INTERMUSIC s'est associé avec Universal Music afin d'exhumer et ressusciter des vastes catalogues de la major les meilleures pépites R'n'B, Soul, Jazz, Blues et Funk, souvent restées (trop) longtemps indisponibles au disque. Ces albums sont notamment issus de labels emblématiques et historiques tels que Tamla-Motown, Cadet, Mercury, Chess, Blue Note, Polydor, Barclay, Mercury, etc. Qui boudera son plaisir de retrouver, soigneusement rééditées en LP 180 G, des répliques exactes de parutions originales d'artistes emblématiques de l'histoire de la musique. Un véritable régal pour tous les collectionneurs et amateurs de musiques qui groovent et palpitent.

The Preservation Hall Jazz Band tire son nom du Preservation Hall, devenu l'un des lieux mythiques de la Nouvelle-Orléans grâce à Allan et Sandra Jaffe. Les musiciens qui s'y sont succédés sont regroupés dans le Preservation Hall Jazz Band et propagent dans le monde entier la réputation du lieu. Le groupe a souvent été évoqué comme un pont à travers les âges - un lien entre le présent et l'âge d'or de la Nouvelle-Orléans. Les musiciens du groupe visent à préserver cette musique traditionnelle qui a évolué à la Nouvelle-Orléans au tournant du siècle et à la porter à un public contemporain. Reprenant le flambeau de ses parents, Ben Jaffe contribue avec That's It (2013) et les tournées mondiales du Preservation Hall Jazz Band à maintenir vivante la tradition du jazz de la Nouvelle-Orléans et le souvenir de Louis Armstrong, du Professeur Longhair, George Lewis et d'autres grands artistes de cette ville. En saisissant la fraicheur et le dynamisme de cette musique le Preservation Hall Jazz Band accomplit son devoir de mémoire.

Après le ‘’Choc’’ du Monde de la Musique remporté par son premier album solo, puis le ‘’Choc’’ de Jazz Magazine en 2016 pour son interprétation remarquée du Concerto d’Andy Emler ‘’Ciel de Sable’’ avec l’Orchestre Victor Hugo, Yvan Robilliard revient en solo : The Unspoken se traduit par le non-dit... Choisir des couleurs, des rythmes, des paysages sonores, les mélanger au gré de ses envies, les façonner pour raconter une histoire, son histoire. « Le piano solo est un challenge. C’est une mise à nue complète où je suis face à moi-même et à mes auditeurs. C’est une prise de risque en permanence, sans filet, où tout peut arriver. Laisser mon inconscient prendre place pour aller vers l’inconnu et le partager avec mon public. Raconter mon histoire, tout l’amour que j’éprouve pour la musique, une de mes raisons de vivre qui me pousse chaque jour à donner toujours davantage. Voilà pour moi le défi à relever à chaque concert. Partage, Émotion, Énergie, Lâcher prise, Transmission, Authenticité, tels sont mes maîtres mots. » Yvan Robilliard « Cette nouvelle production du pianiste Yvan Robilliard est une petite merveille. Merveille d’engagement, de passion, d’expression forte, voire brutale, d’une musique vécue avec une rare intensité. » Jazz Magazine / Jazzman

Le chef et premier violon du Freiburger Barockorchester, Gottfried von der Goltz, grave enfin son interprétation très attendue des Sonates et Partitas de Johann Sebastian Bach ! Véritable spécialiste de la partition, Gottfried von der Goltz livre une vision authentique, brillante et longuement mûrie de ce chef d'oeuvre du répertoire pour violon seul. Son jeu intense, d'une immense humilité, constamment au service du message de Bach, est fidèlement mis en valeur par une prise de son sans fard au plus près du musicien, signée Nicolas Bartholomée. Le résultat ? Une version incroyablement humaine et vivante de ce monument de la musique. Une redécouverte.

Véritable modèle pour toute une génération d'amateurs de guitare, Baden Powell était un guitariste hors pair. Il fait partie de ceux qui ont fait connaître la musique brésilienne dans le monde entier, et l'un des pionniers de la bossa nova au-delà des frontières du Brésil. Excellent compositeur et virtuose de la guitare, nombre de ses titres sont restés des classiques, et plusieurs ont été repris. Ce disque, parmi les premiers de Baden Powell, est un incontournable pour les amateurs de musique brésilienne en général, et de bossa nova en particulier.

The Preservation Hall Jazz Band tire son nom du Preservation Hall, devenu l'un des lieux mythiques de la Nouvelle-Orléans grâce à Allan et Sandra Jaffe. Les musiciens qui s'y sont succédés sont regroupés dans le Preservation Hall Jazz Band et propagent dans le monde entier la réputation du lieu. Le groupe a souvent été évoqué comme un pont à travers les âges - un lien entre le présent et l'âge d'or de la Nouvelle-Orléans. Les musiciens du groupe visent à préserver cette musique traditionnelle qui a évolué à la Nouvelle-Orléans au tournant du siècle et à la porter à un public contemporain. Reprenant le flambeau de ses parents, Ben Jaffe contribue avec That's It (2013) et les tournées mondiales du Preservation Hall Jazz Band à maintenir vivante la tradition du jazz de la Nouvelle-Orléans et le souvenir de Louis Armstrong, du Professeur Longhair, George Lewis et d'autres grands artistes de cette ville. En saisissant la fraicheur et le dynamisme de cette musique le Preservation Hall Jazz Band accomplit son devoir de mémoire.

Une compilation signée Kitsuné qui rassemble les artistes et producteurs des USA les plus excitants du moment ! Dédiées à ses coups de coeurs made in USA, les compilations Kitsuné America mettent à l'honneur les artistes et producteurs nord-américains les plus excitants du moment. Bande-son idéale d'une expérience unique mêlant mode, musique et sport, cette édition spéciale NBA réunit une sélection pointue de jeunes talents prometteurs et d'artistes plus établis, aux genres musicaux allant du hip hop à l'électro. A découvrir, des titres inédits du joueur NBA des Sacramento Kings Iman Shumpert ou du phénomène canadien Shay Lia avec une production de Kaytranada.

Le premier album de BABY IN VAIN, More Nothing, a été enregistré en 11 jours dans les studios Eve avec le producteur Rob Ellis (PJ Harvey, Scott Walker, Bat For Lashes). Traçant la ligne entre professionnalisme expérimenté et urgence propre à la jeunesse, More Nothing est le son d’un groupe prêt à imposer sa patte. Le trio de Copenhague créé une musique rock très impactante depuis leurs débuts, sur les bancs de l’école. Le groupe se perfectionne ensuite en partageant la scène avec des groupes aussi inspirants que The Jesus And Mary Chain et The Kills (Alison Mosshart leur a demandé personnellement de les rejoindre pendant leur tournée en Amérique et au Royaume-Uni).

La mise en valeur de l'immense patrimoine de la musique traditionnelle espagnole est au centre des processus de composition de Manuel de Falla et de Federico García Lorca. Pour y parvenir, tout deux se sont largement appuyés sur les grands interprètes de flamenco de leur temps. Ils teintèrent leur démarche de l'authenticité d'une tradition populaire venue du fond des âges - démarche à laquelle se sont confrontés pour notre plus grand plaisir deux artistes espagnols internationalement reconnus. L'une est chanteuse de flamenco, l'autre, pianiste classique. Cet album est le premier fruit de leur rencontre !

Marie Davidson revient avec un disque de musique électronique percutant aux multiples influences. Marie Davidson est une chanteuse, poètesse et productrice de musiques électroniques québecoises. Elle est la moitié du groupe Essaie Pas. En solo, elle a déjà sorti 3 albums dont Adieux au Dancefloor; Avec son nouvel album, elle retourne les projecteurs pour les braquer sur elle-même. Working Class Woman constitue le 4ème disque de la Montréalaise, et c'est aussi son plus analytique : une mise au point sur son état d'esprit, un commentaire sur le stress et les tensions d'une vie qui gravite autour de la musique électronique et de la culture des clubs. Le son de Working Class Woman est plus direct que celui de ses précédentes sorties. Elle creuse toujours les mêmes sillons, de l'Italo Disco, au proto-industriel et à électro, mais les leste d'un coup de poing en plein plexus, ce qui en fait un disque plus viscéral que toutes ses sorties précédentes. POUR CEUX QUI AIMENT Essaie Pas, Xeno & Oaklander, Boy Harsher

Pour la première fois, Light In The Attic réédite sur de magnifiques vinyles 180g les deux premiers album du grand BOBBY WHITLOCK Raw Velvet et Bobby Whitlock parus en 1972. Le légendaire chanteur, songwriter, claviériste et guitariste de Memphis avait réuni sur ces derniers les stars GEORGE HARRISON, ERIC CLAPTON, BOBBY KEYS, KLAUS VOORMANN et DELANEY & BONNIE ! D'une rare intensité, entre soul et rock, la musique de Whitlock bouleverse. Inclus, un livret contenant des notes et interviews inédites de l'artiste, ainsi que de rares photos. Une pépite pour les fans !

 

     

 

 

 

 

 

   

 

 

 

Si Two Virgins symbolise l’extase d’un premier baiser entre deux amoureux baignant dans la pop culture, alors Life With Lions est le son de l’amour se transformant en quelque chose d’impénétrable et d’éternel, une déclaration de « notre vie et notre amour sont notre art ». L‘album commence par de ‘simples’ pièces de musique improvisée tirées de performance live au Lady Mitchell Hall à l’Université de Cambridge en 1969. La face B a été enregistrée quant à elle dans la chambre d’hôpital d’un patient au Queen Charlotte Hopital de Londres en 1969 également. Dans le LP Ltd, vinyle de couleur blanche.

Si Two Virgins symbolise l’extase d’un premier baiser entre deux amoureux baignant dans la pop culture, alors Life With Lions est le son de l’amour se transformant en quelque chose d’impénétrable et d’éternel, une déclaration de « notre vie et notre amour sont notre art ». L‘album commence par de ‘simples’ pièces de musique improvisée tirées de performance live au Lady Mitchell Hall à l’Université de Cambridge en 1969. La face B a été enregistrée quant à elle dans la chambre d’hôpital d’un patient au Queen Charlotte Hopital de Londres en 1969 également. Dans le LP Ltd, vinyle de couleur blanche.

Le groupe mythique de metal hardcore de retour avec son dixième album Considéré comme l’un des groupes les plus originaux et innovants à émerger de la scène punk underground, Converge nous délivre une musique agressive, puissante et scandaleuse depuis les années 90. Converge est au métal moderne ce que les Ramones étaient au punk. Avec des albums comme Jane Doe et You Fail Me considérés comme pionniers du genre, leur nouvel opus The Dusk In Us est destiné à rejoindre cette liste prestigieuse de classique. POUR CEUX QUI AIMENT Refused, Madball, Agnostic Front, Seek of it All

L'excellent label anglais Full Time Hobby a mis sur pied un album tribute au grand musicien folk américain TIM HARDIN, mort en 1980. Avec cette sortie, le label prouve, à travers les reprises d'artistes contemporains, que l'oeuvre monumentale de TIM HARDIN est toujours aussi vitale et intemporelle. Des pointures de la musique indépendante et alternative comme MARK LANEGAN, ALELA DIANE, OKKERVIL RIVER, DIAGRAMS ou encore SMOKE FAIRIES se retrouvent aux grés des 13 reprises de ce disque, et rendent hommage à l'un des songwriter les plus respectés et les plus influents de sa génération. Inclus un livret contenant des notes de BARNEY HOSKYNS.

Originaire du sud de Los Angeles, STEPHEN BRUNER aka THUNDERCAT est un bassiste Californien de génie, qui a commencé à jouer dès l'âge de 4 ans grâce à son père RONALD SR, batteur de THE TEMPTATIONS. Membre depuis des légendes du trash SUICIDAL TENDENCIES, qu'il a rejoint à 16 ans, il a longtemps apporté sa collaboration aux albums de grands noms du hip hop, de la soul ou encore du jazz, de SNOOP DOGG à STANLEY CLARKE en passant par ERIC BENET. Ce petit protégé de FLYING LOTUS, pour qui il jouait sur Cosmogramma et qui signe ici la production, dévoile son premier projet solo, The Golden Age Of Apocalypse . L'album mêle univers astral et savoir-faire, s'inscrivant comme la suite logique de Cosmogramma . Un florilège d'artistes impressionnant y accompagnent THUNDERCAT : d'ERYKAH BADU aux membres de SA-RA et J*DAVEY, du pianiste AUSTIN PERALTA à son frère et batteur RONALD BRUNER. En résulte un album reflétant à la perfection la musique de THUNDERCAT : une oeuvre combinant le jazz tradionnel, une base electro futuriste et la recherche d'une musique intemporelle. L'apocalypse est bel et bien dorée.

Originaire du sud de Los Angeles, STEPHEN BRUNER aka THUNDERCAT est un bassiste Californien de génie, qui a commencé à jouer dès l'âge de 4 ans grâce à son père RONALD SR, batteur de THE TEMPTATIONS. Membre depuis des légendes du trash SUICIDAL TENDENCIES, qu'il a rejoint à 16 ans, il a longtemps apporté sa collaboration aux albums de grands noms du hip hop, de la soul ou encore du jazz, de SNOOP DOGG à STANLEY CLARKE en passant par ERIC BENET. Ce petit protégé de FLYING LOTUS, pour qui il jouait sur Cosmogramma et qui signe ici la production, dévoile son premier projet solo, The Golden Age Of Apocalypse . L'album mêle univers astral et savoir-faire, s'inscrivant comme la suite logique de Cosmogramma . Un florilège d'artistes impressionnant y accompagnent THUNDERCAT : d'ERYKAH BADU aux membres de SA-RA et J*DAVEY, du pianiste AUSTIN PERALTA à son frère et batteur RONALD BRUNER. En résulte un album reflétant à la perfection la musique de THUNDERCAT : une oeuvre combinant le jazz tradionnel, une base electro futuriste et la recherche d'une musique intemporelle. L'apocalypse est bel et bien dorée.

Originaire du sud de Los Angeles, STEPHEN BRUNER aka THUNDERCAT est un bassiste Californien de génie, qui a commencé à jouer dès l'âge de 4 ans grâce à son père RONALD SR, batteur de THE TEMPTATIONS. Membre depuis des légendes du trash SUICIDAL TENDENCIES, qu'il a rejoint à 16 ans, il a longtemps apporté sa collaboration aux albums de grands noms du hip hop, de la soul ou encore du jazz, de SNOOP DOGG à STANLEY CLARKE en passant par ERIC BENET. Ce petit protégé de FLYING LOTUS, pour qui il jouait sur Cosmogramma et qui signe ici la production, dévoile son premier projet solo, The Golden Age Of Apocalypse . L'album mêle univers astral et savoir-faire, s'inscrivant comme la suite logique de Cosmogramma . Un florilège d'artistes impressionnant y accompagnent THUNDERCAT : d'ERYKAH BADU aux membres de SA-RA et J*DAVEY, du pianiste AUSTIN PERALTA à son frère et batteur RONALD BRUNER. En résulte un album reflétant à la perfection la musique de THUNDERCAT : une oeuvre combinant le jazz tradionnel, une base electro futuriste et la recherche d'une musique intemporelle. L'apocalypse est bel et bien dorée.

Inspiré pour son nom par un personnage du poète Lord Byron créé au coeur du romantisme européen, Voyageur contemplant une mer de nuages, le nom du Quatuor Manfred a gardé toute son empreinte sur l’ensemble depuis trente ans ! Deux compositeurs se sont emparés de ce texte de Lord Byron, Schumann avec son poème dramatique Manfred, opus 115 et Tchaikovsky avec sa Symphonie Manfred réduite ici pour quatuor à cordes. Et Byron de s’interroger : « Pourquoi tant de beauté ? » De quoi célébrer une belle carrière portée par la sincérité et la fidélité à une certaine idée de la musique.

De la vérité de l'expression musicale selon Carl Philipp Emanuel Bach Un musicien ne peut émouvoir sans être lui-même ému; il est indispensable qu'il ressente lui-même les sentiments qu'il veut susciter chez ses auditeurs; il doit leur faire comprendre sa propre sensibilité pour qu'ils soient plus à même de la partager. (III-13) Cette citation est emblématique de Carl Philip Emanuel Bach; on voit d'ailleurs à quel degré son point de vue s'oppose à celui de son contemporain Diderot, qui développe sa théorie dans le paradoxe sur le comédien et selon qui l'acteur doit faire ressentir au public des émotions qu'il n'éprouve pas lui-même, et base donc son art sur la distanciation. Chose impensable pour CPE Bach pour qui la sincérité est essentielle pour convaincre et émouvoir. Alors que la musique baroque est aujourd'hui redevenue quasiment une musique populaire, qu'elle inonde le marché du disque classique et les salles de concert, il est curieux de s'apercevoir qu'elle a malgré tout du mal à s'émanciper de quelques idées reçues; entre le concept de musique de table (que l'on suppose jouée en fond sonore pour un prince peu attentif) et celui de musique publiée à la douzaine (à l'attention des dilettantes), ou encore des opéras seria par milliers que l'on suppose victimes des codes vains de l'époque et des goûts superficiels du public, il reste aujourd'hui difficile de se persuader que les oeuvres du XVIIIème siècle aient pu véritablement rechercher une profondeur d'expression. Vraiment, nul compositeur ne peut mieux bousculer cette vision erronée que Carl Philipp Emanuel Bach.

Le virtuose Vishwa Mohan Bhatt, créateur du mohan veena qui porte son nom et qui est un instrument mutant entre la slide guitar et le sitar, a déjà fait parler de lui au début des années quatre vingt-dix, avec son album Meeting By The River en compagnie de Ry Cooder. Maître de la musique classique indienne, il est ici associé à l'Américain Matt Malley, ex-bassiste du groupe de rock indépendant Counting Crows. Leur travail en commun, auquel il faut ajouter la contribution rythmique de Subhen Chatterjee au tabla et aux percussions, est à l'origine de ce Sleepless Nights pur et délicat. La musique coule dans mes veines, explique V.M. Bhatt. Son partenaire Matt Malley lui répond : C'est mon guru musical, et j'espère que notre disque sera une pierre supplémentaire dans le pont entre l'Est, l'Ouest, et toutes les races du monde. Selon toute vraisemblance, le pari sera tenu. Car au fil des six morceaux on sent entre les deux musiciens comme une télépathie, fondée sur l'écoute, le respect, et le désir de forger un genre inédit...

LIVE EXCEPTIONNEL AU MANCHESTER INTERNATIONAL FESTIVAL New Order livre une captation live exceptionnelle de leurs prestations au Manchester International Festival. Scène des premiers pas de Joy Division à la télévision, le groupe déconstruit et recompose leurs titres phares en compagnie de l'artiste Liam Gillick qui crée un environnement immersif en symbiose avec la musique. Comprenant des morceaux mythiques restés sous silence depuis des années tels que Disorder' ou Plastic', le nouvel album sortira en édition CD et triple vinyles (un rouge, un vert clair et un bleu).

Toute la grâce de la musique de chambre pour violon et piano de Schumann avec deux interprètes aussi inspirés qu’expérimentés Les trois Romances pour hautbois et piano op. 94 sont là de véritables bijoux, dont la forme convient tout spécialement au poète sensible et imaginatif qu’était Schumann. Elles font le bonheur des instrumentistes (cornistes, clarinettistes, hautboïstes et altistes surtout) qui ont un répertoire romantique limité. Mais le compositeur recommande aussi le violon, comme c’est le cas ici. Les deux sonates Op.105 et Op. 121 ouvrent et referment le programme.

Un projet inédit et novateur prêt à bousculer les codes du Reggae et à faire souffler un courant d'air frais dans ce style ! S’il a les pieds solidement ancrés dans le reggae et sa tradition, Devi Reed a le regard définitivement tourné vers l’avenir. Musicien en phase avec son époque, il revendique son éclectisme et sa volonté d’ouvrir le reggae à d’autres styles, d’autres influences, d’autres rencontres. Leader du groupe « The Banyans » pendant près de 10 ans, il a perfectionné sa maîtrise du reggae à travers deux albums et plusieurs centaines de concerts à travers toute l’Europe. Sa musique se teinte de hip-hop, d’électro, de world music, à tel point qu’on est en droit de se demander s’il s’agit encore de reggae. De la fusion de la musique cubaine et des rythmiques reggae/hiphop naît son nouvel album solo,Ragga libre, avec lequel Devi Reed se positionne clairement comme un des fers de lance du renouveau de cette musique dans l’Hexagone. POUR CEUX QUI AIMENT Alborosie, Soom T, Ky-mani Marley

Le légendaire chanteur de rock Graham Bonnet est de retour avec un nouvel album live lors de sa performance au Frontiers Rock Festival à Trezzo en 2016. Accompagné par sa bande habituelle (Beth-Ami Heavenstone à la basse, Conrado Pesinato à la guitare et Mark Zonder à la batterie), Bonnet nous délivre une expérience scénique de leurs plus grands titres. Après deux ans de tournée à travers le monde, le groupe a ébloui plus d’un fan de heavy rock et a prouvé son désir de laisser leur musique distinctive parler, faisant front au heavy metal classique que l’on a l’habitude d’entendre. Un grand moment d’anthologie !

Et si la source principale de la musique du Padre Antonio Soler restait à découvrir ? Le manuscrit acquis en 2011 par la Morgan Library de New York s’impose en effet comme la collection la plus riche de sonates de Soler; 29 d’entre elles sont inédites. Pour son premier enregistrement chez Harmonia Mundi, le jeune claveciniste Diego Ares nous remet en mémoire la forte impression qu’avait produite en 1765 le compositeur sur l’un des grands d’Espagne : Fray Antonio Soler fait chaque jour de meilleures sonates (...). En écoutant ce disque, on s’incline : chaque sonate est bel et bien... un univers à part entière.

Si Two Virgins symbolise l’extase d’un premier baiser entre deux amoureux baignant dans la pop culture, alors Life With Lions est le son de l’amour se transformant en quelque chose d’impénétrable et d’éternel, une déclaration de « notre vie et notre amour sont notre art ». L‘album commence par de ‘simples’ pièces de musique improvisée tirées de performance live au Lady Mitchell Hall à l’Université de Cambridge en 1969. La face B a été enregistrée quant à elle dans la chambre d’hôpital d’un patient au Queen Charlotte Hopital de Londres en 1969 également. Dans le LP Ltd, vinyle de couleur blanche.

La musique de Thelonious Monk est un comme un poème où l’on retrouve en rime son imagination décalée, son humour mélancolique et sa virtuosité cachée Pour présenter Thelonious Monk il faut dire son génie créatif, sa virtuosité discrète, le sens mélodique naturel de ses compositions, son amour des dissonnances élégantes et des rhythmiques asymétriques, sa technique plus que personnelle, unique. Cette sélection contient tout ça, à travers ses plus grandes compositions qui portent sur sa décennie la plus créative, celle qui va de la fin des années 40 à la fin des années 50. POUR CEUX QUI AIMENT Miles Davis, John Coltrane, Charles Mingus

La Passion selon Stephen Cleobury Enregistré avant le décès prématuré de Sir Stephen Cleobury en novembre 2019, King's College présente sa lecture de l'un des plus grands chefs-d'oeuvre de la musique sacrée, la Passion selon Saint Matthieu de Bach. Pour cet enregistrement, Cleobury a dirigé le King's Choir et l'Academy of Ancient Music aux côtés de certains des meilleurs chanteurs britanniques du moment, et la participation du meilleur évangéliste de notre temps, James Gilchrist. L'album est accompagné d'un livret de plus de 60 pages de textes et de photographies qui illustrent cet enregistrement unique, le dernier de Sir Stephen Cleobury.

La musique de Thelonious Monk est un comme un poème où l'on retrouve en rime son imagination décalée, son humour mélancolique et sa virtuosité cachée Pour présenter Thelonious Monk il faut dire son génie créatif unique, sa virtuosité discrète, le sens mélodique naturel de ses compositions, son amour des dissonances élégantes et des rhythmiques asymétriques, sa technique plus que personnelle, unique. Cette sélection contient tout ça, à travers ses plus grandes compositions qui portent sur sa décennie la plus créative, celle qui va de la fin des années 40 à la fin des années 50. POUR CEUX QUI AIMENT Miles Davis, John Coltrane, Charlie Mingus

Marie Davidson revient avec un disque de musique électronique percutant aux multiples influences. Marie Davidson est une chanteuse, poètesse et productrice de musiques électroniques québecoises. Elle est la moitié du groupe Essaie Pas. En solo, elle a déjà sorti 3 albums dont Adieux au Dancefloor; Avec son nouvel album, elle retourne les projecteurs pour les braquer sur elle-même. Working Class Woman constitue le 4ème disque de la Montréalaise, et c'est aussi son plus analytique : une mise au point sur son état d'esprit, un commentaire sur le stress et les tensions d'une vie qui gravite autour de la musique électronique et de la culture des clubs. Le son de Working Class Woman est plus direct que celui de ses précédentes sorties. Elle creuse toujours les mêmes sillons, de l'Italo Disco, au proto-industriel et à électro, mais les leste d'un coup de poing en plein plexus, ce qui en fait un disque plus viscéral que toutes ses sorties précédentes. POUR CEUX QUI AIMENT Essaie Pas, Xeno & Oaklander, Boy Harsher

La voix magique de Pino de Vittorio au service de perles musicales savantes ou populaires de la Sicile du XVIIIème. Star vocale à Naples et en Sicile, Pino de Vittorio est le collaborateur habituel des aventures napolitaines de Antonio Florio et l'ensemble I Turchini. Cet enregistrement fascinant dès la première écoute est un parcours à travers des oeuvres savantes et populaires, datant principalement des XVIIe et XVIIIe siècles. Les recueils édités à Venise durant la première partie du XVIIe contiennent de nombreuses pièces que l'on entend ici, mais la plupart du répertoire se doit au minutieux travail de compilation de Giacomo Meyerbeer, Giuseppe Pitrè et Alberto Favara au cours de leurs voyages siciliens au XIXe siècle. La superbe prise de son de Rino Trasi nous permet d'apprécier ce récital d'une beauté à couper le souffle, dont la poésie sereine mêlée de tradition populaire est abordée, explorée, à partir de la pratique savante d'interprètes amoureux de la musique ancienne italienne depuis des lustres.

Un best of estival célébrant l'âge d'or de la variété française ! Ce disque sous forme de double best of célèbre la French cool attitude de la musique populaire. Ces deux albums réunissent le meilleur des enregistrements des minis séries Très Chic qui honore les chanteurs iconiques comme Yves Montand, Charles Aznavour, Françoise Hardy, Juliette Gréco, Jacques Brel, Serge Gainsbourg et Brigitte Bardot. Vive la France ! POUR CEUX QUI AIMENT Françoise Hardy, Serge Gainsbourg, Brigitte Bardot

A la découverte de la chanteuse Anandi Bhattacharya, remarquable voix de la musique classique indienne qu'elle emmène dans son univers contemporain Fille du grand guitariste indien Debashish Bhattacharya qui a déjà enregistré plusieurs disques magnifiques sur ce même label, la chanteuse Anandi Bhattacharya nous invite à un voyage en Inde avec ses racines profondes dans la musique classique qu'elle utilise pour créer de nouveaux climats grâce à une voix envoûtante au potentiel émotionnel intense. POUR CEUX QUI AIMENT Debashish Bhattacharya

Il est un des premiers bluesmen du Mississippi à avoir enregistré, alors qu'il avait dépassé la quarantaine. Son répertoire est d'une surprenante diversité pour un bluesman du Delta : à coté du Blues proprement dit, on trouve des Ragtimes, des chants folkloriques, des thèmes de musique rurale blanche, et même des adaptations d'airs populaires de l'époque. Son style de guitare, uniformément brillant et inventif, est marqué par un extraordinaire sens du rythme; son chant est à l'image de son jeu de guitare : il hache ses phrases et les ponctue en tapant sur le bois de sa guitare. Son influence directe ou indirecte a été considérable sur plusieurs générations de musiciens : Tommy Johnson, Son House, Big Joe Williams...

Le premier album solo de KELE OKEREKE, chanteur et leader de BLOC PARTY ! Kele n'aura pas été long à réaliser ses rêves électroniques. Après trois albums avec BLOC PARTY depuis les débuts du groupe en 2004, le voici de retour, en solo, avec The Boxer. Produit par XXXCHANGE de SPANK ROCK, KELE laisse de côté le post-punk de BLOC PARTY pour lorgner sur la musique électronique et les dancefloors ! Supporté par les fans de BLOC PARTY aussi bien que la presse électro, The Boxer sera sans aucun doute un des disques de l'été.

Le duo de Los Angeles THE MILK CARTON KIDS (KENNETH PATTENGALE et JOEY RYAN) sort son très attendu premier album « The Ash & Clay ». Formé en 2011, le groupe n'a pas tardé à charmer les foules avec ses compositions folk d'une pureté et d'une sincérité rarement égalées chez leurs contemporains. Leur musique folk, incroyablement inventive, nous bouleverse. On songe aux plus belles heures des années 60 lorsque se superposent magnifiquement les deux voix et deux guitares de Kenneth et Joey, créant une parfaite alchimie. « Un superbe déchaînement d'harmonies vocales à mi-chemin entre SIMON AND GARFUNKEL et THE EVERLY BROTHERS »

C'est leur première collaboration pour harmonia mundi France : Sébastien Daucé et ses musiciens nous proposent une interprétation somptueuse des motets à six parties composés par Marc-Antoine Charpentier pour la maison de Guise. Miserere en tête, ces oeuvres constituent une parenthèse inattendue dans la musique du Grand Siècle. Le génie créatif, l'intériorité et l'intense ferveur d'un compositeur entouré de sa troupe fidèle de chanteurs et musiciens nous paraissent d'autant plus familiers que Charpentier s'y avère copiste (les partitions qui nous sont parvenues sont de sa main) et interprète - il tenait la partie de haute-contre.

Personne mieux que Furtwängler ne savait mettre en valeur les racines romantiques communes de ces poèmes et danses d’Europe centrale : un chapelet de poèmes symphoniques captés en concert, au son parfaitement restauré Programme emprunté aux poèmes symphoniques donnés à Vienne entre 1848 et 1880. La renommée mondiale de Furtwängler tient certes à la manière dont il révéla ces chefs-d’oeuvre de la musique allemande, enregistrés en concert entre 1949 et 1954. L’hégémonie culturelle de la capitale impériale fut telle que ce chef, aussi à l’aise dans la fosse que sur scène, parvient à recréer ici l’esprit et le goût de l’époque.

Opéra en 4 actes

 

 

   

 

   

Décrit par le BBC Music Magazine comme l'un des meilleurs schubertiens du moment, Shai Wosner démontre, avec Les Moments Musicaux et la Sonate en La D959, que cette citation lui va très bien. Comme il le dit lui-même dans les notes de livret du présent disque, la musique de Schubert possède ce rapport au temps unique, ce cheminement mélodique essentiel qui fait que lorsqu'une pièce commence, on ne sait pas si elle va durer cinq minutes ou cinquante minutes ! Toute la science du compositeur est là et Shai Wosner l'a bien compris : une interprétation libre et détachée, comme en apesanteur.

Electri_city II lance les auditeurs dans de sophistiquées et pertinentes montagnes russes à travers l’un des chapitres les plus complets de l’histoire de la musique allemande récente. Toute comme la première, cette nouvelle compilation promeut certains morceaux bien connus ou d’autres oubliés qui ont émergé à Düsseldorf. Elle fait suite à Electri_city, également dans la chronologie. Dans cette nouvelle compilation, on retrouve de nouveaux instruments : le fameux Minimoog, l’ARP Odyssey, le Roland System, le MC4 ou bien le légendaire MS-20, qui ont en partie fait de cette scène un espace de virtuosité et de dilettantisme où « expérimentation » était le mantra des artistes.

Poppy Ackroyd délivre une musique pour piano moderne, sensible et envoutante. La compositrice néo-classique Poppy Ackroyd, qui faisait notamment partie de The Hidden Orchestra publie son quatrième album Resolve qui sort sur le label One Little Indian (Bjork, Cody Chesnutt). Si ses premiers albums consistaient à utiliser uniquement le piano et le violon en poussant leurs possibilités le plus possible, la musicienne de Brighton va cette fois plus loin avec de multiples arrangements à la clarinette, flûte, violoncelle ou au hang. Avec ce nouvel album instrumental Poppy Ackroyd s'inscrit dans l'héritage de Nils Frahm, Max Richter ou Haushka. Le piano Le piano cristallin avec ses boucles aux échos se mêle aux violons et ces sonorités classiques se mêlent à des mélodies plus contemporaines. Avec ce nouveau disque, la compositrice s'impose dans le cercle fermé des pianistes néo-classiques et entend marquer de son empreinte le monde de la musique classique contemporaine. POUR CEUX QUI AIMENT Nils Frahm, Max Richter, Philip Glass, Ryuichi Sakamoto

Abbado, interprète idéal de Bruckner. « L'approche par Abbado de la musique de Bruckner est douce et mélodieuse, parfois tendue et rapide, mais avec toujours une grande justesse. » : ainsi la Neue Zürcher Zeitung décrit-elle la prestation tant acclamée de Claudio Abbado à la tête de l'Orchestre du Festival de Lucerne. Leur interprétation de l'imposante Cinquième Symphonie d'un Bruckner en pleine ascension rend un parfait hommage à son génie. Même le Guardian insinue avec poésie que le compositeur lui-même aurait sans doute décerné à Claudio Abbado le titre « d'interprète idéal ».