Les maîtres de l'ambiant électro sont de retour avec un album majestueux Pourvoyeurs de musique ambiant / électronique orchestrée, A Winged Victory for the Sullen revient avec un album qui s'apparente à un tour de force. Le duo (composé de Dustin O'Halloran et Adam Wiltzie) s'est forgé en dix ans un statut de groupe culte, se créant une place à part dans les sphères ambiant et néo-classiques. Leur son ample et mélancolique leur a valu de travailler chacun dans des groupes ambiant innovants (Stars of the lid, The Dead Texan), mais aussi de composer des musiques de films emblématiques. Une série d'albums sur les labels Erased Tapes et Kranky leur ont apporté une reconnaissance internationale et une légion de fans, Jon Hopkins au premier chef. A l'instar de Max Richter et Tim Hecker, le duo s'est taillé une réputation internationale en multipliant les projets (ensemble ou séparément) : BO des films Marie Antoinette de Sofia Coppola et Iris de Jalil Lespert, de la série Transparent, ainsi que de nombreuses pièces pour le théâtre et l'art contemporain. The Undivided Five, le nouvel album, prête une attention nouvelle aux détails de la composition. Influencée par Debussy, leur musique est traversée de grands accords et d'arrangements complexes. Cette direction musicale est aussi le fruit de leur respect pour le regretté Johann Johannsson avec qui ils ont collaboré. A sa demande, ils ont remixé l'un de ses titres, ce qui leur apporté une nouvelle palette : nouvelle gamme chromatique pour les cordes, synthétiseurs analogues, piano et cordes arrangés différemment. Nous cherchons à accéder au coeur de la musique, son ADN, et suivre de nouvelles voies, expliquent-ils. Comme en écho à leurs préoccupations, ce chiffre cinq s'impose à travers leur musique - l'importance de l'accord de quinte et ses harmonies parfaites, les cinq sens, d'où le titre de cet album - The Undivided Five - qui est leur cinquième sortie !

C'est après une poignée de singles très bien accueillis que BLEACHED, formé des deux très jeunes soeurs JESSICA et JENNIFER CLAVIN, sort aujourd'hui son tout premier album qui mériterait une récompense pour le titre le plus cool de l'année : « Ride Your Heart ». Repéré par le prestigieux label Dead Oceans, BLEACHED impressionne avec son punk sorti tout droit de 1977, gorgé de mélodies rock'n'roll ensoleillées typiques du sud de la Californie. Chacun des douze morceaux de « Ride Your Heart » révèle un peu plus les nombreuses facettes de la musique de BLEACHED dans un déluge d'harmonies et de guitares enchevêtrées, évoquant aussi bien les RAMONES et les CARS que les ROLLING STONES et FLEETWOOD MAC. Une prodigieuse entrée en matière.

C'est après une poignée de singles très bien accueillis que BLEACHED, formé des deux très jeunes soeurs JESSICA et JENNIFER CLAVIN, sort aujourd'hui son tout premier album qui mériterait une récompense pour le titre le plus cool de l'année : « Ride Your Heart ». Repéré par le prestigieux label Dead Oceans, BLEACHED impressionne avec son punk sorti tout droit de 1977, gorgé de mélodies rock'n'roll ensoleillées typiques du sud de la Californie. Chacun des douze morceaux de « Ride Your Heart » révèle un peu plus les nombreuses facettes de la musique de BLEACHED dans un déluge d'harmonies et de guitares enchevêtrées, évoquant aussi bien les RAMONES et les CARS que les ROLLING STONES et FLEETWOOD MAC. Une prodigieuse entrée en matière.

« Lorsqu’il débarqua sur la scène de l’Austin City Limits à Austin en octobre 1988, DWIGHT YOAKAM était littéralement la nouvelle sensation de la scène country. Mais même à ce moment et comme toujours, il faisait les choses à sa manière. DWIGHT était né dans une petite ville du Kentucky et a grandi en écoutant la musique bluegrass. A la différence de la plupart des crooners mainstream country-pop des années 80, DWIGHT YOAKAM a ressuscité presque à lui seul le son rockabilly, honky-tonk et hillbilly qui étaient les pierres angulaires de la musique country des années précédentes. Il découvrit également le son de Bakersfield dans les années 60 et créa alors le sien, dans la tradition des légendes country Merle Haggard et Buck Owens. Buck, en fait, était à la fois son ami et son héros. Quand DWIGHT jouait à Bakersfield, il s’était arrêté au bureau de Buck et a réussi à l’amadouer pour qu’il joue quelques chansons avec lui sur scène le soir. En résulta une longue amitié et leur duo historique, ‘Streets Of Bakersfield’. Tout comme ses héros, DWIGHT a été fidèle à ses racines et a imposé son style unique pendant près de 20 ans. » Terry Lickona (producteur d’Austin City Limits)

Les chansons folk américano-celtiques de Kyle Carey sont uniques, originales et relient les deux rives de l’Atlantique. The Art of Forgetting est le troisième album de l’égérie transatlantique Kyle Carey, qui a su créer, en mélangeant ses influences celtiques européennes à l’Amérique de son temps, son style propre qu’on pourrait qualifier de « Gaelic Americana ». Racine celtiques, feeling Americana teinté de musique des Appalaches, l’album de Kyle Carey a été enregistré en Louisiane, produit par Dirk Powell et fait appel à des soutiens enracinés dans ces traditions comme la chanteuse Rhiannon Giddens, le fiddle écossais John McCusker et le flûtiste irlandais Mike McGoldrick, invités spéciaux sur l’album. POUR CEUX QUI AIMENT Karan Casey / Alison Krauss

Les Jug Bands sont nés dans les années 1890 mais c’est dans les années 20’ que les instruments « do it yourself » prirent une ampleur différente, liés au développement du blues aux Etats-Unis. En incorporant toutes sortes d’instruments artisanaux, les premier Jug Bands étaient composés de musiciens afro-américains qui mixaient aisément entre blues, ragtime et jazz classique. A la différence du blues du Delta, ils étaient connus pour créer de la musique amusante et divertissante, un genre de blues souvent méconnu mais plus influant et dynamique. On y retrouve certains des groupes et artistes de Jug Band les plus connus : Memphis Jug Band, King David’s Jug Band, Clifford’s Louisville Jug Band, David Stovepipe & Sarah Mississippi...

Trois partitions qui dressent un portrait vivant de Leos Janacek, avec une version authentique de la Messe Glagolitique dirigée par Vaklas Neumann. Chantées par des artistes tchèques rompus au slavon ancien comme au dialecte nordmorave, ces trois partitions dressent un vivant et etonnant portrait de Janacek, ancien pensionnaire d'un monastere de Brno, choriste, puis organiste, rompu aux traditions et pratiques ecclésiastiques locales comme à leur folklore ou le parler se confond avec leur intonation et mise en musique. Sa foi, a la fois patriotique et humaniste, rayonne dans la confidence comme dans la magnificence, le Slava (Gloria) triomphant d'un peuple slave.

Entre voyage et ballades entêtants, Marius Bubat et Georg Conrad mêlent avec aisance musique électronique et pop Le duo COMA sort son troisième chez CITY SLANG (CARIBOU, GOLD PANDA) après une poignée d'albums et de maxis qui ont fait leur renommée chez KOMPAKT. Ils reçoivent rapidement le soutien des médias comme PITCHFORK, LIBéRATION. THE GUARDIAN affirme : jouabilité, la beauté et le plaisir intense qui résulte des mélodies parfaitement entrelacées. VOYAGE VOYAGE combine à merveille les influences techno 90's et pop. Entre voyage électronique à la basse rageuse (Snurrebassen) et ballades électroniques aux refrains entêtants (A train), COMA sonne comme un KINGS OF CONVENIENCE qui aurait décidé de faire un stop à Dusseldorf.

Entre voyage et ballades entêtants, Marius Bubat et Georg Conrad mêlent avec aisance musique électronique et pop Le duo COMA sort son troisième chez CITY SLANG (CARIBOU, GOLD PANDA) après une poignée d'albums et de maxis qui ont fait leur renommée chez KOMPAKT. Ils reçoivent rapidement le soutien des médias comme PITCHFORK, LIBéRATION. THE GUARDIAN affirme : jouabilité, la beauté et le plaisir intense qui résulte des mélodies parfaitement entrelacées. VOYAGE VOYAGE combine à merveille les influences techno 90's et pop. Entre voyage électronique à la basse rageuse (Snurrebassen) et ballades électroniques aux refrains entêtants (A train), COMA sonne comme un KINGS OF CONVENIENCE qui aurait décidé de faire un stop à Dusseldorf.

La Norvège ce n'est pas que les Trolls, les Fjords, le ski de fond et les jolies blondes. C'est aussi un formidable vivier d'artistes et de groupes de musique plus talentueux les uns que les autres. Aujourd'hui c'est au tour de TEAM ME de se mettre en évidence avec l'arrivée de leur tout premier album intitulé « To The Treetops ! ». Ce sextet dirigé par MARIUS D. HAGEN nous propose un opus efficace, percutant et mélodiquement parlant. Dans la lignée d'ARCADE FIRE, FOALS ou KAKKMADDAFAKKA (leurs voisins de Bergen), TEAM ME se dévoile à travers dix morceaux indie pop délicieusement « mainstream ». D'ors et déjà acclamé par la critique et le public norvégien ils ont remporté le prix de meilleur groupe Pop aux Spellermann Awards (Grammy Awards à la sauce viking). TEAM ME est la belle surprise de ce début d'année et une chose est sûr, ils ne vous laisseront pas indifférent !

Daniel Blumberg nous livre un très grand disque. Sublime, intense et audacieux, il a tout d’un classique. Daniel Blumberg présente Minus, sa première sortie sous son vrai nom. Œuvre stupéfiante, cet album marie parfaitement musique libre et improvisée avec composition émotionnellement brute, prenant racine dans sa tourmente personnelle. L’album a été enregistré en live avec le producteur légendaire Peter Walsh (collaborateur de Scott Walker depuis Climate Of Hunter). Avec Minus, on sent que Blumberg a finalement trouvé ce qu’il cherchait : un travail saisissant et progressif qui devrait en faire une des voix contemporaines britanniques les plus uniques. POUR CEUX QUI AIMENT Low, Bill Callahan, Bonnie Prince Billy, Neil Young, Lamb Chop

Chandos Records est heureux de vous présenter ce nouvel enregistrement du chef d'oeuvre choral d'Elgar, l'oratorio The Dream of Geronte (Le Rêve de Géronte), couplé avec un cycle d'airs désormais très connu intitulé Sea Pictures. Le BBC Symphony Orchestra et son choeur sont dirigés par Sir Andrew Davis, un elgarien hors pair qui a reçu cette année la médaille de la prestigieuse Elgar Society en reconnaissance de sa contribution exceptionnelle à la musique du compositeur. Dans Géronte, les solistes sont Stuart Skelton, David Soar et Sarah Connolly, également présente dans Sea Pictures. L'enregistrement a été réalisé quelques jours avant l'exécution en concert, un triomphe en cette année où Stuart Skelton a été salué comme le ténor idéal pour le rôle de Géronte. The Dream of Gerontius est issu d'un poème religieux qui raconte avec force le dernier rêve d'un croyant à l'approche de la mort et le voyage de son âme. Sea Pictures est un recueil de poèmes d'auteurs différents tous écrits sur un même thème : l'amour de la nature. La musique d'Elgar y explore les résonances émotionnelles de la mer, de la sérénité des eaux calmes à la tempête au coeur de l'océan.

NICHOLAS BRITELL a réussi à décrocher une nomination pour l’Academy Award de la meilleure bande originale en mixant des éléments d’orchestre avec du rap, spécifiquement le son « chopped and screwed », une technique de remix venu de Houston et consistant à ralentir la vitesse des enregistrements et à faire du scratching. Il y a eu deux phases distinctes dans la période de création de ce disque : NICHOLAS BRITELL a commencé à écrire la musique en regardant les premiers extraits du film puis il a ensuite discuté avec Jenkins et a ajouté la technique du « chopped and screwed ». Moonlight a remporté le Golden Globe du meilleur film et a été nominé pour 8 Academy Awards, donc la meilleure bande originale qu’il a remporté également.

La musique d’ISIS est une parfaite métaphore à leur carrière longue de 13 ans : patiente, méticuleuse, chargée de tension et graduellement construite autour d’un point culminant aussi puissant d’un séisme. En passant des riffs hypnotiques matraqués des premières années aux passages gracieusement dilués de leur second album pivot Oceanic et tout en continuant à jouer avec les textures rythmiques et ultra mélodieux de l’album ‘In The Absence of Truth’ de 2006, le groupe a su grandir et évolué sans pour autant ébranler sa vision initiale. Live VII est le septième album live de la série post rupture d’Isis et le premier à sortir sur Ipecac. Leur spectacle phare a été enregistré le 25 février 2010 à The Corner Hotel à Melbourne en Australie durant The Soundwave Festival.

James Dean et Marlon Brando irradiaient de leur présence les écrans du cinéma des années 50 et devenaient les héros d’une jeunesse en quête de nouveaux modèles. Une nouvelle façon de vivre et d’envisager son existence se diffusait rapidement aux Etats-Unis. Au niveau musical, la naissance du « cool jazz » était simultanée et la musique de Miles Davis, John Lewis et le Modern Jazz Quartet, Dave Brubeck et Chet Baker devenait la bande-son mélodieuse et décontractée d’une nouvelle génération.Wolfgang Haffner, que l’on pourrait trivialement surnommer le « Manu Katché allemand » (il a joué sur plus de 400 albums de tous les styles musicaux), a réuni une équipe de fines gâchettes pour un hommage moderne à ce mouvement musical. Il a sélectionné des standards incontournables tels « So What » de Miles Davis, « Django » du MJQ, « Autum Leaves », « My Funny Valentine », « Piano Man »,etc., et inclut trois composions personnelles. « L’intérêt n’est pas du tout d’essayer de copier la façon de jouer de ces illustres artistes » déclare le batteur, « mais plutôt de réarranger les titres en irrigant la musique des nouveaux grooves et interventions de musiciens exceptionnels à mes côtés ».Un bel hommage moderne et sobre à ce courant musical qui a marqué l’histoire du jazz.

La version live de l'Album sensation de l'année des Victoires du jazz 2017 Voici ce que disait Télérama disait à la sortie de l'album studio Sfumato : De la poésie sonore, issue autant du jazz traditionnel, du free et de la musique contemporaine, alliage de haute intensité qui vous emporte tantôt dans des tourbillons, tantôt dans des impressions vaporeuses (sfumato, en italien, désigne une technique picturale produisant un nuage de transparence). Au soprano, Parisien est simplement renversant d'invention et d'énergie. On lui sait gré aussi de laisser de l'espace aux autres solistes et de les inspirer : Kuhn, Codjia et Portal sont à leur maximum. POUR CEUX QUI AIMENT Vincent Peirani, Les doigts de l'homme, Michael Wollny

Installé à Lisbonne, Kimi Djabaté est resté fidèle à la musique avec laquelle il a grandi en Guinée-Bissau, bien qu'il l'ait enrichie de ses propres influences et expériences, forgeant un son acoustique et mélodique posé sur des rythmes afrolatins. Il a collaboré avec beaucoup de musiciens exceptionnels, tels que Mori Kante, Waldemar Bastos, Netos de Gumbé et bien d'autres. En 2005, il publie en indépendant son premier disque Tériké. Le thème central de Karam, son second album, est l'Afrique : ses réalités sociales et politiques, la souffrance du peuple africain, la lutte contre la pauvreté, la liberté, les droits des femmes et l'amour. En bon porte-parole de ses racines griottes, Kimi Djabaté avec Karam rend hommage au peuple, à l'âme et à l'esprit de l'Afrique, c'est le coeur de sa musique.

Au coeur de la musique sacrée française du XVIIème avec Le Concert Spirituel. Hervé Niquet et Le Concert Spirituel explorent une fois encore le monde splendide de la musique sacrée de la France du XVIIe siècle et nous présentent un compositeur à peine connu - Louis Le Prince -, maître de chapelle à Lisieux [Basse Normandie]. Ils interprètent sa Missa Macula non est in te en y intercalant un bouquet de motets de Marc-Antoine Charpentier (qui lui, est bien plus connu aujourd'hui, en grande partie grâce aux versions magistrales de son oeuvre, signées par Niquet). La messe et les motets sont interprétés dans des versions pour voix de femmes et instruments. Bien que certaines des pièces du disque furent composées spécifiquement pour des voix aiguës, il était habituel à l'époque de chanter les messes polyphoniques avec les recours vocaux disponibles; il est pratiquement certain qu'à l'époque, la messe à six voix de Le Prince - un hommage à la Vierge - fut chantée dans des couvents, donc par des voix de femmes uniquement. Cette pratique est décrite par Fannie Vernaz dans le livret accompagnant le disque, et complémente l'exploration réalisée par Hervé Niquet de la Messe de Requiem de Pierre Bouteiller (oeuvre qu'il adapta à un choeur d'hommes). Les sonorités magnifiques des motets de Charpentier (et d'un petit motet de Jean-Baptiste Lully) parachèvent un Office construit par Niquet autour de l'ordinaire de la messe de Louis Le Prince; il démontre ainsi d'une façon irrésistible la variété et la splendeur de la musique du grand siècle, celui de Louis XIV.

Une instrumentation atypique qui croise les sons du blues et du kaladja caribéen, un ensemble diversifié riche en mélodie et en groove. Le groupe multi-culturel et multi-générationnel Bokanté, chantant principalement en Creole s'associe au Metropole Orkest pour un nouvel album What Heat. Les thèmes abordés par le groupe sont socio-politiques, comme l'effet des décisions politiques sur la vie de tous les jours, et dans le contexte des évènements mondiaux actuels comme l'immigration. A travers ce disque Bokanté entouré du Metropole Orkest mélange les racines du blues, la musique africaine et américaine, piochant dans plein de styles différents pour délivrer un disque multi-culturel. La musique et quelques unes des mélodies ont été écrites par League et expérimentées sur scène lorsqu'il était en tournée avec ses autres groupes. Il les a ensuite fait parvenir à Malika Tirolien afin qu'elle puisse en écrire les paroles et explorer d'autres mélodies. C'est de cette manière, par échanges croisés, que tout a commencé. Jusqu'au premier jour d'enregistrement, la plupart des musiciens ne s'étaient jamais rencontrés. POUR CEUX QUI AIMENT Cory Henry, Spike Jones, FKA twigs

Pottery est le meilleur band que vous ne pouvez pas écouter parce que les membres refusent de sortir leur album - Vice Canada. Et bien ça y est ! Découvrez leur tout premier album. Les 11 chansons de Welcome to Bobby's Motel, le premier album de Pottery, ne vous invitent pas seulement à bouger votre corps, elles vous l'imposent. Fusionnant une énergie téméraire avec une précision minutieuse, le disque est à la fois post-punk, art-pop et acid trip, faisant allusion à tout ce qui va de Devo à Gang of Four, tout en parcourant avec audace les genres et les décennies. La musique est animée par une batterie explosive et des riffs de guitares décalés qui s'incrustent dans votre cerveau, accentués par des grooves profonds et funky ainsi que des chants entraînants. La production est tout aussi brute et sauvage, suggérant un air d'anarchie qui dément l'architecture soignée et la construction méticuleuse de la musique. Le résultat est un album rempli de performances ambitieuses et complexes qui dégagent à la fois joie et chaos, une collection qui est alternativement virtuose, chaotique et amusante. Welcome To Bobby's Motel est une invitation à se libérer, à se déconnecter, à se laisser aller, délivrée par un groupe de rock and roll qui veut juste vous voir danser.

Pottery est le meilleur band que vous ne pouvez pas écouter parce que les membres refusent de sortir leur album - Vice Canada. Et bien ça y est ! Découvrez leur tout premier album. Les 11 chansons de Welcome to Bobby's Motel, le premier album de Pottery, ne vous invitent pas seulement à bouger votre corps, elles vous l'imposent. Fusionnant une énergie téméraire avec une précision minutieuse, le disque est à la fois post-punk, art-pop et acid trip, faisant allusion à tout ce qui va de Devo à Gang of Four, tout en parcourant avec audace les genres et les décennies. La musique est animée par une batterie explosive et des riffs de guitares décalés qui s'incrustent dans votre cerveau, accentués par des grooves profonds et funky ainsi que des chants entraînants. La production est tout aussi brute et sauvage, suggérant un air d'anarchie qui dément l'architecture soignée et la construction méticuleuse de la musique. Le résultat est un album rempli de performances ambitieuses et complexes qui dégagent à la fois joie et chaos, une collection qui est alternativement virtuose, chaotique et amusante. Welcome To Bobby's Motel est une invitation à se libérer, à se déconnecter, à se laisser aller, délivrée par un groupe de rock and roll qui veut juste vous voir danser.

Après deux premiers chef-d' oeuvres encensés par la critique, le plus romantique des allemands, KONSTANTIN GROPPER revient avec un nouveau diamant de pop baroque. Magnifiquement arrangé, à la fois flamboyant et tout en retenue, ce troisième album est un pur moment de romantisme pop. Avec GET WELL SOON, on pense à THE DIVINE COMEDY pour ses arrangements magistraux, à BEIRUT pour ses cuivres venus d'ailleurs, à ARCADE FIRE pour ses envolées lyriques et à MORRICONE pour la dimension cinématique et visuelle de ses morceaux. WIM WENDERS ne s'y était d'ailleurs pas trompé en lui demandant d'écrire deux titres pour la BO de son film Palermo Shooting. Sur The Scarlett Beast O' Seven Heads, on retrouve d'ailleurs des hommages à HITCHCOCK et HERGZOG. Une musique lettrée et sensible, GET WELL SOON a encore réalisé une oeuvre magistrale.

« Juke Joint At The Edge Of The World est un disque qui reflète la liberté que mes amis et moi avons acquise en jouant ensemble ces dernières années. Certains des endroits où nous jouons sont comme des jointures, où tout le monde danse et crie - nous puisons notre énergie à travers ces personnes et ces lieux. Désormais, on sait que quand on improvise, on est portés vers de meilleures sphères musicales. Cet album n’a pas ce côté « sorti de studio », il est plus réfléchi et moins joué, moins analysé et plus fun. Il a ses racines dans la soul et la musique R&B avec lesquelles j’ai grandi. Quand j’ai écrit ces nouvelles chansons, j’ai été habité par plusieurs personnages à qui j’ai laissé la parole depuis leurs mondes de désillusions et de fantaisies (‘Plan B’), de pauvreté, d’humour, de force (‘Pot Holes on Main Street’), des souvenirs de ma jeunesse et de la ségrégation (‘Garbage Man’). J’ai rêvé du morceau ‘Mali Katra’ lorsque j’ai aperçu un groupe de vautours perché sur une colonne électrique. Ca m’a fait penser à ceux qui ont le pouvoir, qui dominent et qui décident de nos vies. La pochette de cet album représente l’absurdité de tout ça. La musique, elle, est libre et nous emmènera toujours à des endroits à des endroits où l’on pourra rêver et danser ». RANDALL BRAMBLETT

La première édition de Late Night Tales pour 2016 est un projet un peu spécial : un artiste album plutôt qu'une compilation. Le tout par le Dj britannique superstar : Sasha. On imagine écouter de la musique inspirée par Nils Frahm, Max Richter ou même Steve Reich, mais le tout composé par un dj, plutôt implanté à Ibiza que dans les philharmonies. Scene Delete est une façade de Sasha totalement inédite et comme on ne l'a jamais entendu auparavant. L'idée est née il y a trois ans, suite à la création d'un morceau où Nigel Godrich jouait les claviers. Inévitablement en club, c'est un flop, toutefois, la frustration et la condition d'avoir quelque chose de fort, sont plus fort et l'incite à persévérer. En résulte la bande originale d'un esprit plein de surprises. Disponible en CD et 3LP.

Les différentes périodes de la vie de George Sand illustrées à travers une alternance de lettres et des plus belles musiques pour piano de Frédéric Chopin. Sand et Chopin, Vie et Passion aujourd'hui publié en disque est le fruit d'une expérience de plus de dix années que Brigitte FOSSEY et Yves HENRY ont acquise dans l'élaboration de ce spectacle et dans leur présentation sur scène. Fil conducteur de cette représentation, la très riche et bouillonnante vie de George Sand est ici sublimée par la puissance émotionnelle de la musique de Frédéric Chopin. En deux disques, la vie et la passion qui ont habité ces êtres exceptionnels peuvent ainsi faire vibrer à leur tour les mélomanes... Le..res dites par Brigi..es Fossey : Casimir Dudevant, Aurélien de Sèze, Jules Boucoiran, Charles Meure, Charles Duvernet, Laure Decerfz, Alfred de Musset, Franz Liszt, Michel de Bourges, Albert Grzymala, Frédéric Chopin, la Comtesse Marliani, Alphonse de Lamartine, Gustave Flaubert et Maurice Sand. Musique de Frédéric Chopin jouée par Yves Henry : Mazurka de jeunesse, Ecossaise n°2, Préludes op.28 n°1, 13, 16, 11 et 9, Etudes op.10 n°11 «révolutionnaire» et op.25 n°7, Nocturne en ut mineur op.48 n°1, Impromptu n°3 op.51, Fantaisie Impromptu, Polonaise op.53 « héroïque », Etude op. posthume n°3, Barcarolle op.60, Prélude op.45 Ballade n°4 op.52

Brandon Coleman publie un premier album aux accents jazz et funk. Ayant grandi à Los Angeles, Brandon Coleman a appris le piano et l'orgue grâce à son frère musicien lui aussi Marcus Coleman qui lui en a appris les premiers rudiments. Par la suite, il fait des études de musique à Colburn School of Performing arts (le Julliard de la côte ouest comme il dit) ou il a appris le jazz sous la tutelle du saxophoniste Lee Secard et trompettiste M. Clay Jenkins. Par la suite il a travaillé avec les plus grands noms parmi lesquels Alicia Keys, Roy Hargrove, Angie Stone etc... Il fait partie depuis quelques années du groupe de Kamasi Washington qu'il accompagne également sur scène. POUR CEUX QUI AIMENT Roy Hargrove, Thundercat, Kamasi Washington

Brandon Coleman publie un premier album aux accents jazz et funk. Ayant grandi à Los Angeles, Brandon Coleman a appris le piano et l'orgue grâce à son frère musicien lui aussi Marcus Coleman qui lui en a appris les premiers rudiments. Par la suite, il fait des études de musique à Colburn School of Performing arts (le Julliard de la côte ouest comme il dit) ou il a appris le jazz sous la tutelle du saxophoniste Lee Secard et trompettiste M. Clay Jenkins. Par la suite il a travaillé avec les plus grands noms parmi lesquels Alicia Keys, Roy Hargrove, Angie Stone etc... Il fait partie depuis quelques années du groupe de Kamasi Washington qu'il accompagne également sur scène. POUR CEUX QUI AIMENT Roy Hargrove, Thundercat, Kamasi Washington

Dernière collab entre Robert Pollard et le producteur de Guided by Voices Todd Tobias.

Bande son des films Saw par Charlie Clouser, une ambiance glauque, froide et horrifique à souhait.

Bande son des films Saw par Charlie Clouser, une ambiance glauque, froide et horrifique à souhait.

Réédition du deuxième album du groupe anglais SAINT ETIENNE initialement sorti en 1993.

Réédition du troisième album du groupe anglais SAINT ETIENNE initialement sorti en 1994.

Encore l’un des albums incontournables de l’une des plus iconiques chanteuses de soul, croisement entre la culture pop et les standards jazz !

Daniel Blumberg nous livre un très grand disque. Sublime, intense et audacieux, il a tout d’un classique. Daniel Blumberg présente Minus, sa première sortie sous son vrai nom. Œuvre stupéfiante, cet album marie parfaitement musique libre et improvisée avec composition émotionnellement brute, prenant racine dans sa tourmente personnelle. L’album a été enregistré en live avec le producteur légendaire Peter Walsh (collaborateur de Scott Walker depuis Climate Of Hunter). Avec Minus, on sent que Blumberg a finalement trouvé ce qu’il cherchait : un travail saisissant et progressif qui devrait en faire une des voix contemporaines britanniques les plus uniques. POUR CEUX QUI AIMENT Low, Bill Callahan, Bonnie Prince Billy, Neil Young, Lamb Chop

La guitare comme on l'entend rarement, par quatre jeunes guitaristes de premier plan, dans une formation rare : le quatuor de guitare. Complicité, rigueur, finesse de jeu, le Quatuor Eclisses a très vite suscité curiosité et intérêt depuis sa création en 2012. Dans une formation aussi riche qu'originale, ces quatre guitaristes de premier plan - lauréats chacun de nombreux et prestigieux prix internationaux - interprètent ici un programme éclectique, alliant musique baroque et pièces contemporaines - illustrant les multiples facettes de la guitare. Ce disque est leur premier enregistrement en commun. OEuvres enregistrées Rossini : Le Siège de Corinthe - Ouverture Torroba : Estampas Bach : Concerto brandebourgeois n°4 Koshkin : Changing the guard Pujol : Grises y soles

Né à Londres mais basé à Los Angeles, POP LEVI est de ceux qui ont commencé la musique très tôt. Après la sortie du single Sugar Assault Me Now, ce petit génie multi instrumentiste revient avec un album qui va bien au-delà des attentes. Clairement inspiré par MARK BOLAN, The Return To Form Black Magic Party nous révèle des influences diverses telles que JACK WHITE, PRINCE, JIMMY HENDRIX, BOB DYLAN ou encore JOHN LENNON. The Return To Form Black Magic Party est donc l'album qui confirme le talent de POP LEVI, mais sans aucun doute aussi sa capacité à nous surprendre en mêlant soigneusement les genres et en exprimant subtilement sa vision de la pop.

Minimal Wave : à la fois un genre de musique électronique DIY en provenance des Etats-Unis et de l'Europe à la fin des années 70 et début des années 80, et le nom d'un label dédié à ces productions surprenantes. The Minimal Waves Tapes est le second volet de cette anthologie consacrée à la musique de ce label. A l'origine éditées en version limitée sur cassettes par les artistes eux-mêmes, seule une poignée de connaisseurs avaient eu à l'époque vent de ces sorties. Veronica Vasicka et Peanut Butter Wolf se sont chargés du reste, de la remasterisation de ces morceaux (à partir des bandes sons originales) à leur présence sur cette anthologie. Le genre Minimal Waves a principalement été marqué par l'utilisation de synthés analogiques et boîtes à rythmes fabriquées dans les années 70 et 80, une structure musicale simple mise en place par des artistes ayant vécu les premières heures de l'esthétique DIY. Un procédé artisanal : des enregistrements sur cassettes et réalisés dans des home studios, une façon de dessiner ses propres pochettes, un mode de collaboration basé sur l'échange de courriers. Le Fanzine CLEM (Contact List Of Electronic Musicians) avait à l'époque une influence considérable, ayant créé une véritable communauté mondiale d'adeptes dédiée à ce type de musique, bien avant l'heure d'internet et de l'utilisation des divers outils et nouvelles techniques de communication. Fondé à New York en 2005 par Veronica Vasicka, le label Minimal Waves fut dès le début consacré à la remastérisation et à la rééditions de productions Minimal Waves obscures, et éditées de manière limitée en version vinyle, parfois digitale.

NICHOLAS BRITELL a réussi à décrocher une nomination pour l’Academy Award de la meilleure bande originale en mixant des éléments d’orchestre avec du rap, spécifiquement le son « chopped and screwed », une technique de remix venu de Houston et consistant à ralentir la vitesse des enregistrements et à faire du scratching. Il y a eu deux phases distinctes dans la période de création de ce disque : NICHOLAS BRITELL a commencé à écrire la musique en regardant les premiers extraits du film puis il a ensuite discuté avec Jenkins et a ajouté la technique du « chopped and screwed ». Moonlight a remporté le Golden Globe du meilleur film et a été nominé pour 8 Academy Awards, donc la meilleure bande originale qu’il a remporté également.

« Juke Joint At The Edge Of The World est un disque qui reflète la liberté que mes amis et moi avons acquise en jouant ensemble ces dernières années. Certains des endroits où nous jouons sont comme des jointures, où tout le monde danse et crie - nous puisons notre énergie à travers ces personnes et ces lieux. Désormais, on sait que quand on improvise, on est portés vers de meilleures sphères musicales. Cet album n’a pas ce côté « sorti de studio », il est plus réfléchi et moins joué, moins analysé et plus fun. Il a ses racines dans la soul et la musique R&B avec lesquelles j’ai grandi. Quand j’ai écrit ces nouvelles chansons, j’ai été habité par plusieurs personnages à qui j’ai laissé la parole depuis leurs mondes de désillusions et de fantaisies (‘Plan B’), de pauvreté, d’humour, de force (‘Pot Holes on Main Street’), des souvenirs de ma jeunesse et de la ségrégation (‘Garbage Man’). J’ai rêvé du morceau ‘Mali Katra’ lorsque j’ai aperçu un groupe de vautours perché sur une colonne électrique. Ca m’a fait penser à ceux qui ont le pouvoir, qui dominent et qui décident de nos vies. La pochette de cet album représente l’absurdité de tout ça. La musique, elle, est libre et nous emmènera toujours à des endroits à des endroits où l’on pourra rêver et danser ». RANDALL BRAMBLETT

Nouvelle voix harmonia mundi En enregistrant ce premier récital pour harmonia mundi, Stéphanie d'Oustrac et Pascal Jourdan souhaitaient se mesurer à trois piliers de la musique romantique, trois compositeurs qui ont chacun à sa manière apporté une pierre décisive à l'évolution du lied (Liszt), voire à la naissance de la mélodie française, comme ce fut le cas pour Berlioz avec ses Nuits d'été. Bien davantage connues pour leur orchestration somptueuse, elles revêtent de tout autres habits lorsqu'elles sont accompagnées par la sobriété d'un piano. Cette démarche artistique trouvera ses résonances ultimes dans les cinq Wesendonck-Lieder destinés à l'origine à un simple duo chantpiano par Wagner... avant de devenir l'un des plus célèbres cycles de l'histoire du lied.

Initié très tôt à la musique classique, mais nourri au rock, au funk et au jazz, Francesco Bearzatti est incontestablement un artiste d’aujourd’hui, définitivement affranchi de toute notion de genre et de style trop restrictives. Pour autant, élève de George Coleman, sideman dans les orchestres de Charles Persip ou Kurt Rosenwinkel, partenaire de grands noms du jazz transalpin (Stefano Bollani, Pietro Tonolo, Roberto Gatto, Enrico Rava) et leader désormais de plusieurs formations en trio et en quartet, Bearzatti, au-delà de l’éclectisme revendiqué de ses goûts et de son savoir-faire, est certainement l’un des plus beaux stylistes apparus dernièrement sur la scène jazz européenne. A 45 ans, l’italien insuffle un puissant vent d’air frais sur le jazz, en enjambant allègrement les styles, une liberté à l’image de son parcours, entre le rock, le punk, la house et le bop. Son précédent album « Monk’n’Roll », joyeux mélange entre Monk et la pop music, avait défrayé la chronique, recevant de nombreuses récompenses dans la presse musicale. Ce nouveau disque avec le Tinissima 4tet est un hommage engagé à Woody Guthrie, qui avait inscrit sur sa guitare dès les années 30 « This Machine Kills Fascists ». Sa musique a eu une influence considérable et fait partie de la culture contemporaine des États-Unis; ses textes réputés à l'image de son tempérament sont portés par une musique reconnue comme brute et sans fioritures, et son oeuvre est incontestablement devenue une référence très importante de la chanson américaine, influençant Bob Dylan, Joan Baez, Bruce Springsteen, Billy Bragg ou encore The Clash. L’album est habité, comme en témoigne ces quelques mots du saxophoniste : « Je me sens totalement impliqué dans ce que je fais. C’est vrai que je suis possédé par la musique... Je joue avec beaucoup de passion. J’essaye de raconter mon histoire. Je ne peux pas l’expliquer, mais je mets toute ma vie dedans, ma personnalité, mes problèmes aussi, mes joies... Je mets tout mon être dans la musique ».

La première édition de Late Night Tales pour 2016 est un projet un peu spécial : un artiste album plutôt qu'une compilation. Le tout par le Dj britannique superstar : Sasha. On imagine écouter de la musique inspirée par Nils Frahm, Max Richter ou même Steve Reich, mais le tout composé par un dj, plutôt implanté à Ibiza que dans les philharmonies. Scene Delete est une façade de Sasha totalement inédite et comme on ne l'a jamais entendu auparavant. L'idée est née il y a trois ans, suite à la création d'un morceau où Nigel Godrich jouait les claviers. Inévitablement en club, c'est un flop, toutefois, la frustration et la condition d'avoir quelque chose de fort, sont plus fort et l'incite à persévérer. En résulte la bande originale d'un esprit plein de surprises. Disponible en CD et 3LP.

Qui dit « compositeur norvégien » dit Grieg et... c'est tout. Il est donc grand temps d'explorer plus avant le répertoire norvégien, et le premier nom venant en second est celui de Halvorsen. Ce compositeur, violoniste et chef d'orchestre étudia à Berlin et Leipzig comme il se devait en son temps les années 1880/90, puis retourna en Norvège en 1893 pour y occuper le poste de Directeur musical de l'Orchestre de Bergen, celui-là même qui lui rend ici hommage un siècle plus tard. S'il poursuit la tradition nationaliste de Grieg (dont il épousa la nièce et les principes), il intègre également une phénoménale science de l'orchestration inspirée des romantiques français, Berlioz et Bizet en tête. Découvrez sa propre Suite Holberg, hommage voilé à Grieg, une oeuvre théâtrale destinée à illustrer une pièce du dramaturge, partition délicieuse et colorée à souhait. Mais découvrez surtout sa magnifique Seconde Symphonie Fatum de 1924, oeuvre de l'ultime maturité donc, un des évidents piliers de la musique nordique au même titre que les grandes symphonies de Sibelius et Nielsen. Comment se fait-il que ce bonhomme ait été à ce point ignoré jusqu'ici ? Son ancien orchestre s'attelle donc à lui rendre justice. ©Abeille Musique 2011

Il est assez dur de faire son petit bonhomme de chemin si tard dans le rap, de rester fidèle à ses origines et à ses racines musicales tout en respectant son intelligence propre et en créant quelque chose d'original. Sur « [sic] », son premier album, ELLIOTT EGERTON, 21 ans, réalise justement cela. En faisant s'entrechoquer ses lyrics percutants et des sons bruts et contemporains - qu'il décrit comme étant « punk-donk-dub-hiphop » - EGERTON livre un premier album à la fois vrai et novateur. EGERTON traite de la manière égale la musique et les paroles. Il pioche dans les détritus de la culture pop moderne - la politique, la culture « djeunz », de copieuses références sur la drogue et l'histoire du hip-hop - et extrait de tout cela des beats étranges, difformes, voire exacerbés, et des lyrics vifs pleins de ruses et d'ironie.

La musique c'est notre façon de boxer (Hugo / Kursed) Kursed cumule 300 matchs sans abandon. Assez pour travailler le jeu de jambes et se faire les dents. Suffisamment pour couper le souffle d’adversaires aux Inouïs du Printemps de Bourges (Bourges - 2016), Bars en Trans (Rennes - 2015), This Is Not A Love Song (Nîmes - 2016) ou encore sur le plateau de Canal+... Misophone, leur premier album en qualification pro ? Enregistré dans la foulée de leur E.P. Apple (rentrée 2015), en 5 jours/rounds, avec Lionnel Buzac - chanteur et guitariste du groupe Soma. Le sparringpartner leur a appris la patience. Exit les fioritures : on guette l’occasion. L’ouverture. Pas de victoire aux points, non, mais par K.O... Sacré pronostique pour une formation qui trouve ici son second souffle. Illico.

Cette compilation BETTY HARRIS - The Lost Queen Of New Orleans Soul rassemble les incroyables et abondantes sorties des singles soul/funk de BETTY HARRIS entre 1964 et 1969, sous la direction du légendaire compositeur, musicien et producteur Allen Toussaint : une collection qui capture le coeur et l’âme de la Nouvelle Orleans pendant cette période. La voix puissante et extrêmement expressive de BETTY HARRIS a trouvé l’accompagnement parfait en les musiciens de la Nouvelle Orléans que Toussaint rassembla derrière elle, qui, au moment de la sortie du légendaire There’s A Break In The Road, se firent connaître sous le nom de The Meters. Avec les capacités d’écriture extraordinaires de Allen Toussaint, assemblées à la puissante et émotive chanteuse et le groove de The Meters, vous découvrirez ici une imbattable combinaison. Tous ces singles rassemblés ici furent sortis sur le label de la nouvelle Orléans Sansu (label de Allen Toussaint et de son partenaire Marshal Sehom), distribués dans toute la ville mais seulement limités à quelques exemplaires. En conséquence, la musique de BETTY HARRIS ne rencontra pas le succès commercial des autres artistes de la Nouvelle Orléans comme Lee Dorsey ou The Meters. Elle se retira donc du business de la musique à la fin des années 60.

Cette compilation BETTY HARRIS - The Lost Queen Of New Orleans Soul rassemble les incroyables et abondantes sorties des singles soul/funk de BETTY HARRIS entre 1964 et 1969, sous la direction du légendaire compositeur, musicien et producteur Allen Toussaint : une collection qui capture le coeur et l’âme de la Nouvelle Orleans pendant cette période. La voix puissante et extrêmement expressive de BETTY HARRIS a trouvé l’accompagnement parfait en les musiciens de la Nouvelle Orléans que Toussaint rassembla derrière elle, qui, au moment de la sortie du légendaire There’s A Break In The Road, se firent connaître sous le nom de The Meters. Avec les capacités d’écriture extraordinaires de Allen Toussaint, assemblées à la puissante et émotive chanteuse et le groove de The Meters, vous découvrirez ici une imbattable combinaison. Tous ces singles rassemblés ici furent sortis sur le label de la nouvelle Orléans Sansu (label de Allen Toussaint et de son partenaire Marshal Sehom), distribués dans toute la ville mais seulement limités à quelques exemplaires. En conséquence, la musique de BETTY HARRIS ne rencontra pas le succès commercial des autres artistes de la Nouvelle Orléans comme Lee Dorsey ou The Meters. Elle se retira donc du business de la musique à la fin des années 60.

Inutile de rappeler à quel point CALEXICO est un groupe référence de la scène indépendante américaine. Avec 11 albums studio et 15 ans de carrière à écumer les routes pour offrir le meilleur mélange improbable de rock, blues, folk et musique mariachi, les natifs d'Arizona ont fini par rassembler une armée de fans. Spécialement en France où leurs collaborations avec JEAN-LOUIS MURAT et FRANCOIZ BREUT leur ont permis de faire adhérer un nouveau public. Cette compilation regroupe 16 titres issus des 8 albums auto-produits du groupe qui étaient exclusivement vendus sur leurs tournées. 16 titres rares et d'une justesse irréprochable qui nous laisse rêver à défiler sur les longues routes des déserts américains.

Artiste pluridisciplinaire, Lido Pimienta présente son style unique : une pop satanique, mélangeant beat électroniques, synthés analogiques, et rythmes afro-colombiens. écriture puissante et mélodies engagées, Lido Pimienta est une artiste complète, qui définit elle-même sa musique de Pop Satanico. Une pop satanique faite pour interroger et réveiller les esprits et les consciences. Lido Pimienta est une musicienne et artiste multidisciplinaire née en Colombie et basé à Toronto. Elle a tourné dans le monde entier depuis 2002, explorant les politiques de genre et de race, la maternité, l'identité et la construction du paysage canadien dans la diaspora latino-américaine. Son nouvel album Miss Colombia porte son hybridation extatique à un nouveau niveau, en s'appuyant sur l'intersection de l'electronica et de la cumbia, établi par son album La Papessa, lauréat du prix Polaris 2016, comme album canadien de l'année. La voix et la musique aux textures multiples et à l'esprit tordu de Lido Pimienta projettent ce que le Globe and Mail canadien a appelé son personnage audacieux, impétueux et polarisant, qui confronte constamment les pouvoirs en place. Produit avec Matt Smith, a/k/a Prince Nifty, Miss Colombia déborde d'un génie discret à qui l'on promet une extraordinaire réussite.

Artiste pluridisciplinaire, Lido Pimienta présente son style unique : une pop satanique, mélangeant beat électroniques, synthés analogiques, et rythmes afro-colombiens. écriture puissante et mélodies engagées, Lido Pimienta est une artiste complète, qui définit elle-même sa musique de Pop Satanico. Une pop satanique faite pour interroger et réveiller les esprits et les consciences. Lido Pimienta est une musicienne et artiste multidisciplinaire née en Colombie et basé à Toronto. Elle a tourné dans le monde entier depuis 2002, explorant les politiques de genre et de race, la maternité, l'identité et la construction du paysage canadien dans la diaspora latino-américaine. Son nouvel album Miss Colombia porte son hybridation extatique à un nouveau niveau, en s'appuyant sur l'intersection de l'electronica et de la cumbia, établi par son album La Papessa, lauréat du prix Polaris 2016, comme album canadien de l'année. La voix et la musique aux textures multiples et à l'esprit tordu de Lido Pimienta projettent ce que le Globe and Mail canadien a appelé son personnage audacieux, impétueux et polarisant, qui confronte constamment les pouvoirs en place. Produit avec Matt Smith, a/k/a Prince Nifty, Miss Colombia déborde d'un génie discret à qui l'on promet une extraordinaire réussite.

Un conte musical de Claude Clément. Une musique issue du répertoire arabo- andalou composée par Abed Azrié, interprétée par deux grands noms de la musique baroque et arabe : Christian Rivet (Luth) et Mohanad Aljaramani (Oud). Une histoire d'amitié et de musique permettant de découvrir deux instruments cousins : le luth et l'oud. L’histoire se situe en Andalousie au temps de la reconquête des royaumes musulmans par les souverains chrétiens et leurs armées. Un jeune chevalier fait une découverte envoûtante qui va changer le cours de sa vie. Hypnotisé par les sonorités d’un oud, Lancelin va parcourir l’Andalousie à la recherche de cette musique. Spécialement conçue par Abed Azrié la musique de ce conte réunit deux grands noms de la musique orientale et occidentale : Mohanad Aljaramani au oud et Christian Rivet au luth. Puisant dans le répertoire arabo-andalou composé par Abed Azrié, les deux musiciens nous entraînent dans un voyage sonore aux portes de l’Alhambra et dans les vallées andalouses. Malgré le contexte historique lointain de la «Reconquista», cette histoire d’amitié résonne à notre époque et transmet l’intemporel rôle de l’art et de la musique - celui de susciter la rencontre audelà des frontières. Livret illustré : 18 doubles pages texte et illustrations + pages documentaires présentation historique du Luth et du Oud. > Disponible en téléchargement. COLLECTION PETIT TOURNEUR DE PAGES Ce conte constitue le cinquième volume d’une collection dont les instruments de musique sont les héros ! Personnage récurrent dans la vie des musiciens, « Le petit tourneur de pages » conduit son jeune lecteur à entrer dans le monde de l’imaginaire, puis à le dépasser pour découvrir les multiples facettes de l’instrument, au-delà des genres et des répertoires. Claude Clément est une auteure familier des jeunes lecteurs. Née à Marrakech, elle passé son enfance dans l’Atlas. En parallèle de l’écriture, elle est aussi traductrice. Abed Azrié est un compositeur français, né en Syrie, auteur d’une vingtaine d’albums, de musiques de fi lms et de livres dont une traduction de l’épopée de Gilgamesh. Au fi l des tournées, sa musique rassemble un public enthousiaste, transporté par la modernité de ses compositions. Louise Heugel - Illustrations, croquis, collages, fi xés sous-verre, peintures murales, mobiles, estampes et gravures constituent l’univers coloré de Louise Heugel. Elle aime créer, transformer, chercher et partir à la découverte du monde en donnant des ateliers pour enfants aux quatre coins du globe. Le Luth Andalou est son troisième livre-cd pour lequel elle a recomposé avec une grande justesse l’art ornemental des miniatures persanes.

INCROYABLE RETROSPECTIVE DE JOAN AS POLICE WOMAN Joan As Police Woman présente une incroyable rétrospective de ses quinze années en tant que chanteuseautrice-compositrice. Cet album comprend trente de ses chansons les plus acclamées parmi lesquelles 'The Magic', 'Christobel' et 'Holy City' ainsi que deux titres inédits : le single déjà paru 'What A World' et une reprise du célèbre 'Kiss' de Prince. Il sortira en version 3 CD deluxe dont le troisième sera composé uniquement de chansons live enregistrées à la BBC et qui formera également une édition vinyle limitée Live At The BBC. Organisé et séquencé par Joan et son manager Tom Rose (qui a découvert et enregistré ses premières chansons), ce nouvel opus met en valeur le talent de compositrice de Joan, son goût pour l'expérimentation, son amour pour la musique et la vie.

Le duo de THE GARDEN revient avec un ovni punk ! The Garden est un duo en constante évolution du comté d'Orange, en Californie. Établis en 2011 par les frères jumeaux Fletcher et Wyatt Shears. Ils ont créé le terme «Vada Vada» pour décrire leur musique ! Ils tournent dans le monde entier depuis 2012 et sont devenus célèbres pour leurs performances énergiques, agressives et complètement décalées. En live on peut voir Fletcher jouer de la batterie et de l'électronique, parfois chanter et surtout se produire de manière belliqueuse aux côtés de son frère, Wyatt. Wyatt est quant à lui au chant et à la basse et aime appuyer ses performance de mouvements complètement bizarres et non chorégraphiés. POUR CEUX QUI AIMENT Panda Bear, The Frights, Puzzle and Enjoy

Le groupe Withem propose une musique se déployant en paysages sonores cinémascopiques et variés, soigneusement élaborés grâce au jeu très soudé entre les musiciens. Les titres alternent les grands hymnes metal aux refrains épiques avec de grandes fresques symphoniques aux développements étoffés. Cependant les musiciens évitent les clichés des longs instrumentaux complexes au bénéfice des mélodies et des harmonies généreuses. Les titres rappellent par moment Symphony X, Pagan’s Mind ou Circus Maximus; le chanteur Ole Aleksander Wagenius possède un registre vocal très étendu et sa voix est l’un des éléments très distinctifs du son d’ensemble du groupe. Tous les fans de prog & metal rock devraient largement accrocher et trouver leur compte au sein de cet album virtuose et haut en couleur.

Les deux grandes pièces symphoniques de George Gershwin, jubilatoires, avec le pianiste Kirill Gerstein et l’orchestre symphonique de Saint Louis : le plus court chemin du classique au jazz ! George Gershwin est un génie dilettante inspiré qui a su faire de la somme de styles parfaitement maîtrisés, sa musique, en tout point unique. Dans cet album enregistré en concert au Powell Hall de Saint Louis aux U.S.A., l’excellent pianiste Kirill Gerstein et le chef du Saint Louis Symphony, David Robertson, ont choisi d’interpréter le Concerto en Fa et la version avec jazz band de la Rhapsodie in Blue. Le programme est complété par des pièces pour piano seul, et une pièce en duo avec le grand vibraphoniste américain Gary Burton.

Bambara propose un noise rock post punk, énervé et violent. Cet album corrosif est le troisième du groupe.

Petite Symphonie - Divertimento - Pastorales - Sons de cloches - Sérénade champêtre

La seconde symphonie d’Elgar par le Royal Liverpool Philharmonic en apesanteur sous la direction de Vasily Petrenko.

Chaque sonate de Scarlatti est une zone qu'explore la jeune Lillian Gordis avec inventivité et talent.

Originellement sorti en 2016, L'album qui inclut le titre éponyme. Autre hit underground du groupe du Massachussets.