Cécile McLorin Salvant, formidable chanteuse de 25 ans, s'est révélée au grand public avec l'album Woman Child en 2013. Ce second album, très attendu, s'intitule For One To Love; il expose brillamment les contrastes entre l'amour et l'envie, le plaisir et le désir. Cécile a composé cinq chansons originales. Chaque composition ou reprise explore des thèmes sous-jacents de l'album et affiche la forte personnalité de Cécile, sa vive intelligence, son humour, sa lucidité et un romantisme absolu. En attestent sa version incandescente de Wives and Lovers, une magnifique composition de Burt Bacharach et Hal David, mais aussi Growlin' Dan de Blanche Calloway, la première femme à avoir dirigé un orchestre composé uniquement d'hommes ! D'autres titres se distinguent également; What's The Matter Now, initialement popularisé par Bessie Smith, est presque un oxymore : un plaidoyer pour l'équité interprété... à la manière d'un blues enjoué ! Le Mal De Vivre, chanson écrite par Barbara en 1966, est une ballade saisissante.

Cécile McLorin Salvant, formidable chanteuse de 25 ans, s'est révélée au grand public avec l'album Woman Child en 2013. Ce second album, très attendu, s'intitule For One To Love; il expose brillamment les contrastes entre l'amour et l'envie, le plaisir et le désir. Cécile a composé cinq chansons originales. Chaque composition ou reprise explore des thèmes sous-jacents de l'album et affiche la forte personnalité de Cécile, sa vive intelligence, son humour, sa lucidité et un romantisme absolu. En attestent sa version incandescente de Wives and Lovers, une magnifique composition de Burt Bacharach et Hal David, mais aussi Growlin' Dan de Blanche Calloway, la première femme à avoir dirigé un orchestre composé uniquement d'hommes ! D'autres titres se distinguent également; What's The Matter Now, initialement popularisé par Bessie Smith, est presque un oxymore : un plaidoyer pour l'équité interprété... à la manière d'un blues enjoué ! Le Mal De Vivre, chanson écrite par Barbara en 1966, est une ballade saisissante.

Le groupe le plus bruyant de New York est de retour avec un album vertigineux et brutal ! Le cinquième album de A PLACE TO BURY STRANGERS est la pièce la plus urgente du groupe. C'est leur première sortie depuis l'élection de 2016 et la fermeture de Death By Audio en 2014, lieu DIY où Oliver Ackerman a vécu, travaillé et créé en toute liberté. Pinned s'ouvre avec Never Coming Back, un crescendo sinistre de chants, de guitares lacérées mêlées à l’impitoyable basse de Dion Lunadon. Braswell qui a rejoint le groupe à la batteire, contribue aussi au chant sur Never Coming Back ainsi que sur d’autres titres de Pinned, ouvrant une toute nouvelle dimension au groupe. Il est difficile de faire avancer les choses, après 10 ans d’existence mais nous essayons de nous pousser constamment, que ce soit avec les concerts ou les enregistrements. Nous voulons toujours aller plus loin ! POUR CEUX QUI AIMENT The Jesus and Mary Chain, Black Rebel Motorcycle Club

Le retour de la prolifique chanteuse irlandaise ! Prolongeant le processus de renaissance entamé en 2014 avec l'EP Mi Senti, puis poursuivi avec Hairless Toys, l'album de 2015, très bien accueilli par la critique et nommé au Mercury Prize, Take Her Up To Monto est un disque qui crépite d'une inventivité débridée. Si Mi Senti était « une lettre d'amour » adressée à la vie créative de Murphy, les séances suivantes ont été une véritable symphonie, écrite avec son collaborateur de longue date Eddie Stevens (Freakpower, Moloko, Zero 7), et ont donné naissance à suffisament de morceaux pour remplir deux albums. Hairless Toys a permis à son public d'entrer dans cette nouvelle phase de la carrière de Murphy avant d'être frappés de plein fouet par Take Her Up to Monto. Elucubrations disco, cabaret sombre, sonorités classiques de house et d'électro, joie et déchirement d'une pop pure, mélodrame de chansons d'amour. Il y a dans cet album tout ce qu'a toujours fait ROISINMURPHY - mais remis à neuf !

Le premier album énergétique de Jayda G, entre disco, funk vintage et house de Chicago! Très reconnue pour ses DJ sets pour le moins énérgétiques et musclés; au cours de ces derniers mois, elle s'est produite auprès de noms aussi prestigieux que Marcellus Pittman, Moodymann et Omar-S, a été invitée par The Black Madonna à jouer lors de son Warehouse Project et jouer dans des festivals aussi prestigieux que Field Day, Melt!, Kala, AVA and le Night And Day des XX. Jayda G a grandi au Canada, à 6h de Vancouver, entourée de rien d'autre que de la nature, ce qui a aiguisé son intérêt pour la biologie et la nature en général. Une passion qu'elle poursuit jusqu'à ce jour et qui est très étroitement lié avec sa vie musicale. En 2018, Jayda a terminé son Master en gestion de l'environnement et des ressources avec une spécialité en toxicologie environnementale. Le titre de l'album est la phrase la plus utilisée dans sa thèse finale et montre à quel point son travail scientifique est étroitement lié à son travail musical.

Initialement sorti en 1968 chez Vanguard Records, le deuxième album de PETER WALKER, Second Poem To Karmela Or Gypsies Are Important était un mélange révolutionnaire de folk, de raga et de psychédélisme qui est resté méconnu pendant des décennies. Alors que le premier album de PETER WALKER pour Vanguard, Rainy Day Raga a connu de nombreuses rééditions, ce deuxième effort est resté une relique très recherchée des connaisseurs. Light In The Attic le réédite donc aujourd'hui, en versions CD et LP. Minutieusement remasterisé à partir des enregistrements originaux, cette édition bénéficie également d'un livret écrit par GLENN JONES qui a interrogé PETER WALKER pendant de longues heures sur ses associations avec le gourou du LSD Timothy Leary, le maître du ragga Ali Akbar Khan ou son ami Sandy Bull. L'opportunité parfaite de comprendre les icônes culturelles des années 60 et de réécouter la fusion entre sons occidentaux et orientaux longtemps travaillée par WALKER.

Le groupe psychédélique UMO, mené par le génie Ruban Nielson est de retour avec un quatrième album ! La suite de Multi-Love, acclamé par la critique, voit le cerveau d'UMO, Ruban Nielson, pénétrer dans un territoire à la fois familier et inattendu. L'album, délicieusement changeant, met en valeur des thèmes majeurs : la consommation, l'évolution, l'affect, etc. À travers une lentille sonique, l’album est porté par une boite à rythme fracassante et définitivement Funk, un rock apocalyptique et du Disco teinté de rose. Ce n'est pourtant pas un disque sombre, même le titre de l'album, Sex & Fod, se concentre sur deux des expériences les plus indéniablement agréables de la vie : c’est la notion de positivité qui est ici représentée et cela dans le contexte étrange de notre époque. L'album a été enregistré dans une variété de lieux, de Séoul à Hanoi, Reykjavik, Mexico ou encore Auckland, sans oublier le studio de Nielson à Portland. Il s'agit un peu d'un carnet de voyage musical, traversant le monde. POUR CEUX QUI AIMENT Tame Impala, Pond, King Gizzard, MGMT

Wolfgang Haffner, souvent surnommé le Manu Katché allemand, s'offre quelques pas de tango avec Vincent Peirani, Ulf Wakenius, Lars Danielsson, etc. Kind of Tango est un kaléidoscope d'émotions changeantes. La conception du tango de Haffner touche au drame mais aussi à la mélancolie et à la nostalgie, avec de la place pour les explosions frénétiques. Tout cela est réuni par son groove et son feeling inimitables que les commentateurs ont qualifié de rêve absolu, de magique et de profondément détendu . Aux côtés de ses collaborateurs de confiance Christopher Dell et Lars Danielsson, il a avec lui deux invités qui défient tous les clichés associés au tango : le guitariste Ulf Wakenius s'est fait les dents musicalement dans le groupe d'Oscar Peterson, et son héritage suédois transparaît toujours dans son jeu. Vincent Peirani est l'un des principaux innovateurs de l'accordéon, et il trouve de nouvelles façons de définir le rôle de l'instrument dans le tango. Le jazz et le tango trouvent un équilibre naturel et pourtant en constante évolution.

Le dernier album de la prolifique et musicienne américaine admirée Georgia Ann Muldrow enfin disponible ! à travers ses 12 ans de carrière, Georgie Ann Muldrow a gagné le respect et l'admiration d'un public fidèle et de nombreux artistes (parmi lesquels Ali Shaheed Muhammad de A Tribe Called Quest, Mod Def, Erykah Badu ou encore Dev Hynes) de par sa voix, son talent de songwriter et son style musical aux confluences du jazz de la soul et du hip-hop. Georgia avait à peine 17 ans quand elle s'est mise à faire ses 1ers beats. Son 1er album Olesi : Fragments of An Earth est paru en 2006. C'est à cette période qu'elle fait ses premières rencontres musicales et collaborations avec Madlib, Oh No, MED, Wildchild et son futur partenaire Dudley Perkins (aka Declaime) avec qui elle fonde le label SomeOthaShip Connect Record, par lequel elle étend et explore ses horizons musicaux et continue ses rencontres musicales. POUR CEUX QUI AIMENT Erykah Badu, Madlib, Bilal, Slakah The Beatchild, Jesse Boykins III

Le dernier album de la prolifique et musicienne américaine admirée Georgia Ann Muldrow enfin disponible ! à travers ses 12 ans de carrière, Georgie Ann Muldrow a gagné le respect et l'admiration d'un public fidèle et de nombreux artistes (parmi lesquels Ali Shaheed Muhammad de A Tribe Called Quest, Mod Def, Erykah Badu ou encore Dev Hynes) de par sa voix, son talent de songwriter et son style musical aux confluences du jazz de la soul et du hip-hop. Georgia avait à peine 17 ans quand elle s'est mise à faire ses 1ers beats. Son 1er album Olesi : Fragments of An Earth est paru en 2006. C'est à cette période qu'elle fait ses premières rencontres musicales et collaborations avec Madlib, Oh No, MED, Wildchild et son futur partenaire Dudley Perkins (aka Declaime) avec qui elle fonde le label SomeOthaShip Connect Record, par lequel elle étend et explore ses horizons musicaux et continue ses rencontres musicales. POUR CEUX QUI AIMENT Erykah Badu, Madlib, Bilal, Slakah The Beatchild, Jesse Boykins III

L’album éponyme des STONE ROSES a marqué deux décennies et demie de British music. Sorti en 1989, The Stone Roses était un mélange d’influences issues du rock et de la scène rave naissante de Manchester, la ville natale du groupe. Aux Royaume-Unis, l’album est entré dans la légende, sa pochette peut encore être aperçue sur les T-Shirts dans n’importe quelle salle de concert. Cependant, leur influence est moins tangible à l’international, ce qui est probablement dû au fait qu’ils aient été paralysés par une bataille juridique avec le label Silvertone. Musicalement, c’est un mélange entre le grandiose et l’intimiste, contenant des morceaux percutants et chargés d’émotion qui sont devenus de véritables hymnes (This Is The One) et des morceaux plus introspectifs comme le madrigal anti-monarchie Elizabeth My Dear. Ressorti sur Light In The Attic en version deluxe double vinyl, l’album remasterisé, peut à présent être découvert sous sa forme la plus élégante.

L'album concept autour de la vie du poète oublié Edgar Bourchier Mick Harvey & Christopher Richard Barker dévoilent un album concept qui se penche sur l'oeuvre du poète de la première guerre mondiale Edgar Bourchier. Sa sortie coïncide avec l'anniversaire des cent ans de l'armistice du 11 novembre. Le travail du poète de guerre, longtemps oublié, est sorti des tranchées du front ouest pour arriver en 2018. Ses mots reprennent vie grâce à l'auteur Chrisopher Richard Barker mis en musiques par Mick Harvey Le chemin fut sinueux non seulement du fait de l'histoire torueuse d'Edgar Bourchier et de sa poésie, mais aussi parce l'histoire personnelle de Bourchier avait été construite par Barker. Ce personnage servant dans un premier temps à son roman The Melancholy Haunting Of Nicholas Parkes. De cela est sorti un album de 15 titres écrit par Harvey et Barker pour donner vie à cette puissante narration.

SUB POP SORT LE LIVE D'ANTHOLOGIE DONNÉ PAR LE GROUPE À LA CIGALE EN MARS 2015 « UN CONCERT CULTE » LES INROCKS Live In Paris est le premier enregistrement officiel des fameuses performances live du trio féminin de punk Sleater-Kinney. L'album de 13 morceaux, où jouent Carrie Brownstein, Corin Tucker, Janet Weiss, et Katie Harkin, présente pour la tournée, a été enregistré le 20 mars 2015, « le jour où les Riot grrrl de Sleater-Kinney ont enflammé La Cigale » selon les Inrocks. Le concert était sold-out, et s'inscrivait dans la tournée réalisée dan.s le cadre de la sortie de leur huitième album, en 2015, No Cities To Love. Live In Paris comporte des morceaux de presque chacun des albums de Sleater-Kinney, dont No Cities To Love, The Woods, One Beat, The Hot Rock, Dig Me Out et Call The Doctor. L'enregistrement a été mixé par John Goodmanson aux studios Avast et masterisé par Greg Calbi aux studios Sterling Sound.

L'ex leader des Klaxons présente son premier projet solo ! Après avoir acquis une notoriété en tant que leader des Klaxons lauréats du prix Mercury et enregistré avec Arctic Monkeys, James Righton s'apprête désormais à sortir son premier album solo, The Performer, sur DEEWEE le prestigieux label des Soulwax. Enregisté entre son home studio et le Studio One de Bryan Ferry, The Performer se présente en contraste assumé par rapport au travail du chanteur avec Klaxons dont on se souvient du style électro insouciant. Dorénavant, il puise son inspiration de plusieurs courants des années 70, piochant dans le lounge suave de Roxy Music, le son scintillant de R.E.M., le somptueux psyché des Beach Boys et le talent d'écriture de Nick Lowe. Une collection d'hymnes indie pop abordant tour à tour des thèmes personnels tels que la place de l'artiste sur scène et dans la vie ainsi que des problèmes de société incluant le Brexit, les extrémismes et les limites du système capitaliste.

L'ex leader des Klaxons présente son premier projet solo ! Après avoir acquis une notoriété en tant que leader des Klaxons lauréats du prix Mercury et enregistré avec Arctic Monkeys, James Righton s'apprête désormais à sortir son premier album solo, The Performer, sur DEEWEE le prestigieux label des Soulwax. Enregisté entre son home studio et le Studio One de Bryan Ferry, The Performer se présente en contraste assumé par rapport au travail du chanteur avec Klaxons dont on se souvient du style électro insouciant. Dorénavant, il puise son inspiration de plusieurs courants des années 70, piochant dans le lounge suave de Roxy Music, le son scintillant de R.E.M., le somptueux psyché des Beach Boys et le talent d'écriture de Nick Lowe. Une collection d'hymnes indie pop abordant tour à tour des thèmes personnels tels que la place de l'artiste sur scène et dans la vie ainsi que des problèmes de société incluant le Brexit, les extrémismes et les limites du système capitaliste.

MICHELLE ZAUNER NOUS LIVRE UN SECOND ALBUM PLANANT OÙ IMAGINAIRE ET RÉALITE SE CONFONDENT Le second album de Japanese Breakfast, Soft Sounds from Another Planet, fait suite au premier album très bien reçu par la critique de l’artiste Michelle Zauner. Ce nouvel effort est un travail de réflexion sur soi même où la chanteuse se perd dans le cosmos à la recherche des réponses à ses questions, trouvant l’inspiration dans la science fiction, la stratosphère et la mission Mars One, ayant pour projet d’envoyer tout le monde sur Mars. Dans le morceau instrumental ‘Planetary Ambience’, les synthétiseurs communiquent à la façon d’extraterrestres tandis que sur le single ‘Machinist’ - que Zauner joue en live depuis un an désormais - la relation sci-fi entre une femme et une machine est racontée. Un album où la chanteuse s’échappe de la réalité parfois semé d’épreuves à travers un univers fantastique et fantasmé. Pour ceux qui aiment : Grimes, Angel Olsen, Sufjan Stevens, Alex G

Molly Sarlé, de Mountain Man, se lance en solo avec une honnêteté intrépide. Molly Sarlé est une compositrice au coeur ouvert et inébranlable, parfaite pour les comédies de karaoké de fin de soirée, les promenades matinales plaintives et l'exploration du monde spirituel. Son premier album est le recueil de chansons d'une femme qui est née en comprenant que sa capacité à ressentir - profondément et sans honte - est sa plus grande force. C'est le résultat d'un dévouement libre et ouvert à la recherche de la passion, et de la plénitude, une description inébranlable de la vérité. Les chansons de Molly observent leur propre logique interne, toujours quelques pas derrière ou devant l'endroit où on s'attend à ce qu'elles soient - parfois drôles, toujours étrangement réelles. La base de son nouvel album, enregistré dans un studio d'enregistrement à Woodstock, NY, est une palette minimale mais soigneusement assemblée de guitare, de basse et de percussions, un orchestre d'atmosphères méconnaissables rebondit sur les hauts plafonds, mais la voix délicate et expressive de Molly est toujours au centre.

Molly Sarlé, de Mountain Man, se lance en solo avec une honnêteté intrépide. Molly Sarlé est une compositrice au coeur ouvert et inébranlable, parfaite pour les comédies de karaoké de fin de soirée, les promenades matinales plaintives et l'exploration du monde spirituel. Son premier album est le recueil de chansons d'une femme qui est née en comprenant que sa capacité à ressentir - profondément et sans honte - est sa plus grande force. C'est le résultat d'un dévouement libre et ouvert à la recherche de la passion, et de la plénitude, une description inébranlable de la vérité. Les chansons de Molly observent leur propre logique interne, toujours quelques pas derrière ou devant l'endroit où on s'attend à ce qu'elles soient - parfois drôles, toujours étrangement réelles. La base de son nouvel album, enregistré dans un studio d'enregistrement à Woodstock, NY, est une palette minimale mais soigneusement assemblée de guitare, de basse et de percussions, un orchestre d'atmosphères méconnaissables rebondit sur les hauts plafonds, mais la voix délicate et expressive de Molly est toujours au centre.

En combinant l’énergie du rock, la transe du jazz, et de nombreuses influences classiques qui vont de Bartok à Carl Orff en passant par l’école de Vienne, Magma a construit pierre après pierre un édifice musical unique, une référence absolue dans le monde entier. Comme le dit Christian Vander, fondateur, inspirateur et visionnaire du groupe : Magma devait naître par moi ou par quelqu'un d'autre. Magma fête en 2014 ses 45 ans et rejoint le label Jazz Village pour un impressionnant programme de sorties inédites et de rééditions. Jusqu'en novembre 2015, vont ainsi se succéder chaque mois des nouveautés et des rééditions de ce groupe français, légendaire s’il en est, et qui a marqué toute l’histoire des musiques actuelles depuis sa naissance en 1969. Un nouvel enregistrement, «Rïah Sahïltaahk», a été publié le 22 septembre dernier à la fois en CD et vinyle. Le 21 octobre voit démarrer la vague de rééditions en vinyle avec la trilogie Köhntarkösz Anteria (double LP), Köhntarkösz (LP) et Ëmëhntëhtt-Ré (double LP).

La déesse R&B/Soul Deva Mahal, chanteuse iconoclaste et compositrice éclectique, est sur le point de sortir son premier album, un disque vivement anticipé. Run Deep sera disponible, sur Motéma Music le 23 Mars, et sort dans la foulée de son premier mini-album l’éponyme Deva. Run Deep est produit par Scott Jacoby (Vampire Weekend, José James, Coldplay). Un talent sûr de compositrice s’allie, et c’est une rareté, à un génie vocal à vous couper le souffle. Deva Mahal (prononcé Diva) se retrouve sous les feux de la rampe avec Run Deep, un album qui comprend 12 titres de soul qui donne frissons et palpitations, mais doté d’une approche résolument moderne. Née avec le blues dans le sang (son père n’est autre que la légende du blues Taj Mahal, sa tante la défunte Carole Fredericks (de Fredericks-Goldman - Jones)), cette auteure-compositrice d’une grande acuité a façonné un son unique qui mé- lange la R&B moderne, la pop indé, la soul, le rock et le gospel.

Simply power ballads Nombre de disques : 4 Disque 1 : 1. is this love? - 2. I want to know what love is - 3. glory of love - 4. love walked in - 5. hard habit to break - 6. dream on - 7. lady in black - 8. it's a heartache - 9. high - 10. one - 11. home - 12. feel so high - 13. don't let go - 14. Tom - 15. sleeping satalite - 16. I don't want to talk about it - 17. everybody's gotta learn sometime - 18. always Disque 2 : 1. the power of love - 2. walking in Memphis - 3. owner of a lonely heart - 4. black velvet - 5. it must have been love - 6. suddenly - 7. true - 8. this is how it feels - 9. is this love? - 10. something inside so strong - 11. anyone who had a heart - 12. Lay your hands on me - 13. sealed with a kiss - 14. you might need somebody - 15. if you don't know me by now - 16. sweet deposition - 17. it must be love - 18. still you turn me on Disque 3 : 1. I'll stand by you - 2. I don't want to wait - 3. bad day - 4. slow - 5. shades of grey - 6. trembling hands - 7. ordinary world - 8. glorious - 9. broken wings - 10. hold me now - 11. if you're gone - 12. shooting star - 13. the price - 14. love hurts - 15. drive - 16. here am I - 17. cry for help - 18. only love can break your heart Disque 4 : 1. baby come to me - 2. suddenly - 3. last request - 4. the flame - 5. all cried out - 6. stay - 7. black hole Sun - 8. piece of my heart - 9. sweet love - 10. love don't live here anymore - 11. say I'm your number one - 12. lived a lie - 13. haunted - 14. out of time - 15. come in out of the rain - 16. skinny love - 17. don't go - 18. stay with me 'til dawn

Enregistré entre mai et juin 1995, le deuxième album d'Oasis s'est écoulé au nombre record (pour l'époque) de 370 000 exemplaires dès la semaine de sa sortie. L'album a maintenu sa première place dans les charts UK pendant 10 semaines. Avec 22 millions d'exemplaires vendus au total, (WHAT'S THE STORY) MORNING GLORY? est le plus gros succès commercial d'Oasis. C'est sur cet album que figurent les titres les plus acclamés du groupe, dont Don't Look Back in Anger, Wonderwall,Some Might Say et Roll With It, lui valant le Brit Award du Meilleur Album de 1996. La même année, le groupe a remporté le titres de Meilleur Groupe Britannique et le prix du meilleur clip vidéo. Chaque nouvelle édition comprend une version remasterisée de l'album original. Le CD deluxe et le coffret super deluxe comprennent deux CDs incluant toutes les faces B ainsi que des titres rares et inédits d'Oasis de la période (WHAT'S THE STORY) MORNING GLORY?. Les coffrets deluxe proposent des nouvelles notes de pochette de Neil McCormick.

Le premier album énergétique de Jayda G, entre disco, funk vintage et house de Chicago! Très reconnue pour ses DJ sets pour le moins énérgétiques et musclés; au cours de ces derniers mois, elle s'est produite auprès de noms aussi prestigieux que Marcellus Pittman, Moodymann et Omar-S, a été invitée par The Black Madonna à jouer lors de son Warehouse Project et jouer dans des festivals aussi prestigieux que Field Day, Melt!, Kala, AVA and le Night And Day des XX. Jayda G a grandi au Canada, à 6h de Vancouver, entourée de rien d'autre que de la nature, ce qui a aiguisé son intérêt pour la biologie et la nature en général. Une passion qu'elle poursuit jusqu'à ce jour et qui est très étroitement lié avec sa vie musicale. En 2018, Jayda a terminé son Master en gestion de l'environnement et des ressources avec une spécialité en toxicologie environnementale. Le titre de l'album est la phrase la plus utilisée dans sa thèse finale et montre à quel point son travail scientifique est étroitement lié à son travail musical.

Initialement sorti en 1968 chez Vanguard Records, le deuxième album de PETER WALKER, Second Poem To Karmela Or Gypsies Are Important était un mélange révolutionnaire de folk, de raga et de psychédélisme qui est resté méconnu pendant des décennies. Alors que le premier album de PETER WALKER pour Vanguard, Rainy Day Raga a connu de nombreuses rééditions, ce deuxième effort est resté une relique très recherchée des connaisseurs. Light In The Attic le réédite donc aujourd'hui, en versions CD et LP. Minutieusement remasterisé à partir des enregistrements originaux, cette édition bénéficie également d'un livret écrit par GLENN JONES qui a interrogé PETER WALKER pendant de longues heures sur ses associations avec le gourou du LSD Timothy Leary, le maître du ragga Ali Akbar Khan ou son ami Sandy Bull. L'opportunité parfaite de comprendre les icônes culturelles des années 60 et de réécouter la fusion entre sons occidentaux et orientaux longtemps travaillée par WALKER.

Il y a une chose dont on est toujours sûr avec VIC CHESNUTT; c’est qu’il est doté de cette capacité à s’approprier tous les sujets du plus délicat au plus terre-à-terre et d’en parler à travers un angle inattendu. Avec un oeil incisif et un esprit aiguisé, VIC CHESNUTT vise toujours juste et au coeur du sujet. C’est ce qu’il fait avec Silver Lake, son album sorti en 2003, donnant autant d’importance à l’affirmation tendre de ‘In My Way, Yes’ qu’à l’auto-critique cinglante de ‘Styrofoam’. Il a également donné une interprétation délicieusement étrange aux histoires d’amour classiques de ‘Band Camp’ (une romance drôle et nostalgique sur les bancs de l’école) et a rendu hommage à Brian Wilson grâce à ‘Fa-La-La’ (une saga pleine d’envie et de questionnements se déroulant dans un hôpital). Les croches caractéristiques de Chesnutt et ses grattages de cordes en nylon sont soutenues par un rock généreux et des arrangements soul, tout cela enregistré par le protégé de Daniel Lanois, Mark Howard (qui a aussi produit World Without Tears de Lucinda Williams).

Saints of the Lost Souls est le dixième album studio d’House Of Lords, qui donne suite au gros succès d’Indestructible, appuyant la montée en puissance du groupe à chaque opus. Enregistré et produit par le chanteur et maître à penser d’House Of Lords, James Christian, ce nouveau recueil réunit des balades puissantes alliées à des morceaux de rocks rapides, agrémentées de clavecins qui ne font que bonifier les riffs uniques de Jimi Bell, signature intemporelle du groupe. Après avoir tourné sans repos à travers l’Europe et les Etats-Unis, House Of Lords est devenu un monument de la scène hard rock sur les deux continents. L’atmosphère installée par leur nouvel album nous rappelle les souvenirs de leur premier opus, les riffs et la production stellaire demeurant intacts. Saints Of The Lost Souls deviendra sans aucun doute un classique du groupe et du genre et ravira les fans !

La plus furieuse des blueswomen et ses Mooonshiners sont de retour avec sans aucun doute le plus mature et le plus hétéroclite de leur album. MoOonset/MoOonrise est un double album ! 20 morceaux triés en deux galettes bien distinctes : la tranquille MoOonset et la rageuse MoOonrise ! 2 reprises et 18 morceaux originaux de Blues au pluriel puisqu'une fois encore, les influences du combo vont du punk rock des Clash au pop folk le plus doux des Floyd, en passant par le shuffle et rock'n'roll de Double Trouble, et en allant même cette fois jusqu'à emprunter sans hésiter au monde du métal !! Rock n roll, rockab, rumba, boogie, funky, tous les blues sont là, cohabitant au coeur des morceaux, et laissant de la place à quelques invités exceptionnels. MoOonset/MoOonrise est un lever de lune apaisé pour enchaîner sur un coucher de lune endiablé. Une face à écouter paisiblement, tranquillement le matin, une autre à écouter foooort !!

Sans conteste l'un des plus importants artistes jazz d'aujourd'hui... The Los Angeles Times Lauréat de nombreuses distinctions parmi lesquelles le Doris Duke Artist Award 2018 ou encore le prix du meilleur vibraphoniste au classement 2018 du Downbeat Critics Poll, Stefon Harris s'est imposé comme l'un des instrumentalists les plus respectés et les plus visionnaires de la scène jazz actuelle. Depuis l'album Urbanus de 2009, qui avait été nommé aux Grammy Awards de la même année dans la catégorie Meilleur Album de Jazz Contemporain, c'est le tout nouvel album du vibraphoniste Stefon Harris avec son groupe Blackout. Un manifeste acoustique aux valeurs de la famille, de la transmission, et de la communauté. Sonic Creed est un reflet de la vie noire-Américaine, entre la fin du XXème siècle et le début du XXIème. Pour Stefon Harris, c'est avant tout le son d'ici et maintenant. POUR CEUX QUI AIMENT Lionel Hampton, Bobby Hutcherson, Gary Burton, Roy Ayers, Steve Nelson...

RM HUBBERT est un talentueux guitariste Ecossais, qui a notamment eu les honneurs d'ouvrir pour MOGWAI lors de la dernière tournée du groupe. Après avoir fait partie de différentes formations, il a enregistré First & Last, son premier album solo sur lequel il joue merveilleusement de la guitare et des percussions. Son jeu de guitare évoque d'ailleurs parfois MARK KOZELEK, voire même RY COODER ou encore JOHN MARTYN, mais l'esprit général est un peu plus sombre, s'apparentant à ARAB STRAP, avec quelques touches des débuts d'ELLIOTT SMITH ici et là. Thirteen Lost & Found est produit par ALEX KAPRANOS, le chanteur de FRANZ FERDINAND, qui contribue à une chanson, Car Song, en compagnie d'AIDAN MOFFAT (ARAB STRAP), Thirteen Lost & Found fait office de revalidation et a été enregistré par HUBBERT en divers endroits du pays avec quelques-uns de ses musiciens favoris comme LUKE SUTHERLAND (BOWS, MOGWAI), PAUL SAVAGE et EMMA POLLOCK (THE DELGADOS)...

Le retour de la prolifique chanteuse irlandaise ! Prolongeant le processus de renaissance entamé en 2014 avec l'EP Mi Senti, puis poursuivi avec Hairless Toys, l'album de 2015, très bien accueilli par la critique et nommé au Mercury Prize, Take Her Up To Monto est un disque qui crépite d'une inventivité débridée. Si Mi Senti était « une lettre d'amour » adressée à la vie créative de Murphy, les séances suivantes ont été une véritable symphonie, écrite avec son collaborateur de longue date Eddie Stevens (Freakpower, Moloko, Zero 7), et ont donné naissance à suffisament de morceaux pour remplir deux albums. Hairless Toys a permis à son public d'entrer dans cette nouvelle phase de la carrière de Murphy avant d'être frappés de plein fouet par Take Her Up to Monto. Elucubrations disco, cabaret sombre, sonorités classiques de house et d'électro, joie et déchirement d'une pop pure, mélodrame de chansons d'amour. Il y a dans cet album tout ce qu'a toujours fait ROISINMURPHY - mais remis à neuf !

LE RETOUR DES ROCKERS ESPAGNOLS D’AMPARANOIA A L'ENERGIE REBELLE ET ENSOLEILLEE Il y a 20 ans, AMPARANOIA sortait son premier album «El poder de Machín» au style mêlant blues, soul, boléros, rancheras, rumbas, et musiques populaires sud-américaine. La chanteuse du groupe Amparo Sánchez devient alors l'une des voix les plus reconnues de l’Espagne et mène sa musique à la fois contestataire et ensoleillée en tournée partout dans le monde. Aujourd’hui, afin de fêter le retour sur scène d'AMPARANOIA et pour le 20ème anniversaire de cet album, ses plus proches compagnons, tels que Manu Chao, Zebda ou encore Sergent Garcia, se sont rassemblés pour sortir «El coro de mi gente» : une réinterprétation inédite de chacun de leurs titres préférés de l’album. Un projet qui redonne vie à l’énergie rebelle d’AMPARANOIA et à cette explosion musicale qui portait festivement la contestation du mouvement Mestizo. POUR CEUX QUI AIMENT MANU CHAO, ZEBDA, SERGENT GARCIA

Le Rossignol et la Rose Mélodies de Berg, Brahms, Franck, Grieg, Hahn, Krenek, Purcell, Schumann, Strauss, Weber, etc. Chen Reiss, soprano. Charles Spencer, piano Pour ce second disque chez Onyx, qui fait suite à un récital d'arias de Haydn, Mozart et Salieri, Chen Reiss et le pianiste Charles Spencer ont assemblé une collection de mélodies splendides sur le thème du rossignol et de la rose. L'amour sous toutes ses facettes avec sa magie, sa mélancolie, ses souvenirs, ses fantasies, sa joie, son mystère ou son danger, tels sont les sujets portés par la voix remarquable de Chen Reiss sur des airs de Purcell, Strauss, Berg, Grieg, Franck, Schumann,.... Chen reiss est sans cesse en tournée en Allemagne et en Autriche et vient de faire ses début en Angleterre avec une participation remarquée dans la seconde symphonie de Malher donnée avec l'Orchestre de la BBC placé sous la direction de Jiri Belohlavek. 0 8

Une compilation des meilleurs moments de la carrière discographique de Mr. Red Horn. L’association fructueuse entre Nils Landgren et ACT dure depuis maintenant vingt ans ! Le label munichois célèbre cet anniversaire avec la parution d’un double album articulé autour d’une sélection des meilleurs moments de la discographie du célèbre tromboniste suédois. Entouré tout au long des titres d’un véritable all stars, c’est avec grand plaisir que l’on réécoute ces jalons en compagnie d’Esbjörn Svensson, Ray Parker Jr., Maceo Parker, Fred Wesley, Roy Hargrove, Michael Wollny, Lars Danielsson, Rigmor Gustafsson, Joe Sample, etc. Tout à tour proches du folk, du funk, du jazz et de la pop, 26 titres composent cette anthologie, comme autant de facettes du talent protéiforme de Nils Landgren. Celui qui a joué au cours de sa carrière sur plus de 500 enregistrements est devenu au fil des années le pilier du label ACT, à la fois en tant qu’artiste, producteur et arrangeur. Cela valait bien une belle rétrospective !

Wolfgang Haffner, souvent surnommé le Manu Katché allemand, s'offre quelques pas de tango avec Vincent Peirani, Ulf Wakenius, Lars Danielsson, etc. Kind of Tango est un kaléidoscope d'émotions changeantes. La conception du tango de Haffner touche au drame mais aussi à la mélancolie et à la nostalgie, avec de la place pour les explosions frénétiques. Tout cela est réuni par son groove et son feeling inimitables que les commentateurs ont qualifié de rêve absolu, de magique et de profondément détendu . Aux côtés de ses collaborateurs de confiance Christopher Dell et Lars Danielsson, il a avec lui deux invités qui défient tous les clichés associés au tango : le guitariste Ulf Wakenius s'est fait les dents musicalement dans le groupe d'Oscar Peterson, et son héritage suédois transparaît toujours dans son jeu. Vincent Peirani est l'un des principaux innovateurs de l'accordéon, et il trouve de nouvelles façons de définir le rôle de l'instrument dans le tango. Le jazz et le tango trouvent un équilibre naturel et pourtant en constante évolution.

The Passage, huitième album studio de DGM avait marqué les 20 ans de collaboration des membres du groupe mais les avaient aussi inscrits définitivement parmi les élites des groupes de métal progressif internationaux. Durant toute une année à travers le monde, ils ont pris part à certains des plus gros festivals de métal aux USA et au Japon mais ils ont aussi eu l’occasion de faire les premières parties de Symphony X et Pagan’s Mind sur leur tournée européenne. Avec une line-up en béton, composée par Simon Mularoni (guitariste/producteur), Marco Basile (chant), Andrea Arcangeli (basse), Fabio Costantino (batterie) et Emanuele Casali (clavier), le groupe a pu proposer rapidement des performances live singulières, et sortira le 2 Juin un CD/DVD live : Passing stages (CD1 : Live au Frontiers Metal Festival en Octobre 2016 / CD2 : ProgPower Festival en Septembre 2014). Cette sortie est une opportunité en or de découvrir et redécouvrir les nombreuses qualités scéniques du groupe ainsi que leur excellent répertoire musical...

Dans Renayate (« les femmes »), Hourïa Aïchi, incarnation de la musique de l'Aurès, rend hommage aux grandes interprètes féminines algériennes. A travers les chansons de Meriem Fekkaï, Rimitti, Chérifa, Fadela d'Oran ou Djura, ce sont toutes les femmes, de toutes les générations, qu'elle célèbre. Ces femmes chantent l'amour, l'exil, la guerre, la solitude - la solitude de la femme dont l'homme travaille en France, la solitude dans les petits hôtels meublés de Paris. Elles chantent aussi les travaux de la laine, de la terre, toutes ces tâches réservées aux femmes et qui annoncent, dans la société traditionnelle, les rudesses de la vie dans les turbulences de l'histoire contemporaine. Renayate a d'abord été un spectacle créé au festival des Suds à Arles. Un processus de création autant que de plaisir, un processus de liberté autant que de respect. « Je vais vers leurs chansons avec humilité, dit-elle, mais aussi avec l'espoir que ces femmes auraient été très heureuses de cet album. »

SUB POP SORT LE LIVE D'ANTHOLOGIE DONNÉ PAR LE GROUPE À LA CIGALE EN MARS 2015 « UN CONCERT CULTE » LES INROCKS Live In Paris est le premier enregistrement officiel des fameuses performances live du trio féminin de punk Sleater-Kinney. L'album de 13 morceaux, où jouent Carrie Brownstein, Corin Tucker, Janet Weiss, et Katie Harkin, présente pour la tournée, a été enregistré le 20 mars 2015, « le jour où les Riot grrrl de Sleater-Kinney ont enflammé La Cigale » selon les Inrocks. Le concert était sold-out, et s'inscrivait dans la tournée réalisée dan.s le cadre de la sortie de leur huitième album, en 2015, No Cities To Love. Live In Paris comporte des morceaux de presque chacun des albums de Sleater-Kinney, dont No Cities To Love, The Woods, One Beat, The Hot Rock, Dig Me Out et Call The Doctor. L'enregistrement a été mixé par John Goodmanson aux studios Avast et masterisé par Greg Calbi aux studios Sterling Sound.

Le dixième album studio de Swans a enfin le droit à son vinyle ! Cet album, originellement sorti en 1996 et dernier album studio sorti par le groupe avant leur reformation en 2010, sortira pour la première fois en vinyle le 20 juillet 2018. Très demandé par les fans de Swans, le coffret est composé de quatre vinyles, d'un poster, d'un encart et d'une copie digitale. Ce boxset est une édition limitée de seulement 4000 copies dans le monde qui, une fois épuisé, sera suivi d'une version vinyle classique. Soundtracks for the Blind est également disponible en CD et inclut un disque bonus de l'EP Die Tur Ist Zu (une version en allemand d'une partie du contenu utilisé pour Soundtracks For The Blind en plus de contenus inédits), récemment sorti pour la première fois à l'occasion du Disquaire Day 2018 aux Etats-Unis mais déjà sorti en 1996 uniquement en Allemagne. POUR CEUX QUI AIMENT Sonic Youth, Throbbing Gristle, Michael Gira, Bauhaus

Tony Hernando, guitariste de Lords of Black, est l'un des musiciens les plus talentueux et prolifiques de la scène hard rock européenne actuelle. Sur Restless Spirits, Tony s'éloigne du style musical métal pour lequel Lords Of Black est connu. Ce nouvel album solo rassemble un who's who des meilleurs musiciens des scènes mélodiques et hard rock actuelles : Johnny Gioeli (Hardline, Axel Rudi Pell), Deen Castronovo (Revolution Saints, exJourney), Dino Jelusic (Animal Drive), Kent Hilli (Perfect Plan), Alessandro Del Vecchio (Hardline) et Diego Valdez (Dream Child). Deen Castronovo joue également de la batterie sur l'ensemble de l'album. Restless Spirits met non seulement en valeur les talents de musicien et d'auteurcompositeur de Hernando, mais aussi certains des talents vocaux les plus remarquables de la scène actuelle. A écouter absolument pour les fans de hard rock mélodique !

Le premier volume du cycle des symphonies de Prokofiev par Kirill Karabits et l'Orchestre Symphonique de Bournemouth (Symphonies n°3 et 7 ) avait déjà placé la barre très haut, et leur second volume est donc très attendu. On perçoit ici parfaitement le développement de Prokofiev comme symphoniste et notamment dans la charmante et trop sous-estimée Sinfonietta, une proche cousine de la Première Symphonie et comme elle radieuse et moderne. Cette oeuvre, comme l'avait dit le compositeur, devait être dure comme du fer et de l'acier. Kirill Karabitts a bien suivi ce conseil d'interprétation et en donne une version très brillante. Pour clore le disque, le poème symphonique Scène d'Automne, composé en 1910, sonne un peu comme un mélange de Richard Strauss et de Scriabine et installe une ambiance très éloignée de la Sinfonietta : le Bournemouth Symphony Orchestra donne ici le meilleur de cette couleur post romantique que Kirill Karabitts parvient si bien à obtenir.

Si le groupe new-yorkais OBITS n'est formé que depuis 2007, il est composé de musiciens aguerris : RICK FROBERG (DRIVE LIKE JEHU, HOT SNAKES), SOHRAB HABIBION (EDSEL), SCOTT GURSKY (SHORTSTACK) et GREG SIMPSON. Après le succès de « I Blame You », album du mois dans Rock n' Folk lors de sa sortie, ils sortent leur deuxième album « Moody, Standard & Poor », enregistré à Brooklyn avec le producteur ELI JANNEY (RYAN ADAMS, THE RAPTURE) et l'ingénieur GEOFF SANOFF. Pour leur dernière réalisation, les OBITS, piochent leurs influences dans le surf et garage, fleurtent avec le punk rock des WIPERS et proposent une nouvelle expérience sonore. 12 compositions pour un voyage mouvementé aux confins de l'indie rock et du garage punk, témoins d'un duel épique de guitaristes (FROBERG et HABIBION), arbitré par la basse tout en justesse de SIMPSON et rythmé par la batterie diabolique de GURSKY.

Si le groupe new-yorkais OBITS n'est formé que depuis 2007, il est composé de musiciens aguerris : RICK FROBERG (DRIVE LIKE JEHU, HOT SNAKES), SOHRAB HABIBION (EDSEL), SCOTT GURSKY (SHORTSTACK) et GREG SIMPSON. Après le succès de « I Blame You », album du mois dans Rock n' Folk lors de sa sortie, ils sortent leur deuxième album « Moody, Standard & Poor », enregistré à Brooklyn avec le producteur ELI JANNEY (RYAN ADAMS, THE RAPTURE) et l'ingénieur GEOFF SANOFF. Pour leur dernière réalisation, les OBITS, piochent leurs influences dans le surf et garage, fleurtent avec le punk rock des WIPERS et proposent une nouvelle expérience sonore. 12 compositions pour un voyage mouvementé aux confins de l'indie rock et du garage punk, témoins d'un duel épique de guitaristes (FROBERG et HABIBION), arbitré par la basse tout en justesse de SIMPSON et rythmé par la batterie diabolique de GURSKY.

Le désormais mythique Micha P Hinson fait désormais cohabiter une folk rock brute entre tragédie et rédemption. Chaque personne qui connait de près ou de loin l'histoire de Micah P. Hinson sait sûrement que le musicien a été très intime avec l'idée d'Apocalypse - une mort et une renaissance - un violent accident de voiture, la perte provisoire de l'usage de ses bras, son amour pour les drogues, sa haine pour les drogues, le temps passé derrière les barreaux. Les possibilités sont sans fin. En regardant en arrière, on peut facilement dire que sans ces morts, il n'y aurait certainement pas eu de renaissances. Micah P. Hinson sort son nouvel album When I Shoot At You With Arrows, I Will Shoot To Destroy You. Cet album a été enregistré en 24 heures dans l'East Texas avec les musiciens qui avaient joué un rôle important dans son éducation musicale et de sa vie personnelle. POUR CEUX QUI AIMENT Johnny Cash, Bob Dylan, Bonnie Prince Billy

Sonhos E Memorias 1941-1972 est un album véritablement particulier entre pop rock fusion, soul, jazz et chanson. Les paroles, très personnelles, s’évertuent à trouver du sens à travers un grand nombre de symboles et d’expressions ‘flower power’, alors que la musique demeure très rythmique, mélodieuse et contenue dans son groove habituel. Construit autour du trio de fusion Azymuth avec le claviériste José Roberto Bertrami, le batteur Ivan Conti - alias ‘Mamão’ et le bassiste Alex Malheiros, une grande partie des morceaux de l’album font un excellent usage de la symbiose et de la maitrise mélodique qui existe au sein du trio. L’album jongle entre différents styles et rythmes - Bossa Nova, Roots Rock, Hard Rock, ballades et groove soul- tous clés dans l’oeuvre d’ERASMO CARLOS, unis par une palette de sons et un tempo propres à son oeuvre.

Liverpool, initialement enregistré en 1986, est le second album du célèbre groupe 80's de 'dance pop' britannique FRANKIE GOES TO HOLLYWOOD. Cette édition deluxe prend la forme d'un road movie, partant à la recherche des bandes sonores et souvenirs laissés par le groupe derrière lui lors de sa traversée en Europe, dont il s'était inspiré pour réaliser l'album original. 24 ans plus tard, on ressent une réelle urgence à revenir sur les pas de la formation, recueillir ces bandes, les analyser et les reéditer sur un tel format. Contenant onze titres inédits, des mixes aletrnatifs, un artwork magnifiquement fouillé et des notes détaillées présentant des entrevues avec les cinq membres du groupe, de nombreuses surprises figurant sur cet album devraient satisfaire les plus avertis comme les plus novices. La fascinante histoire de FRANKIE y est présentée comme jamais auparavant. Sont inclus les singles Rage Hard et Warriors of the Wasteland, 8 morceaux inédits, des remixes spéciaux ainsi qu'un titre caché, et un digipack deluxe comportant un livret de 28 pages couleur.

Retrouvez, pour la premiere fois rassemblés sur un seul disque, l’ensemble des titres qui ont marqué la carrière du groupe de synth-pop/new wave anglais VISAGE. Initialement formé de la figure punk Steve Strange, de Rusty Egan (Rich Kids) et de Midge Ure (Thin Lizzy), les productions du groupe s’étalent de 1978 à 2015. Redécouvrez les singles qui ont marqué les cinq albums du groupe, et notamment le tube planétaire ‘Fade To Grey’, extrait de leur premier album Visage, sorti en 1980, mais aussi les singles ‘The Damned Don’t Cry’ et ‘The Anvil’ de leur album The Anvil (1982) ainsi que le captivant ‘Love Glove’, de leur album Beat Boy (1984). En 2013, Strange sort l’album Hearts and Knives, sans Ure et Egan, ainsi qu’un album enregistré avec l’Orchestre Symphonique de Prague en 2014, qui reprend les plus grands classiques de VISAGE. L’histoire du groupe s’arrête à la mort de son leader, Steve Strange, en 2015, à l’âge de 56 ans.

GLEN HANSARD est un chanteur, compositeur, guitariste et acteur irlandais. Il a notamment fondé le groupe de rock THE FRAMES en 1990 (9 albums) puis en 2006 il monte une autre formation avec MARKETA IRGLOVA, THE SWELL SEASON. Sa carrière d'acteur est étroitement liée à sa vocation de musicien, puisqu'il a joué le guitariste Outspan Foster dans « The Commitments » d'Alan Parker, et dans le film « Once » de John Carney (2006), il incarne un musicien des rues qui rencontre une pianiste et chanteuse interprétée par MARKETA IRGLOVA. Il fera même une apparition dans « Les Simpson » ce qui est un gage de notoriété. Enfin vous retrouverez un titre de GLEN HANSARD dans la BO du dernier block buster de GARY ROSS « The Unger Games ». « Rhythm and Repose » est le tout premier album solo de l'artiste pour lequel il s'est entouré des meilleurs musiciens. Il nous délivre un opus folk dans la plus pure tradition irlandaise qui ravira n'importe quel mélomane.

Le génial Chilly Gonzales dévoile l'opus final de sa trilogie Solo Piano Le pianiste et entertainer canadien Chilly Gonzales, primé aux Grammy Awards est aussi bien connu pour son approche intimiste du piano à travers les albums Solo Piano et Solo Piano II que pour son sens du spectacle et ses collaborations avec des artistes à la renommée internationale (Daft Punk, Feist, Jarvis Cocker, Drake etc). Gonzo, tel que son entourage le nomme, vise à être un homme de son temps, abordant le piano avec une formation classique et jazz mais avec l'attitude d'un rappeur. Solo Piano III vient compléter la trilogie des albums Solo Piano. Et comme ses prédécesseurs, l'album s'achève sur un happy end en do majeur mais le chemin est ponctué de plus de dissonances, de tension et d'ambiguïté. La pureté musicale de Solo Piano III n'est pas un antidote à notre époque, elle reflète toute la beauté et la laideur qui nous entoure. POUR CEUX QUI AIMENT Brad Mehldau, Agnes Obel, olafur Arnalds, Nils Frahm

Après six albums en douze ans, cette auteure, compositrice et interprète s’est imposée sur la scène allemande. Il est temps pour elle de faire découvrir son talent au-delà de ses frontières... et au-delà du jazz. Née d’une mère vénézuélienne et d’un père originaire de la Bucovine, cette éblouissante blonde au visage de fée déjà célèbre outre-Rhin sort un nouvel album et vient conquérir le monde des chanteuses de jazz... mais pas que !Parmi ses pairs, Bobby McFerrin et Julian Lage apprécient particulièrement ses merveilleuses capacités vocales et la presse allemande ne tarit plus d’éloges à son sujet, la gratifiant du titre de « nouvel espoir du jazz ».Ayant obtenu de nombreuses récompenses comme le prestigieux « Hamburger Jazzpreis », cette performer charismatique, pour qui la scène allemande n’a plus de secret, ouvre un nouveau chapitre de sa carrière avec « The Moon On My Doorstep » et trois reprises très élaborées des Pink Floyd (« Have A Cigar »), de Tom Waits (« Clap Hands ») et de la superstar allemande Peter Fox (« Steine »).

Um Corpo No Mundo : premier album solo de Luedji Luna, la militante afro-brésilienne à la voix satinée Née Luedji Gomes Santa Rita en 1987 à Salvador, la capitale bahianaise dans le nord-est du Brésil, elle a été nommée Luedji par ses parents en hommage à une reine africaine. Ses parents font partie du mouvement militant noir et initialement Luedji avait l'intention de continuer sur la voie du travail politique de ses parents. Mais son attrait pour la musique s'est révélé trop fort. Elle s'installe à São Paulo où elle sort en 2016 le single Um Corpo No Mundo et la popularité du titre lui permet de poursuivre avec un album. L'album a été produit par le suédois, Sebastian Notini (dernier album de Oumou Sangaré, Tigana Santana, Virginia Rodriguez...). Elle a reçu de nombreux prix au Brésil pour l'album (sorti en 2017) et pour sa puissante présence scénique. Cette sortie européenne est accompagnée de sa première tournée en dehors du Brésil.

Jim Peterik est l'un des artistes et des auteurs-compositeurs les plus estimés et les plus aimés de la communauté du rock mélodique. Winds Of Change est la suite de l'album légendaire de Jim Peterik Jim Peterik's World Stage. Ce nouvel album est un nouveau chef-d'oeuvre musical regroupant de nouveaux titres de Jim Peterik en collaboration avec un who's who des plus grandes stars du rock mélodique dont Kevin Chalfant (ex-The Storm), Dennis DeYoung (ex-Styx), Matthew et Gunnar Nelson, Kelly Keagy (Night Ranger), Lars Safsund et Robert Sall (Work Of Art), Toby Hitchcock (Pride Of Lions), Danny Vaughn (Tyketto), Mike Reno (Loverboy), Kevin Cronin (REO Speedwagon), Jason Scheff (ex-Chicago). Jim Peterik and World Stage est né de l'idée que la collaboration musicale et spirituelle entre grands artistes (et amis) peut être quelque chose de véritablement spécial. L'album qui en résulte montre clairement les nombreux talents de Jim Peterik, rehaussés et embellis par un casting de chanteurs et de musiciens de renom.

IMPELLITTERI créé une nouvelle aventure musicale époustouflante, très énergique et palpitante avec The Nature Of The Beast. Tant de grands groupes de métal disparaissent mais Impellitteri continue à porter le flambeau du heavy metal. Le groupe est en feu avec ses acrobaties musicales, ses riffs addictifs, ses solos de guitare déchiquetés, sa batterie speed metal, son jeu de basse bad ass et sa voix qui rappelle Dio, Dickinson, Pavarotti et Halford dans la fleur de l'âge, le tout enrobé dans de grandes chansons. Ce nouveau disque a été enregistré à Los Angeles avec Mike Plotnikoff (Van Halen, Aerosmith, In Flames), Greg Reely (Overkill, Fear Factory) et les ingénieurs Jun Murakawa et Sean Shannon. Ils ont utilisé des studios majeurs avec de grandes salles de pistage et de l'équipement analogique vintage pour capturer l'énergie et la performance musicale en direct ! The Nature of the Beast contient 10 nouvelles chansons originales et deux reprises : Symptoms of the Universe' de Black Sabbath et une version speed metal de Phantom of The Opera'.

« Ezra Furman enchaîne costumes et casquettes avec l’aisance d’un héritier de Bowie. » - Les Inrocks Le chanteur et songwriter américain basé en Californie EZRA FURMAN revient avec un nouvel album, Transangelic Exodus, à paraître le 09 février via Bella Union. L’album fait suite à Perpetual Motion People (2015), premier opus caractéristique d’un artiste en perpétuelles recherche, transition et transformation. Transangelic Exodus a été enregistré en grande partie dans le studio du producteur et saxophoniste Tim Sandusky à Chicago. L’ADN de la production reste intact, du garage punk rôdé et captivant, entre The Velvet Undergournd, Jonathan Richman et le rock’n’roll des années 50. Abordant des sujets aussi différents que l’amour, le genre, la sexualité ou encore la religion, l’album se veut être une arme contre le fascisme et la radicalisation des pensées, prônant la liberté et la solidarité. POUR CEUX QUI AIMENT Father John Misty, Bob Dylan, The Velvet Underground, John Grant, Kevin Morby

Après l'excellent 'Poison Season', le songwriter de génie Dan Bejar se réinvente encore avec un nouvel album pop rock ken a été produit par Josh Wells de Black Mountain, qui a été le batteur de Destroyer depuis 2012. L’album a été enregistré dans son entièreté dans le studio que le groupe appelle The Balloon Factory. De plus, contrairement à Poison Season, ken n’a pas été enregistré comme un album de groupe, même si chaque membre du groupe y fait une apparition. A propos de son douzième album et de son titre énigmatique, Destroyer raconte : L’année dernière, j’ai découvert que le titre original pour ‘The Wild Ones’ (une des meilleures ballades anglaises du dernier siècle) était ‘Ken’. J’ai alors eu une illumination, j’ai été retourné par cette information. Dans le but de combler ce sentiment, j’ai décidé de m’approprier ce titre. Je ne sais pas vraiment quel est le but ni quelle est la connexion, je ne pensais pourtant pas au groupe Suede quand j’ai fait cet album. Je pensais plutôt aux dernières années de l’ère Thatcher. POUR CEUX QUI AIMENT Lou Reed, Roxy Music, The New Pornographers, Pet Shop Boys, Yo La Tengo

En 16 ans d'activité, le duo LES BOUCLES ETRANGES a fignolé son caractère identitaire au travers d'une discographie dense, volontairement constituée de maxis (plus de 80 !) des centaines de dates, et un album en 2002 PSI . La sortie de Portail 46, leur deuxième album en 16 ans signifie donc beaucoup : un événement dans le parcours du groupe et une contribution de poids pour les mélomanes de l'underground. Portail 46 a été conçu en deux temps : Six morceaux sont le fruit du travail de ces cinq dernières années sortis sur divers maxis. Le reste de l'album a été enregistré avec MC TABLOÏD, soit six morceaux d'anthologie où il oscille en roue libre entre le crooner freak, le soul brother affirmé et le prédicateur allumé. Sur des esquisses mélodiques progressives, il passe au gré de son délire par une dizaine de couleurs vocales différentes. LES BOUCLES ETRANGES restent irréductibles sur leur terrain. La grande classe, quand on sait mesurer le combat qu'il faut livrer au quotidien pour mener pareille barque à bon port. C'est ce qu'ils font avec cet album, et avec une fraîcheur intacte.

C'est certainement la collaboration la plus étonnante du moment : You Are Not Alone, le nouvel album de la légendaire diva gospel Mavis Staples, a été enregistré à Chicago au Loft, studio du groupe de rock/folk Wilco, sous la direction artistique de leur leader JEFF TWEEDY. «Il écoutait mes conversations, mes mots, et s'en nourrissait.les chansons qu'il a écrites pour moi m'ont emmené sur des chemins que je n'emprunte pas en temps normal. Je n'étais pas habituée à chanter de cette manière, mais je me suis sentie vraiment bien» dira la diva, à propos de Tweedy, et des deux chansons qu'il a écrit spécialement pour l'album. Car le fontman de Wilco avoue s'être plongé consciencieusement dans la discographie de Mavis Staples, afin de découvrir «d'où elle venait, pour savoir où elle voulait aller». Your Are Not Alone, qui sortira chez Anti à la rentrée, comportera aussi des standards gospel, et des interprétations uniques de titres écrits par les pointures du milieu Pops Staples, Randy Newman, Allen Toussaint, John Fogerty, Rev. Gary Davis et Little Milton.

Le premier album du légendaire turntablist J.Rocc fondateur des Beat Junkies et DJ pour J Dilla, Madlib, Mos Def et Talib Kweli Some Cold Rock Stuf n'est pas un beat album. Ni une mix tape. C'est le véritable premier album de cette légende des platines mêlant instrumentaux hip-hop, dance survitaminée et pistes enfumées. J.Rocc s'est fait un nom dans les années 90 en fondant les légendaires The World Famous Beat Junkies. Derrière les platines aux côtés de DJ Babu, Shortkut, Melo-D et Rhettmatic, ce virtuose du turntablism remportera avec son crew d'innombrables battles et les concours les plus prestigieux. Par la suite il deviendra l'animateur de l'émission The Fantastic Four Radio sur Power 106 à Los Angeles, sera le troisième membre de Jaylib avec Madlib et J Dilla, et tournera partout dans le monde en tant que DJ, artiste solo et producteur. Edition double CD digipak 6 volets avec fourreau. Chaque album contient en bonus un disque mystère. Il existe trois Mystery Disc répartis aléatoirement.

L'île pop Halo Maud est prête à envahir la métropole française Remarquée aux côtés de Moodoïd et de Melody's Echo Chamber, Maud Nadal vole de ses propres ailes depuis un morceau publié sur une compilation de La Souterraine en 2015. La révélation est immédiate. Et l'ascension fulgurante puisque Halo Maud est aujourd'hui adoubée par Baxter Dury et Phoenix, dont elle a les honneurs des premières parties. En douze plages contemplatives et parfois teintées de psychédélisme, Je Suis Une île s'impose comme un disque ambitieux et lumineux de dream pop. Dès l'ouverture scintillante en forme de chanson d'amour perdu ('Wherever', entêtant single), Halo Maud jette les bases de son répertoire, qui la situerait quelque part entre Blonde Redhead et Beach House. Multipliant indifféremment les pop song bilingues et les ballades oniriques, Maud joue de sa voix magnétique pour happer l'auditeur. POUR CEUX QUI AIMENT Moodoïd, Melody's Echo Chamber, Beach House, Blonde Redhead, Fishback, Pépite

Octobre 2104 marque le 25ème anniversaire de la creation de l'Orchestre Révolutionnaire et Romantique fondé par Sir John Eliot Gardiner. 25 ans après leur désormais célèbre version des symphonies de Beethoven sur Deutsche Grammophon, l'orchestre continue à revisiter ce répertoire. Cette nouveauté, enregistrée à Londres en Novembre 2013, fait suite aux symphonies 5 & 7 enregistrées en concert au Carnegie Hall de New York. Les symphonies plus légères que sont la seconde et la huitième sont parmi celles que préfère John Eliot Gardiner : la seconde pour son encrage très affirmé dans le 18ème siècle de Mozart avec des touches de romantisme naissant et la 8ème pour le portrait qu'elle donne d'un Beethoven téméraire, aventureux, parfois bouillant et énergique mais sans oublier l'esprit espiègle du jeu. Le présent album reproduit dans son livret les 28 pages de la présentation faite par la BBC et musicologue et journaliste Stephen Jonhson, traduit en français et en allemand. Joyeux anniversaire à l'orchestre et à son chef !

Si, en 2011, Dirty Radio, le premier album de SALLIE FORD & THE SOUND OUTSIDE, a créé la (bonne, très bonne) surprise, le nouveau, Untamed Beast, est une explosion rock'n'roll viscérale. Décrite comme un «croisement entre Ella Fitzgerald et Tom Waits» par le magazine anglais Uncut, SALLIE FORD s'est imposée comme l'une des voix féminines les plus marquantes du rock indépendant. Elle et son groupe, - TYLER TORNFELT (contrebasse), FORD TENNIS (batterie) et JEFFREY MUNGER (guitare) - ont enregistré les onze titres de l'album avec ADAM LANDRY et JUSTIN COLLINS (Deer Tick, Middle Brother) aux Jackpot! Studios à Portland, Oregon, leur ville d'adoption. Fini la chanteuse qui cherchait ses marques. Dans des textes directs, intelligents, et souvent salaces, SALLIE FORD malmène les notions traditionnelles de genres, dans tous les sens du terme. «Il est temps qu'une fille infiltre le monde masculin du rock'n'roll et le chope par les couilles.» On est prévenus.