Fuyant un moment ses majestueuses ténèbres, Cave décide d'offrir en 1990 à son public un petit carré de lumière avec l'album The Good Son. Se partageant entre atmosphères brésiliennes et américaines, l'album débute par un Foi Na Cruz apaisé, avant de connaître son envol sur les formidables The Weeping Song et The Ship Song. Toujours secondés par Mick Harvey et Blixa Bargeld, Cave est ici franc et direct, moins amer que par le passé, et profite de la composition de The Hammer Song et de The Witness Song pour donner un second souffle à sa musique. Une éclaircie dans l'odyssée de Cave et des Seeds, un pendant subtil aux précédents opus. Splendide version en 5.1 dans le DVD, agrémentée de faces B et d'un documentaire ad hoc réalisé par Iain Forsyth and Jane Pollard.

L'album le plus surprenant de cette fin d'année ! Une collaboration exceptionnelle entre deux monstres sacrés de la musique ! Billy Joe Armstrong, le charismatique leader du célébrissime groupe punk rock Green Day, Norah Jones la très talentueuse, auteur compositeur aux multiples récompenses... Réunis sur un même album de reprises de chansons traditionnelles américaines, inspirées de «Songs Our Daddy Taught Us », album des Everly Brothers sorti en 1958. Cet album capture l'essence même des harmonies vocales des Everly's pour créer un testament puissant et émouvant de ces ballades tradionnelles, et nous fait découvrir de nouvelles facettes de ces deux artistes exceptionnels qui ont sû recréer un univers aussi différent de leur racines musicales que captivant !

Enregistré en avril 1974, un mois à peine avant les sessions de Köhntarkösz, Wurdah Ïtah constitue le second mouvement de Theusz Hamtaahk, fresque musicale en trois mouvements dont Mekanïk Destruktïw Kommandöh, enregistré un an plus tôt, représente le troisième volet. Exécuté par le noyau central du Magma de l'époque, à savoir Christian Vander (piano, batterie, chant), Jannick Top (basse), Klaus Blasquiz (chant, percussion) et Stella Vander (chant), Wurdah Ïtah présente une musique épurée à l'extrême. Contrastant avec le faste et la densité orchestrale de Mekanïk, elle n'en dégage pas moins une puissance rythmique et un lyrisme vocal surprenants, marqués sans conteste du sceau de la griffe magmaïenne.

Pour ses 30 ans, le label Real World ressort de ses archives le concert légendaire de Nusrat Fateh Ali Khan au Womad en 1985 En juillet 1985, un programme éclectique de musique se déroulait au festival WOMAD sur les plaines isolées de l'île Mersea, dans l'Essex. Le samedi 20 juillet à minuit, Nusrat Fateh Ali Kahn & Party sont montés sur scène. Ce qui s'est déroulé au cours des heures qui ont suivi a marqué les esprits. Chantant pour la première fois devant un public non asiatique, Nusrat Fateh Ali Kahn a transcendé les frontières avec sa musique et a créé une longue et fructueuse relation entre WOMAD, Real Word Records et Peter Gabriel. 4 des meilleures chansons de ce concert ont été sélectionnées pour cette édition anniversaire. Il s'agit d'un enregistrement live en direct, brut et viscéral. Les chansons s'étendent et grandissent d'une manière qui se produit rarement dans les enregistrements en studio. L'album comprend une version intégrale de 21 minutes de la chanson emblématique Allah Hoo Allah Hoo. Pendant 34 ans et jusqu'à aujourd'hui, ce concert remarquable était resté enfermé dans des archives. Les bandes analogiques originales ont été soigneusement restaurées et numérisées.

Le troisième album de Van Halen réalise l’exploit d’être dans le droit fil de ses prédécesseurs (on est là pour s’amuser, et le hard rock est le véhicule idéal pour nous transporter vers des sommets de plaisir), tout en offrant une indiscutable évolution à l’inspiration, et donc à la musique (nous sommes aussi des êtres doués de raison). C’est également le disque des premières : première utilisation de claviers sophistiqués (c’est même un piano électrique, dada d’Eddie Van Halen, qui ouvre le bal, un comble). Premier répertoire uniquement constitué de compositions du groupe (avec « And The Craddle Will Rock... », seul single projeté sur le marché, « Romeo Delight », qui dans le privé peut être aussi considéré comme un sex toy, ou « Everybody Wants Some !! », standard absolu du groupe). Première incursion (et la dernière !), enfin, de la gent féminine dans une chanson de Van Halen, avec la participation de Nicolette Larson dans les choeurs de « Could This Be Magic ? ». La tension de l’album est palpable (Eddie souhaitant être reconnu comme un grand musicien et compositeur, le chanteur David Lee Roth étant juste là pour s’amuser), et c’est sans nul doute ce qui en fait la force, et le ciment, dans un projet curieux, où la musique la plus rêche jamais enregistrée par le groupe cohabite avec quelques mesures de country music, ou des ambiances totalement acoustiques. Women And Children First parviendra à la sixième position des classements de musique pop, alors que le single « And The Craddle Will Rock... » devra se contenter de la 55ème place de sa catégorie.

Le troisième album de Van Halen réalise l’exploit d’être dans le droit fil de ses prédécesseurs (on est là pour s’amuser, et le hard rock est le véhicule idéal pour nous transporter vers des sommets de plaisir), tout en offrant une indiscutable évolution à l’inspiration, et donc à la musique (nous sommes aussi des êtres doués de raison). C’est également le disque des premières : première utilisation de claviers sophistiqués (c’est même un piano électrique, dada d’Eddie Van Halen, qui ouvre le bal, un comble). Premier répertoire uniquement constitué de compositions du groupe (avec « And The Craddle Will Rock... », seul single projeté sur le marché, « Romeo Delight », qui dans le privé peut être aussi considéré comme un sex toy, ou « Everybody Wants Some !! », standard absolu du groupe). Première incursion (et la dernière !), enfin, de la gent féminine dans une chanson de Van Halen, avec la participation de Nicolette Larson dans les choeurs de « Could This Be Magic ? ». La tension de l’album est palpable (Eddie souhaitant être reconnu comme un grand musicien et compositeur, le chanteur David Lee Roth étant juste là pour s’amuser), et c’est sans nul doute ce qui en fait la force, et le ciment, dans un projet curieux, où la musique la plus rêche jamais enregistrée par le groupe cohabite avec quelques mesures de country music, ou des ambiances totalement acoustiques. Women And Children First parviendra à la sixième position des classements de musique pop, alors que le single « And The Craddle Will Rock... » devra se contenter de la 55ème place de sa catégorie.

En 1966, Herbert von Karajan signe une interprétation de la 5ème Symphonie de Beethoven à la tête du Berliner Philharmoniker qui restera historique Hommage à Herbert von Karajan (1908-89), chef mythique qui imposa la musique ‘sérieuse’ à la télévision et fit sensation en mettant la 10° Symphonie de Chostakovitch à son répertoire, l’enregistrant même par deux fois. La 5° de Beethoven est devenue, dans son contexte post-napoléonien puis européen, l’oeuvre la plus jouée au monde - aujourd’hui rejointe par la Symphonie Inachevée de Schubert. Depuis sa création en 1953 par E. Mravinsky, cette oeuvre a fini par imposer son inquiétante universalité. Le sens du grandiose et la perfection de la forme, font de cette interprétation d’Herbert von Karajan, captée en 1966 à Berlin, une version de référence.

Devenu mondialement célèbre grâce à sa reprise de Hallelujah de Leonard Cohen, qui comptabilise à ce jour près de 43 millions de vues, Father Ray Kelly sort un premier album. Sa personnalité ouverte et chaleureuse, sa voix emplie d'amour et sa passion pour partager la musique avec le plus grand nombre transparaissent dans cette oeuvre, composée de chansons celtes, religieuses et pop, et enregistrée en deux mois dans un studio aménagé à son domicile, et ce afin de ne pas entraver ses obligations paroissiales. Après avoir fait se rencontrer avec succès l'immatérialité d'internet et celle de sa religion, ce curé de 62 ans, véritable phénomène émergent, fait ainsi de même avec ses racines irlandaises et le monde, et adresse un message original et universel.

Spécial guitare tablatures vol.1 Jean-Jacques Goldman. Une sélection de 22 chansons de Jean-Jacques Goldman parmis les plus célèbres, spécialement arrangées pour guitare avec tablatures et solfège. Liste des titres : Compte pas sur moi, Confidentiel, Dors bébé dors, Elle a fait un bébé toute seule, Encore un matin, Entre gris clair et gris foncé, Envole-moi, Etre le premier, Il y a, Il me restera, Janine, médicament blues, Je commence demain, Je ne vous parlerai pas d’elle, Le rapt, Né en 17 à Leidenstadt, Plus fort, Puisque tu pars, Quand la musique est bonne, Quel exil, Un, deux, trois,Veiller tard.

Le souffle commun au chant et à la trompette est, chez Chet Baker, fragile et délicat et dégage une délicatesse particulière ainsi qu’un parfum de tragédie. Un mystère imprègne toute la musique de Chet. Il y a chez lui, un désespoir génésique, qui traverse son oeuvre avec autant de force que de grâce. > 199 titres - Livret 40 pages français / anglais > Crédits détaillés, illustrations et documents d’époque > 161 titres - Livret 40 pages français / anglais > Crédits détaillés, illustrations et documents d’époque > 70 titres - Livret 28 pages français / anglais > Crédits détaillés, illustrations et documents d’époque

Suite du célébrissime « No Need To Argue », le troisième album des Cranberries n’a aucun mal à confirmer le triomphe du précédent. Produit par Bruce Fairbairn, producteur attitré de Bon Jovi, il exploite sans génie mais avec une conviction intacte les recettes garantes du succès du groupe : une grosse décharge d’adrénaline pour évacuer la pression (Salvation), une forte dose de spiritualité (Free To Decide, I Just Shot John Lennon) et deux prêches moralisateurs à faire pleurer dans les chaumières (War Child, Bosnia). Les Cranberries ont désormais des ennemis revendiqués, las des sermons de la Dolores désormais soupçonnée d’un ultra-conservatisme obsolète, proche des théories rétrogrades de Jean-Paul II. Qu’importe, la musique du groupe ne pâtit pas de ces accusations, fondées ou non.

CAN, sort une toute nouvelle collection de tous les singles du groupe, sobrement intitulée « The Singles » en CD et triple vinyle sur Mute. Cette compilation unique montre l'ampleur de la carrière de CAN, de titres phares comme « Halleluwah », « Vitamine C » et « I Want More » à des singles plus obscurs tels que « Silent Night » et « Turtles Have Short Legs ». Fondé en 1967, CAN a sorti son premier album « Monster Movie » en 1969, proposant un son mélangeant de la musique classique expérimentale, jazz et moderne. C’est à Irmin Schmidt, le leader, qui a lui-même commencé sa carrière musicale en tant qu'élève de Stockhausen et Ligeti et ses influences allant de Jimi Hendrix à Frank Zappa que CAN doit ce véritable éclectisme musical. Pour les fans de : The Velvet Underground // Kraftwerk // King Crimson // John Cale

Martin Kohlstedt, jeune pianiste allemand, compositeur et producteur, n'en finit pas de nous enivrer de ses mélodies en clair-obscur. Ströme, son nouvel album aux influences néo-classique et avant-gardiste, est une expérience musicale dans sa dynamique la plus primitive, intime et puissante, ou l'on trouve de la beauté dans les choses les plus simples. La splendeur et l'intensité de ses mélodies donnent à sa musique, très contemplative, un cachet unique. Avec la participation exceptionnelle du choeur du Gewandhaus de Leipzig. Le pianiste compositeur allemand Martin Kohlstedt, nouvelle signature Warner Classics. Beaucoup le voient comme le successeur de Nils Frahm ! Vous serez saisis par la beauté irréelle de ces échappées sonores. Patrice Bardot/Libération

Précurseurs du grindcore, CARCASS a su se démarquer tout au long de sa carrière par de nombreux virages musicaux. Au départ groupe de grindcore à tendance gore, créant entièrement le goregrind, puis excellent groupe de death pour finir par sortir le tout premier album de death mélodique, CARCASS a su tout en évoluant garder un son personnel et de qualité, en laissant sa marque dans le monde de la musique extrême, créant même un genre entier... Surgical Steel pourrait être considéré comme le chainon manquant entre le troisième (Necroticism) et le quatrième album (Heartwork) Un disque à la croisée des chemins, entre un son Death technique enfanté par le Grind, magnifié par un lyrisme et une maîtrise mélodique improbable, que l'on croyait réservés au Heavy Metal. Une technique époustouflante et un art de la composition au firmament. L'exécution est parfaite, la fluidité et la maîtrise incroyables. Chaque titre passe comme dans un rêve, l'auditeur ne peut que s'incliner devant la flamboyance déployée ici, la richesse d'une musique qui dépasse les styles et les conventions. CARCASS vient de signer là un monument du Métal, tous styles confondus.

Précurseurs du grindcore, CARCASS a su se démarquer tout au long de sa carrière par de nombreux virages musicaux. Au départ groupe de grindcore à tendance gore, créant entièrement le goregrind, puis excellent groupe de death pour finir par sortir le tout premier album de death mélodique, CARCASS a su tout en évoluant garder un son personnel et de qualité, en laissant sa marque dans le monde de la musique extrême, créant même un genre entier... Surgical Steel pourrait être considéré comme le chainon manquant entre le troisième (Necroticism) et le quatrième album (Heartwork) Un disque à la croisée des chemins, entre un son Death technique enfanté par le Grind, magnifié par un lyrisme et une maîtrise mélodique improbable, que l'on croyait réservés au Heavy Metal. Une technique époustouflante et un art de la composition au firmament. L'exécution est parfaite, la fluidité et la maîtrise incroyables. Chaque titre passe comme dans un rêve, l'auditeur ne peut que s'incliner devant la flamboyance déployée ici, la richesse d'une musique qui dépasse les styles et les conventions. CARCASS vient de signer là un monument du Métal, tous styles confondus.

Sonido Gallo Negro (Black Rooster Sound) est le projet de 9 musiciens de l'est de Mexico City (Aragon) et vise à canaliser la mystique de la cumbia péruvienne des années 1960. Le groupe s'est approprié aussi bien la cumbia amazionienne, le huayno, la cumbia sonidera, le boogaloo et la chicha, et en propose une interprétation unique faite de guitares électriques, de Farfisa, de Theremin, de flute et de percussions latines. Sur le nouvel album Sendero Mistico, les mexicains rendent hommage à leurs maîtres Jaime Llano, Tulia Enrique Leon et Eduardo Azurite. Mais malgré ces regards vers le passé, il s'agit bel et bien de musique d'aujourd'hui, à en juger par l'amour affiché des musiciens pour l'indie rock et les ambiances et textures post-psychédéliques.

Small is beautiful ! Aux côtés du célèbre Stabat Mater, déjà enregistré avec succès par le RIAS Kammerchor, voici l'autre joyau de la musique sacrée de Rossini, le dernier de ses péchés de vieillesse. Cette Petite Messe solennelle était certes petite de par ses effectifs - les instruments sont limités à deux pianos et un harmonium -, mais tout à fait solennelle de par son ampleur et sa formidable puissance dramatique. L'ouvrage constitue à maints égards le testament musical du compositeur. à l'instar de ses collègues critiques, éblouis, Filippo Filippi écrivait d'ailleurs au lendemain de la création, en mars 1864 : Cette fois, Rossini s'est surpassé lui-même, car personne ne saurait dire ce qui l'emporte, de la science ou de l'inspiration.

Deux ans après Mélancolie Heureuse, Tim Dup nous livre un impressionnant deuxième album, incarné et concerné, arrangé en trio avec Damien Tronchot et Renaud Letang. Confirmant un talent incontestable pour les mots et un univers musical tout à fait singulier, Tim met en lumière et en musique ses inquiétudes et espérances quant à l'empreinte que laisse l'être humain dans ce monde. Avec ce même soin porté aux textes, il n'en délaisse pas pour autant les instrumentations percutantes, qui peuvent parfois surprendre. Moderne et audacieux, Qu'en restera-t-il ? est un album de poésie cinématographique, aux sonorités variées, aux textures puissantes et intimes à la fois. Un petit chef d'oeuvre de chanson française, qui invite au voyage et à l'étonnement...

Cette Super Deluxe édition propose démos, rough mixes, inédits sur 2 CD bonus ajoutés à l'album original Alors que Novice lui avait fait franchir la Manche et avait donné de forts accents new wave à sa musique, Alain rêvait depuis longtemps d'un disque fortement teinté US. C'est un voyage à Memphis pour le compte du magazine Glamour qui lui permettra d'enregistrer pour la première fois au Studio Sun, le temple d'Elvis. Cette opportunité sera le déclic de l'album Osez Joséphine. Jean Fauque et Alain Bashung s'embarquent pour Memphis avec des désirs prononcés de blues. Ils en reviennent avec les prémices d'un album mythique qui se terminera au Studio ICP.

Il est revenu très fort en 2009 avec Relapse (#1 en France et double platine aux USA), et il avait promis Relapse 2, mais le sale petit perfectionniste qu'est Eminem a passé tellement de temps en studio qu'il a changé d'idée. Un changement radical car après avoir rappé sur des albums entièrement produit par Dr Dre et lui même, Slim Shady a renouvelé son approche de la musique et s'est offert les services de la crème des producteurs actuels. Ainsi ce ne sont pas moins que Just Blaze (Jay- Z), DJ Khalil (50 Cent), Jim Jonsin (T.I.), Mr Porter (D-12) ou encore Havoc (Mobb Deep) qui ont contribué à façonner le son de ce nouvel album. Le désormais nommé Recovery verra donc le jour le 21 juin et aujourd'hui Eminem lâche le premier single Not Afraid. Aux antipodes d'un We Made You rigolard comme une vilaine blague de lycéen, Not Afraid dévoile une nouvelle facette d'Eminem, celle d'un rappeur amoureux de son art, motivé par l'envie de faire la meilleure musique possible. Conscient qu'il tournait un peu en rond ces derniers temps, Eminem s'est remis en question et livre un titre dont peu le croyait capable. Il chevauche la production lourde de Boi-1da (producteur de la sensation Drake) et se permet même de chanter un refrain appelé à faire lever les foules.

Enregistrée en concert, les quatre symphonies de Schumann par l’Orchestre Symphonique de San Francisco dirigé par Michael Tilson Thomas Le San Francisco Symphony Orchestra et son directeur musical, Michael Tilson Thomas ont déjà gagné un Grammy Award pour leur travail sur un repertoire symphonique très vaste, du romantisme à la musique contemporaine. Avec ce double SACD luxueusement présenté, le San Francisco Symphony nous propose une intégrale des symphonies de Robert Schumann, le compositeur le plus emblématique de la période romantique. Michael Tilson Thomas a choisi d’évoquer la dimension tendre, simple et même vulnérable des symphonies de Schumann, tout en gardant intacte la force émotionnelle d’une intégrale peu enregistrée.

Après quelques 12 sur Hyperdub et Soul Jazz, KING MIDAS SOUND livrent enfin leur 1er album, Waiting For You. Projet né de la collaboration du poète ROGER ROBINSON et du beatmaker THE BUG aka KEVIN MARTIN, KING MIDAS SOUND se concentre sur une musique intimiste et percutante d'émotions crues. La voix falsetto de Robinson est fragile et vulnérable, et le son se niche quelque part entre GREGORY ISSACS et VINCENT GALLO, blotti dans un nuage vaporeux de basses et de beats élégants. Trois des titres de cet album reçoivent les backing vocals d'HITOMI de DOKKEBI Q, qui ajoutent un peu plus de mélancolie au dubstep du duo. Deux ans après la sortie d'Untrue de BURIAL, Waiting for You est définitivement le nouveau must-have du label déjà mythique Hyperdub.

Deuxième album studio. Imagine Dragons s'est imposé comme la nouvelle révélation pop / rock / Alternative. Et ce n'est que le début. Pour composer leur deuxième album studio Smoke + Mirrors, Imagine Dragons ont mis à profit l'énergie frénétique de leur tournée pour insuffler à leur musique à la fois une tension brute et une vulnérabilité intense. Trois éditions disponibles : CD Cristal : édition standard, tracklisting ci-dessous CD Deluxe : édition standard + 5 titres Thief, The Unknown, Second Chances, Release, Warriors 2CD SuperDeluxe : édition standard + 5 titres de l'édition deluxe + 3 titres Battle Cry, Monster, Who we are.

Deuxième album studio. Imagine Dragons s'est imposé comme la nouvelle révélation pop / rock / Alternative. Et ce n'est que le début. Pour composer leur deuxième album studio Smoke + Mirrors, Imagine Dragons ont mis à profit l'énergie frénétique de leur tournée pour insuffler à leur musique à la fois une tension brute et une vulnérabilité intense. Trois éditions disponibles : CD Cristal : édition standard, tracklisting ci-dessous CD Deluxe : édition standard + 5 titres Thief, The Unknown, Second Chances, Release, Warriors 2CD SuperDeluxe : édition standard + 5 titres de l'édition deluxe + 3 titres Battle Cry, Monster, Who we are.

Selon la légende, le norvégien Ingólfr Arnarson fut le premier colon nordique en Islande, et fonda Reykjavik en 874. Au cours du XXème siècle, une statue d'Anarson fut érigée à Reykjavik et une copie fut placée à Rivedal, son village natal de la côte Ouest norvégienne. Les deux statues, se faisant mutuellement face de part et d'autre de la mer, donnèrent un point de départ conceptuel à Rímur, le 7ème album ECM du Trio Mediaeval. Quelle musique Anarson a-t-il entendue à Rivedal ? Quelles chansons les Vikings ont-ils amenées avec eux en Islande, et quelle musique fut nouvelles à leurs oreilles ? Ces questions font partie de celles interrogées ici. Rejoint par le trompettiste Arve Henriksen, le Trio Mediaeval présente un programme unique au sein duquel les musiques médiévales et traditionnelles d'Islande et de Norvège ainsi que l'improvisation sont intégrées. Henriksen a souvent joué avec le Trio Mediaeval en live - les chanteurs et le trompettiste apparaissent ensemble sur l'album récemment paru de Sinikka Lageland, The Magical Forest, mais Rímur est leur première collaboration approfondie sur CD. Rímur fut enregistré en février 2016 au Himmelfahrtskirche de Munich et produit par Manfred Eicher.

Rock Sutra est le nouvel album space-rock de l'artiste expérimental américain Sun Araw. Le morceau d'ouverture Roomboe illustre le processus d'élaboration de l'espace et sa définition pour l'Homme à travers les tonalités et le nombre de notes jouées. 78 Sutra parle de mouvement orbital, Catalina d'une promenade et Arrambe de la sensation particulière que l'on peut ressentir en regardant en profondeur une image ou un paysage. La musique zoom sans cesse et révèle à chaque fois de nouvelles facettes. Pour la première fois, Sun Araw enregistre l'album en live en le faisant passer en midi avec Jon Leland à la batterie et aux percussions, Marc Riordan aux synthétiseurs et Cameron Stallones (alias Sun Araw) aux synthétiseurs, à la guitare et au chant.

Rock Sutra est le nouvel album space-rock de l'artiste expérimental américain Sun Araw. Le morceau d'ouverture Roomboe illustre le processus d'élaboration de l'espace et sa définition pour l'Homme à travers les tonalités et le nombre de notes jouées. 78 Sutra parle de mouvement orbital, Catalina d'une promenade et Arrambe de la sensation particulière que l'on peut ressentir en regardant en profondeur une image ou un paysage. La musique zoom sans cesse et révèle à chaque fois de nouvelles facettes. Pour la première fois, Sun Araw enregistre l'album en live en le faisant passer en midi avec Jon Leland à la batterie et aux percussions, Marc Riordan aux synthétiseurs et Cameron Stallones (alias Sun Araw) aux synthétiseurs, à la guitare et au chant.

Recommandé par Rolling Stone comme un « Groupe à Surveiller », encensé par The New York Times pour ses « berceuses affriolantes, lumineuses, mélodieuses », loué par NPR (National Public Radio, principale radio non commerciale des États-Unis) pour « son charisme et son charme », LUCIUS fait une musique qui évoque la pop classique des girl-groups et le rock'n'roll emblématique, le tout avec une tournure moderne qui n'appartient qu'à eux. Après des passages acclamés à South by Southwest et au Festival des Inrocks en 2013, LUCIUS va être sur la route pendant tout le printemps 2014, ce qui annonce une année bien remplie pour ce jeune groupe. Avec la sortie de WILDEWOMAN, l'ascension constante de LUCIUS ne montre aucun signe d'essoufflement.

Quel dommage que l'on réduise d'Indy à sa Symphonie cévenole, à son action à la Schola Cantorum et ses navrantes saillies quasi anti-tout et anti-tout-le-monde. Espérons que cette intégrale de son oeuvre symphonique, à défaut de réhabiliter le bonhomme (ce n'est d'ailleurs pas son propos), réhabilitera sa musique, un corpus étoilé de chefs-d'oeuvre d'invention et si, si !, de modernités en tout genre. Impossible de ne pas entendre le futur Roussel dans l'extraordinaire Poème des rivages, digne pendant symphonique à La Mer de Debussy : ses quatre mouvements décrivent tour à tour des lumières méditerranéennes, adriatiques ou atlantiques, avec une imagination folle et une science de l'orchestre de toute beauté. Un ouvrage de 1920, l'ultime maturité du compositeur donc, qui n'avait plus rien ni à prouver ni à craindre des nouveautés de l'Entre-deux-guerres qu'il ne suivra pas, mais dont il aura formé bien des étoiles montantes : Honegger, Milhaud, Roussel, Varèse... Quant à la Symphonie italienne, oeuvre de jeunesse achevée en 1872, elle hérite directement de Liszt, de Wagner, de Franck et... de Mendelssohn, sur qui d'Indy raconta par la suite des choses pas particulièrement intelligentes. ©Abeille Musique 2011

Auteur, compositeur, interprète, cet artiste de 22 ans est un talent brut qui se dévoile dans une musique intimiste. Originaire de Perpignan, sa musique oscille entre rap et chanson française. En faisant le choix de dissimuler son visage avec des bandelettes, il intrigue, fascine et se dévoile dans ses morceaux tout en préservant son intimité. Yuzmv a commencé à créer sa communauté seul, sur Soundcloud et s'est positionné dans le Top 10 France de la plateforme avec 4 morceaux Top 1 dès leur upload. Il s'est révélé au grand public avec Episode III - Les Mains libres, un piano voix à l'interprétation sensible, qui cumule aujourd'hui 12 millions de streams. Le clip culmine à 5 millions de vues sur Youtube. Cet artiste en plein développement s'annonce comme une révélation, certains festivals l'ont déjà programmé : Chorus, Marsatac, Lollapalooza, Mainsquare, pour n'en citer que quelques-uns... Tout cela place incontestablement Yuzmv comme un artiste à suivre en 2020. Tracklist : Le chemin Mère Lenny Episode III – Les Mains libres Miroir des limbes Vagabond Jet Lee Danse endiablée London Reine des enfers Chronique VI Le chemin 66/6 La faute Qui (feat Lola) Ensemble Djinn Amoureux

Le nouvel album très attendu du membre du groupe Balthazar WARHAUS, le projet solo de Mararten Devoldere (membre de Balthazar) annonce son deuxième album Warhaus qui sortira le 13 Octobre prochain via Play It Again Sam. Cet album fait suite à We Fucked A Flame Into Being (2016), premier projet acclamé par les critiques. Ecrit en majorité lors de son voyage au Kirghizistan puis enregistré en Belgique, WARHAUS se présente comme le nouveau Léonard Cohen, avec des chansons profondes, sombres et rythmées par l’amour et la haine, mêlant de façon envoutante et dans un seul souffle sensualité et brutalité. Le contraste entre la voix brûlante de Devoldere et les tons veloutés de sa vocaliste Sylvie Kreusch confère à la musique une intimité intense.

La deuxième collaboration du DJ Ivan Smagghe & Rupert Cross (après un premier album sur le label Offen). Depuis deux décennies, Ivan Smagghe a perfectionné l'art de faire danser les foules et a monté son label Les Disques de La Mort. Rupert Cross est un compositeur basé à Londres qui a travaillé avec Michael Finissy et Julian Anderson et écrit de la musique pour la télévision et le théâtre. Ni pop, ni psychédélique, ni ambient, ni krautrock, ni house, ni techno, ni post punk, ni même new wave.. cet album rend l'expérimental plus accessible et prouve qu'on trouve une richesse dans l'absence d'étiquette musicale. Pour nourrir ce proto-album, le duo a également fait appel aux talents de Tim Felton, le guitariste exceptionnel du groupe culte Broadcast.

LE GUITARISTE DE WHITESNAKE REVISITE SA DISCOGRAPHIE EN VERSION ACOUSTIQUE Rugged and Unplugged' est une magnifique collection de chansons acoustiques qui comporte des titres issus de toutes les différentes périodes de la riche carrière d'Adrian Vandenberg. On oscille ici entre gros arrangements orchestraux comme sur What Doesn't Kill You' et Breathing' et des morceaux où la plus simple magie opère avec uniquement Vandenberg à la guitare acoustique et Jan Hoving au chant. On y redécouvre aussi un titre de Whitesnake Sailing Ships, dont Vandenberg est l'un des deux auteurs. Le son se fait chaud, intime, plein d'hymnes. Rugged and Unplugged' nous montre tout simplement ce que Vandenberg et Hoving savent faire de mieux, jouer une musique qui vient directement de leur coeur.

Pour son nouvel album « Start The Party », THE BLACKOUT signe un nouvel hymne à la libération et au dépassement de soi, un thème cher au groupe, comme en témoignent les pépites sonores « Free Yourself », « Take Away The Misery » ou encore le titre phare « Start The Party », qui rappellent l'univers des LOSTPROPHETS. Comme le résume parfaitement le chanteur GAVIN BUTLER, la musique peut être un bon échappatoire, et c'est l'état d'esprit que nous avons essayé d'injecter dans cet album. Beaucoup de groups actuels semblent attirés par des themes déprimants mais ça n'a rien à voir avec nous! Les textes respirent la joie de vivre et donnent corps aux meilleures compositions du groupe à ce jour. Plus qu'un disque, une véritable bouffée d'oxygene !

Si vous cherchez une musique subversive, atypique, iconoclaste, bourrée de surprises et pourtant toujours tirée à quatre épingles d'élégance et de distinction, ces Trios de Haydn de l'ultime maturité sont pour vous. Ecrits entre 1795 et 97, ils appartiennent aux années de liberté du compositeur, un homme enfin détaché de ses éprouvantes fonctions officielles, à une époque où l'Europe entière se l'arrachait comme une star du rock. Subversion et surprise, en effet. Haydn met le feu aux conventions, qu'elles soient harmoniques, mélodiques ou formelles, inventant au passage des modèles clairement repris par Beethoven : le violent point culminant du Presto dans le Trio en ut majeur avec ses accords touffus et orchestraux, les troublantes enharmonies, les enchaînements de tonalités interdits, les neuvièmes mineures colériques... Et il invente même la walking bass du jazz, dans le second mouvement du Trio en mi majeur; imaginez cette même basse jouée en pizzicato à la contrebasse avec un léger appui sur les seconds et quatrième temps, avec au-dessus ce thème monodique, errant, chromatique et instable, confié au saxophone, et voilà l'acte de naissance du jazz blues. Le pianiste du Trio Goya joue une copie d'après un Anton Walter de 1795, le piano préféré de Mozart. Les deux autres compères empruntent les modes de jeu de la fin du XIXe siècle. Rien de tel que ces sonorités fraîches et tintinnabulantes pour faire résonner tout le génie de cette musique. © Abeille Musique 2010

Pour le cinquième épisode de cette collection, ils ont fait appel aux compétences des connaisseurs de musique basés au Japon, Ken Hidaka, Max Essa et Dr. Rob. Leur compilation Oto No Wa vise à cartographier l'évolution des sons japonais à travers 3 décennies, rassemblant 14 titres, produits par un large éventail d'artistes. Des pionniers de l'ambiance aux vétérans de la piste de danse, en passant par un groupe de reggae, Little Tempo, le percussionniste Kazuya Kotani, et le collectif psychédélique Olololop. à partir de la fin des années 1980, à l'époque où la musique environnementale est devenue courante, il y a le sceau génial créé par ordinateur de Yoshio Ojima. La compilation comprend également des travaux ultérieurs de ses contemporains Takashi Kokubo et Yoshiaki Ochi. Il s'agit de compositions conçues pour les galeries d'art et les installations dans les musées. Les années 90 nous donnent l'électronique pionnière de Susumu Yokota et la jambe solaire de Scha Dara Parr - la réponse du Japon aux Beastie Boys. Ici, remixé par la légendaire Major Force. Entrant dans le 21e siècle, nous avons les productions post-house de Flower Records. Les mélodies océaniques de Kentaro Takizawa et la plongée sous-marine colorée de Little Big Bee.

Dur comme fer : En 1999, Lofofora était de retour avec son troisième album, Dur comme fer. Son introduction mythique - Regarde tomber les étoiles - donnait le thème : Dur comme fer est un album sombre. Sombre par sa pochette, sombre par sa musique plus rugueuse et lourde que jamais et sombre par ses textes portant un regard très critique envers la société. Avec ce chef d'oeuvre, Lofofora s'imposait une fois de plus comme la figure de proue de la scène française en pleine effervescence. Pour ses 20 ans, l'album a été remasterisé par Magnus Lindberg (Refused, AqME, Tagada Jones,...) permettant ainsi une mise à jour sonore sans dénaturer son son si particulier. Il ne vous reste plus qu'à vous replonger dans ces 12 titres qui ont marqué le métal français.

La question que tous les fans de SOILWORK se posent est est-ce que le groupe arrivera à enregistrer un album aussi puissant que ses précédents sans son principal compositeur PETER WITCHERS qui a quitté le navire ? La réponse est simple : OUI ! Sworn To A Great Divide est un album monstrueux, le plux travaillé et réussi à ce jour. Combinant les meilleurs éléments de Stabbing The Drama et Natural Born Chaos, le nouvel album de SOILWORK réinvente le son du metal. Les cataloguer comme un groupe de death metal mélodique, thrash metal ou metal moderne serait trop stupide, tant la diversité de la musique de SOILWORK n'a jamais été aussi grande, et la seule chose qui importe vraiment est que SOILWORK est un groupe immense !

La question que tous les fans de SOILWORK se posent est est-ce que le groupe arrivera à enregistrer un album aussi puissant que ses précédents sans son principal compositeur PETER WITCHERS qui a quitté le navire ? La réponse est simple : OUI ! Sworn To A Great Divide est un album monstrueux, le plux travaillé et réussi à ce jour. Combinant les meilleurs éléments de Stabbing The Drama et Natural Born Chaos, le nouvel album de SOILWORK réinvente le son du metal. Les cataloguer comme un groupe de death metal mélodique, thrash metal ou metal moderne serait trop stupide, tant la diversité de la musique de SOILWORK n'a jamais été aussi grande, et la seule chose qui importe vraiment est que SOILWORK est un groupe immense !

Cet album est largement inspiré par la B.O.F. du film Birdman (Grammy Award 2014 !), composée par Antonio Sanchez, et qui a révélé le batteur de Pat Metheny au grand public. Cette Meridian Suite d’une heure s’inspire de la continuité sans heurt de la bande originale du film. Avec des leitmotivs récurrents qui se transforment et se régénèrent tout au long de l’enregistrement, Antonio Sanchez a composé cette suite en gardant ses collaborateurs réguliers à l’esprit : Seamus Blake au saxophone ténor et à l’EWI (electronic wind instrument), John Escreet au piano acoustique et au Fender Rhodes, et Matt Brewer à la contrebasse et basse électrique. Adam Rogers intervient à la guitare, ainsi que la femme du batteur au chant, Thana Alexa. Ces compositions post-jazz, qui rappellent par moment la musique de Pat Metheny, empruntent au rock, au free jazz, à la musique électronique, à l’improvisation libre. A l’évidence, Antonio Sanchez a de nombreuses cordes à son arc, et, en plus d’être un batteur accompli, il s’est imposé au fil des années comme l’un des compositeurs clé qui participent activement au renouvellement du jazz et à l’effervescence internationale du genre, avec ce style de composition libre, rafraîchissant, inspiré et affranchi de toute barrière stylistique.

Le compositeur, dramaturge, artiste, Frieder Butzmann a commencé à explorer la musique expérimentale à la fin des années 1960. Pionnier de la musique industrielle allemande et membre du mouvement Geniale Dilettanten, Butzmann a collaboré avec des artistes tels que Genesis P-Orridge, Blixa Bargeld et Santrra Oxyd, et a publié de nombreuses oeuvres solo. Frieder Butzmann s'est associé à l'auteur et artiste Thomas Kapielski au début des années 1980. La plupart de leurs compositions sont des morceaux minimalistes entrecoupés de bruits quotidiens et de fragments de discours, comme on peut l'entendre sur leur album WAR PUR WAR, sorti pour la première fois sur Zensor en 1987. Cette oeuvre tout à fait unique est un mélange idiosyncrasique d'électro-pop excentrique et de sons étranges collages et est devenu un objet recherché. Maintenant remasterisé avec des illustrations rafraîchies et deux titres bonus, WAR PUR WAR est réédité avec des photos, des notes inédites de Frieder Butzmann. WAR PUR WAR a été créé dans mon petit studio au 11-13 Erkelenzdamm, au même étage que l'Institut Unzeit, où était également basé le Freunde Guter Musik. Le disque rassemble un assortiment incroyablement diversifié de courtes pièces avec différentes histoires.

Le compositeur, dramaturge, artiste, Frieder Butzmann a commencé à explorer la musique expérimentale à la fin des années 1960. Pionnier de la musique industrielle allemande et membre du mouvement Geniale Dilettanten, Butzmann a collaboré avec des artistes tels que Genesis P-Orridge, Blixa Bargeld et Santrra Oxyd, et a publié de nombreuses oeuvres solo. Frieder Butzmann s'est associé à l'auteur et artiste Thomas Kapielski au début des années 1980. La plupart de leurs compositions sont des morceaux minimalistes entrecoupés de bruits quotidiens et de fragments de discours, comme on peut l'entendre sur leur album WAR PUR WAR, sorti pour la première fois sur Zensor en 1987. Cette oeuvre tout à fait unique est un mélange idiosyncrasique d'électro-pop excentrique et de sons étranges collages et est devenu un objet recherché. Maintenant remasterisé avec des illustrations rafraîchies et deux titres bonus, WAR PUR WAR est réédité avec des photos, des notes inédites de Frieder Butzmann. WAR PUR WAR a été créé dans mon petit studio au 11-13 Erkelenzdamm, au même étage que l'Institut Unzeit, où était également basé le Freunde Guter Musik. Le disque rassemble un assortiment incroyablement diversifié de courtes pièces avec différentes histoires.

Quand le chant Grégorien rencontre la musique improvisée pour trois guitares et électronique. Le chant grégorien est une méditation musicale née d'une tradition orale qui remonte à des siècles dans le passé. Qu'est-ce qui pourrait en être plus éloigné que le son de nos guitares électriques ? Cependant, la guitare électrique sait elle aussi méditer, et le chant qui résonne dans les textes sacrés est capable d'expressivité et de sensibilité, au plus haut degré. Les musiques et les musiciens qui se rencontrent sur ce disque sont, eux aussi, des compagnons de route, à des époques et avec des montures différentes. Nous avons diverses manières de dire les mêmes choses, et diverses langues, tout comme nos différentes expériences dans le quotidien. Mais l'essentiel est le message. Un message que nous ne voudrions pas confier aux mots, parce que la musique dit ce que les mots ne comprennent pas. Et le message qui se cache ici peut être différent pour chacun. Être pour chacun ce qu'il cherche en cet instant, ce qui lui est le plus nécessaire. Et en le cherchant, nous pouvons nous imaginer quelque part au loin, très loin. Sur une étoile solitaire. L'étoile du matin. Stella Matutina. Jaan-Eik Tulve

Second album solo du leader du groupe THE CZARS. Alors qu'en 2008 JOHN GRANT avait décidé d'arrêter la musique, il rencontre MIDLAKE avec qui il collabore pour produire son premier album solo Queen of Denmark, recueil de chansons folk rock, aux textes cyniques, drôles, parfois dramatiques. Après l'avoir qualifié de classique instantané à sa sortie, le prestigieux mensuel anglais Mojo décernait à Queen of Denmark le titre d'album de l'année. Produit cette fois ci par ses propres soins, en Islande, Pale Green Ghosts se distingue de Queen Of Denmark par des apports d'electronica et de claviers synthétiques aux ballades de velours dont Queen Of Denmark nous a bercés.

Vind, c'est le vent en suédois. Un élément aux mille nuances, à la fois invisible, impalpable, parfois imperceptible mais qui peut à l'inverse être d'une rare violence. Vind, c'est aussi le nouveau trio de Loïs le Van. Sandrine Marchetti (piano), Paul Jarret (guitare) et Loïs le Van (voix) construisent leur folklore, un subtil mélange de diversité et d'ouverture : jazz, folk, pop, contemporain... Il y a comme une évidence mélodique, poétique, instinctive et audacieuse qui se dégage de leur complicité. Complicité aussi avec les mots de Laura Karst qui font fusionner poésie et musique. D'une même voix, Vind s'écoute et se raconte dans une histoire où chaque note et chaque silence trouvent un sens.

Kalipo, de son vrai nom Jakob Häglsperger, est un producteur d'origine bavaroise, notamment connu pour faire partie de la formation électro punk allemande Frittenbude. En tant que Kalipo, l'artiste basé à Berlin adopte une direction musicale différente et moins sauvage, sa musique se situant entre sa passion pour le downtempo et la musique rave. En plus de partager ses compétences de producteur et remixeur avec une grande variété d'artistes au cours de ces dernières années, il est également apparu sur plusieurs compilations Stiff Little Spinners. Le premier album de Kalipo, Yaruto, suivait le récit abstrait d'une biographie impersonnelle en créant des ambiances correspondant à certaines étapes de la vie. Yaruto est sorti sur Antime Records, le label berlinois dirigé par Martin Steer, également membre de Frittenbude. Depuis ses premiers enregistrements dans sa chambre natale en Bavière jusqu'à ses enregistrements avec Frittenbude et son travail aux multiples facettes en tant que Kalipo, Jakob Häglsperger a toujours travaillé dur et été motivé par la passion et l'ambition qui ont amené autant d'oeuvres d'art uniques et intemporelles. Trois ans après son deuxième album, Wanderer, Kalipo revient avec Space Bob.

George Martin, le célèbre producteur des Beatles, nous dévoile ses compositions orchestrales. Un enregistrement qui, pour la première fois, rassemble les oeuvres majeures du compositeur et arrangeur emblématique Cet album inclus notamment la musique du film Yellow Submarine, la version orchestrale du titre Live and Let Die (l'un des titres les plus célèbres de Paul McCartney) ainsi que la partition jamais enregistrée pour le film « The Mission » (Palme d'or à Cannes en 86). « Un album inédit, mené de main de maître par Craig Leon » Au début de sa carrière, Craig Leon a été encadré par George Martin. Il y a donc une cohérence dans le fait que l’entourage de Martin ait demandé à Craig de réaliser ce projet. Comme le titre l'indique, il s'agit d'une collection de partitions et de compositions originales de la musique orchestrale originale du compositeur, arrangeur et producteur George Martin. Cet album inclus notamment la musique du film Yellow Submarine, la version orchestrale du titre Live and Let Die (l'un des titres les plus célèbres de Paul McCartney) ainsi que la partition jamais enregistrée pour le film « The Mission » (Palme d'or à Cannes en 86). L'enregistrement contient également l’Overture d'Under Milk Wood (composé avec Elton John sur un texte de Dylan Thomas) et d'autres compositions originales inédites. POUR CEUX QUI AIMENT Beatles, Craig Leon, Brian Wilson, Phil Spector, Bernard Hermann, John Barry, Wings

Electric Light Orchestra : tout le monde connaît ! Si, si ! Vos enfants, votre mari, votre femme, même votre grand-mère connaît ! Enfin...disons qu'elle connaît de façon certaine « Mr Blue Sky » : c'est la musique de la pub SFR depuis plus d'un an et vu le nombre de spots qui sont passés sur toutes les chaînes, personne n'est passé à côté ! Enfin n'oublions pas qu'ELO a eu trois vrais tubes en France avec « Don't Bring Me Down » en 1979, « Hold On Tight » (avec un texte en partie en Français : « Accroche-toi à ton rêve ») en 1981 et « Xanadu » qui avait été chanté par Olivia Newton John pour la BOF du film du même nom. Repressage en double vinyle transparent d'un des albums phares d'Electric Light Orchestra. Edition limitée.

Le Kazoo, aussi appelé mirliton ou gazou, est un accessoire qui modifie la voix. Cet objet était souvent utilisé pour déguiser la voix ou pour imiter des animaux. Il suffit de chanter ou de parler dans l'extrémité la plus grande du kazoo pour faire vibrer la voix. Pour les tout-petits, l’éveil musical est avant tout une découverte, une expérimentation des sons, des objets et des instruments. Tout ce qui fait du bruit participe à l'éveil musical. Les objets ou instruments de musique doivent cependant correspondre à l'âge de l'enfant et à ses capacités psychomotrices. Cette gamme d’instruments Shiver a été spécialement conçue pour les enfants avec un soin particulier apporté au choix des matériaux et le respect des normes en vigueur.

Le musicien américain basé à Los Angeles signe un album entre R&B, soul jazz, et boogie.

Le premier album solo du plus grand guitariste de tous les temps.

Rééditions Intermusic : une source inépuisable de plaisir musical pour tous les mélomanes !

Johnny chante en anglais (26 titres) (et 2 en allemand !). Un album aussi rare qu’inattendu !

Bande son des films Saw par Charlie Clouser, une ambiance glauque, froide et horrifique à souhait.

Bande son des films Saw par Charlie Clouser, une ambiance glauque, froide et horrifique à souhait.

Album du groupe Palberta plein de guitares, de bruits bizzares et de constructions sonores.

Deuxième album de ZZ Top sortie en 1972. Inclus les singles Francine et Just Got Paid..

Rééditions Intermusic : une source inépuisable de plaisir musical pour tous les mélomanes !

LA SAGA CONTINUE ! 3 NOUVEAUX MAXIS VINYLES REEDITES ! NOUVELLES GRAVURES !

KREATOR : La suite des rééditions. Inclus des titres bonus, rares, des demos et des lives.