La nouvelle signature d'Anti signe un classique en puissance d'indie/pop qui rappelle The Shins ou encore Harry Nilsson. Le jeune compositeur multi-instrumentaliste saskatchewanais a fait du chemin depuis son album révélateur, ‘The Bearer of Bad News'. Applaudi par Jeff Tweedy ou encore Nick Hornby, il a été invité à faire les premières parties de la tournée US de Low. C'est maintenant à son tour de vous inviter à ‘The Party'. Pour son premier album chez ANTI, Andy Shauf propose une série de portraits présentée au fil de dix titres qu'il a soigneusement choisis. Plus mature et construit que son prédécesseur, ‘The Party' conte une histoire où entrent en collision synthés rêveurs, guitares fuzz et acoustiques, le tout drapé d'un délicat piano... sans oublier la clarinette ! Sur une base de classic pop, sa composition laisse entrevoir des reflets de Belle & Sebastian, the Shins et Grandaddy. Et ce n'est certainement pas pour rien qu'il est le premier musicien saskatchewanais à signer chez un label international depuis Joni Mitchell et Buffy Sainte-Marie... « Le jeune homme est un songwriter précieux qui raconte la vie (des autres) dans des popsongs tout en rondeurs et des rêveries folk dont la mélancolie n'éclipse jamais totalement le soleil » La Blogothèque

Le 24 juin 2008 s'éteignait l'un des plus talentueux jeunes pianistes de jazz, Esbjörn Svensson. Le talent de compositeur du Suédois, son humilité, sa décontraction et sa grande proximité avec le public avaient permis au trio e.s.t. (Esbjörn Svensson Trio) de conquérir le monde entier. Multipliant les disques d'or jazz, s'attirant les louanges des médias (premiers artistes européens à faire la couverture de la bible jazz américaine Downbeat !) et des plus grands artistes actuels (Pat Metheny, Brad Mehldau, K.D. Lang, Jamie Cullum, Radiohead, etc.), électrisant les publics par une entente télépathique, le trio e.s.t. a marqué d'une empreinte indélébile le monde du jazz. Cette anthologie regroupe les titres les plus emblématiques gravés par les trois musiciens au cours de leur carrière. Le titre « From Gagarin's Point Of View », littéralement en apesanteur, ouvre magnifiquement l'album. Les hits du trio se succèdent : l'imparable « Dodge The Dodo », d'une incroyable densité sonore, fait place aux classiques « Behind The Yashmak » (l'un des sommets du groupe en concert), « Viaticum », « Seven Days Of Falling » ou « Goldwrap ». Sens inné de la dramaturgie, humour, inspiration, balades nostalgiques, grands espaces, expérimentation énergisante, souffle épique : Treize titres pour découvrir la magie unique d'e.s.t.

LE DUO MONTRÉALAIS EST DE RETOUR AVEC UN ALBUM D’ELECTRO POP PRIMITIF ET HYPNOTIQUE Audrey Ann et Kyle Jukka, les deux montréalais qui forment She-Devils, aime s’amuser à explorer le monde sensoriel, à remettre au gout du jour une esthétique liée au fantastique et également à provoquer de nouvelles sensations chez l’auditeur. Grâce à un electro primitif, à d’hypnotiques vocalises et à un ‘parc d’attraction sonore’ comme ils aiment le définir, l’album du duo se construit autour d’un monde joliment chaotique. Leur influence musicale allant aussi bien d’Iggy Pup à Madunna en passant par T-Rex et Can, qu’à l’esthétique yéyé des années 60, prouve toute l’étendue de leur univers. Quand je chante sur un loop, je n’ai pas l’impression de controler ce que je fais et d’être investit cérébralement dans le processus, c’est plus comme si mon subconscient prenait le pas sur mon esprit et que tout venait directement de mes rêves’, raconte la chanteuse Audrey Ann. Il suffit d’écouter l’album une fois pour comprendre ce que cette dernière veut dire par là. Le titre ‘How Do You Feel’ est une fantaisie tourbillonante sur l’amour adolescent, ‘You Don’t Know’, un hit jungle pop et ‘The World Laughs’, une ode au rock psyché. C’est la connection entre les deux amis, leurs tensions, harmonies et oppositions, qui rendent ce nouvel album si personnel et extatique.

Le 1er album disponible en France de l'étoile Pop-Folk venue de l'Arctique La chanteuse inuit canadienne Elisapie Isaac sort son troisième album (mais premier distribué de ce côté-ci de l'Atlantique), le très beau The Ballad of the Runaway Girl. Son folk pastoral s'inspire des musiques traditionnelles Inuit et d'un blues aride. La réalisatrice, chanteuse et activiste a elle aussi compris qu'une bonne chanson ne peut s'écrire qu'avec les tripes. Cet album nous hisse donc à des sommets émotionnels à l'écoute du bouleversant Don't Make Me Blue, nous plonge dans des abysses de désespoir avec The Ballad of the Runaway Girl ou Rodeo, jusqu'à apercevoir à nouveau la lumière grâce à Una ou au sublime Darkness Bring the Light (composé avec Joseph Yarmush, le guitariste des excellents Suuns). Mais Elisapie sait aussi montrer les crocs. Le bouillonnant Arnaq et ses guitares grondantes rappellent aux hommes que les femmes constituent la moitié de l'humanité, et le nerveux Call Of The Moose refuse d'oublier les désastres provoqués par l'oppression des hommes blancs sur la communauté Inuit. POUR CEUX QUI AIMENT Valérie June, Alela Diane, Mirel Wagner...

2018 MARQUE LE 10 EME ANNIVERSAIRE DE LUNATIC SOUL- LE PROJET SOLO DE LA FORCE CREATIVE DE RIVERSIDE : MARIUSZ DUDA Lunatic Soul est Mariusz Duda, le talentueux créateur, chanteur et multi-instrumentiste derrière quelques-unes des meilleures formations prog d'Europe dont cette sortie sur le label Anglais Kscope et avec les stars polonaises Riverside. Le 25 mai 2018 Duda sortira son sixième album studio, Under The Fragmented Sky. A l'image de Fractured sorti en 2017, ce nouvel album représente aussi l'apogée de la première décennie de Lunatic Soul. Faisant suite à l'album de l'an passé dont les sujets phares étaient le deuil, l'espoir et la société fracturée, Under The Fragmented Sky, redonne l'image de Lunatic Soul telle que nous la connaissons, avec des atmosphères sombres et envoûtantes mises en avant. Le titre du nouvel album est issu du morceau épique de 12 minutes A Thousand Shards Of Heaven' figurant sur l'album précédent. Duda explique : Fractured n'est pas totalement représentatif des derniers enregistrements de Lunatic Soul. Les nouveaux morceaux, plus classiques, sont arrivés au bon moment, c-à-d maintenant. Under The Fragment Sky' est à la fois un complément à Fractured' et une sortie artistique indépendante avec sa propre identité.

« Le titre de l’album est Tackle Box. Pourquoi ? Car c’est une belle métaphore pour décrire l’anxiété et la claustrophobie que beaucoup ressentent dans nos sociétés actuelles. Vous l’avez ? « Tackle » comme le football et la boxe : des sports agressifs comme la période dans laquelle nous vivons. Est-ce spécifique à la Maison Blanche et aux relations tendues qu’a le président / dictateur Trump avec les gens autour de lui ? Sa femme, ses associés, les leaders d’état des autres pays, son staff, les médias ? Oui, mais... Peut-être qu’il est temps de se débarrasser de cette oppression ? (…) Je suis vraiment heureux de faire ce que je fais dans cette vie - écrire ces chansons et avoir la chance de jouer devant des publics qui sont réceptifs à travers le monde. Il ne faut jamais se laisser dire que les rêves ne se réalisent pas ! Et j’apprécie vraiment tous les aspects de ma vie : écrire, voyager, enregistrer, répéter et jouer sur scène. Mais cet album en particulier - qui a été enregistré simplement par moi-même dans mon studio isolé ressemblant à un bunker - me semble très personnel. C’est une approche avec de l’humour en ces temps politiques sombres. Je me suis beaucoup amusé en le faisant. J’espère que vous éprouverez la même chose ! », Ed Hammell

Une enfance passée en Roumanie et en Bulgarie, mêlée à une écoute acharnée des vieux Stones, Patti Smith, puis plus tard Jeff Buckley, et Lola invente Leva en 2001. Les chansons naissent dans sa chambre, puis Lola Lafon & Leva grandissent dans les cafés, les petites salles, les concerts de soutien, un peu partout. Un belge à la guitare et aux samples (Olivier Lambert), un serbe (Ivica Bogdanic) à l'accordéon, un français (Julien Rieu de Pey) à la basse, une franco-biélorusse au chant... Tous d'accord pour traiter les compos en français comme les reprises de traditionnels roumains : guitare folk rock et accordéon balkanique sur des samples ténébreux de Prokoviev, entre autres. On parle de leurs concerts incandescents, terriblement contagieux, mêlant les notes aux mots et les émotions à une rage impossible à négocier. Lola Lafon parle français, roumain, bulgare, mais le tout ressemble à la bande son d'une époque remplie de rêves, de peurs, de doutes. Et si les textes de Lola sont intimistes, ils ne sont résolument pas quotidiens. Percutants pour certains, ils reflètent peut-être l'époque mais alors à la manière d'un bouclier et pas d'un miroir.

Le producteur dublinois Shit Robot en bonne compagnie pour son nouvel album What Follows ! Marcus Lambkin aka Shit Robot est de retour avec son troisième long format, What Follows, chez DFA Records. Cet album arrive après From The Cradle To The Rave (2010) et We Got A Love (2014) qui ont reçu les applaudissements de la critique (The Guardian, Pitchfork...) et accueilli des invités tels que Reggie Watts et James Murphy (LCD Soundsystem), parmi d’autres. Ce nouvel album a été enregistré dans le home studio de Marcus à Stuttgart et dans différents studios new-yorkais, puis mixé pendant 11 intenses journées de travail dans le studio de Juan Maclean dans le New Hampshire. Comme dans ses précédents albums, le producteur de Dublin a enrôlé bon nombre de fantastiques collaborateurs pour les parties vocales. On retrouve notamment la voix saisissante d’Alexis Taylor (Hot Chip) sur le single principal ‘End Of The Trail’ et le titre d’ouverture de l’album ‘In Love’. Cette fois pourtant, Lambkin a voulu montrer plus de son travail de DJ en utilisant majoritairement des boîtes à rythme. On y retrouve donc un son moins pop, moins disco, mais plus de beats, que Shit Robot a retrouvés tout en s’éloignant des ordinateurs et en se tournant vers des synthés analogiques !

Une indie pop aérienne et revigorante La chanteuse de Détroit ANNA BURCH présente son premier album Quit The Curse à paraître le 02 février sur Heavenly. Mélodies aériennes sur fond de guitares douces, le travail de la songwriter américaine est un véritable clin d’oeil aux sons des girlsband des années 60 avec des références pop classiques comme ‘Crimson and Clover’. Après avoir appris les rouages du live et de l'enregistrement studio grâce à de nombreux concerts au cours des dernières années, ANNA BURCH s'est retrouvée à accumuler une quantité importante de créations personnelles. Ces chansons, d’une sincérité et d’une profondeur rares, sont arrivées jusqu’aux oreilles de Collin Dupuis (Angel Olsen, The Black Keys) qui l’a aidé à développer ce qui allait devenir son premier album. Pitchfork décrit le travail d’ANNA BURCH comme « très semblable à l’énergie décousue de l’indie-pop des années 1990, rappelant Rose Melberg (Tiger Trap, The Softies), mais avec des contours plus marqués. Son écriture est particulièrement vivante, peignant avec une clarté saisissante les caprices des relations humaines. » POUR CEUX QUI AIMENT Angel Olsen, Aldous Harding, Julia Jacklin, Nathalie Prass

Aldo présente leur EP Trembling Eyelids, 4 morceaux intemporels imprégnés de la nature colorée et chaotique de São Paulo ALDO est composé d'André et Mura Faria, deux frères originaires de São Paulo au Brésil. Ils ont formé ce groupe en hommage à leur oncle Aldo qui vivait une vie à fil tendu au Brésil durant les années 1990. Il emmenait régulièrement les jeunes frères en excursion dans les sombres recoins de Sao Paulo sur des scènes de courses de voitures illégales, de négociations suspectes dans les ruelles, de violence de gangs de football et de défilé de carnaval, le tout trempé d'alcool. Les deux frères ont absorbé toutes ces histoires et les ont reconstitués plus tard dans les rythmes que Mura s'est mis à développer après qu'André ait commencé la basse. Les deux frères se produisent alors de plus en plus régulièrement sur la scène musicale de Sao Paulo, attirant l'attention des médias brésiliens et de plus en plus de fans. Trembling Eyelids est une introduction stellaire à leur projet; l'EP montre le talent d'André et Mura à créer des titres dansants, accrocheurs et intemporels : 4 morceaux imprégné de la nature colorée et chaotique de São Paulo, accompagnés des histoires sombres du jeune Aldo qui jouait avec le feu.

« Le Trio Arc, avec piano, nous emporte dans un voyage musical dans le temps grâce à un programme minutieusement préparé, avec un engagement égal, loin de toute démonstration » Voici le premier enregistrement du Trio Arc (avec Irina Chkourindina au piano, Ardina et Jan Nehring aux cordes). Comme nous, vous apprécierez leur engagement, éloigné de toute démonstration, la sincérité de musiciens qui ne forcent pas, et ne tombent dans aucun excès facile. Leur interprétation sobre, sans bavardage, très précise et toujours musicale. Le programme de cet enregistrement, très généreux, a été habilement pensé : il s’ouvre avec le célébre Trio des Esprits de Ludwig van Beethoven, qui date de la période classique, pour terminer par un très romantique Deuxième Trio de Johannes Brahms, probablement le moins joué de tous ses trios. Au milieu, ce Trio sur des mélodies populaires irlandaises de Frank Martin (1890 - 1974), très peu enregistré, possède plusieurs niveaux d'écoute : extrêmement plaisant au premier abord, il laisse apparaitre peu à peu la profondeur et l'originalité d'un compositeur moderne qui mériterait d'être beaucoup plus souvent défendu.

Riccardo Muti à la tête du Chicago Symphony Orchestra pour la suite orchestrale du ballet Roméo et Juliette. Cette nouvelle production du Chicago Symphony Orchestra est consacrée à la suite pour orchestre tirée du ballet de Prokofiev, Roméo et Juliette. Sous la direction de Riccardo Muti, l’orchestre a mis cette oeuvre à son programme depuis la saison 2011- 2012. Une relation régulière, donc, avec la partition, ainsi que la connivence musicale qui unit le maestro Muti au philharmonique dans ce travail commun a permis d’aboutir à cette version singulière de la suite du Roméo et Juliette de Prokofiev. Enregistrée en concert en Octobre 2013 au Symphony Hall de Chicago, l’interprétation reproduit, avec une authentique fidélité à son compositeur, la joie, la colère puis la tristesse de l’oeuvre, le tout avec une intensité palpitante. Conçue initialement pour illustrer une chorégraphie, la performance de Riccardo Muti à la tête du Symphonique de Chicago est finalement d’avoir su lui donner une vie propre, charnelle presque, dans un enregistrement sans le ballet, bien sûr. Une nouvelle expression de la relation unique qui unit Muti aux musiciens du Symphonic Orchestra de Chicago.

Avec presque quatre décennies au compteur, on ne présente plus le chanteur Sammy Hagar, qui s'est notamment illustré en tant que compositeur et chanteur de Van Halen, Montrose et plus récemment du super groupe Chickenfoot (avec Joe Satriani et le batteur des Red Hot Chili Peppers Chad Smith). Avec sous le bras ses trophées des « Grammy Award » et du « Rock & Roll Hall of Fame », le chanteur collabore avec Kid Rock, Nancy Wilson (Heart), Toby Keith, Taj Mahal, Neal Schon, Chad Smith/Satriani, Ronnie Dunn (Brooks & Dunn), Michael Anthony (ex Van Halen, Chickenfoot), Bill Church & Denny Carmassi (Montrose). pour dix titres épiques composés d'originaux et reprises étonnantes (« Ramblin' Gamblin' Man » de Bob Seger ou « Personal Jesus » de Depeche Mode). Un album qui emprunte avec succès au rock, à la country, au blues et à la pop. A noter la belle édition en CD/DVD avec un digipak avec vernis sélectif. Cette édition deluxe inclut un titre exclusif, « Space Station #5 », capté en concert au concert hommage à Ronnie Montrose (Avril 2012 à San Francisco), ainsi qu'un making-of de l'album et des vidéos inédites. Un régal pour tous les fans !

King Geedorah aka MF DOOM est sans doute la légende vivante la plus vénérée du hip-hop underground actuel. Toute une génération a grandi dans la crainte du producteur masqué et MC - il a influencé et travaillé avec J Dilla, Flying Lotus, Earl Sweatshirt, Madlib, Clams Casino, Danger Mouse, RZA, Ghostface Killah, De La Soul et plus encore. Sur un concept classique, Take Me To Your Leader, initialement sortie en 2003 sur la plateforme Big Dada (Ninja Tune) - un an avant Madvillain - Madvillainy, l'opus issu de la collaboration avec Madlib (Stones Throw) - DOOM a pris la forme d'un lézard géant à trois têtes de l'espace sur les 13 pistes toutes produites, écrites, enregistrées, arrangées, mixées et mastérisées par Metal Fingered Villain lui-même. Tout cet album est la perspective extraterrestre de Geedorah sur les humains, a déclaré DOOM en 2003. Parallèlement à ses débuts, Opération : Doomsday (Fondle 'Em), Take Me To Your Leader est, sur toute sa longueur, une production criminelle et rare du projet de MF DOOM. Un album d'idées et de battements hors temps à gogo, qui doivent beaucoup à son amour du jazz et les fantastiques et charismatiques MC invités (certains sous pseudonymes), y compris MF DOOM lui-même, Kurious, MF GRIMM (aka Jet Jaguar), ainsi que d'autres membres de NYC Monsta Island Czars.

Ce nouvel album est l'histoire d'un jeune homme qui est enfin en paix avec lui-même, ses idiosyncrasies et ses contradictions. LUKID n'essaie plus d'expliquer les choses. Il n'y a pas ici de pancarte indiquant le genre de l'album, et il n'essaie pas de répondre aux attentes de qui que ce soit avec Lonely At The Top, on entend LUKID rassembler des éléments provenant de son arrière-boutique pour créer quelque chose qui ne ressemble en rien à ce qu'il a pu faire par le passé. Nous avons un aperçu de la colère brute présente sur ses sorties GLUM, un aperçu de la pop extatique et psychédélique qu'il crée avec SIMON LORD dans le rôle d'Arclight, de son récent travail pour le documentaire « Personal Best », et de ses productions plus ensoleillées sorties sur le label Werk. Mais tout est assemblé avec une nouvelle voix et une nouvelle intention. Quoi qu'il soit arrivé à LUKID ces dernières années, avec l'arc narratif prudemment construit de Lonely At The Top, il donne l'impression d'une histoire de catharsis et de rédemption. LUKID fait cela d'une manière si singulière, un peu plus à chaque sortie, que l'on est en droit de se demander pourquoi il n'est pas déjà un trésor national. Si vous l'apercevez assis sur un mur, son petit visage face au soleil, en train de fredonner tout en brandillant les jambes, arrêtez-vous et félicitez-le. On se sent seul quand on est au sommet.

Studio One dévoile ses pépites musicales du mouvement Rastafari ! Voici le nouveau volet de la collection Rastafari de Soul Jazz Records, où l'on retrouve des morceaux classiques des légendaires artistes roots The Gladiators, Horace Andy, Freddie McGregor, Sugar Minott et The Wailing Souls, aux côtés d'une superbe sélection de raretés tout droit sortie de l'empire musical de Sir Coxsone : composée d'artistes Rastafaris uniques et pratiquement inconnus qui ont enregistré sur une myriade de labels dérivés de Studio One dans les années 1970 - The Manchesters, Mellodies, The Nightingales et d'autres. Dans les années 1960, c'est Sir Coxsone qui a identifié le potentiel créatif des Wailers, Toots and The Maytals, Heptones, Burning Spear et bien plus encore. Dans les années 1970, Studio One a sorti une sélection incroyable des meilleurs styles allant du reggae au deejay, en passant par le dub puis au dancehall. Black Man's Pride explique les liens entre l'idéologie de Clément Dodd au Studio One et le mouvement Rastafari qui a commencé dans les années 1930. Ces titres classiques et rares de Studio One sont accompagnés d'un livret contenant des notes complètes sur chacun des morceaux, rédigées par Rob Chapman, auteur des célèbres livres Downbeat Special et Never Grow Old Studio One.

Le nouvel album de la légende vivante de la soul music, écrit et produit par Ben Harper Mavis Staples revient avec un nouvel album studio produit et écrit par Ben Harper. We Get By rassemble 11 magnifiques chansons qui traitent de la nostalgie, de la force et de la spiritualité, des titres forts présentés avec une superbe simplicité. Parmi ces morceaux, on pense notamment à Anytime, Change, et l'incroyable titre éponyme, en duo avec Ben Harper. Ces chansons délivrent un message si fort, dit Staples. Elle considère le formidable morceau d'ouverture Change comme un exemple de la force des mots qu'elle met en avant. Nous devons vraiment faire un changement si nous voulons que ce monde soit meilleur. Cette collaboration avec Ben Harper s'inscrit dans une tendance plus large dans le travail de la chanteuse. Intronisée au Blues et Rock and Roll Hall of Fame, Staples a collaboré avec Prince, Bob Dylan, The Band, Curtis Mayfield, Nick Cave, Neko Case, Arcade Fire, Hozier et Jeff Tweedy de Wilco, pour ne nommer que ceux-là. Cette année, Mavis Staples fêtera son 80e anniversaire et sa carrière exemplaire lors de trois spectacles de célébration Mavis & Friends, entourée d'invités spéciaux.

Le nouvel album de la légende vivante de la soul music, écrit et produit par Ben Harper Mavis Staples revient avec un nouvel album studio produit et écrit par Ben Harper. We Get By rassemble 11 magnifiques chansons qui traitent de la nostalgie, de la force et de la spiritualité, des titres forts présentés avec une superbe simplicité. Parmi ces morceaux, on pense notamment à Anytime, Change, et l'incroyable titre éponyme, en duo avec Ben Harper. Ces chansons délivrent un message si fort, dit Staples. Elle considère le formidable morceau d'ouverture Change comme un exemple de la force des mots qu'elle met en avant. Nous devons vraiment faire un changement si nous voulons que ce monde soit meilleur. Cette collaboration avec Ben Harper s'inscrit dans une tendance plus large dans le travail de la chanteuse. Intronisée au Blues et Rock and Roll Hall of Fame, Staples a collaboré avec Prince, Bob Dylan, The Band, Curtis Mayfield, Nick Cave, Neko Case, Arcade Fire, Hozier et Jeff Tweedy de Wilco, pour ne nommer que ceux-là. Cette année, Mavis Staples fêtera son 80e anniversaire et sa carrière exemplaire lors de trois spectacles de célébration Mavis & Friends, entourée d'invités spéciaux.

Le très attendu sixième album du groupe de rock indé canadien. Pagans in Vegas, le sixième album du groupe Indie Rock METRIC sort le 18 septembre sur le label Kobalt/[PIAS] France. Trois singles sont déjà disponibles : The Shade, Cascades et Too Bad, So Sad. Comme l'explique Shaw, le bassiste de METRIC, le thème de l'album est le conflit entre ce qui est humain et ce quiest artificiel. Le groupe a passé beaucoup de temps à composer en 2014 et a réuni assez de matériel pour faire deux albums. Pagans in Vegas est donc le premier d'une série de deux disques. Le deuxième étant prévu pour 2016. Emily Haines est capable de suggérer un monde de tourments en pronnonçant un simple mot. NPR Music Avec ‘The Shade', Metric retournent à leurs gros synthés et leur son pop poli Exclaim Le 16 Juillet, METRIC ont lancé le Portail Pagan (The Pagan Portal), une application gratuite permettant d'accéder en avant-première aux morceaux de leur nouvel album. Les utilisateurs de l'application ont aussi la possibilité de recevoir des notifications les tenant au courant des avantages dont ils peuvent bénéficier, tels que des réductions ou encore des ventes de billets en avant-première.

En 1983, un homme appelé LEWIS enregistre un album, L’Amour, qui sort sur le minuscule label R.A.W. C’est à peu près toutes les informations dont nous disposons sur ce disque. Album délicat, souffle de beauté, L’Amour s’appuie sur des ingrédients simples : des synthétiseurs doux, un piano aérien, quelques voix presque inaudibles et le léger pincement d’une guitare acoustique. Cette réédition a connu un succès critique incroyable et a permis au monde de découvrir un artiste unique et énigmatique. Light In The Attic nous surprend une nouvelle fois avec la réédition miraculeuse du successeur de L’Amour, Romantic Times datant de 1985. Il sort cette fois-ci l’album sous le nom de LEWIS BALOUE. Le nom est peut-être différent mais c’est bien de notre homme dont il s’agit, posant cigare à la main devant une Mercedes blanche et un jet privé. Cet album est tellement rare que la copie originale, qui a servi à cette réédition, est la seule répertoriée à ce jour. Dans sa chronique de L’Amour, Les Inrocks parlait d’un « album magnifique sorti il y a 30 ans dont l’auteur est introuvable ». Depuis, le label Light In The Attic a retrouvé sa trace et a rencontré LEWIS. Malgré cela, il reste une énigme totale.

Porté par le puissant single 'A TON OF LOVE' sur lequel plane l'influence de Bono, THE WEIGHT OF YOUR LOVE, le quatrième album studio d'EDITORS et le premier enregistré avec ses nouveaux membres Justin Lockey et Elliott Williams est, selon le chanteur-compositeur Tom Smith, «un disque de groupe, un disque rock avec un pied dans le monde altrock/ americana». Enregistré à Nashville au Blackbird Studio avec le célèbre producteur Jacquire King (Tom Waits, Norah Jones, Kings of Leon, etc.) et mixé par Craig Silvey (Arctic Monkeys, The Horrors, Arcade Fire, Bon Iver), cet album représente à bien des égards un nouveau départ pour le groupe. Le troisième album du groupe, In This Light And On This Evening, sorti en 2009 est entré directement à la première place des charts anglais, tout comme son prédécesseur, An End Has A Start. En six ans, depuis son premier album certifié multi-platine, The Back Room, la formation a vu bon nombre de ses contemporains disparaître pendant qu'elle-même devenait l'un des plus grands groupes européens. Inspiré entre autre par le travail de Scott Litt avec REM et basé sur une approche live de l'enregistrement, THE WEIGHT OF YOUR LOVE contient les chansons d'EDITORS les plus véhémentes et les plus directes à ce jour.

Porté par le puissant single 'A TON OF LOVE' sur lequel plane l'influence de Bono, THE WEIGHT OF YOUR LOVE, le quatrième album studio d'EDITORS et le premier enregistré avec ses nouveaux membres Justin Lockey et Elliott Williams est, selon le chanteur-compositeur Tom Smith, «un disque de groupe, un disque rock avec un pied dans le monde altrock/ americana». Enregistré à Nashville au Blackbird Studio avec le célèbre producteur Jacquire King (Tom Waits, Norah Jones, Kings of Leon, etc.) et mixé par Craig Silvey (Arctic Monkeys, The Horrors, Arcade Fire, Bon Iver), cet album représente à bien des égards un nouveau départ pour le groupe. Le troisième album du groupe, In This Light And On This Evening, sorti en 2009 est entré directement à la première place des charts anglais, tout comme son prédécesseur, An End Has A Start. En six ans, depuis son premier album certifié multi-platine, The Back Room, la formation a vu bon nombre de ses contemporains disparaître pendant qu'elle-même devenait l'un des plus grands groupes européens. Inspiré entre autre par le travail de Scott Litt avec REM et basé sur une approche live de l'enregistrement, THE WEIGHT OF YOUR LOVE contient les chansons d'EDITORS les plus véhémentes et les plus directes à ce jour.

LA COLLABORATION FRUCTUEUSE ENTRE LE PLAYBOY PHILIPPE DEBARGE ET LES PRETTY THINGS. Fin août 1969, Phil May et Wally Waller s’envolent pour St. Tropez sur l’invitation de Philippe DeBarge (un excentrique et riche playboy français), et sont conviés à sa demeure familiale - une villa qui aimante alors toutes les célébrités et la jetset : les politiques, les cinéastes ou encore les rock stars. DeBarge, qui avait de gros moyens, voulait réaliser un énorme album avec lui comme leader. Il avait fait ses recherches et savait exactement avec qui il voulait travailler : les Pretty Things ! Les songwriters May and Waller étaient dans leur période la plus prolifique mais entre deux albums. Aussi lorsque l’offre de Debarge tombe, il n’y avait aucune raison valable pour la refuser ! Aussi le projet accepté, il fût rapidement écrit et réalisé aux studios Nova à Londres. Et lorsque les ventes de S.F. Sorrow démarrent, EMI veut un nouveau disque et c’est l’album « Parachute » qui prend la suite. Aussi le projet Philippe Debarge passe aux oubliettes et ne sortira finalement que 40 années plus tard en 2009 !!! A sa publication, les critiques de la presse furent néanmoins élogieuses même si la sortie est restée confidentielle !

King Geedorah aka MF DOOM est sans doute la légende vivante la plus vénérée du hip-hop underground actuel. Toute une génération a grandi dans la crainte du producteur masqué et MC - il a influencé et travaillé avec J Dilla, Flying Lotus, Earl Sweatshirt, Madlib, Clams Casino, Danger Mouse, RZA, Ghostface Killah, De La Soul et plus encore. Sur un concept classique, Take Me To Your Leader, initialement sortie en 2003 sur la plateforme Big Dada (Ninja Tune) - un an avant Madvillain - Madvillainy, l'opus issu de la collaboration avec Madlib (Stones Throw) - DOOM a pris la forme d'un lézard géant à trois têtes de l'espace sur les 13 pistes toutes produites, écrites, enregistrées, arrangées, mixées et mastérisées par Metal Fingered Villain lui-même. Tout cet album est la perspective extraterrestre de Geedorah sur les humains, a déclaré DOOM en 2003. Parallèlement à ses débuts, Opération : Doomsday (Fondle 'Em), Take Me To Your Leader est, sur toute sa longueur, une production criminelle et rare du projet de MF DOOM. Un album d'idées et de battements hors temps à gogo, qui doivent beaucoup à son amour du jazz et les fantastiques et charismatiques MC invités (certains sous pseudonymes), y compris MF DOOM lui-même, Kurious, MF GRIMM (aka Jet Jaguar), ainsi que d'autres membres de NYC Monsta Island Czars.

LA COLLABORATION FRUCTUEUSE ENTRE LE PLAYBOY PHILIPPE DEBARGE ET LES PRETTY THINGS. Fin août 1969, Phil May et Wally Waller s’envolent pour St. Tropez sur l’invitation de Philippe DeBarge (un excentrique et riche playboy français), et sont conviés à sa demeure familiale - une villa qui aimante alors toutes les célébrités et la jetset : les politiques, les cinéastes ou encore les rock stars. DeBarge, qui avait de gros moyens, voulait réaliser un énorme album avec lui comme leader. Il avait fait ses recherches et savait exactement avec qui il voulait travailler : les Pretty Things ! Les songwriters May and Waller étaient dans leur période la plus prolifique mais entre deux albums. Aussi lorsque l’offre de Debarge tombe, il n’y avait aucune raison valable pour la refuser ! Aussi le projet accepté, il fût rapidement écrit et réalisé aux studios Nova à Londres. Et lorsque les ventes de S.F. Sorrow démarrent, EMI veut un nouveau disque et c’est l’album « Parachute » qui prend la suite. Aussi le projet Philippe Debarge passe aux oubliettes et ne sortira finalement que 40 années plus tard en 2009 !!! A sa publication, les critiques de la presse furent néanmoins élogieuses même si la sortie est restée confidentielle !

Blackfield V est le résultat de l'étroite collaboration entre le compositeur et musicien Israélien Aviv Geffen, et le musicien et producteur Steven Wilson. Aviv Geffen a travaillé avec des producteurs légendaires tels que Tony Visconti et Trevor Horn; il a joué en live avec U2 et Placebo, et fait actuellement parti du jury de ‘The Voice' à la télévision israélienne. Steven Wilson, après une longue carrière comme leader du très influent groupe : Porcupine Tree, a rencontré un énorme succès dans sa carrière solo : n°3 au Top 40 des albums en Angleterre, Allemange et Hollande, ainsi que 4 nominations aux Grammy Awards. Ecrit et enregistré sur une période de 18 mois en Israël et en Angleterre, Blackfield V contient 13 titres d'une durée totale de 45 mn. En plus du duo aux chants, guitares et claviers, on retrouve Tomer Z à la batterie, Eran Mitelman au clavier. La plupart des arrangements symphoniques ont été réalisés par la session orchestrale de Londres. Blackfield V est un merveilleux voyage aux mélodies accrocheuses, aux arrangements divins, et à la production exceptionnelle. En effet, le grand Alan Parsons a contribué à la production de 3 des meilleurs morceaux de l'album. Lasse Hoile a réalisé l'illustration de la pochette en accord avec Carl Glover. Les deux musiciens considèrent Blackfield V comme leur meilleure collaboration à ce jour.

Découvrez Yesterday is Gone, le nouvel album de la révélation folk Dana Gavanski : un magnifique répertoire de balades folk teintées d'un doux psychédélisme Yesterday Is Gone représente pour Dana une tentative d' apprendre à dire ce qu'elle ressent, et de ressentir ce qu'elle dit : un album fait de désir, de dévouement au désir, et de l'incertitude qui va de pair avec la découverte de soi-même, un album qui parle de repousser les limites, d'échouer puis de se relever. Beaucoup de compositeurs partagent cet objectif, mais peu d'entre eux font preuve d'autant d'aplomb. Née à Vancouver dans une famille serbe, Dana a toujours désiré chanter. Au cours de sa dernière année à l'université de Montréal, elle décide de se remettre à la guitare. Elle passe un été à travailler comme assistante de production auprès de son père, elle gagne alors suffisamment d'argent pour se consacrer entièrement à l'écriture pendant un an, et sort son EP Spring Demos, en septembre 2017. Après Spring Demos, Yesterday Is Gone représente le souhait de Dana de faire quelque chose de plus grand, de plus réfléchi. Le disque est coproduit par Dana, Sam Gleason, musicien établi à Toronto, et Mike Lindsay de Tunng et LUMP. L'album prend forme au creux des mains des 3 musiciens, il revêt différentes saveurs, sentiments, visions.

Découvrez Yesterday is Gone, le nouvel album de la révélation folk Dana Gavanski : un magnifique répertoire de balades folk teintées d'un doux psychédélisme Yesterday Is Gone représente pour Dana une tentative d' apprendre à dire ce qu'elle ressent, et de ressentir ce qu'elle dit : un album fait de désir, de dévouement au désir, et de l'incertitude qui va de pair avec la découverte de soi-même, un album qui parle de repousser les limites, d'échouer puis de se relever. Beaucoup de compositeurs partagent cet objectif, mais peu d'entre eux font preuve d'autant d'aplomb. Née à Vancouver dans une famille serbe, Dana a toujours désiré chanter. Au cours de sa dernière année à l'université de Montréal, elle décide de se remettre à la guitare. Elle passe un été à travailler comme assistante de production auprès de son père, elle gagne alors suffisamment d'argent pour se consacrer entièrement à l'écriture pendant un an, et sort son EP Spring Demos, en septembre 2017. Après Spring Demos, Yesterday Is Gone représente le souhait de Dana de faire quelque chose de plus grand, de plus réfléchi. Le disque est coproduit par Dana, Sam Gleason, musicien établi à Toronto, et Mike Lindsay de Tunng et LUMP. L'album prend forme au creux des mains des 3 musiciens, il revêt différentes saveurs, sentiments, visions.

Ghostpoet fait peau neuve avec son troisième album. Après la sortie du cathartique et salvateur Some Say I So I Say Light paru en 2013, Obaro Ejimiwe a.k.a. GHOSTPOET va de l'avant avec un nouvel album qui sonne comme un retour aux sources, mais aussi un nouveau départ. À bien des égards, Shedding Skin évoque le premier album de GHOSTPOET sorti en 2011 et nommé au Mercury Prize, Peanut Butter Blues & Melancholy Jam. Cependant il diffère de ce dernier en ce qu'il a été enregistré très vite, avec le groupe qui accompagne GHOSTPOET sur scène : Joe Newman à la guitare, John Blease à la batterie et John Calvert à la basse, qui a également coproduit l'album au côté de Ejimiwe. A ceux-ci viennent s'ajouter de nombreuses collaborations qui colorent l'album, parmi lesquelles celles des chanteurs Lucy Ross, Etta Bond (magnifique sur Yes, I Helped You Pack), Nadine Shah, Melanie de Biasio, et Paul Smith, chanteur de Maxïmo Park. En abordant des thèmes qui le touchent personnellement, GHOSTPOET a voulu les traduire d'un point de vue universel avec pour but de transmettre ce message : quelque soient les difficultés de la vie, rien n'est impossible à qui souhaite accomplir de grandes choses. C'est en tout cas ce qu'il a appliqué avec Shedding Skin en réalisant un album cohérent et émouvant.

Cette édition contient l'un des meilleurs albums du maître de la chanson Hoagy Carmichael (1899-1981), Hoagy Sings Carmichael sorti en 1956. Le chanteur/compositeur est appuyé par des jazzmen modernes comme Harry Edison, Art Pepper et Jimmy Rowles, et les magnifiques arrangements sont réalisés par Johnny Mandel. Le compositeur et auteur américain Alec Wilder a décrit Hoagy Carmichael comme le plus talentueux, inventif, sophistiqué et orienté jazz de tous les grands artistes des chansons pop de la première moitié du XXe siècle. Hoagy Carmichael est l'un des auteurs-compositeurs les plus célèbres de la Tin Pan Alley des années 1930 et a été parmi les premiers auteurs-interprètes de l'ère des médias à utiliser les nouvelles technologies de communication (télévision, utilisation des microphones électroniques et des enregistrements sonores). Il a composé plusieurs centaines de chansons, dont une cinquantaine qui ont obtenu le statut de hit record. Il est surtout connu pour avoir composé les titres Stardust, Georgia on My Mind, The Nearness of You et Heart and Soul (en collaboration avec le parolier Frank Loesser), quatre des chansons américaines les plus enregistrées de tous les temps. Ole Buttermilk Sky a été nommé aux Academy Awards en 1946 et In the Cool, Cool, Cool of the Evening (paroles de Mercer), a remporté le Academy Award de la Best Original Song en 1951.

« Wandering ». Le verbe anglais évoque le fait de se déplacer sans but désigné, sans plan apparent. Le choix de ce titre pourrait étonner venant d'Enrico Pieranunzi, un musicien en pleine maturité, qui a trouvé sa voie personnelle. Il est pourtant parfaitement adapté à ce nouvel enregistrement qui nous dit très précisément la démarche musicale du pianiste : faire entendre sa voix singulière, parfaitement identifiable, que ce soit à partir d'une composition sur laquelle il improvise ou en se fiant à son intuition de l'instant et à la sûreté de son jeu pour improviser en toute liberté. Beaucoup de ceux qui suivent avec attention la carrière d'Enrico Pieranunzi (plus de quarante albums en tant que leader en trente ans) ont vu émerger l'un des plus passionnants artistes contemporains et l'un des meilleurs pianistes du monde du jazz. Toutes les étapes qu'il a parcourues dessinent une continuité que « Wandering » restitue : des racines - le blues, ici « Teensblues » et les accents anguleux à la Thelonious Monk du thème - à l'improvisation libre - les différents volets d'« Improstinato » et d'« Improvisions ». A travers les multiples facettes que constituent chacun de ses morceaux, « Wandering » restitue un portrait d'Enrico Pieranunzi. Grâce à une magnifique maîtrise pianistique, à une dynamique étendue et à l'amplitude de sa palette sonore, l'artiste parvient à ne pas se répéter tout en restant à chaque instant lui-même.

Retrouvez le douzième album studio de FM, SYNCHRONIZED. Sans surprise, il s'agit d'un nouvel album de premier plan qui maintiendra fermement le statut du groupe comme l'un des meilleurs du rock mélodique. Fondée en 1984 lorsque le chanteur Steve Overland et son frère, le guitariste Chris (tous deux anciennement de Wildlife) ont fait équipe avec le batteur Pete Jupp (ex-Wildlife et Samson) et le bassiste Merv Goldsworthy (ex-Diamond Head et Samson), les gars ont rapidement été rejoints par Didge Digital aux claviers et en décembre de cette année-là, ils ont obtenu un contrat d'enregistrement avec CBS/Portrait et se sont rendus en Allemagne pour une série de dates avec Meat Loaf. En 2007 - après une année sabbatique de 12 ans - FM a été convaincu de revenir sur scène pour une performance unique en tête d'affiche lors d'un Firefest IV à guichets fermés au Nottingham Rock City. L'accueil enthousiaste des fans de Firefest a conduit FM à prendre rapidement la décision d'enregistrer un nouvel album. Après un retour à Firefest en 2009, FM a sorti en mars 2010 son très attendu sixième album studio METROPOLIS, avec Jim Kirkpatrick remplaçant Andy Barnett à la guitare principale. Le groupe n'a pas cessé depuis !

On a beaucoup trop tendance à reléguer le basson dans le rôle de simple basse, ou encore dans celui de gentil bouffon. Et pourtant, Mozart lui-même lui a confié les moments les plus tendres de sa Flûte enchantée (bien plus qu'à la flûte elle-même), et son tout premier concerto pour vents fut destiné précisément au basson : c'est ce Concerto KV. 171 de 1774. Le second mouvement, en particulier, contient des passages qu'il réutilisera dans certains airs de la Comtesse. Rossini, lui, nous a laissé son Concerto sous forme de manuscrit (un manuscrit redécouvert en 1990 seulement) fortement annoté, de sorte que tous les musicologues n'acceptent pas sa paternité exclusive. L'oeuvre semble dater de 1845, donc de l'ultime époque lyrique du compositeur; le ton, puissamment rossinien, donne sans doute tord aux spécialistes dubitatifs. A l'auditeur de décider. L'Allemand Kreutzer et le Suédois Crusell, plus ou moins contemporains l'un de l'autre, nous proposent deux exemples bien trop rares d' uvres concertantes pour basson du premier romantisme. Au basson, la jeune et talentueuse Britannique Karen Geoghegan, déjà grande star internationale du basson, nous prouve que l'instrument n'a rien de bouffon ni de macho !

L’album « Time Out », réédition de l’une des meilleures ventes jazz de tous les temps, qui a valu à l’artiste une apparition en couverture du Times, est complété par « Brubeck Time », premier album studio du quartet. INTERMUSIC inaugure une nouvelle collection de produits spécialement conçus pour tous les amoureux du disque, et ce au sens large ! Avec leur souci constant d’offrir une qualité éditoriale optimale, les producteurs du label se sont penchés sur le format « Vinyl Replica » avec une première série de titres qui sont tous des classiques incontournables des répertoires jazz, soul, R’n’B, etc. ! Les albums réédités ont fait l’objet d’une attention très soignée : pochette double « gatefold » en carton épais, souspochette LP, OBI japonais avec code barre et track-list complet, nombreux bonus, notes intérieures lisibles et actualisées, etc. La restitution est minutieuse, le son remasterisé en 24 bits, le tirage limité, les artworks magnifiques ! Une série à prix doux qui devrait réconcilier les « indémordables » de la cire avec le bon vieux... CD ! L’album « Time Out », réédition de l’une des meilleures ventes jazz de tous les temps, qui a valu à l’artiste une apparition en couverture du Times, est complété par « Brubeck Time », premier album studio du quartet.

Papillonnant à travers les genres, les continents et les collaborations, enchainant grands succès et défaites, la carrière de LIZZY MERCIER DESCLOUX fut loin d’être conventionnelle. Suspense fut le premier album sur lequel elle travailla sans son compagnon de longue date, Michel Esteban, avec qui elle quitta sa France natale pour s’installer à New York. Son label, EMI, voulait qu’elle répète le succès du fameux «Mais Où Sont Passées Les Gazelles?» et était désireux de faire d’elle une artiste plus traditionnelle en la faisant travailler avec le producteur de l’époque en vogue, John Brand, le songwritter et trompétiste du groupe MARS, Mark Cunningham et l’artiste australien James Reyne qui co-écrit One For The Soul. Suspense est un album pop chanté en anglais et en français, qui « sonne moins Lizzy que les autres, moins ouvert » selon Esteban. A la sortie du single Gueule D’Amour/Cry of Love, EMI perdit confiance en son artiste et étouffa l’album. LIZZY se retira en Corse, loin de la scène musicale, et s’éteint à l’âge de 48 ans des suites d’un cancer. Remasterisé à partir des pistes originales. Inclus un essai de la spécialiste du punk, Vivien Goldman accompagné d’interviews. Le LP inclut une carte de téléchargement et 6 titres bonus, le CD inclut l’album et 6 titres bonus.

Papillonnant à travers les genres, les continents et les collaborations, enchainant grands succès et défaites, la carrière de LIZZY MERCIER DESCLOUX fut loin d’être conventionnelle. Suspense fut le premier album sur lequel elle travailla sans son compagnon de longue date, Michel Esteban, avec qui elle quitta sa France natale pour s’installer à New York. Son label, EMI, voulait qu’elle répète le succès du fameux «Mais Où Sont Passées Les Gazelles?» et était désireux de faire d’elle une artiste plus traditionnelle en la faisant travailler avec le producteur de l’époque en vogue, John Brand, le songwritter et trompétiste du groupe MARS, Mark Cunningham et l’artiste australien James Reyne qui co-écrit One For The Soul. Suspense est un album pop chanté en anglais et en français, qui « sonne moins Lizzy que les autres, moins ouvert » selon Esteban. A la sortie du single Gueule D’Amour/Cry of Love, EMI perdit confiance en son artiste et étouffa l’album. LIZZY se retira en Corse, loin de la scène musicale, et s’éteint à l’âge de 48 ans des suites d’un cancer. Remasterisé à partir des pistes originales. Inclus un essai de la spécialiste du punk, Vivien Goldman accompagné d’interviews. Le LP inclut une carte de téléchargement et 6 titres bonus, le CD inclut l’album et 6 titres bonus.

Blackfield V est le résultat de l'étroite collaboration entre le compositeur et musicien Israélien Aviv Geffen, et le musicien et producteur Steven Wilson. Aviv Geffen a travaillé avec des producteurs légendaires tels que Tony Visconti et Trevor Horn; il a joué en live avec U2 et Placebo, et fait actuellement parti du jury de ‘The Voice' à la télévision israélienne. Steven Wilson, après une longue carrière comme leader du très influent groupe : Porcupine Tree, a rencontré un énorme succès dans sa carrière solo : n°3 au Top 40 des albums en Angleterre, Allemange et Hollande, ainsi que 4 nominations aux Grammy Awards. Ecrit et enregistré sur une période de 18 mois en Israël et en Angleterre, Blackfield V contient 13 titres d'une durée totale de 45 mn. En plus du duo aux chants, guitares et claviers, on retrouve Tomer Z à la batterie, Eran Mitelman au clavier. La plupart des arrangements symphoniques ont été réalisés par la session orchestrale de Londres. Blackfield V est un merveilleux voyage aux mélodies accrocheuses, aux arrangements divins, et à la production exceptionnelle. En effet, le grand Alan Parsons a contribué à la production de 3 des meilleurs morceaux de l'album. Lasse Hoile a réalisé l'illustration de la pochette en accord avec Carl Glover. Les deux musiciens considèrent Blackfield V comme leur meilleure collaboration à ce jour.

BLAENAVON, le jeune groupe anglais, sort son premier album, That’s Your Lot sur Transgressive. L’histoire du premier album de BLAENAVON est relativement simple : trois adolescents qui participent à un concours de talent dans leur école, qui publient ensuite leurs chansons sur internet, se ramassent littéralement lors de leurs premiers concerts, mais qui réussissent tout de même à se constituer une fanbase dévouée et se faire acclamer par la critique. BLANEAVON c’est un groupe qui, après 6 années d’existence et la jungle tumultueuse des études et des examens, des EPs et des sollicitations des maisons de disques, finit finalement par délivrer un premier album, somptueux, palpitant et courageux. Dans les paroles il est question de doute sur soi, de désir, d’indécision romantique, de la simple pureté de l’amour platonique mais aussi de l’hédonisme, de l’abandon et de la grandeur. Ben Gregory, le guitariste chanteur, est un talent lyrique remarquable tandis que Frank Wright et Harris McMillan fournissent à la basse et à la batterie l’épine dorsale de BLAENAVON : un son ambitieux et souvent majestueux Pour mener à bien son premier album, le groupe s’est fixé une vraie rigueur de travail en multipliant les répétitions et a travaillé avec le producteur Jim Abbiss (Arctic Monkeys, Adèle, Bombay Bicycle Club). Pour les fans de : Genghar, Local Natives, Foals, JAWS...

Toujours ancré dans les années 70, le groupe délivre un album « live » solide et énergique, gorgé de feeling; la flamme continue de brûler dans le coeur de ces musiciens qui ne sont pas prêts de prendre leur retraite ! A l’écoute de cet album, on constate vite qu’Uriah Heep ne s’assagit pas avec l’âge. Si les groupes-phare des années 70 ont tendance à calmer le jeu de nos jours (Deep Purple ou Aerosmith), Uriah Heep décide de prendre le temps à contrepied en appuyant sur le champignon de manière plus insistante ! Enregistré dans la salle « Koko » de Londres en mars 2014, cet album comprend les hits incontournables du groupe (45 ans de carrière !) et d’autres d’albums récents.« Enregistrer ce DVD en concert à Londres au club Koko était tout simplement fantastique » précise Mick Box. « Nos fans avaient fait le déplacement du monde entier pour être présents lors de cette soirée magique. Ils ont apporté une énergie incroyable, et c’est génial que cela ait pu être capturé en images ! Ce soir-là, on a démarré le show par deux chansons de notre tout dernier album, ‘Outsider’, et la réaction du public était immédiate. Cela nous a prouvé une nouvelle fois que nous avions les meilleurs et plus loyaux fans du monde ! ».

Retour aux sources R'n'B pour le 10ème album studio de la légendaire chanteuse Macy Gray ! Macy Gray a publié son tout premier LP, On How Life Is, en 1999 et s'est illustrée aux Grammy Awards avec le titre I Try figurant sur cet album, qui comptabilise aujourd'hui plus de cent millions d'écoutes sur les plateformes de streaming. Digne héritière d'artistes tels qu'Aretha Franklin et Tina Turner, elle incarnait la nouvelle génération de la soul music avec sa personnalité, son charisme et sa voix phénoménale. Dix-neuf ans et huit albums studio plus tard, elle revient en force avec un nouvel opus intitulé Ruby, un savant mélange de soul, de blues et de jazz, qui reste cependant marqué par les genres de prédilection de la diva : le R'n'B et la pop, le tout porté par une production résolument moderne. Elle y collabore avec le guitariste renommé Gary Clark Jr. et les producteurs Johan Carlsson (Ariana Grande, Michael Bublé, Maroon 5), Tommy Brown (Jennifer Lopez, Fifth Harmony, Travis Scott, Ariana Grande) et Tommy Parker Lumpkins (Janet Jackson, Justin Bieber, Kelly Rowland). POUR CEUX QUI AIMENT Angie Stone, Erykah Badu, Alicia Keys, Lauryn Hill, Jill Scott...

Retour aux sources R'n'B pour le 10ème album studio de la légendaire chanteuse Macy Gray ! Macy Gray a publié son tout premier LP, On How Life Is, en 1999 et s'est illustrée aux Grammy Awards avec le titre I Try figurant sur cet album, qui comptabilise aujourd'hui plus de cent millions d'écoutes sur les plateformes de streaming. Digne héritière d'artistes tels qu'Aretha Franklin et Tina Turner, elle incarnait la nouvelle génération de la soul music avec sa personnalité, son charisme et sa voix phénoménale. Dix-neuf ans et huit albums studio plus tard, elle revient en force avec un nouvel opus intitulé Ruby, un savant mélange de soul, de blues et de jazz, qui reste cependant marqué par les genres de prédilection de la diva : le R'n'B et la pop, le tout porté par une production résolument moderne. Elle y collabore avec le guitariste renommé Gary Clark Jr. et les producteurs Johan Carlsson (Ariana Grande, Michael Bublé, Maroon 5), Tommy Brown (Jennifer Lopez, Fifth Harmony, Travis Scott, Ariana Grande) et Tommy Parker Lumpkins (Janet Jackson, Justin Bieber, Kelly Rowland). POUR CEUX QUI AIMENT Angie Stone, Erykah Badu, Alicia Keys, Lauryn Hill, Jill Scott...

LE GUITARISTE D'ACCEPT REVIENT EN FORCE AVEC SON SECOND ALBUM SOLO ! Sans l'ombre d'un doute, Herman Frank est l'un des plus prestigieux guitaristes allemands de ces trente dernières années. Ses compositions dynamiques peuplées de riffs ravageurs et de solos virtuoses ont rendu grâce à la musique du groupe culte germanique Victory, qu'il a fondé au milieu des années 80, ainsi qu'à son digne successeur Moon'Doc, mais égalment en tant que member au légendaire combo Accept a début des années 80 dans lequel il est apparu dans un nombre important et qualitatif de compositions, sur les albums 'Classics' tels que Restless and Wild et Balls To the Wall avant de rééintégrer de façon permanente Accept en 2005. Après son premier album solo, Loyal To None (2009), le resident d'Hannovre revient en force avec son second opus. Right In The Guts, un pur condense d'adrénaline, d'énergie et de détermination. Si vous recherchez un disque paisible, et relaxant, passez votre chemin. Sinon cochez la date du 22 juin 2012. Right in The Guts combine d'imposantes compositions où se mêlent des influences de rock, metal et de blues. Son jeu de guitare associe, quant à lui, la technique, le gout certain et des idées recherchées. Il en est de même pour les musiciens qui l'accompagnent dans cet enregistrement. Le chanteur Rick Altzi est né en Suède. Il possède une voix très rock qui se distingue aisément. Il a lui-même eu vent du projet d'Herman Frank et l'a contacté illico. Le bassiste Peter Pichl a joué au sein du projet Loyal To None et demeure l'un des bassistes les plus recherchés sur la scène actuelle. Mamalitsidis Cristos a déjà partagé la scène avec Herman Frank en tant que second guitariste et joue à la perfection du métal. Le batteur Michael Wolpers a le sens du grove et de la precision. C'est un ami d'Herman Frank et un compagnon de longue route. Avec cette armée d'experts, Herman Franka enregistré 13 titres forgés dans le Métal. C'est à l'Arena 20, son studio situé à Hanovre en Allemagne que vont se faire les prises. Frank Herman est le principal compositeur et s'occupe aussi de la production allant jusqu'à travailler le mixage et le mastering final. Au final se succèdent donc une variété astronomique de tempos différents, de formes d'expression divergentes et de niveaux de puissance sans que la trame générale en souffre. 'Roaring Thunder' ouvre avec furie l'album tandis que le titre éponyme 'Right In The Guts' pulse à fond et imprime la cadence. Frank Herman n'y va pas par quatre chemins et se dévoile de suite. Le chant et les instruments vont directement à l'essentiel et ne laisse aucune question sans réponse.. Et lorsque la finesse sur le sompteux et inhabituel 'Vengeance' s'invite au buffet, ce n'est que pour mieux conquérir les fans. Herman Frank desire vite se produire sur scène pour épauler cet album. Comme il le souligne personnellement : J'utiliserai chaque minute qu'Accept m'accordera pour me produire dans chaque club du monde qui pourra accueillir mes murs d'amplis. C'est ce qu'on appelle un sacré appel du pied avec un album de cette trempe.

Le célèbre groupe de punk/rock britannique FISHER-Z revient avec un nouvel album engagé et actuel Fischer-Z est un groupe punk/rock britannique réputé pour ses chansons mélodieuses, ses paroles poétiques, ses commentaires sociaux et politiques rusés et ses textures expérimentales. En 42 ans de carrière, le groupe a sorti 20 albums, donné plus de 3.000 concerts dans le monde et vendu plus de deux millions d'albums. FischerZ a déjà commencé en 1977 et peut être contextualisé à la fin des années 1970 dans l'école des groupes de punks intelligents, excentriques, énergiques et chargés d'accrocs qui se sont superposés aux mouvements new wave et post-punk. Le premier catalogue du groupe s'accorde parfaitement avec les productions de XTC, Talking Heads, Wire et Mission Of Burma. En 2019, Fischer-Z est toujours bien vivant ! Toujours à la hauteur de leurs façons légendaires de défier le public avec des performances théâtrales et des versions incendiaires de leurs oeuvres préférées. Swimming In Thunderstorms est un album actuel tant dans ses chansons que dans son esprit, avec des guitares rock costauds et oniriques, une atmosphère céleste et des touches artistiques et imaginatives. John Watts démontre une fois encore son talent de chanteur, guitariste et poète !

Le célèbre groupe de punk/rock britannique FISHER-Z revient avec un nouvel album engagé et actuel Fischer-Z est un groupe punk/rock britannique réputé pour ses chansons mélodieuses, ses paroles poétiques, ses commentaires sociaux et politiques rusés et ses textures expérimentales. En 42 ans de carrière, le groupe a sorti 20 albums, donné plus de 3.000 concerts dans le monde et vendu plus de deux millions d'albums. FischerZ a déjà commencé en 1977 et peut être contextualisé à la fin des années 1970 dans l'école des groupes de punks intelligents, excentriques, énergiques et chargés d'accrocs qui se sont superposés aux mouvements new wave et post-punk. Le premier catalogue du groupe s'accorde parfaitement avec les productions de XTC, Talking Heads, Wire et Mission Of Burma. En 2019, Fischer-Z est toujours bien vivant ! Toujours à la hauteur de leurs façons légendaires de défier le public avec des performances théâtrales et des versions incendiaires de leurs oeuvres préférées. Swimming In Thunderstorms est un album actuel tant dans ses chansons que dans son esprit, avec des guitares rock costauds et oniriques, une atmosphère céleste et des touches artistiques et imaginatives. John Watts démontre une fois encore son talent de chanteur, guitariste et poète !

Après la grandiose épopée en deux parties Chronicles of the Immortals sortie il n'y a pas si longtemps, le groupe de prog métal Vanden Plas sont déjà heureux de présenter leur nouvel album, The Ghost Xperiment : AwakenIng. La sortie du neuvième album studio du quintet souligne le haut niveau de créativité artistique qu'ils ont maintenu pendant si longtemps. Musicalement, Vanden Plas offre une fois de plus une combinaison parfaite de hard et de mélodique, tandis que les arrangements orchestraux sont ici plus en arrière-plan que sur le dernier album. En même temps, le quintet se rapproche de ses racines originelles, comme The God Thing ou Far Off Grace. Il y a des éléments plus progressifs dans les chansons, similaires à ce que l'on connait des albums précédents. Les six titres, pour la plupart longs, produisent un effet impressionnant et fascinant grâce à un arrangement très orienté vers le groupe, de sorte que l'urgence claire et intense des chansons transparaît naturellement et sans prétention. L'album est une fois de plus le fruit d'une collaboration de confiance avec l'ingénieur du son Markus Teske de Bazement Studios. L'ajout de : Awakening dans le titre de l'album laisse entendre que cet album est la première partie d'un concept passionnant. La suite, The Ghost Xperiment : IIIumination devrait paraître à l'automne 2020.

Le premier album solo de l'auteur-compositeur-interprète primé d'Iamthemorning Après le succès de quatre albums très remarqués avec Iamthemorning, la parolière, chanteuse et cocompositrice Marjana Semkina (aussi connue sous le nom de Mariana) sort son envoûtant premier album solo, Sleepwalking. Caractérisée par une voix unique, des lignes mélodiques complexes et des paroles poétiques avec des références littéraires, Semkina est souvent comparée avec Kate Bush. Le nouveau matériel s'inspire du paysage sonore de Iamthemorning mais parvient à s'en détacher pleinement; un mélange irrésistible de folk alternatif, de pop, de drame, de beauté et de paroles émotionnellement purificatrices. Pour l'aider à l'enregistrement de sa vision pour Sleepwalking, Marjana a invité le célèbre claviériste, batteur et bassiste, Jordan Rudess (Dream Theater), Craig Blundell et Nick Beggs (Steven Wilson), ainsi que l'Orchestre de SaintPétersbourg 1703 et son collaborateur Vlad Avy. La pochette de l'album fait référence à l'amour de Semkina pour l'art classique, réunissant la photographie avec le mouvement Vanitas du 17e siècle, un genre de peinture de nature morte qui inclut des objets symboliques, de l'inévitabilité de la mort et de la fugacité des plaisirs terrestres, exhortant le spectateur à tenir compte de sa propre mortalité.

Le premier album solo de l'auteur-compositeur-interprète primé d'Iamthemorning Après le succès de quatre albums très remarqués avec Iamthemorning, la parolière, chanteuse et cocompositrice Marjana Semkina (aussi connue sous le nom de Mariana) sort son envoûtant premier album solo, Sleepwalking. Caractérisée par une voix unique, des lignes mélodiques complexes et des paroles poétiques avec des références littéraires, Semkina est souvent comparée avec Kate Bush. Le nouveau matériel s'inspire du paysage sonore de Iamthemorning mais parvient à s'en détacher pleinement; un mélange irrésistible de folk alternatif, de pop, de drame, de beauté et de paroles émotionnellement purificatrices. Pour l'aider à l'enregistrement de sa vision pour Sleepwalking, Marjana a invité le célèbre claviériste, batteur et bassiste, Jordan Rudess (Dream Theater), Craig Blundell et Nick Beggs (Steven Wilson), ainsi que l'Orchestre de SaintPétersbourg 1703 et son collaborateur Vlad Avy. La pochette de l'album fait référence à l'amour de Semkina pour l'art classique, réunissant la photographie avec le mouvement Vanitas du 17e siècle, un genre de peinture de nature morte qui inclut des objets symboliques, de l'inévitabilité de la mort et de la fugacité des plaisirs terrestres, exhortant le spectateur à tenir compte de sa propre mortalité.

BLAENAVON, le jeune groupe anglais, sort son premier album, That’s Your Lot sur Transgressive. L’histoire du premier album de BLAENAVON est relativement simple : trois adolescents qui participent à un concours de talent dans leur école, qui publient ensuite leurs chansons sur internet, se ramassent littéralement lors de leurs premiers concerts, mais qui réussissent tout de même à se constituer une fanbase dévouée et se faire acclamer par la critique. BLANEAVON c’est un groupe qui, après 6 années d’existence et la jungle tumultueuse des études et des examens, des EPs et des sollicitations des maisons de disques, finit finalement par délivrer un premier album, somptueux, palpitant et courageux. Dans les paroles il est question de doute sur soi, de désir, d’indécision romantique, de la simple pureté de l’amour platonique mais aussi de l’hédonisme, de l’abandon et de la grandeur. Ben Gregory, le guitariste chanteur, est un talent lyrique remarquable tandis que Frank Wright et Harris McMillan fournissent à la basse et à la batterie l’épine dorsale de BLAENAVON : un son ambitieux et souvent majestueux Pour mener à bien son premier album, le groupe s’est fixé une vraie rigueur de travail en multipliant les répétitions et a travaillé avec le producteur Jim Abbiss (Arctic Monkeys, Adèle, Bombay Bicycle Club). Pour les fans de : Genghar, Local Natives, Foals, JAWS...

Window est le lien manquant dans la série de réédition par Light In The Attic des premiers albums de MICHAEL CHAPMAN. Window a sa place entre Fully Qualified Survivor et Wrecked Again. En 1970, l’année de sa signature sur le label Harvest ( Syd Barrett, Kevin Ayers...), MICHAEL CHAPMAN est un artiste en quête de succès, toujours fauché, et constamment en tournée pour joindre les deux bouts. Il voulait enregistrer Window très rapidement pour pouvoir retourner sur la route le plus vite possible. Mais ce n’est pas ce qu’avait prévu le producteur Gus Dudgeon (Elton John) qui a réservé un des studios les plus chers de Londres, Trident Studios. Enregistré avec le guitariste américain Phil Greenberg, Window renferme un mélange d’électrique et d’acoustique, de traditionnel et d’expérimental, de synthétique et d’organique. Dès la fin des sessions, le groupe repartit en tournée. MICHAEL CHAPMAN pensait, qu’une fois de retour, il pourrait réenregistrer ses parties de guitares acoustiques qu’il ne trouvait pas satisfaisantes en l’état. Mais Harvest décida de sortir l’album. Résultat, MICHAEL CHAPMAN déteste ce disque. Il a tout de même donné sa bénédiction à Light In The Attic pour le ressortir, reconnaissant qu’il est une pièce importante dans son histoire. La femme de Chapman, Andru Chapman, a écrit les notes de pochettes de cette réédition qui contient 2 titres bonus.

Ex-batteur de Pond et bassiste de Tame Impala, le songwriter Cameron Avery sort un premier album époustouflant et s’annonce comme une des révélations 2017 Cameron Avery est un songwriter et multi-instrumentiste Australien, désormais basé à New York. Dès 2007, poussé par Kevin Parker de Tame Impala, il lance son projet solo, The Growl, et sort un EP de rock’n’roll psychédélique et agressif. Puis il est recruté sur d’autres projets, tantôt batteur du groupe POND, tantôt bassiste de Tame Impala lors de leur tournée en 2013. Cameron continue à composer sur son temps libre, et lorsqu’une pause se dessine pour Tame Impala, il s’installe aux Etats Unis pour travailler son projet. Il arrive avec huit chansons, s’en débarrasse de sept, en réécrit douze. Il enregistre l’album à Los Angeles et joue la plupart des instrument tout en s’entourant du musicien de génie Jonathan Wilson, producteur de l’album (et de Father John Misty), qui le pousse à mettre en avant sa voix de baryton, contrairement au chant grondant et masqué de The Growl. Son timbre grave rappelle Nick Cave, Scott Walker ou Tindersticks, et les transcendants premiers singles ‘C’est Toi’ et ‘Wasted On Fidelity’ évoquent un certain Father JohnMisty...

Gérard de Haro, directeur du studio et du label La Buissonne et Andy Emler, pianiste et compositeur, tracent un parcours commun depuis presque quinze ans ! Confiance et respect mutuels. L'un est l'ingénieur du son de tous les disques que l'autre a réalisé, au studio la Buissonne, depuis son retour dans l'actualité discographique en 2003 : que ce soit au sein du trio Emler, Tchamitchian, Echampard, du duo Emler/Contet et du Andy Emler MegaOctet. Depuis des années Gérard écoute, entend, voit Andy au travail, seul avant les prises... Depuis quelques années Andy est invité régulièrement à faire des concerts en solo, lui qui ne se prend ni pour un virtuose de l'instrument ni pour un praticien éclairé de l'exercice... Depuis des années ils travaillent sur un projet commun, que nous découvrirons peut-être un jour, si l'invité prestigieux qui en est le dédicataire leur fait l'offrande de prendre le temps d'y collaborer... En attendant, dans la logique de son label, Gérard a demandé à Andy de jouer le jeu d'un enregistrement en solo. Andy a accepté la proposition de son alter ego à la condition que ce disque de piano soit le reflet de son approche personnelle de l'instrument en compositeur qu'il est. Un piano solo certes mais à voix/voies multiples. For better times est le fruit de cette aventure musicale, artistique et humaine.

LE NOUVEL ALBUM DE LA SUPERSTAR DE L'ELECTRO DANCE MUSIC W : /2016ALBUM/, huitième album studio du producteur canadien d'EDM deadmau5, porte simplement le nom du répertoire dans lequel les morceaux étaient enregistrés sur l'ordinateur de Joel Zimmerman, de son vrai nom. Le DJ, nommé 6 fois aux Grammy Awards depuis le début de sa carrière en 2008, est aussi régulièrement dans les tops mondiaux des DJ les plus populaires, tout en continuant à se faire remarquer via son activité sur Twitter. L'albu.. est sorti en version digitale le 2 décembre dernier, via son label mau5trap Recordings et contient plusieurs morceaux que Zimmerman avait partagés sur son compte SoundCloud, avant que celui-ci ne se fasse hacker. Zimmerman a présenté l'albu.. en annonçant « une vibe fantaisiste, de science fiction des années 80 », qu'il attribuait à son acquisition d'un synthétiseur Prophet 10. W : /2016ALBUM/ présente une finition et une réflexion évidentes, qui le différencient largement d'un simple mix mainstream, en promouvant une vision plus Progressive des musiques électroniques. Pour Rolling Stone, « c'est la nouvelle oeuvre d'un artiste dont la capacité à bousculer les attentes est exaltante ». « Cet opus conforte deadmau5 dans sa musicalité » DJ MAG Les versions CD et vinyles seront toutes deux limitées et contiendront un morceau inédit, non présent sur la version digitale. Le vinyle sera sous la forme d'un 2LP, présenté dans un packaging deluxe.

Le troisième album solo lyrique et narratif du leader de The Hold Steady We All Want The Same Things, le nouvel album de Craig Finn sortira le 24 mars schez Partisan Records. Il explore les thèmes de l’amour et des relations à notre époque. Selon Finn L’amour apparaît comme un véritable mystère de nos jours, la science et le progrès technologique ne peuvent nous aider à comprendre pleinement la notion d’amour et son role dans nos vies. Mais j’envisage également la recherche de l’amour comme un antidote à la solitude. On y retrouve les procédés chers à Craig Finn, à savoir des personnages aux caractères bien définis, de l’humour noir et et des compositions rock qui doivent beaucoup à Springsteen ou Dylan. Particulèrement sophistiqué au niveau des arrangements, ce nouvel album a été produit par son fidèle collaborateur Josh Kaufman. Finn est principalement connu comme étant le leader du groupe The Hold Steady avec lequel il a enregistré 6 albums acclamés par la critique. Ce nouvel album nous emmène encore plus loin dans ce monde de Craig Finn, rempli de personnages complexes et nuancés. Ces chansons parlent de gens normaux qui essaient de s’entraider et d’avancer, dans certains cas juste pour survivre; tout en essayant de délimiter l’espace que l’autre peut occuper dans sa vie.

Kristine Leschper revient avec son groupe Mothers pour un deuxième album entre folk et indie rock au songwriting parfait. Render Another Ugly Method est le nouveau disque de Kristine Leschper accompagné de son groupe Mothers dont elle est la songwriter et fondatrice. Elle a essayé d'obtenir une vue élargie de l'environnement qui l'entoure en s'appuyant sur différents sons et images présents autour d'elle. Leschper a exploré le songwriting quand elle a bougé à Athens en Georgie et qu'elle était encre ado. Elle a commencé à travailler avec des musiciens locaux comme Matthew Anderegg qui est devenu un mentor et un ami. When You Walk A Long Distance You Are Tired album d'indie rock explosif et surprenant est son premier disque sorti en 2016 sous le nom de Mothers. Avec Mothers, Leschper et Anderegg sont restés fidèles à leurs idées créatrices tout en travaillant avec d'autres collaborateurs comme Chris Goggans et Drew Kirby. Ce nouvel a été produit et mixé par John Congleton qui notamment produit Angel Olsen, Goldfrapp et Kimbra, Leschper revient à des sonorités plus douces et plus proches de la folk. POUR CEUX QUI AIMENT Angel Olsen, Big Thief, Amen Dunes, Kevin Morby

Le Songwriter Marlon Rabenreither sort son troisième album rééinventant les codes de la folk en y ajoutant des sonorités pop et rock and roll. Marlon Rabenreither a commencé son projet solo sous le nom de Gold Star en 2013. Aujourd'hui il s'apprête à sortir son troisième album, et selon ses dires voulait faire l'opposé de son précédent album Big Blue Le titre de l'album, Uppers and Downers rappelle les différents états mentaux, mais aussi la diversité des styles des chansons que l'on retrouve sur l'album, des titres calmes, d'autres plus énervés, capturant les différentes humeurs du musicien au moment de l'enregistrement. L'album a été enregistré aux Valentine Studios, qui a vu défiler les Beach Boys, Zappa ou Jackson Browne. Le producteur Nicolas Jodoin a aidé à produire l'album et à donner une vision neuve pour Uppers and Downers ajoutant des vieux claviers et des cordes. L'album sonne donc classique mais avec une touche très moderne. Le lien entre les douze chansons de l'album est la ville de Los Angeles et toutes ses influences musicales et créatives. Pour cet album Marlon Rabenreither ne souhaitait pas choisir entre rock, folk et pop. Il donc réalisé un album différents des deux autres, où se mêlent toutes ses influences musicales. POUR CEUX QUI AIMENT Bob Dylan, Kevin Morby

Avec son afrobass explosive et son rap contagieux, la Queen kenyane s'annonce comme LA nouvelle révélation R&B. Avec SHE', Muthoni Drummer Queen réinvente la formule Motown façon génération Z. Alliée au duo de beat makers suisse GR ! & Hook, la reine kenyane livre un album transversal par excellence, bourré de hits profondément humains. Ce disque parvient à extraire le meilleur du riche spectre du son afro pour créer un hybride totalement contagieux, qui fonctionne aussi bien en club qu'en radio. Enregistré en Suisse lors de sessions bootcamp, cet opus célèbre la beauté, la force, l'audace et la résilience des femmes africaines. SHE est un diamant brut, qui fait voler en éclat l'idée de genre musical avec la même légèreté que le hip-hop traitait les samples pendant son âge d'or. Voguant avec une aisance jubilatoire du hip hop au dancehall, de la rétro-soul au future r&b, sans oublier ses influences africaines, la reine de la scène urbaine de Nairobi et ses acolytes règnent sans partage sur un royaume musical hybride et décomplexé, que ne désavoueraient pas M.I.A, Beyoncé ou Lauryn Hill. Avec son flow de rappeuse et son énergie de rockeuse, Muthoni incarne une véritable fusion débridée d'éléments musicaux, au son aussi libre qu'exaltant. On tient notre nouvelle Queen', petite bombe d'énergie en pleine explosion !

Avec son afrobass explosive et son rap contagieux, la Queen kenyane s'annonce comme LA nouvelle révélation R&B. Avec SHE', Muthoni Drummer Queen réinvente la formule Motown façon génération Z. Alliée au duo de beat makers suisse GR ! & Hook, la reine kenyane livre un album transversal par excellence, bourré de hits profondément humains. Ce disque parvient à extraire le meilleur du riche spectre du son afro pour créer un hybride totalement contagieux, qui fonctionne aussi bien en club qu'en radio. Enregistré en Suisse lors de sessions bootcamp, cet opus célèbre la beauté, la force, l'audace et la résilience des femmes africaines. SHE est un diamant brut, qui fait voler en éclat l'idée de genre musical avec la même légèreté que le hip-hop traitait les samples pendant son âge d'or. Voguant avec une aisance jubilatoire du hip hop au dancehall, de la rétro-soul au future r&b, sans oublier ses influences africaines, la reine de la scène urbaine de Nairobi et ses acolytes règnent sans partage sur un royaume musical hybride et décomplexé, que ne désavoueraient pas M.I.A, Beyoncé ou Lauryn Hill. Avec son flow de rappeuse et son énergie de rockeuse, Muthoni incarne une véritable fusion débridée d'éléments musicaux, au son aussi libre qu'exaltant. On tient notre nouvelle Queen', petite bombe d'énergie en pleine explosion !

Raging Fyah c’est aussi la preuve que le flambeau a été passé en Jamaïque, puisque les Jamaïcains eux mêmes reconnaissent le talent de ces jeunes musiciens, ainsi que leur engagement pour la paix, l’amour et la liberté. Ils expriment ces valeurs à travers une musique colorée, pouvant, tout en respectant la tradition roots, voguer à d’autres rythmes tels que ceux du rock ou de la pop. Le mélange des genres est encore à l’honneur, sans perdre une miette de leur héritage et de leur passion pour le reggae. Tel est leur talent. En 2011 ils sortent leur premier album Judgement Day qui fait un carton plein en Europe, le tout accompagné d’une belle tournée. En Jamaïque ils sont adulés et très vite comparés à des artistes comme Bob Marley ou Peter Tosh... C’est vous dire l’ampleur du succès, et du talent... L’album quant à lui fait le tour des réseaux reggae avec des titres qui sont encore dans les esprits comme « Judgement Day » ou « Running Away », et qui vont inscrire Raging Fyah dans la liste des groupes reggae à connaitre absolument. Le public européen répond lui aussi présent, du Summerjam en Allemagne, en passant par le Rototom en Espagne ou le Garance Festival en France, le message est passé : ces mecs là ont de l’énergie à revendre et des choses à dire !

Ex-batteur de Pond et bassiste de Tame Impala, le songwriter Cameron Avery sort un premier album époustouflant et s’annonce comme une des révélations 2017 Cameron Avery est un songwriter et multi-instrumentiste Australien, désormais basé à New York. Dès 2007, poussé par Kevin Parker de Tame Impala, il lance son projet solo, The Growl, et sort un EP de rock’n’roll psychédélique et agressif. Puis il est recruté sur d’autres projets, tantôt batteur du groupe POND, tantôt bassiste de Tame Impala lors de leur tournée en 2013. Cameron continue à composer sur son temps libre, et lorsqu’une pause se dessine pour Tame Impala, il s’installe aux Etats Unis pour travailler son projet. Il arrive avec huit chansons, s’en débarrasse de sept, en réécrit douze. Il enregistre l’album à Los Angeles et joue la plupart des instrument tout en s’entourant du musicien de génie Jonathan Wilson, producteur de l’album (et de Father John Misty), qui le pousse à mettre en avant sa voix de baryton, contrairement au chant grondant et masqué de The Growl. Son timbre grave rappelle Nick Cave, Scott Walker ou Tindersticks, et les transcendants premiers singles ‘C’est Toi’ et ‘Wasted On Fidelity’ évoquent un certain Father JohnMisty...

Après Maraqopa (2012) et Brothers and Sisters of the Eternal Son (2014), Damien Jurado revient avec Visions of Us On The Land, un album produit par Richard Swift qui raconte l’histoire d’un individu ayant disparu de la société à la recherche des vérités universelles. Le projet initial n’était pourtant pas d’en faire une trilogie. « Son premier volet, 'Maraqopa', est un album instantané.» explique Jurado, « Un refuge de l’esprit, un brin psychédélique. C’est un endroit non répertorié, dont le nom fait penser à celui d’un village fictif de série télé ou de livre ». Ce premier album présentait un personnage - délibérément non nommé afin que quiconque puisse s’y identifier - qui débarque dans cette ville et se retrouve pris dans un accident de voiture. Brothers and Sisters of the Eternal Son reprend la narration après l’accident, dans un village inhabité, avec Silver Timothy, Silver Donna, et Silver Malcolm. Le voyage de l’âme continue à travers Visions of Us On The Land. Le road trip symbolique de ce personnage et de sa compagne de voyage, Silver Katherine. Les titres des morceaux font référence à des villes américaines réfractées dans un troisième oeil, comme derrière un miroir. C’est un album sur la vie, la mort, l’amour et la liberté. Une carte sonore sans destination qui se révèle un peu plus à chaque nouveau morceau.