Venus Volcanism est le nom d'artiste de la musicienne et artiste électronique Rena Rasouli. Son premier mini-album solo Rizitiko sort sur le sous-label d'Optimo, Weaponise Your Sound et se sert des chansons folk traditionnelles de son île natale, la Crète, comme base pour l'album. Rizitiko est issu de la thèse de Rasouli traitant de la capacité de guérison des chants traditionnels et de leur effet thérapeutique. Selon elle, l'usage mélodique de la voix est la plus ancienne forme de thérapie de l'histoire. A ces chants traditionnels Rasouli a ajouté des ambiances sonores électroniques et les compositions qui en résultent expriment les sensations et les émotions omniprésentes dans le processus de guérison ainsi qu'une connexion intense avec l'inconscient collectif. L'artiste a fait poser des voix féminines sur ces chants traditionnellement chantés par des hommes, ce qui lui procure une approche différente, s'apparentant à des berceuses.

Cette réédition des deux premiers albums du groupe représente le premier fruit des longs efforts d'Analog Africa pour faire connaître cette musique extraordinaire au monde entier. Remasterisées à partir des meilleures sources audio disponibles, ces chansons n'ont jamais eu un meilleur son. Une trentaine d'années après avoir fait tant de bruit sur la scène de Mogadiscio, ils ont été libérés des vibrations et du sifflement des cassettes de deuxième et troisième génération pour révéler un glorieux mélange d'orgues polychromes, de rythmes dansants et de voix envoûtantes et obsédantes. CD incluant un livret 12 pages. En plus de deux titres inédits, les disques de l'édition triple vinyle sont rangés dans une pochette gatefold deluxe et sont accompagnés de notes, de photos et d'interviews des membres originaux du groupe, documentant un chapitre oublié de l'histoire culturelle de la Somalie.

Le groupe originaire de Philadelphie Devil Master revendique son statut d'entité parmi les plus malveillantes et les plus tordues de l'underground avec leur infernal tout premier album Satan Spits on Children of Light. L'album, enregistré, mixé et masterisé par Arthur Rizk (Power Trip, Mammoth Grinder, Outer Heaven), fait vibrer les portes de l'enfer avec une terrible dose de punk infusé de black métal. Possédant la rigueur implacable de Venom, la fureur des débuts de Bathory et la nature brute et sans compromis des japonais GISM, Satan Spits on Children of Light voit Devil Master (qui compte des membres d'Integrity) sortir de la tombe et atteindre de nouveaux sommets blasphématoires. Abandonnez-vous à la panique satanique et obéissez à votre Devil Master !

De la pop, du rock, des touches électro, parfois des accents funk et hip-hop... Sur ce premier album éponyme, The Airplane propose un mélange détonnant inédit dans le paysage musical français. L’aventure musicale démarre il y a presque quinze ans au Conservatoire de Claye-Souilly en Seine-et-Marne. Deux EPs plus tard et plus de 100 dates en live (dont le Festival international de Prog’ Sud et les 24 heures de L’Insa) ils reviennent cette année confirmer l’engouement qu’ils ont suscité sur leur passage en sortant avec leur premier album The Airplane. Ce projet est en fait déjà à l’album de maturité, mêlant expérimentations musicales et titres plus intimistes, sous l’influence de Pink Floyd ou encore de la scène punk californienne. Sur douze chansons, Arthur au chant et à la guitare, Grégoire à la basse, Joris à la guitare et Alex à la batterie nous invite à faire de la haute voltige sans parachute !

Duo noise rock de Los Angeles formé de Randy Randall à la guitare et de Dean Allen Spunt à la batterie et au chant, No Age revient avec Snares Like A Haircut. Après Weirdo Rippers (FatCat, 2007), Nouns (Sub Pop, 2008), Everything in Between (Sub Pop, 2010), et An Object (Sub Pop, 2013), ce 5ème album est le premier pour le label Drag City. Pour un groupe qui déchaine avec force et rage sa souffrance depuis plus de 10 ans, 2018 pourrait bien être leur année. Cet âge chaotique où le monde part en lambeaux n'était-­il pas destiné à être l'ère No Age ? A la recherche d'un son stimulant, provoquant, un pied sur la pédale de distortion, l'autre sur l'accélérateur, No Age fonce à tout allure, prêt à entrer en collision avec ce qu'il reste d'humanité. Son rock noisy teinté de l'urgence punk et d'ambiances shoegaze nous transporte à toute allure sur l'autoroute d'un monde sans horizon, à contresens.

Le chanteur-auteur-producteur-rappeur et musicien Josh Dolgin- plus connu sous le nom de Socalled revient avec un cinquième album : Peoplewatching. A cette occasion, l'artiste voit les choses en grand! Mixé par Renaud Letang (Feist, Manu Chao, Gonzales...), on note - outre la présence de son habituelle équipe (Katie Moore, Patrice Agbokou, J.S. Williams et Michael Felber), de prestigieux invités tels que la légende du dancehall Josey Wale, le génial tromboniste de James Brown et du Parliament-Funkadelic Fred Wesley mais aussi les DJ's Rob Swift et Mista Sinista... Dans la continuité de son expérience musicale commencée il y a dix ans, Socalled nous livre un mélange hip hop, soul, rigodon, cabaret, jazz fusion, klezmer et électro le tout teinté de sonorités pop. Un univers festif et débordant d'idées qui combine voix, rythmes, mélodies, cultures, langages et grooves.

Pour ce nouvel album sous le nom de Typhonian Highlife, Spencer Clark (The Skaters, Monopoly Child Star Searchers) a voulu créer une expérience existentialiste autour de la symbolique d’un bio-système magique (‘The Shells’) capable de révéler à quelqu’un la nature de son existence. Dans sa démarche, l’américain a vécu un enchaînement précis d’épisodes incluant la découverte de la photographie psychique, des voyages dans des lieux spécifiques fantasmatiques (Australie et Sicile) et l’apprentissage du comportement des lézards geckos ou encore des trous noirs. En ressortent 8 titres expérimentaux qui, tel l’holodeck de Star Trek, dépeignent une paysage visuel et sonore dans lequel l’auditeur vit une véritable rencontre. Il se retrouve alors face à un recueil halluciné d’événements réels et irréels composant le journal de bord du monde se situant au bord du notre, ‘The World Of Shells’, un monde dont il sera difficile de revenir.

Duo noise rock de Los Angeles formé de Randy Randall à la guitare et de Dean Allen Spunt à la batterie et au chant, No Age revient avec Snares Like A Haircut. Après Weirdo Rippers (FatCat, 2007), Nouns (Sub Pop, 2008), Everything in Between (Sub Pop, 2010), et An Object (Sub Pop, 2013), ce 5ème album est le premier pour le label Drag City. Pour un groupe qui déchaine avec force et rage sa souffrance depuis plus de 10 ans, 2018 pourrait bien être leur année. Cet âge chaotique où le monde part en lambeaux n'était-­il pas destiné à être l'ère No Age ? A la recherche d'un son stimulant, provoquant, un pied sur la pédale de distortion, l'autre sur l'accélérateur, No Age fonce à tout allure, prêt à entrer en collision avec ce qu'il reste d'humanité. Son rock noisy teinté de l'urgence punk et d'ambiances shoegaze nous transporte à toute allure sur l'autoroute d'un monde sans horizon, à contresens.

Depuis maintenant 12 ans KOMPAKT sort fin aout sa compilation annuelle, et pour cette nouvelle édition, la 11ème, KOMPAKT n'a pas lésiné sur les moyens puisque ce double CD et triple vinyle, ne comporte que DES INEDITS. Chaque artiste a fourni un track INEDIT pour cette occasion et on y trouve de nouveaux venus : IT'S A FINE LINE (TIM PARIS ET IVAN SMAGGHE), SOG MUGWUMP, SEBASTIEN BOUCHET... Aux côtés des nouveaux venus on trouve aussi des inédits par SUPERPITCHER dont l'album sortira le 6 septembre, THE FIELD, GUSGUS featuring ADA le tout remixé par MAYBURG (Michael Mayer & Jörg Burger), GUI BORATTO et IGGOR CAVALERA (SEPULTURA), MATIAS AGUAYO. C'est un très grand cru que nous réserve cette nouvelle édition de la TOTAL puisque tous les titres apparaissant sur celle ci sont INEDITS et uniquement disponible en CD ou vinyle sur la TOTAL 11.

Roots of Confusion Seeds of Joy est là, et on pourrait dire qu'il était temps ! Praticiens d'une forme de plus en plus rare d'alchimie musicale, Major Stars s'impose comme l'antidote à toutes sortes de traumatismes causés par le monde réel. écouter un de leurs albums revient à être catapulté dans un monde rock 'n' roll d'abstraction, de diffraction et, finalement, de douce distraction. D'où viennent donc ces Roots of Confusion, ces Seeds of Joy ? Comment, après plus de 20 ans à faire des disques peut-on en revevenir aux racines et aux graines ? Qui sait ! C'est peut-être lié à Motion Set, le précédent disque de Major Stars, qui n'a que deux ans d'âge; les précédentes gestations inter-album étaient d'une durée plus redoutable de 3 ou 4 ans. Ajoutez un album solo de Wayne Rogers à paraître bientôt et il est assez clair que chez Major Stars, le courant créatif est dans une phase actuelle d'hyper-activité, au dynamisme irrépressible ! Dans des moments pareils, il est facile de se sentir connecté à ses sources - et vous le sentirez aussi dès la première écoute... Leur usage de trois guitares affecte la profondeur de champ de manière diabolique, et bien qu'il soit facile de décrire ce que font les Major Stars en termes de grandiloquence, cela réduit le nombre d'éléments tactiles du groupe. Mais qu'y pouvons-nous ? Les aspects agressifs de cette musique, qui pourtant nous transportent, ont tendance à prendre les auditeurs par le col et à les secouer un peu. Si les perceptions de l'architecture sonore se perdent dans la mêlée, eh bien, c'est un peu le but. Le nouveau chanteur Noell Dorsey, un vétéran de nombreux autres projets, apporte un nouvel élément sonore exaltant au mixage, y compris plusieurs passages de voix harmoniques ! En clair, l'éclat psychique éternel pour lequel les Major Stars sont connus abonde en coups de théâtre raffinés sur Roots of Confusion Seeds of Joy. Seth Manchester a fourni une ingénierie complètement moderne chez Machines with Magnets à Pawtucket, RI, utilisant un certain nombre d'appareils analogiques pour saisir les particularités de chacune des chansons, puis a utilisé de façon transparente des facultés numériques pour mixer. Tout cela, plus un joli dessin de Robert Beatty sur une pochette tip-on Stoughton, fait de cet album une rencontre libératrice qui n'est rien de moins qu'un véritable besoin de nos jours.

What News est le 12ème album solo de l'artiste folk écossais Alasdair Roberts, et le 4ème à se concentrer uniquement sur l'interprétation de chansons traditionnelles. Pour cette première sortie dans cette veine depuis 2010, il s'est inspiré des chanteurs écossais Jeannie Robertson, Lizzie Higgins, Duncan Williamson, Elizabeth Stewart et Sheila Stewart. Pour pouvoir se concentrer sur le chant, il a demandé à David McGuinness de jouer les morceaux aux claviers. Ce dernier a été chercher des pianos vintages à l'Université de Glasgow : un grand pianoforte de 1844 et un fortepiano dans le style de Mozart. Il y a ajouté son propre Dulcitone de 1920. Une troisième dimension a été ajoutée au projet avec l'arrivée du sonologue Amble Skuse qui est venu structurer le son à travers des traitements électroniques. Le trio nous offre un véritable délice musical en donnant de nouvelles couleurs aux chansons traditionnelles.

Optimo Music est ravi de présenter la compilation Weaponise Your Sound, conçue par Kristina McCormick (Diet Clinic). Diet Clinic est une émission de la webradio londonienne NTS qui met en avant des DJ et artistes féminins. Il s'agit de la première sortie vinyle de la nouvelle série Diet Clinic pour le label Optimo Music, et elle concorde avec la Journé Internationale de la Femme 2019. La compilation contient des morceaux inédits de C.A.R, Cucina Povera, Fantastic Twins, Human Jones, Maral, Marika Underspreche, Odete, Penelope Trappes, Slime, Sue Zuki et Zoe McPherson. Ces artistes sont certes éparpillées à travers le monde, mais leur amour, leur force et leur soutien pour leur art et leurs homologues est une inspiration quotidienne. Tous les profits iront à Focus E15, une association caritative basée à Londres qui se bat pour les logements sociaux.

What News est le 12ème album solo de l'artiste folk écossais Alasdair Roberts, et le 4ème à se concentrer uniquement sur l'interprétation de chansons traditionnelles. Pour cette première sortie dans cette veine depuis 2010, il s'est inspiré des chanteurs écossais Jeannie Robertson, Lizzie Higgins, Duncan Williamson, Elizabeth Stewart et Sheila Stewart. Pour pouvoir se concentrer sur le chant, il a demandé à David McGuinness de jouer les morceaux aux claviers. Ce dernier a été chercher des pianos vintages à l'Université de Glasgow : un grand pianoforte de 1844 et un fortepiano dans le style de Mozart. Il y a ajouté son propre Dulcitone de 1920. Une troisième dimension a été ajoutée au projet avec l'arrivée du sonologue Amble Skuse qui est venu structurer le son à travers des traitements électroniques. Le trio nous offre un véritable délice musical en donnant de nouvelles couleurs aux chansons traditionnelles.

Black Truffle a le plaisir de présenter Realejo, la première sortie vinyle de l'auteur et compositeur brésilien Manuel Pessoa de Lima. Les lives de Manuel Pessoa de Lima, qui a composé des oeuvres pour le cinéma, la danse contemporaine, le théâtre et la télévision, prennent souvent la forme de performances introspectives qui combinent sons électroacoustiques, lumières rouges, vidéo et spoken word, en passant de manière imprévisible de l'hilarant au bouleversant. Realejo est composé de deux pièces de collages électro-acoustiques à partir de ses propres enregistrements d'orgue auxquels il a ajouté des enregistrements d'un gardien de sécurité qui travaille depuis plus de 30 ans dans la même rue, celle où Manuel Pessoa de Lima a grandi. Sur Presenting Yourself on entend également des éléments tirés de sa précédente oeuvre 36 English to Portuguese Lessons. Tour à tour percutant et séduisant, Realejo présente aux auditeurs un jeune compositeur à la voix puissante et singulière.

2ÈME ALBUM DU CROONER FOLK FRANÇAIS UN APPEL D’AIR VERS LES GRANDS ESPACES Habité et instinctif, Sammy Decoster chevauche tranquillement sa carrière depuis la fin des années 2000 en traçant son sillon de chansons folk. D’un récent road trip dans le désert, le crooner de traverse a ramené une valise plein e de chansons et ce deuxième album tant attendu, enregistré en prises directes avec des membres du Giant Sand de l’arizonien Howe Gelb et des amis de passage. Il y a quelque chose de magnifiquement suranné dans ces chansons capturées sur bande magnétique, mais notre héros chérit suffisamment les codes rétros pour s’en affranchir avec intelligence et nous surprendre lors de cavalcad es effrénée. Entre balades langoureuses et embardées rock & roll, Sortie 21 nous donne la furieuse envie de conquérir avec amour des territoires sauvages.

L'écossais Alasdair Roberts est de retour avec sa folk étincelante pour un neuvième album solo. Si jusqu'en 2007 il reprenait et rénovait le répertoire traditionnel écossais, il a finalement abandonné le pur folklore musical celte pour explorer l'art de la composition. Avec Pangs il continue cette démarche créatrice et innovante et s'éloigne de l'austérité acoustique de son précédent album sorti en 2015. Il fait ici la part belle à la guitare électrique et s'entoure d'un groupe. Pangs reflète la modernité de son compositeur et sa volonté de s'éloigner de la folk classique pour se diriger vers des morceaux plus expérimentaux. Le trio composé de Roberts, Alex Nielson et Stevie Jones a également accueilli des invités tels que Debbie Armour, Tom Crossley, Rafe Fitzpatrick ou encore Jessica Kerr. Un album d'une puissance et d'une beauté uniques mêlant les racines de la folk à une approche brillamment contemporaine. Pour les fans de : Bonnie Prince Billy, Meg Baird, King Creosote, Ryley Walker, etc.

Grâce à la magnifique acoustique de cette vieille cuisine quelque part dans le quartier belge de Cologne, avec cette table de cuisine en verre, recouverte de bouchons en cuivre et en porcelaine, et de vieux papiers tachés de vin et de café et donc peu lisibles, malgré les chansons que Roland Van Campenhout a écrites dessus depuis la fin des années 60 qui rappellent des souvenirs, des vieilles histoires d'amours... de bons moments et des moins bien... les merveilleuses oeuvres d'art faites par un poète et chanteur canadien accrochées au mur, le café de Petra et à l'impressionnante collection de disques de Werners dans la cave, la fenêtre ouverte qui permet d'enchainer les Roth-Händle, la superbe table de mixage vintage, les micros à ruban, la belle collection de vieilles guitares... Certaines personnes font des albums dans des caves, Roland Van Campenhout a fait le sien dans la cuisine, et il espère que vous vous amuserez autant en l'écoutant que lui en l'enregistrant ! Digipak 2CD + DVD incluant un livret.

L'écossais Alasdair Roberts est de retour avec sa folk étincelante pour un neuvième album solo. Si jusqu'en 2007 il reprenait et rénovait le répertoire traditionnel écossais, il a finalement abandonné le pur folklore musical celte pour explorer l'art de la composition. Avec Pangs il continue cette démarche créatrice et innovante et s'éloigne de l'austérité acoustique de son précédent album sorti en 2015. Il fait ici la part belle à la guitare électrique et s'entoure d'un groupe. Pangs reflète la modernité de son compositeur et sa volonté de s'éloigner de la folk classique pour se diriger vers des morceaux plus expérimentaux. Le trio composé de Roberts, Alex Nielson et Stevie Jones a également accueilli des invités tels que Debbie Armour, Tom Crossley, Rafe Fitzpatrick ou encore Jessica Kerr. Un album d'une puissance et d'une beauté uniques mêlant les racines de la folk à une approche brillamment contemporaine. Pour les fans de : Bonnie Prince Billy, Meg Baird, King Creosote, Ryley Walker, etc.

Chanteur, compositeur et producteur, le célèbre brésilien Ed Motta est aussi un très grand collectionneur de vinyles rares avec plus de 30 000 disques en sa possession. Il était le pilote idéal pour emmener ce nouveau volume de la série Too Slow to Disco au Brésil. Il nous fait découvrir un aspect encore trop méconnu de la musique de son pays avec au menu : soul, funk et AOR brésilien. En 19 morceaux il réunit un panthéon de héros musicaux comme Rita Lee des légendaires Os Mutantes, Cassiano de Bossa Trio et Os Diagonais ou encore Roupa Nova référé comme étant le Toto brésilien ! Il nous présente également quelques pépites super obscures comme Carlos Bivar ou Gelson Oliveira & Luiz Ewerling dont les chansons sont tirées d'albums pressés à titre privé et qui ne sont même pas listés sur Discogs ! Une compilation passionnante qui promet quelques belles découvertes.

Presque 58 minutes de pure rare groove ! Douzième sortie du label français Broc Recordz fondé par Dipiz en 2003. C'est aussi le premier vinyle gatefold tiré à 300 exemplaires où l'on retrouve le artwork de tous les 45 tours originaux, photos en noir et blanc, blanc, tutorial de danse pour le tube Voodoo Juju Obssession et des notes de pochettes de Janko Nilovic. Dipiz continue de repousser les frontières entre le monde du hip-hop & des grands compositeurs et en particulier des compositeurs d'illustration sonore comme Janko Nilovic. Non seulement vous trouverez la collection complète de JuJju Records mais aussi en bonus d'excellents édits exclusifs de producteurs Français. Deux édits de Dipiz, un d'Alexis Hountondji aka Kofi & Renaud Lainé et un autre du fameux breakbeat duo Last Bongo In Paris (Cleon and Jazzy Pidjay) Mixé & masterisé au studio Les Murs du son, superbe artwork de Wickidz. Version vinyle 2LP.

PENDANT LUMINEUX DU TRIO CULTE DEATH UNE MONTéE FUZZéE DE ROCK SPIRITUEL 80S Au début des années 70 à Detroit, sentant bien que le nouveau monde annoncé ne viendrait pas, les trois frères Hackney crèvent l'abcès et forment le groupe Death. Influencé par le hard-rock et la funk, Bobby (basse, chant), David (guitare) et Dannis (batterie) façonnent un son protopunk qui trouvera difficilement une audience à l'époquemais qui leur vaut le statut de groupe culte et visionnaire aujourd'hui. Démontrant qu'il y a bien une vie après la mort de Death, les frères redirigent leur énergie créatrice dans un nouveau projet The 4th Movement. Yang du Yin, cette nouvelle formation présente le côté lumineux de la médaille avec un acid rock spirituel. Paru sur leur propre label Tryangle en 1980, ce premier album ouvre de nouvelles portes et il faudra attendre des années avant qu'elles ne soient empruntées par CD d'autres groupes audacieux !

NOUVEAU PROJET DE DJ BRANS EN DIRECT DE NYC ! VERSION CD À TOUT PETIT PRIX (6€ HT) Effiscienz est fier de vous présenter le nouveau projet de WYLD BUNCH, l'un des emcees les plus dirty de Brooklyn. Connu pour son flow hargneux et sans concession, il est supporté par les plus grands, comme DJ Premier qui le joue régulièrement dans son émission. La qualité de ce projet est largement appuyée par le talentueux DJ BRANS qui produit la totalité de ce mini album et qui depuis la sortie de ses projets, THE BRANSTORM et START YA BID'S, fait parti de la nouvelle génération de beatmakers français incontournable sur la scène internationale. Il en est de même pour DJ Djaz qui accompagne la quasi totalité des beats et qui se distingue toujours par la dextérité et la musicalité de ses scratches. L'envergure de ce projet ne s'arrête pas là, puisque WYLD BUNCH a su s'entourer à cette occasion des meilleurs, notamment : Roc Marciano, Masta Ace, Guilty Simpson, Torae, mais aussi Hannibal Stax qui s'apprête à sortir son album avec Marco Polo. En somme un projet qui semble UNBREAKABLE!!!

Grâce à la magnifique acoustique de cette vieille cuisine quelque part dans le quartier belge de Cologne, avec cette table de cuisine en verre, recouverte de bouchons en cuivre et en porcelaine, et de vieux papiers tachés de vin et de café et donc peu lisibles, malgré les chansons que Roland Van Campenhout a écrites dessus depuis la fin des années 60 qui rappellent des souvenirs, des vieilles histoires d'amours... de bons moments et des moins bien... les merveilleuses oeuvres d'art faites par un poète et chanteur canadien accrochées au mur, le café de Petra et à l'impressionnante collection de disques de Werners dans la cave, la fenêtre ouverte qui permet d'enchainer les Roth-Händle, la superbe table de mixage vintage, les micros à ruban, la belle collection de vieilles guitares... Certaines personnes font des albums dans des caves, Roland Van Campenhout a fait le sien dans la cuisine, et il espère que vous vous amuserez autant en l'écoutant que lui en l'enregistrant ! Digipak 2CD + DVD incluant un livret.

Le groupe shoegaze de Valence Dead Horse One sort son troisième album, The West Is The Best. Après les avoir écoutés, Mark Gardener de Ride décide de produire leur premier album Without Love We Perish. Le groupe frappe fort d'emblée et joue plus d'une centaine de concerts dans toute l'Europe pendant les 3 années qui suivent, dont une apparition au Psych Fest de Liverpool. En 2017, Dead Horse One collabore avec le producteur John Loring (Fleeting Joys) pour leur deuxième album, Season of Mist. En tournée cette année-là, le groupe a suivi Ride pendant plusieurs dates et l'année suivante a partagé la scène avec les légendaires Brian Jonestown Massacre ainsi que le groupe de Philadelphie, Nothing. Pour leur troisième album The West Is The Best, le groupe revient en studio avec le producteur John Loring et marque une deuxième collaboration avec Mark Gardner au mixage.

Le groupe shoegaze de Valence Dead Horse One sort son troisième album, The West Is The Best. Après les avoir écoutés, Mark Gardener de Ride décide de produire leur premier album Without Love We Perish. Le groupe frappe fort d'emblée et joue plus d'une centaine de concerts dans toute l'Europe pendant les 3 années qui suivent, dont une apparition au Psych Fest de Liverpool. En 2017, Dead Horse One collabore avec le producteur John Loring (Fleeting Joys) pour leur deuxième album, Season of Mist. En tournée cette année-là, le groupe a suivi Ride pendant plusieurs dates et l'année suivante a partagé la scène avec les légendaires Brian Jonestown Massacre ainsi que le groupe de Philadelphie, Nothing. Pour leur troisième album The West Is The Best, le groupe revient en studio avec le producteur John Loring et marque une deuxième collaboration avec Mark Gardner au mixage.

Le groupe shoegaze de Valence Dead Horse One sort son troisième album, The West Is The Best. Après les avoir écoutés, Mark Gardener de Ride décide de produire leur premier album Without Love We Perish. Le groupe frappe fort d'emblée et joue plus d'une centaine de concerts dans toute l'Europe pendant les 3 années qui suivent, dont une apparition au Psych Fest de Liverpool. En 2017, Dead Horse One collabore avec le producteur John Loring (Fleeting Joys) pour leur deuxième album, Season of Mist. En tournée cette année-là, le groupe a suivi Ride pendant plusieurs dates et l'année suivante a partagé la scène avec les légendaires Brian Jonestown Massacre ainsi que le groupe de Philadelphie, Nothing. Pour leur troisième album The West Is The Best, le groupe revient en studio avec le producteur John Loring et marque une deuxième collaboration avec Mark Gardner au mixage.

Midnight Features est une série de disques imaginée par Emil Amos et Alex Hall de Lilacs & Champagne. Inspirés par la série de comics Marvel What if?, le duo pioche dans différentes ères musicales et se les approprie. Le premier volume, Shower Scene, est inspiré par les musiques de fond d'émissions de TV des années 1970, où les solos frénétiques et sons jazzy accompagnent les histoires de crime, drames et passions. Il s'agit de la première sortie sur laquelle Lilacs & Champagne jouent live. Le groupe mélange instrumentation et sampling, apportant ainsi une nouvelle sensibilité à leur son sans pour autant délaisser l'hybridité stylistique qui avait marqué leurs travaux précédents. De nouvelles palettes sonores sont explorées tout au long des six titres. Sur Sensations, le groupe sonne comme le jazz psyché de Soft Machine, alors que Maple Street se rapproche de l'avant-jazz que Moondog aurait composé s'il avait vécu à l'ère du sample.

Johnny's Disk Record est un label de jazz indépendant dirigé par le propriétaire du jazz café Kaiunbashi No Johnny situé dans la ville de Rikuzentakata, dans la préfecture d'Iwate, au Japon. Ce label légendaire a sorti une série d'albums de haute qualité allant du jazz moderne au jazz avant-gardiste en passant par une pop singulière. Paru originellement en 1980, Taiko No Uminari est le seul album solo que le batteur Yoshimi Ueno a sorti avant de mourir. L'album inclut Sea Sound, un morceau de hard bop aux mélodies expressives avec un saxophone impressionnant interprété par Yasuaki Shimizu. On y trouve aussi Tsuchi Ningyo, un titre folk et mélancolique composé par son compagnon de label, le contrebassiste Eiji Nakayama, la ballade romantique My Spirit du pianiste Keisaku Takahashi, le jam polyrythmique Skip composé par Ueno lui-même, K.Bluse, un air bluesy avec une touche de jazz de la Nouvelle-Orléans, et Uzushio, un duo entre la contrebasse de Nakayama et la batterie d'Ueno.

The Gallant Club, duo français mais pas French touch pour un sou, formé il y a deux ans par Clément Juttel et Alexander Faem prend un malin plaisir à brouiller les pistes comme les références avec leur pop lumineuse, soufflant le chaud et le froid, se montrant aussi tendre que sulfureux, insaisissable avec ses guitares serpentines et ses claviers menaçants... parfois rassurant et familier, volontiers sarcastique et subversif dans la démarche, dans les paroles des chansons, mais aussi dans la couleur de certains arrangements qui oscillent entre psychédélisme, électro et garage rock. Dignes héritiers des Stranglers, Magazine, Butthole Surfers, Ween, Sparks, Mr Bungle et autres bizarreries pop, leur songwriting amène une touche tout aussi singulière et inclassable que leurs aînés. Un premier single Dear Lost Kingdom aux sonorités synth pop laisse entrevoir un album addictif, ironiquement intitulé Ten Great Shower Songs, empli de hits potentiels !

Big'n est un groupe de noise-rock formé en 1990 à Joliet, en banlieue de Chicago. Après une série de 45 tours confidentiels, Big'n enregistre deux albums avec Steve Albini, Cutthroat et Discipline Through Sound, tous deux publiés par Skin Graft Records. Le groupe apparaitra ensuite sur le célèbre double 45 tours de reprises d'AC/DC en compagnie de Shellac, Brise-Glace et U.S. Maple, sorti lui aussi chez Skin Graft. Big'n se séparent en 1997 avant de reprendre leur activité en 2011 en publiant une compilation de morceaux inédits, ainsi qu'un nouveau 10 sur le label Africantape. 2013 voit l'arrivée de Fred Popolo (Haymarket Riot), qui remplace Mike Chartrand à la basse. En mai 2018, le groupe retrouve Steve Albini à Electrical Audio et enregistre Knife of Sin, qui en 6 titres révèle un Big'n encore plus sombre et plus puissant. Ce disque au son rigoureusement Albinien, fortement conseillé aux fans de Jesus Lizard, Slint, Dazzling Killmen, Tortoise et AC/DC sort dans un emballage en aluminium unique en son genre.

En un peu moins de 4 ans, les fervents porteurs de la flamme d'un death metal old-school Gruesome (avec des membres passés et présents de Exhumed, Possessed, Malevolent Creation) se sont fait la réputation d'être un des tous meilleurs groupes de la scène. Pour leur second album, après la sortie d'une paire de EP, Gruesome reprend la formule de Spiritual Healing de Death à savoir incorporer un son plus cérébral, des parties mélodiques élaborées, des éléments de thrash et des textes socialement engagés. Enregistré avec le producteur Jarrett Pritchard (Exhumed, 1349, Goatwhore) au New Constellation Studios à Orlando, Twisted Prayers voit faire ce que Gruesome sait faire de mieux en 8 titres pour 40 minutes. La pochette est encore signée du légendaire Ed Repka (Death, Atheist, Massacre). On notera la présence de la guitare de James Murphy (Death, Obituary, Testament) pour quelques solo bien sentis. Pour les fans de Death, Obituary, Autopsy, Morbid Angel, Cannibal Corpse, Possessed.

Un troisième album lumineux accompagné d'un documentaire de 30'. Aujourd'hui, NARROW TERENCE est un quartet qui prend son envol sur scène. Un territoire où le groupe révèle plus que jamais son appartenance à l'esprit 'indépendant', en marge des sentiers habituels. Ce désir de liberté se retrouve autant dans leurs mélodies, saisissantes et inclassables, que dans leurs collaborations scéniques, aux cotés de groupes tels Ez3kiel, Moriarty, Calexico, Fumuj ou encore Mansfield Tya... En somme, NARROW TERENCE s'attelle à faire cohabiter richesse musicale et esprit aventureux, faisant fi des règles ou du sens commun.A travers ce disque touchant et profond, enregistré en moins de 48 heures, NARROW TERENCE prouve son attachement aux orchestrations minutieuses et à un son artisanal et organique, éléments fondamentaux du berceau acoustique dans lequel le combo a toujours su évoluer. Violence With Benefits s'affirme comme le projet musical complémentaire aux penchants électriques du groupe. En cela, il constitue une approche nécessaire à la compréhension du personnage de Terence l'Etroit dans son ensemble.

Un troisième album lumineux accompagné d'un documentaire de 30'. Aujourd'hui, NARROW TERENCE est un quartet qui prend son envol sur scène. Un territoire où le groupe révèle plus que jamais son appartenance à l'esprit 'indépendant', en marge des sentiers habituels. Ce désir de liberté se retrouve autant dans leurs mélodies, saisissantes et inclassables, que dans leurs collaborations scéniques, aux cotés de groupes tels Ez3kiel, Moriarty, Calexico, Fumuj ou encore Mansfield Tya... En somme, NARROW TERENCE s'attelle à faire cohabiter richesse musicale et esprit aventureux, faisant fi des règles ou du sens commun.A travers ce disque touchant et profond, enregistré en moins de 48 heures, NARROW TERENCE prouve son attachement aux orchestrations minutieuses et à un son artisanal et organique, éléments fondamentaux du berceau acoustique dans lequel le combo a toujours su évoluer. Violence With Benefits s'affirme comme le projet musical complémentaire aux penchants électriques du groupe. En cela, il constitue une approche nécessaire à la compréhension du personnage de Terence l'Etroit dans son ensemble.

Après avoir accumulé plus de 100 millions de streams sur leurs précédentes sorties, Riton & Kah-Lo est devenu l'un des duos les plus demandés de la scène electro. Ayant construit une relation musicale solide et organique, qui est apparue d'abord sur les réseaux sociaux, le duo a pris de plus en plus d'ampleur avec chaque single. Fusionnant leurs talents pour créer un certain nombre de hits house d'envergure, dont Rinse & Repeat, nominé aux Grammy, leur premier album, Foreign Ororo, est particulièrement attendu. Incluant une série de collaborations avec les artistes nigérians Mr Eazi et Davido qui apparaissent sur les morceaux Immigration, Catching Feelings et Money, Foreign Oror o illustre les rythmiques vibrantes et dynamiques qui ont permis à Riton & Kah-Lo de devenir si populaires. On y trouve aussi Ready To Make A Move qui présente des sonorités de disco old-school mélangées à une voix chargée d'émotion. Si l'album inclut des hits du duo comme Fasta, Fake ID et Betta Riddim, il offre également de toutes nouvelles productions comme Roll.

Suite à un déménagement à Austin, il n’a pas fallu longtemps pour que Whitney Rose tombe amoureuse du Texas. South Texas Suite est en faite une étude méticuleuse du son et de l’espace mais aussi de circonstances inattendues pour celle qui a tourné avec Sam Outlaw. Impressionnée par l’atmosphère accueillante et chaleureuse d’Austin et de sa communauté musicale, il ne lui fallut que 2 jours pour enregistrer South Texas Suite au côté d’une longue liste de musiciens chevronnés comprenant, entre autres, le guitariste Redd Volkaert (ancien membre du groupe Merle Haggard et vainqueur d’un Grammy Awards), le claviériste Earl Poole Ball, qui a passé deux décennies au côté de Johnny Cash, le bassiste Kevin Smith et le batteur de The Mavericks Tow Lewis. Whitney Rose délivre ainsi une véritable lettre d’amour au ‘Lone Star State’ dans cet EP profondément romantique, un brin nostalgique et à la dimension intimement personnelle. Pour les fans de : The Mavericks, Dale Watson, Sam Outlaw, Nikki Lane, etc.

Le MC Nolan the Ninja s'est fait un nom à Detroit, se distinguant parmi les plus grands artistes hip-hop de la région. Ses paroles rappellent celles des MC des années 90, avec des structures complexes et des rimes bien trouvées. on associe habituellement Nolan à une énergie frénétique, des chansons débordantes de syllabes et de style. Aujourd'hui, après avoir mûri en tant qu'artiste, Nolan présente une nouvelle approche avec Sportee. Inspirés par une renaissance du lo-fi, le producteur 5ynoT et Nolan The Ninja ont créé le nouvel album dans une configuration minimale, mettant l'accent sur la créativité et la passion. L'album se penche sur le hip-hop du point de vue d'un concurrent, Nolan, un gladiateur dans le sport des rimes. S'inspirant de ses expériences personnelles, le MC trouve le moyen d'insuffler de l'humour dans ses vers implacables. L'album est le résultat de ces efforts précédents à expérimenter inconsciemment différents styles. Son évolution en termes d'élocution et de styles ressemble presque à une remise à zéro : J'avais pris l'habitude de juste faire du boucan mais j'ai travaillé pour ajouter de la substance et de la subtilité à mon flux. précise-t-il.

LE TROISIEME ALBUM DU FER DE LANCE DU REVIVAL HEAVY METAL Véritable chef de file du revival Heavy Metal, THE SWORD est connu en France pour avoir tourné avec METALLICA. Leur précédent album, Gods Of The Earth, avait été un énorme succès aux Etats-Unis avec 300 000 albums vendus. On compte parmi ses illustres admirateurs LEMMY (MOTORHEAD) et LARS ULRICH (METALLICA) qui a affirmé : « THE SWORD est le seul groupe à être plus cool que nous ». THE SWORD assurera la première partie d'OZZY OSBOURNE cet été au iTunes Festival. Le groupe a également été l'un des premiers à gagner toute une nouvelle légion de fans grâce à GUITAR HERO. Ils reviennent avec Warp Riders, leur album le plus ambitieux à ce jour. Produit par MATT BAYLES (PEARL JAM, MASTODON, ISIS), Warp Riders est leur opus le plus féroce, puissant et passionnant, véritable machine de guerre chromée qui assurera la suprématie de THE SWORD sur la scène Heavy Metal pour les dix prochaines années.

LE TROISIEME ALBUM DU FER DE LANCE DU REVIVAL HEAVY METAL Véritable chef de file du revival Heavy Metal, THE SWORD est connu en France pour avoir tourné avec METALLICA. Leur précédent album, Gods Of The Earth, avait été un énorme succès aux Etats-Unis avec 300 000 albums vendus. On compte parmi ses illustres admirateurs LEMMY (MOTORHEAD) et LARS ULRICH (METALLICA) qui a affirmé : « THE SWORD est le seul groupe à être plus cool que nous ». THE SWORD assurera la première partie d'OZZY OSBOURNE cet été au iTunes Festival. Le groupe a également été l'un des premiers à gagner toute une nouvelle légion de fans grâce à GUITAR HERO. Ils reviennent avec Warp Riders, leur album le plus ambitieux à ce jour. Produit par MATT BAYLES (PEARL JAM, MASTODON, ISIS), Warp Riders est leur opus le plus féroce, puissant et passionnant, véritable machine de guerre chromée qui assurera la suprématie de THE SWORD sur la scène Heavy Metal pour les dix prochaines années.

Il n'y a pas d'intro orchestrale, pas d'interlude en demi-teinte, pas de break shoegaze, et pas de refrain propret sur ce troisième album destructeur de Black Fast. Avec Spectre of Ruin, le groupe de St. Louis dans le Missouri livre un album de pur thrash metal de bout en bout. C'est un marathon technique de thrash vintage avec une approche moderne et quelques touches d'étrangetés ésotériques, le lien manquant entre thrash retro et proto dea th metal. L'album s'ouvre avec Cloak of Lies véritable locomotive qui dévale les rails à toute allure avec détermination et agressivité, alors que des titres comme Famine Angel, Scarecrow and Spectre ou Phantom I Am possèdent des solos puissants et déchirants. Ce nouvel album a été invoqué au Mana Studios de St. Petersburg en Florida, par Erik Rutan, frontman de Hate Eternal, ancien guitariste de Morbid Angel et qui a produit des albums pour des titans tels que Cannibal Corpse,Goatwhore, et Six Feet Under. Le résultat est un disque à l'énorme potentiel de destruction qui va à l'essentiel sans faire de concessions !

Nouveau projet de Lucio Bukowski et Lionel de Soulchildren le nom Simorgh fait référence au comte mythologique perse dans lequel les 30 000 oiseaux Simorgh sont à la recherche de leur roi. Cette quête philosophique est donc l’origine de l’inspiration des 2 membres : le prolifique Lucio Bukowski de L’Animalerie (déjà six albums et quinze EP) et Lionel, moitié du duo de producteurs Soulchildren et qui a collaboré avec Giorgio, Youssoupha, Flynt, Keny Arkana ou encore Scylla. Les 10 titres nés de cette rencontre oscillent entre des sonorités successivement noires ou lumineuses, souvent chamaniques, avec des voix mêlées aux instrumentations de façon omniprésente. Le rappeur lyonnais se permet parfois de laisser grands silences dans son texte pour souligner le caractère libre de sa poésie reposant souvent sur l’association d’idées. Simorgh s’écoute comme un voyage intérieur où se télescopent les thèmes de la mort et de l'amour, du temps et de la création, du doute et du refus. Pour les fans de : L’Animalerie, Lucio Bukowski, Dooz Kawa, Kacem Wapalek, Demi Portion, JP Mano, etc.

Nouveau projet de Lucio Bukowski et Lionel de Soulchildren le nom Simorgh fait référence au comte mythologique perse dans lequel les 30 000 oiseaux Simorgh sont à la recherche de leur roi. Cette quête philosophique est donc l’origine de l’inspiration des 2 membres : le prolifique Lucio Bukowski de L’Animalerie (déjà six albums et quinze EP) et Lionel, moitié du duo de producteurs Soulchildren et qui a collaboré avec Giorgio, Youssoupha, Flynt, Keny Arkana ou encore Scylla. Les 10 titres nés de cette rencontre oscillent entre des sonorités successivement noires ou lumineuses, souvent chamaniques, avec des voix mêlées aux instrumentations de façon omniprésente. Le rappeur lyonnais se permet parfois de laisser grands silences dans son texte pour souligner le caractère libre de sa poésie reposant souvent sur l’association d’idées. Simorgh s’écoute comme un voyage intérieur où se télescopent les thèmes de la mort et de l'amour, du temps et de la création, du doute et du refus. Pour les fans de : L’Animalerie, Lucio Bukowski, Dooz Kawa, Kacem Wapalek, Demi Portion, JP Mano, etc.

NOUVELLE RÉÉDITION DU ROCKER AMÉRICAIN ! 3e volet des rééditions du back catalogue de TAV FALCO & THE PANTHER BURNS compilant 2 EPs (Sugar Ditch Revisited de 1985 et Shake Rag de 1986) avec en bonus un live de 11 titres et 45 minutes enregistrés à Vienne en 1989. Premier groupe à enregistrer dans le studio B du mythique Sun Studio, TAV FALCO & THE PANTHER BURNS a pris possession du lieu avec Jim Dickinson et Roland James, guitariste du légendaire Jerry Lee Lewis, à la production. On retrouve une formation agrandie des PANTHER BURNS avec une section de cuivres et le jeu toujours exemplaire d'Alex Chilton à la guitare. Un an plus tard c'est une formation réduite en trio qui prend possession du studio A, le grand studio ! Sur Shake Rag le groupe joue comme si sa vie en dépendait et avec une intensité qui faisait écho à leur premier album. Enregistré par la radio nationale autrichienne avec un son incroyable, ce live de 11 titres (sélectionnés parmi une set-list de plus de 2 heures) montre toute la vigueur d'un groupe de rock'n'roll authentique !

NOUVELLE RÉÉDITION DU ROCKER AMÉRICAIN ! 3e volet des rééditions du back catalogue de TAV FALCO & THE PANTHER BURNS compilant 2 EPs (Sugar Ditch Revisited de 1985 et Shake Rag de 1986) avec en bonus un live de 11 titres et 45 minutes enregistrés à Vienne en 1989. Premier groupe à enregistrer dans le studio B du mythique Sun Studio, TAV FALCO & THE PANTHER BURNS a pris possession du lieu avec Jim Dickinson et Roland James, guitariste du légendaire Jerry Lee Lewis, à la production. On retrouve une formation agrandie des PANTHER BURNS avec une section de cuivres et le jeu toujours exemplaire d'Alex Chilton à la guitare. Un an plus tard c'est une formation réduite en trio qui prend possession du studio A, le grand studio ! Sur Shake Rag le groupe joue comme si sa vie en dépendait et avec une intensité qui faisait écho à leur premier album. Enregistré par la radio nationale autrichienne avec un son incroyable, ce live de 11 titres (sélectionnés parmi une set-list de plus de 2 heures) montre toute la vigueur d'un groupe de rock'n'roll authentique !

Michael Leonhart est devenu très jeune l'un des trompettistes -mais aussi producteur, compositeur et arrangeur- les plus demandés. Ces dix dernières années, il a collaboré avec Yoko Ono, Mos Def, Brian Eno, James Brown, Bill Withers, David Byrne et Todd Rundgren, et a participé à plus de 50 disques du label Truth & Soul. C'est en tournée avec le duo fusion jazz Steely Dan en 2005 qu'il a l'idée de Seahorse and The Storyteller, un concept album mêlant songwriting inspiré de Peter, Paul, Mary & Donovan, Bollywood funk et rock psyché. Cet opéra moderne narre la rencontre de deux créatures mythiques, leur passion et la découverte mutuelle de l'histoire de chacun. Pour l'aider à retranscrire sa vision, Michael Leonhart a fait appel aux meilleurs musiciens de New York, issus d'El Michels Affair, TV On The Radio; The Dap-Kings, Antibalas, Phenomenal Handclap Band et Plastic Ono Band... Cordes, mellotrons, guitares fuzzy, cuivres, farfisa et tout un tas de percussions soutiennent Seahorse and The Storyteller, un opus hautement original à la croisée de RD Burman, The Beatles, Fela Kuti et le psychédélisme 60s...

For Burdened and Bright Light est le cinquième album de A-Sun Amissa. Ce nouveau travail s'appuie sur les fondations de leur précédent disque Ceremony in the Stillness (2018), incorporant certains des thèmes les plus lourds et distordus jamais conçus pour la guitare, mais en les fusionnant cette fois-ci avec des rythmes électroniques cassés et des effets de bourdonnements primitifs. Il en résulte deux longs morceaux qui se déploient lentement. La musique d'A-Sun Amissa a évolué, ce qui est naturel au fil des ans, puisant dans des éléments d'ambiance sombre, post-rock et minimal doom, mais toujours avec une pointe expérimentale et un espace infini pour repousser les limites aussi loin que possible. For Burdened and Bright Light est la suite logique de leur voyage. A-Sun Amissa est principalement le projet de Richard Knox (fondateur de Gizeh Records, conservateur de The Eternal Return Arkestra et membre de The Rustle of the Stars, Shield Patterns et Glissando) qui s'est associé à de nombreux autres musiciens sur les disques précédents du groupe. Cette fois, c'est presque exclusivement le travail de Knox qui continue d'intégrer son approche DIY reconnaissable du bricolage dans l'écriture, l'enregistrement et le mixage de l'album entier, en plus de créer la pochette de l'album. Sur le plan sonore, For Burdened and Bright Light voit Knox repousser les limites en termes de production, de profondeur et de diversification de sa palette sonore. L'atmosphère distincte d'A-Sun Amissa reste cependant intacte et le résultat est un récit plus immersif, ambitieux et aventureux d'émotions conflictuelles, l'oeuvre abordant les contradictions de l'être humain et explorant la dualité de la lumière et de l'ombre, de l'espoir et du désespoir. Les deux compositions que l'on retrouve ici sont étayées par de vastes passages ambiants, trempés de distorsion et de réverbération, qui se déploient lentement avant que des sons plus industriels et cinétiques ne soient introduits et que les guitares ne se mettent à jouer. Comme toujours, il y a une dissonance mélancolique qui résonne tout au long du morceau, la répétition étant la clé, et les moments d'angoisse sont jumelés à des puits de lumière pendant que ces deux morceaux monolithiques se dévoilent sur quarante minutes. L'oeuvre pour clarinette de Claire Knox y figure en bonne place et va des énormes harmonies orchestrales dans la première section de Breath by Breath à une explosion sauvage de free-jazz au milieu de Seagraves. L'ajout du lap-steel de David Armes, utilisé ici pour la première fois, apporte un élément discordant et envoûtant au son et s'appuie sur le récent travail live que ce trio a fait ensemble. A-Sun Amissa n'a jamais été un projet voué à se répéter, et avec For Burdened and Bright Light, ils continuent leur long et patient voyage dans l'abîme.

For Burdened and Bright Light est le cinquième album de A-Sun Amissa. Ce nouveau travail s'appuie sur les fondations de leur précédent disque Ceremony in the Stillness (2018), incorporant certains des thèmes les plus lourds et distordus jamais conçus pour la guitare, mais en les fusionnant cette fois-ci avec des rythmes électroniques cassés et des effets de bourdonnements primitifs. Il en résulte deux longs morceaux qui se déploient lentement. La musique d'A-Sun Amissa a évolué, ce qui est naturel au fil des ans, puisant dans des éléments d'ambiance sombre, post-rock et minimal doom, mais toujours avec une pointe expérimentale et un espace infini pour repousser les limites aussi loin que possible. For Burdened and Bright Light est la suite logique de leur voyage. A-Sun Amissa est principalement le projet de Richard Knox (fondateur de Gizeh Records, conservateur de The Eternal Return Arkestra et membre de The Rustle of the Stars, Shield Patterns et Glissando) qui s'est associé à de nombreux autres musiciens sur les disques précédents du groupe. Cette fois, c'est presque exclusivement le travail de Knox qui continue d'intégrer son approche DIY reconnaissable du bricolage dans l'écriture, l'enregistrement et le mixage de l'album entier, en plus de créer la pochette de l'album. Sur le plan sonore, For Burdened and Bright Light voit Knox repousser les limites en termes de production, de profondeur et de diversification de sa palette sonore. L'atmosphère distincte d'A-Sun Amissa reste cependant intacte et le résultat est un récit plus immersif, ambitieux et aventureux d'émotions conflictuelles, l'oeuvre abordant les contradictions de l'être humain et explorant la dualité de la lumière et de l'ombre, de l'espoir et du désespoir. Les deux compositions que l'on retrouve ici sont étayées par de vastes passages ambiants, trempés de distorsion et de réverbération, qui se déploient lentement avant que des sons plus industriels et cinétiques ne soient introduits et que les guitares ne se mettent à jouer. Comme toujours, il y a une dissonance mélancolique qui résonne tout au long du morceau, la répétition étant la clé, et les moments d'angoisse sont jumelés à des puits de lumière pendant que ces deux morceaux monolithiques se dévoilent sur quarante minutes. L'oeuvre pour clarinette de Claire Knox y figure en bonne place et va des énormes harmonies orchestrales dans la première section de Breath by Breath à une explosion sauvage de free-jazz au milieu de Seagraves. L'ajout du lap-steel de David Armes, utilisé ici pour la première fois, apporte un élément discordant et envoûtant au son et s'appuie sur le récent travail live que ce trio a fait ensemble. A-Sun Amissa n'a jamais été un projet voué à se répéter, et avec For Burdened and Bright Light, ils continuent leur long et patient voyage dans l'abîme.

Avec Ty Segall, le pape du garage psyché californien s'essaie à l'exercice de l'album éponyme pour la seconde fois, le premier datant de 2008. Il s'est entouré d'un full band composé à la fois de ses collaborateurs habituels comme Mikal Cronin et Charles Moothart mais aussi d'Emmett Kelly (Angel Olsen, Bonnie Prince Billy) et Ben Boye (Angel Olsen, Riley Walker). Si on retrouve les guitares énervées et la voix percutante, Ty Segall démontre aussi qu'il est capable de la plus grande sensibilité avec des morceaux comme ‘Orange Color Queen’, empreint de douceur. Viscéral et pénétrant, cet album contient probablement les morceaux les plus percutants depuis Slaughterhouse (2012) mais aussi des performances acoustiques de haute volée. Manipulateur du réel à l'imagination débordante, Ty Segall devient ici plus introspectif jouant sur la transparence des harmonies, des rythmes mais aussi des émotions. Cet album pourrait rapidement s’imposer comme son meilleur en date. Pour les fans de : Thee Oh Sees, Parquet Courts, Bass Drum Of Death, Night Beats, etc.

Deux ans après la sortie de son premier album Technicolor Life, KO KO MO présente aujourd'hui son second opus. à l'image du premier, Lemon Twins est puissant, déborde d'énergie et nous entraîne dès les premières notes dans l'univers très rythmé de ce duo rock explosif. La complicité et la générosité de Warren (voix, guitares) et K20 (machines et batterie) sont bel et bien toujours là, voire plus palpables encore, rodées par plus de 250 concerts donnés à travers le monde. De Nantes, leur port d'attache, à Tokyo, Melbourne ou encore Pyeongchang... Mais Lemon Twins est bien plus qu'une suite à Technicolor Life. Au-delà de la rythmique aussi impeccable qu'implacable et de ses riffs de guitare toujours aussi enivrants, ce second opus prouve que KO KO MO a son propre univers et sait s'éloigner, sans jamais les renier, de ses influences musicales, aussi prestigieuses soient elles. Grâce à des arrangements plus poussés et à une présence de la batterie et de l'électro plus affirmée, le duo power rock a su donner encore plus de puissance et de force aux dix morceaux qui composent Lemon Twins. Un parti pris bien assumé et assurément réussi.

Avec Ty Segall, le pape du garage psyché californien s'essaie à l'exercice de l'album éponyme pour la seconde fois, le premier datant de 2008. Il s'est entouré d'un full band composé à la fois de ses collaborateurs habituels comme Mikal Cronin et Charles Moothart mais aussi d'Emmett Kelly (Angel Olsen, Bonnie Prince Billy) et Ben Boye (Angel Olsen, Riley Walker). Si on retrouve les guitares énervées et la voix percutante, Ty Segall démontre aussi qu'il est capable de la plus grande sensibilité avec des morceaux comme ‘Orange Color Queen', empreint de douceur. Viscéral et pénétrant, cet album contient probablement les morceaux les plus percutants depuis Slaughterhouse (2012) mais aussi des performances acoustiques de haute volée. Manipulateur du réel à l'imagination débordante, Ty Segall devient ici plus introspectif jouant sur la transparence des harmonies, des rythmes mais aussi des émotions. Cet album pourrait rapidement s'imposer comme son meilleur en date. Pour les fans de : Thee Oh Sees, Parquet Courts, Bass Drum Of Death, Night Beats, etc.

LE COMBO DE TOURS REVIENT AVEC UN 2ÈME ALBUM ENTRE GARAGE ET POP LUMINEUSE Marquer vite et fort. Voilà ce qu’avait réussi Volage avec Heart Healing, leur premier album paru en 2014. Avec des compositions constamment à contre-pied, portées par ces guitares qui cisèlent les tympans et ces voix sans cesse doublées, Volage s’aventurait loin des clichés du groupe de garage classique. Et puis, les tourangeaux ont pris leur temps. De Coffee Dreamer, EP acoustique à l’allure d’introspection sorti en 2016, aux différentes participations dans des projets annexes - Marietta, ANNA -, les quatre membres ont expérimenté, allant jusqu’à questionner l’identité même du groupe. Le résultat ? Sittin’ Sideways : huit titres et presque autant de réflexions, le tout servi par une production maison méticuleuse. Avec Sittin’ Sideways, Volage s’épanouit encore une fois et fait sien l’adage « jamais dans la tendance mais toujours dans la bonne direction ». Photo de la pochette parMartin Parr, Magnum Photos.

LE COMBO DE TOURS REVIENT AVEC UN 2ÈME ALBUM ENTRE GARAGE ET POP LUMINEUSE Marquer vite et fort. Voilà ce qu’avait réussi Volage avec Heart Healing, leur premier album paru en 2014. Avec des compositions constamment à contre-pied, portées par ces guitares qui cisèlent les tympans et ces voix sans cesse doublées, Volage s’aventurait loin des clichés du groupe de garage classique. Et puis, les tourangeaux ont pris leur temps. De Coffee Dreamer, EP acoustique à l’allure d’introspection sorti en 2016, aux différentes participations dans des projets annexes - Marietta, ANNA -, les quatre membres ont expérimenté, allant jusqu’à questionner l’identité même du groupe. Le résultat ? Sittin’ Sideways : huit titres et presque autant de réflexions, le tout servi par une production maison méticuleuse. Avec Sittin’ Sideways, Volage s’épanouit encore une fois et fait sien l’adage « jamais dans la tendance mais toujours dans la bonne direction ». Photo de la pochette parMartin Parr, Magnum Photos.

Dans la deuxième saison de Documentary Now! sur IFC, l'épisode Test Pattern - Final Transmission a parodié et rendu hommage au Stop Making Sense de Jonathan Demme, un documentaire sur un concert de Talking Heads. Pour correspondre à l'épisode original, les réalisateurs ont organisé un concert de Test Pattern à San Gabriel, en Californie. Les acteurs et humoristes Fred Armisen et Bill Hader ont formé un groupe qui, sur scène, raconte l'histoire chronologique de Test Pattern, avec des membres du groupe qui s'ajoutent au fil des chansons. Cela commence avec Fred Armisen et sa guitare sur This Is My Street, ils continuent en trio avec Bill Hader à la basse et Jon Wurster à la batterie sur Art + Student = Poor, puis les rejoignent Jon Spurney aux claviers et Maya Rudolph au chant et au synthé. La dernière chanson, Everybody's Moving Around, chantée et co-écrite par Bill Hader, est présentée comme une chanson d'un album qui n'est pas chantée par le chanteur principal. L'émission avait invité son audience à assister au concert en venant vêtu dans le style des années 80 pour rester fidèle à l'esthétique de l'époque jusqu'au bout.

Deux ans après la sortie de son premier album Technicolor Life, KO KO MO présente aujourd'hui son second opus. à l'image du premier, Lemon Twins est puissant, déborde d'énergie et nous entraîne dès les premières notes dans l'univers très rythmé de ce duo rock explosif. La complicité et la générosité de Warren (voix, guitares) et K20 (machines et batterie) sont bel et bien toujours là, voire plus palpables encore, rodées par plus de 250 concerts donnés à travers le monde. De Nantes, leur port d'attache, à Tokyo, Melbourne ou encore Pyeongchang... Mais Lemon Twins est bien plus qu'une suite à Technicolor Life. Au-delà de la rythmique aussi impeccable qu'implacable et de ses riffs de guitare toujours aussi enivrants, ce second opus prouve que KO KO MO a son propre univers et sait s'éloigner, sans jamais les renier, de ses influences musicales, aussi prestigieuses soient elles. Grâce à des arrangements plus poussés et à une présence de la batterie et de l'électro plus affirmée, le duo power rock a su donner encore plus de puissance et de force aux dix morceaux qui composent Lemon Twins. Un parti pris bien assumé et assurément réussi.

En quelques années, Tha God Fahim a prouvé qu'il fallait désormais compter sur lui. Figure incontestable du rap indépendant d'aujourd'hui, le très prolifique rappeur d'Atlanta nous propose un nouveau projet et cette fois ci, c'est sur Effiscienz qu'il choisit de le sortir. C'est ainsi que Star Truth verra le jour, ce ne sera pas la première pierre sur laquelle God Fahim compte bâtir son emprise sur cette nouvelle année, mais bien la première planète sur laquelle il espère composer son univers. Un univers fait de vérité et de musicalité. En parlant de musicalité, c'est d'ailleurs lui qui produit la totalité des 10 titres qui compose ce nouvel opus. Les productions sont soignées et en font l'un de ses projets les plus aboutis sur lequel on retrouvera l'unique invité Kungg Fuu. Il signe d'ailleurs avec ce dernier un titre au rythme rapide, prouvant ainsi que si le beat lent convient bien à son flow, il sait également s'adapter aux cadences plus vives. Somme toute, voici un disque que nous sommes fier de vous présenter et qui brillera de son plus bel éclat, tel un astre, dans son format vinyle. Limité à 300 exemplaires.

Wewantsounds revient avec Lively Up Yourself, une sélection du Bob Marley période jamaïcaine quand celui-ci travaillait avec les producteurs clés tels que Bunny Lee, Leslie Kong et Lee Perry. Finement sélectionnée par le journaliste et connaisseur de reggae Vincent Tarrière, la compilation prend comme point de départ l’article crucial The Wild Side of Paradise publié par le magazine Rolling Stone en 1973 et le témoignage du photograph Arthur Gorson qui était de l’aventure avec le journaliste Michael Thomas. La sélection ramène l'auditeur au Marley authentique de la période Jamaïcaine de la fin des années soixante au début des années 70 quand il travaille avec les meilleurs producteurs de l’ile sur des labels tels que Wail 'N Soul', Beverley's, Upsetter et Tuff Gong. Un son roots, pur et inspirée qui témoigne déjà du génie mélodique de Marley. Elle renferme des classiques tels que 'Duppy Conqueror' et 'Caution', ainsi que des titres moins connus comme 'Wisdom' et 'Long Long Winter' et des chansons qui trouveront une deuxième vie sur ses albums Island, 'Trench Town Rock' ou 'Concrete Jungle'. Les racines d'une révolution.

Le duo dark-pop fer de lance de la scène indé turque revient un nouveau manifeste minimal et engagé. Dans son nouveau manifeste de dark-pop, ZAN, kim ki o change de manière drastique son approche de la mélodie et du chant. Au-delà des sons déjà identifiables du groupe, (les lignes de basses insistantes, les rythmes mécaniques et les synthés dramatiques), ZAN offre une approche généreuse à créer d’autres identités, parfois ironique ou satirique. Rempli de révolte contre l’injustice et déterminé à questionner les conventions, l’album laisse également sa place à l’imagination et voit le groupe groupe travailler à construire de la constance en ces temps incertains. Tout commence par 3 jeunes filles chantant la version turque de Flashdance ‘What A Feeling’ dans les hauts parleurs d’une mosquée après qu’un Imam aie accidentellement laissé le micro ouvert, et se termine par un chant de deuil inspiré par la peine de voir tous ces meurtres perpétués dans les rues. Encensé par Pitchfork, Rough Trade ou encore Les inRocKs, kim ki o confirme avec ZAN son statut de représentant incontournable de la nouvelle scène indé turque. Pour les fans de : Moon Duo, E.D.H., Electrelane, Jens Lenkman, etc.

Le second volume de la série Midnight In Tokyo qui compile les pépites japonaises méconnues idéales à écouter la nuit à Tokyo est arrivée. La collection regroupe des morceaux jazz 80s trouvés par Dubby, l'homme derrière le magasin de disques Ondas. La compilation commence avec Hikobae un morceau jazz cosmique et sombre du saxophoniste Genji Sawai, suivi de Danza Lucumi un jam à la caribéenne de Today's Latin Project, groupe mené par Tadaaki Misago de Tokyo Cuban Boys avec des arrangements de Yasuaki Shimizu. On the Coast est un titre chanté du guitariste Shigeru Suzuki arrangé par Ryuichi Sakamoto, Twisty de Jugando s'aventure en terre reggae tropical, Samarkand de Kingkong Paradise est un jam latin jazz électrique qui sonne comme l'union musicale de Miles Davis et Santana, Imagery est un titre de fusion africaine primale de Katsutoshi Morizono du groupe prog rock Yoninbayashi. On y trouve également Air Suspension Club Band, Om, Keiichi Oku, Yasunori Soryo & Jim Rocks, Parachute, Yuji Toriyama et Safari, 13 morceaux qui nous plonge dans l'atmosphère tokyoïte nocturne.

Le duo dark-pop fer de lance de la scène indé turque revient un nouveau manifeste minimal et engagé. Dans son nouveau manifeste de dark-pop, ZAN, kim ki o change de manière drastique son approche de la mélodie et du chant. Au-delà des sons déjà identifiables du groupe, (les lignes de basses insistantes, les rythmes mécaniques et les synthés dramatiques), ZAN offre une approche généreuse à créer d’autres identités, parfois ironique ou satirique. Rempli de révolte contre l’injustice et déterminé à questionner les conventions, l’album laisse également sa place à l’imagination et voit le groupe groupe travailler à construire de la constance en ces temps incertains. Tout commence par 3 jeunes filles chantant la version turque de Flashdance ‘What A Feeling’ dans les hauts parleurs d’une mosquée après qu’un Imam aie accidentellement laissé le micro ouvert, et se termine par un chant de deuil inspiré par la peine de voir tous ces meurtres perpétués dans les rues. Encensé par Pitchfork, Rough Trade ou encore Les inRocKs, kim ki o confirme avec ZAN son statut de représentant incontournable de la nouvelle scène indé turque. Pour les fans de : Moon Duo, E.D.H., Electrelane, Jens Lenkman, etc.

Depuis la sortie de son premier EP en 2007, Rich Aucoin s'est donné pour mission de transformer notre peur en plaisir, notre anxiété en extase, notre panique en plaisir. Scientifique pop fou dans la tradition de Brian Wilson, Wayne Coyne et Dan Snaith, Rich est le genre d'artiste qui n'a pas de temps à accorder aux demi-mesures, utilisant toutes les ressources et connexions à sa disposition pour s'assurer que chaque geste est un événement majeur. Là où les efforts précédents de Rich encourageaient la participation du groupe, Release forge une connexion psychique - une expérience plus cérébrale, mais non moins communautaire. Non content d'inciter les fans à chanter avec lui, il nous invite à prendre conscience du groupe que l'on forme. Release s'efforce d'atteindre les mêmes sommets délirants que les précédents albums de Rich, mais en empruntant des routes plus pittoresques et, parfois, plus tortueuses. Créé sur une période de trois ans, à travers cinq villes dans 16 studios avec plus de 70 collaborateurs et plus d'une centaine d'instruments, Release présente la vision la plus élaborée et la plus réalisée musicalement de Rich à ce jour, ce qui en dit long, vu son palmarès de musicien maximaliste. Disponible en version vinyle et en cd.

Charley Crockett a grandi avec une mère célibataire à San Benito, Texas, et a découvert la vie de la rue dès son jeune âge en traversant le pays en auto-stop. Après avoir vagabondé aux Etats-Unis, Charley Crockett est parti explorer le monde, vivant dans les rues de Paris pendant près d'un an, se cherchant un foyer en Espagne et au Maroc. En 2015 il retourne au Texas pour sortir son premier album A Stolen Jewel. Il commence à se faire un nom au Texas puis séduit son pays en 2016 avec son successeur The Night et une tournée de plus de 125 concerts. En 2018, avec son troisième album, Lonesome As A Shadow, il est parti à conquête du reste du monde et notamment de la France. Charley Crockett a couru presque toute sa vie, mais avec le titre de son nouvel album, l'auteur-compositeur texan se retourne pour regarder d'où il vient. The Valley fait la chronique de son éducation difficile à la frontière sud du Texas, mais il distille aussi l'essence de l'indépendance féroce et agitée de Crockett. Enregistré une semaine avant qu'il ne soit opéré à coeur ouvert en janvier, l'album déborde d'introspection et d'une urgence à raconter son histoire.