing, 6 années de production et 4 ans de découverte artistique au sein de son label 3024, sans compter de nombreuses collaborations avec le leader de Brainfeeder, FLYING LOTUS, ce DJ d'exception possède une rare aptitude à réunir des sons unissant le public. Si son précédent album était axé sur ses chagrins et sa mélancolie, Ghost People porte sur un thème qui selon ses propres dires, est plus éloigné de lui : celui des Personnes fantômes, c'est-à-dire des artistes se concentrant uniquement sur les grooves ou les tendances du moment. Il y mêle par la même occasion des références aux individus dont la démarche est inverse, voulant avant tout partager la musique qu'ils aiment, faisant fi des modes éphémères. Ghost People se situe dans cette seconde optique. Réalisé en collaboration avec EROSIE, artiste visuel et mural (anciennement connu comme appartenant au street art) et son partenaire chez 3024, Ghost People est un album qui puise à la fois dans le 2-step de West London, les racines dub de Croydon, les grooves mécaniques de Détroit, les vibes de liberté du Berghain et une Drum & Bass venue d'un autre monde. Le disque fait honneur à l'esprit d'expérimentation sauvage propre au label Brainfeeder, sidère par son avant-gardisme et éblouit par son audace.

MARTYN, DJ hollandais désormais établi à Washington, a su créer une empreinte unique au fil de son parcours. Fort de 15 années de DJing, 6 années de production et 4 ans de découverte artistique au sein de son label 3024, sans compter de nombreuses collaborations avec le leader de Brainfeeder, FLYING LOTUS, ce DJ d'exception possède une rare aptitude à réunir des sons unissant le public. Si son précédent album était axé sur ses chagrins et sa mélancolie, Ghost People porte sur un thème qui selon ses propres dires, est plus éloigné de lui : celui des Personnes fantômes, c'est-à-dire des artistes se concentrant uniquement sur les grooves ou les tendances du moment. Il y mêle par la même occasion des références aux individus dont la démarche est inverse, voulant avant tout partager la musique qu'ils aiment, faisant fi des modes éphémères. Ghost People se situe dans cette seconde optique. Réalisé en collaboration avec EROSIE, artiste visuel et mural (anciennement connu comme appartenant au street art) et son partenaire chez 3024, Ghost People est un album qui puise à la fois dans le 2-step de West London, les racines dub de Croydon, les grooves mécaniques de Détroit, les vibes de liberté du Berghain et une Drum & Bass venue d'un autre monde. Le disque fait honneur à l'esprit d'expérimentation sauvage propre au label Brainfeeder, sidère par son avant-gardisme et éblouit par son audace.

Christine Plubeau et Isabelle Saint-Yves rendent hommage au plus grand compositeur de la viole de gambe : Monsieur de Sainte Colombe. Comment rendre compte mieux que Rousseau lui-même de tout ce que Monsieur de Sainte-Colombe a apporté à la viole de gambe, que ce soit au niveau de la facture instrumentale (ajout de la 7eme corde qui donne plus de profondeur à la sonorité, les cordes filées argent qui permettent un jeu articulé et précis même sur les cordes graves), mais aussi un développement important de la technique qui confère à l'instrument une palette sonore d'une finesse et d'une sensibilité la rapprochant de la voix humaine. C'est grâce à ces apports déterminants qu'une école de viole de gambe a pu se développer en France, Marais, Couperin et Forqueray en étant les plus prestigieux représentants. Il me semble important de rendre hommage à ce musicien de l'ombre dont nous sommes tous, encore aujourd'hui, les héritiers, comme son fils mais également Marin Marais l'ont fait en leur temps en lui dédiant deux magnifiques Tombeaux. Christine Plubeau Christine Plubeau Elle étudie la viole de gambe au Conservatoire Royal de La Haye (Pays-Bas) et y obtient un diplôme de soliste. De retour en France, elle intègre de nombreux ensembles : Les Folies Françoises, Le Poème Harmonique, La Grande Ecurie, L'Arpeggiata, Cantus Köln. Par ailleurs, elle poursuit une carrière de soliste et se consacre également au répertoire de musique de chambre. Elle est invitée dans les festivals les plus prestigieux en France comme à l'étranger. Son activité discographique est unanimement saluée par la critique. Isabelle Saint-Yves Elle débute le violoncelle au CNR de Caen et poursuit sa formation au CNSM de Paris et intègre le CNR de Paris. Après avoir obtenu ses diplômes, elle se dirige vers le répertoire de la musique ancienne et étudie la viole de gambe. Elle obtient un prix de fin d’études à l’unanimité au conservatoire de Paris. Violiste et violoncelliste, elle travaille et enregistre avec de nombreux ensembles et personnalités.

En pleine tournée avec Eiffel, France Culture contacte ROMAIN HUMEAU (chanteur/ auteur/ compositeur de Eiffel) pour lui proposer l'adaptation d'une oeuvre littéraire de son choix dans le cadre d'une émission sur la radio. Ce dernier choisit 'Vendredi ou les Limbes du Pacifique' de Michel Tournier. Le texte sera réduit par Pauline Thimonier et le récit confié à Denis Lavant qui nous fera pénétrer, avec sa voix unique, dans l'univers de Robinson. En parallèle de la musique instrumentale qu'il a écrite pour le récit, ROMAIN signe et interprète huit chansons qui font écho au texte. Le projet a été enregistré pour partie au studio des Romanos (le studio bordelais des HUMEAU) et dans les studios de la Maison de la Radio avec l'Orchestre National d'île de France et un groupe composé de ROMAIN et deux musiciens, Nicolas Bonnière, fidèle guitariste d'Eiffel et 'bidouilleur', ainsi que le nouveau venu Guillaume Marsault à la batterie. Le projet sera diffusé sur France Culture le dimanche 28 juin et une représentation publique aura lieu le 17 juillet dans le in du Festival d'Avignon, avec Denis Lavant, ROMAIN HUMEAU et les musiciens dans la cour du Musée Calvet. Un programme France Culture de 64' incluant 8 chansons originales et 17 instrumentaux écrits et composés par ROMAIN HUMEAU.

La pianiste coréenne Yeol Eum Son nous délivre un Mozart à la grâce perlée, une technique irréprochable et un goût sûr dans le Concerto N° 21 comme dans les sonates et variations qui concluent le disque. Pour le concerto, la direction de l'Academy Saint Martin In The Fields est confiée à son fondateur, l'excellent Sir Neville Marriner, également irréprochable dans Mozart.

Dans son Texas natal, Delbert McClintgon est une légende, ayant connu plusieurs succès nationaux et gagné plusieurs Grammy award. C'est une des voix majeures du Rythm & Blues contemporain. C'est en live que ce performer donne toute sa mesure, enregistré pour la fameuse émission d'Austin, on peut y entendre beaucoup des titres phares de son répertoire et quelques reprises.

LA NOUVELLE DECOUVERTE DU LABEL DE SIMON RAYMONDE (COCTEAU TWINS). Une Dream pop boréale qui évoque le meilleur de MAZZY STAR ou de COCTEAU TWINS. L'ex leader d'EFTERKLANG nous fait chavirer avec sa voix douce et sensuelle. Comme si Beth Gibbons auditionnait pour la BO du prochain James Bond NME Imaginez Julee Cruise leader des Tindersticks MOJO

Ce trio, mené de main de maître au piano par Urs Bollhader, prend racine dans la grande histoire du trio jazz, tout en reflétant les nouveaux développements menés par des formations telles que e.s.t., The Bad Plus ou le Trio de Brad Meldhau. Entre dérapages contrôlés, improvisation et esthétique, ces neuf titres originaux sont le reflet d'un trio au discours musical maitrisé et très construit.

Le duo hip-hop expérimental futuriste Shabazz Palaces revient avec The Don of Diamond Dreams, un nouvel album qui embrasse le modernisme dans le hip-hop et le rap Sorti en 2011, Black Up de Shabazz Palaces, le 1er album Sub Pop du groupe, a récemment été salué comme l'un des meilleurs albums de la décennie par Pitchfork, Gorilla Vs Bear ou encore Variety. Pitchfork résume ainsi la situation : Black Up est noyé dans des instrumentaux sombres et des rimes introspectives. Les sons flirtent avec le jazz mais s'enracinent aussi dans une solide compréhension du silence, ou de la magie de la simplicité. Les chansons regorgent de points culminants inattendus... Cette vision a continué à déconcerter et à intéresser les fans des Shabazz Palaces au cours de quatre albums et deux EPs acclamés. Chaque sortie ressemble à une évolution, laissant la musique parler d'elle-même, tout en révélant lentement plus de choses sur son créateur. Avec The Don of Diamond Dreams, le cinquième album du groupe, cet esprit demeure, cette fois en embrassant le modernisme dans le hip-hop et le rap. Composé de 10 titres, l'album présente les moments forts Fast Learner (ft. Purple Tape Nate), Chocolate Souffle, Bad Bitch Walking (ft. Stas THEE Boss) et Thanking The Girls. Il comprend également des contributions du chanteur/claviériste Darrius Willrich, des OCnotes de Seattle, du musicien de Los Angeles Carlos Overall et du bassiste Evan Flory-Barnes.

Le duo hip-hop expérimental futuriste Shabazz Palaces revient avec The Don of Diamond Dreams, un nouvel album qui embrasse le modernisme dans le hip-hop et le rap Sorti en 2011, Black Up de Shabazz Palaces, le 1er album Sub Pop du groupe, a récemment été salué comme l'un des meilleurs albums de la décennie par Pitchfork, Gorilla Vs Bear ou encore Variety. Pitchfork résume ainsi la situation : Black Up est noyé dans des instrumentaux sombres et des rimes introspectives. Les sons flirtent avec le jazz mais s'enracinent aussi dans une solide compréhension du silence, ou de la magie de la simplicité. Les chansons regorgent de points culminants inattendus... Cette vision a continué à déconcerter et à intéresser les fans des Shabazz Palaces au cours de quatre albums et deux EPs acclamés. Chaque sortie ressemble à une évolution, laissant la musique parler d'elle-même, tout en révélant lentement plus de choses sur son créateur. Avec The Don of Diamond Dreams, le cinquième album du groupe, cet esprit demeure, cette fois en embrassant le modernisme dans le hip-hop et le rap. Composé de 10 titres, l'album présente les moments forts Fast Learner (ft. Purple Tape Nate), Chocolate Souffle, Bad Bitch Walking (ft. Stas THEE Boss) et Thanking The Girls. Il comprend également des contributions du chanteur/claviériste Darrius Willrich, des OCnotes de Seattle, du musicien de Los Angeles Carlos Overall et du bassiste Evan Flory-Barnes.

Robert Johnson : l'un des bluesmen les plus influents de tous les temps, aux origines du rock, et source d'influence pour toute une génération, de Dylan à Clapton. Onze faces de 78 tours pour entrer dans la légende, réunies dans cet album. En bonus CD : une compilation de titres de bluesmen influencés par le grand pionnier du blues.

Devenu en quelques mois une véritable icône de l'electro mondiale, RUSKO nous fait vibrer avec ses Deep Bad Bass. Autant influencé par la jungle, la house, le hip-hop que l'électro, RUSKO a décidé de vous retourner le cerveau, que ce soit avec son album « O.M.G ! » (2010) ou son nouvel album « SONGS » qui confirme son statut de prince du Dubstep.

Satisfaction, groupe de jazz / rock culte anglais signé sur Decca en 1971 se voit rééditer par Acid Jazz. Un véritable trip qu'est ce Three Ages Of Man qui voit enfin le jour pour la première fois en CD, vinyl et digital. Un diamant brut, un trésor déniché dans la lignée de la célèbre série d'Acid Jazz, les Mod Series.

The Unseen, premier album solo de Madlib en tant que Quasimoto, est un classique qui aura inspiré des icônes hip-hop comme MF Doom, De La Soul et Just Blaze. Avec ce premier album conceptuel Madlib façonne un anti-héro hip-hop évoluant entre dérision et féérie urbaine. La version deluxe offre un livret couleur et un disque bonus avec les instrumentaux

Morgane Ji s'applique à être là où on ne l'attend pas, et c'est sa force. Morgane Ji caractérise de manière flagrante, la fusion d'origines multiples, propre à sa Réunion natale. Un tempérament volcanique, des racines mystérieuses, africaines, indiennes et asiatiques. Concernant son style et son esthétique, et pour parler étiquette, personne n'a réussi jusqu'à aujourd'hui à la mettre dans un pigeonhole. Une alien rock pop dans son pays, un ovni de la world électronique à l'étranger. Sa marque de fabrique, c'est sa signature vocale, polymorphe, rauque, douce, animale. Mystique, guerrière dans l'âme, elle louvoie avec son banjo électrique, entre une drum'n'bass technoïde et les glissés hypnotiques d'un bottle neck sur une guitare. Celle que la presse anglaise a qualifiée de Creole Queen a fait ses premières armes scéniques sur les campus de Norwich, d'East London, au jazz Café de Camden et au Pavilion Theater de Brighton. Au coeur de sa démarche créative, photographie, graphisme et univers sonores oniriques deviennent complémentaires et indissociables. Apres 2 albums autoproduits et plus d'une centaines de concert a l'étranger, Morgane Ji signe avce Aztec Musique et RFI pour son nouvel album Woman Soldier qui symbolise le fighting spirit d'une artiste féminine résolument indépendante et rend hommage aux combats multiples et quotidiens des femmes à travers le monde. POUR CEUX QUI AIMENT Bjork, Ayo...

Scott DuBois, guitariste et compositeur américain de jazz de 37 ans, est devenu l'une des figures importantes de la jeune scène jazz new yorkaise. Le New York Times a salué son sens de l'exploration, toujours mélodique, ses compositions ambitieuses, la cohérence entre de subtiles complexités et un relâchement dans le jeu. DuBois a étudié à la Manhattan School of Music. Il s'est fait remarquer aux côtés du saxophoniste David Liebman, présent sur les albums de DuBois pour le label Soul Note. Le quartet de DuBois, des musiciens avec qui il travaille depuis dix ans maintenant, sert magistralement les compositions originales et avant gardistes de DuBois. Leur objectif est d'être dans l'interaction, un jeu d'ensemble dynamique, afin de créer des paysages colorés et une intensité spirituelle qui va droit au coeur. Le New York City Jazz Record décrit l'écriture de DuBois comme une musique captivante pour le penseur méditatif. Cette expression est très parlante, car le guitariste compose par le biais d'images. L'auditeur est entraîné dans un voyage à travers une journée d'hiver : alors que nous assistons à la progression d'avant le lever du jour jusqu'aux profondeurs de la nuit, DuBois attire l'auditeur avec des sons dépeignant avec éclat une myriade de changements dans l'équilibre de la lumière, conduisant à travers différents paysages et nous faisant même sentir les changements du temps.

Créé par Clement Coxsone Dodd, Studio One est une véritable mine d’or pour l’histoire de la musique reggae. Studio One Rockers couvre toutes les périodes du reggae, on y trouve ainsi des classiques Ska ( ‘’Phoenix City’’), Rocksteady (‘’Feel Like Jumping’’), Roots (Truth and Rights), Dancehall (avec Freddy McGregor, Michigan & Smiley) et bien plus ! Tout simplement incontournable !

A la découverte d’un compositeur italien important, Giorgio Antoniotto (1681 - 1766). La découverte d’oeuvres inconnues est toujours un moment particulier dans la vie d’un musicien, et a forteriori d’un musicien curieux. Puisse cet enregistrement rendre hommage à ce musicien à la vie romanesque, dont les sonates sensibles constituent le seul témoignage palpable de l’originalité et de la fantaisie qu’il inspire.

Pour son premier enregistrement, le duo Jatekok nous invite à une promenade autour de la danse à travers des oeuvres « miniatures » dans leur version pour piano à quatre mains. Du charme de Grieg au parfum ravélien, de l’humour de Barber à la rutilance de Borodine, il n’y a pas une once de monotonie dans ce programme marqué par l’optimisme, l’énergie et l’enthousiasme.