CD

 

 

 

 

1 - Dvd

 

   

 

 

 

 

   

 

 

   

   

   

(1958-1962)

     

   

Kvlt ! BUY OR DIE !

 

 

 

 

 

   

Suite de la série de mixtape de rap US

 

 

     

 

 

   

 

     

 

Décrit par le BBC Music Magazine comme l'un des meilleurs schubertiens du moment, Shai Wosner démontre, avec Les Moments Musicaux et la Sonate en La D959, que cette citation lui va très bien. Comme il le dit lui-même dans les notes de livret du présent disque, la musique de Schubert possède ce rapport au temps unique, ce cheminement mélodique essentiel qui fait que lorsqu'une pièce commence, on ne sait pas si elle va durer cinq minutes ou cinquante minutes ! Toute la science du compositeur est là et Shai Wosner l'a bien compris : une interprétation libre et détachée, comme en apesanteur.

A l'occasion du 500e anniversaire de la disparition de Léonard de Vinci, Warner Classics édite un double album qui met en lumière la musique au temps de ce génie universel. Aujourd'hui célébré comme peintre et inventeur de génie, on le connait moins comme interprète virtuose, inventeur d'instruments, scénographe et décorateur de spectacles préfigurant l'opéra. Retrouvez dans The Da Vinci Sound, toute la pureté et la beauté des musiques de la Renaissance par les plus grands artistes d'aujourd'hui : l'Ensemble Gilles Binchois et Dominique Vellard, l'Hilliard Ensemble et Paul Hillier, le Taverner Consort et Andrew Parrott...

Après le succès phénoménal de son précédent album studio ‘L’Attente’, certifié disque de Diamant et salué par une Victoire de la Musique, Johnny Hallyday nous offre surement l’un de ses plus beaux albums studio. ‘Rester Vivant’ (sortie le 17 novembre) est réalisé par Don Was, le producteur mythique des Rolling Stones, Bob Dylan ou de U2. Johnny s’est entouré des plus grandes signatures (Miossec, Daran, Jeanne Cherhal, Yodelice, …) pour un album rock et intense. Comme le dit le quotidien Le Parisien, Rester Vivant est « l’un des plus grands albums de la carrière de l’artiste ». Clairement un incontournable de cette fin d’année.

De Martin Mendez, bassiste des maîtres du Metal Prog OPETH, naît WHITE STONES, un projet solo qui est rapidement devenu beaucoup plus. 'Kuarahy' (prononcer Kwa-Ra-Hee) représente un retour aux sources, à la fois familial en Uruguay et musical - explorant les chemins oubliés de ses ancêtres à travers le style de musique qui reste son seul véritable amour - le Death Metal. L'album a été enregistré avec une Fender Stratocaster avec juste un tout petit peu de distorsion - ce qui est rare pour le Death Metal. On y retrouve 10 titres de Death Metal accessibles, dynamiques et orientés vers le Groove, avec une touche classique.

Cet album de Giya Kancheli est totalement différents des ses précédents d'où sa parution sur le label ECM et non sur ECM New Series. En effet, ce programme sous-titré « musique pour la scène et le cinéma » est interprété par un groupe inattendu : le bandonéoniste argentin Dino Saluzzi, le violoniste letton Gidon Kremer et le vibraphoniste ukrainien Andrei Pushkarev. Enregistré entre Oslo et Riga en guise de cadeau surprise pour les 75 ans du compositeur Georgien, il présente des interprétations en duo et en trio de musiques de Kancheli à ses débuts. C'est un voyage dans un univers de courtes mélodies douces qui illustre bien le travail accompli par le compositeur sur des musiques de films et de théâtre.

Une superbe playlist élastique pour ce DJ Kicks mixé par l'Allemand Sasha Ring aka Apparat. En grande forme, il prend la relève de la série lancée par K7 en 1995 et augmente encore le niveau, avec un sens de la progression parfait. On y trouve le remixe de Born Ruffians par Four Tet, Pantha Du Prince, Luke Abott, Thom Yorke, Spherix, Joy Orbison, et bien d'autres. Apparat est un de ces artistes en constante évolution : après trois albums sur le label Shitkatapult, il n'hésite pas à collaborer avec Ellen Allien et Modeselektor ou Moderat pour Bpitch Control. Métamorphosant sa musique, il sait surprendre..Un Dj Kicks à ne pas louper !

Le grand chef d’orchestre français Jean Martinon (1910 -1976) est resté dans les mémoires comme un des plus grands ambassadeurs de la musique française dans le monde. C’est à la fois juste et injuste, car il aura tout au long de son exceptionnelle carrière en Europe et surtout aux Etats Unis, marqué son parcours par la qualité de toutes ses interprétations et l’éclectisme de son répertoire. Né à Lyon, Jean Martinon a étudié avec Charles Munch et Albert Roussel, D’Indy et Roger Desormière. Compositeur distingué, il s’intéressait donc également à la musique de son temps. On peut définir les qualités de son style par un sens du phrasé d’une suprême élégance, un don inné du rythme, et un sens de l’équilibre orchestral unique. En 1963, il a la lourde tâche de succéder à Fritz Reiner à la tête de l’Orchestre symphonique de Chicago. Il laissera aussi un souvenir impérissable aux orchestres français, puisqu’il dirigera successivement les Concerts Lamoureux, Pasdeloup, Colonne, la Société des Concerts du conservatoire (futur Orchestre de Paris) et pendant six ans (de 1968 à 1973) à la Radio, l’Orchestre National de France. Jean Martinon nous laissera le témoignage de ces enregistrements uniques, pour l’essentiel de musique française, qui entreront directement dans la légende des grands disques de l’histoire, consacrés à ce répertoire.

Franco Fagioli revient avec un nouvel album dédié aux oeuvres de Leonardo Vinci. Accompagné une nouvelle fois par l'orchestre Il Pomo d'Oro, ici dirigé par Zefira Valova, le contreténor virtuose rend hommage à l'oeuvre pleine de vie et d'expression dramatique du compositeur. Leonardo Vinci faisait partie de l'école napolitaine de compositeurs qui comprenait entre autres Scarlatti, Pergolesi ou Porpora, et a influencé Haendel et de nombreux autres maîtres de l'opéra italien. A cette époque, les interprètes brillaient grâce aux arias da capo, musique pour voix seule qui met l'accent sur la virtuosité des chanteurs.

Electri_city II lance les auditeurs dans de sophistiquées et pertinentes montagnes russes à travers l’un des chapitres les plus complets de l’histoire de la musique allemande récente. Toute comme la première, cette nouvelle compilation promeut certains morceaux bien connus ou d’autres oubliés qui ont émergé à Düsseldorf. Elle fait suite à Electri_city, également dans la chronologie. Dans cette nouvelle compilation, on retrouve de nouveaux instruments : le fameux Minimoog, l’ARP Odyssey, le Roland System, le MC4 ou bien le légendaire MS-20, qui ont en partie fait de cette scène un espace de virtuosité et de dilettantisme où « expérimentation » était le mantra des artistes.

La fausse d'orchestre fait de la musique avec un violoncelle, une contrebasse, une guitare sèche, une explosion, un banjo, un saxophone baryton, alto et soprano, une clarinette, une clarinette basse, une voiture, un cours de tennis, une timbale symphonique Belge de cavalerie, une sirène de police, des marées noires, des appeaux (de mouettes), une flûte traversière, une trompette, des ballons, un bugle, des percussions, un collier de chien, un sampleur, des appeaux et du chant à texte sans parole mais avec histoires, comme un cinema muet annonçant la venue des cartoons au cinéma. De la musique nourrie des vies de chacun, de la musique comme on veut et surtout comme on l'entend. Les influences sont donc multiples et assumées vu que la moyenne d'âge dépasse largement celle du moindre groupe de rock revendicatif, espèce en voie de disparition. Si nous utilisons parfois des appeaux, notre exigence n'a rien à voir avec celle d'un chasseur. Elle est, je dirai, bien plus élevée puisqu'il s'agit pour nous, non pas d'attraper la mort pour l'assiette, mais plutôt de fédérer un public autour d'une mémoire commune.. Notre but, il est vrai, ressemble à celui du chasseur, puisqu'il est de se retrouver, après le spectacle, à table, avec des convives, histoire de déguster par exemple, un plat de Langoustine voire de lièvre plombé.

Poppy Ackroyd délivre une musique pour piano moderne, sensible et envoutante. La compositrice néo-classique Poppy Ackroyd, qui faisait notamment partie de The Hidden Orchestra publie son quatrième album Resolve qui sort sur le label One Little Indian (Bjork, Cody Chesnutt). Si ses premiers albums consistaient à utiliser uniquement le piano et le violon en poussant leurs possibilités le plus possible, la musicienne de Brighton va cette fois plus loin avec de multiples arrangements à la clarinette, flûte, violoncelle ou au hang. Avec ce nouvel album instrumental Poppy Ackroyd s'inscrit dans l'héritage de Nils Frahm, Max Richter ou Haushka. Le piano Le piano cristallin avec ses boucles aux échos se mêle aux violons et ces sonorités classiques se mêlent à des mélodies plus contemporaines. Avec ce nouveau disque, la compositrice s'impose dans le cercle fermé des pianistes néo-classiques et entend marquer de son empreinte le monde de la musique classique contemporaine. POUR CEUX QUI AIMENT Nils Frahm, Max Richter, Philip Glass, Ryuichi Sakamoto

Abbado, interprète idéal de Bruckner. « L'approche par Abbado de la musique de Bruckner est douce et mélodieuse, parfois tendue et rapide, mais avec toujours une grande justesse. » : ainsi la Neue Zürcher Zeitung décrit-elle la prestation tant acclamée de Claudio Abbado à la tête de l'Orchestre du Festival de Lucerne. Leur interprétation de l'imposante Cinquième Symphonie d'un Bruckner en pleine ascension rend un parfait hommage à son génie. Même le Guardian insinue avec poésie que le compositeur lui-même aurait sans doute décerné à Claudio Abbado le titre « d'interprète idéal ».

Abbado, interprète idéal de Bruckner. « L'approche par Abbado de la musique de Bruckner est douce et mélodieuse, parfois tendue et rapide, mais avec toujours une grande justesse. » : ainsi la Neue Zürcher Zeitung décrit-elle la prestation tant acclamée de Claudio Abbado à la tête de l'Orchestre du Festival de Lucerne. Leur interprétation de l'imposante Cinquième Symphonie d'un Bruckner en pleine ascension rend un parfait hommage à son génie. Même le Guardian insinue avec poésie que le compositeur lui-même aurait sans doute décerné à Claudio Abbado le titre « d'interprète idéal ».

Ce choeur d’enfants, qui a fait le tour du monde suite au succès planétaire du film « Les Choristes » et qui continue à se produire fréquemment, propose à travers ce disque un panorama de ce que leur public peut entendre pendant un concert à l’occasion de leurs nombreuses tournées. Le répertoire est très varié allant de la musique sacrée (Pie Jesu de Fauré, Ave Maria de Caccini) à la chanson française (Une chanson douce, l’Auvergnat, Ma Liberté) en passant par la musique de film (Vois sur ton chemin).Un récital à la mesure de la notoriété du choeur.Révélés au public par le film Les Choristes de Christophe Baratier, les Petits Chanteurs de Saint-Marc excellent tant dans le chant grégorien que dans l'interprétation des plus belles chansons françaises. Aujourd'hui, le Choeur est sollicité partout en France, ainsi qu'à l'étranger. Ils sont aussi les invités de nombreux festivals : le Festival du Vieux-Lyon (direction E. Desnoues), le Printemps de Pérouges (direction M. Rigaud), le Festival d'Ambronay (direction A. Brunet), les Eccléctiques de Rocamadour (direction Patrick de Carolis)...

Au-delà de la décomposition des ruines, le son subtil de Vapor, une suite d'instruments dystopiques par le visionnaire Johnny Jewel, bourdonne. Ses synthétiseurs analogiques n'ont jamais semblé plus cristallins, leur paysage jamais plus évocateur de stérilité. Les cloches sonnent lentement comme la boîte à musique rouillée d'un cauchemar d'enfant, un sombre noir qui est tout à fait effrayant - Jewel canalise la beauté et l'horreur d'un monde qui a depuis longtemps abandonné son propre destin. Ceci est un flashback de rêve de fièvre. Cette bande sonore est aussi élégante que violente, évoquée dans les noirs les plus profonds et les rouges les plus vifs.

C'est au Womad 2010 que Nick Dubulah Page, l'âme de Dub Colossus, a présenté au public son nouveau projet, avec une approche unique qui fait se rencontrer mélodies du Moyen-Orient, percussion arabe et approche électro ambiant occidentale. La presse spécialisée s'en fait l'écho et parle de découverte rare et de musique malicieusement sensuelle. Les treize morceaux de l'album composent effectivement un modèle de fusion intelligente, entre pièces atmosphériques, pop kitsch surgie d'un souk intemporel, et rock expérimental savant qui fait souvent penser à une musique de film imaginaire, avec des thèmes qui accrochent immédiatement l'oreille.

Robert Wyatt, John Greaves, Ramon Lopez, Himiko Paganotti et Napoleon Maddox chantent du Sophia Domancich! Snakes and ladders est un jeu de société anglais d'origine très ancienne, qui se joue à l'aide d'un plateau et d'un dé. Cet album est le prolongement, la suite, et certainement la conclusion du premier disque réalisé en 1992 par Sophia domancich «Funerals». A l'image du jeu, son titre symbolise le trajet parcouru entre ces deux enregistrements. Une brève collaboration avec le chanteur Robert Wyatt a été, pour Sophia Domancich, le point de départ de ce travail qui explore la relation entre poésie, musique et chanson. Avec un ordinateur, Sophia a mis en musique des poèmes écrits par Jacqueline Cahen-Sergent, processus complexe de création dans lequel il est question de la nature du mot, de son sens, et de son son. Le re-recording a été de mise pour l'enregistrement et le travail de post-production a été fondamental. Et le résultat est surprenant. Loin des sentiers battus, Sophia Domancich nous délivre un album complètement original, entre jazz et pop anglaise.

CD 6 titres, avec livret 8 pages Inclus Cross my heart. Jeune, Son Little (Aaron Livingston) écoute les vinyles poussièreux de ses parents, apprend le saxophone et le piano. En déménageant à New York, il découvre le hip hop, le basket, l'art et les drogues douces. En déménageant à Philadelphia, il découvre le crew légendaire des Roots, joue de la musique avec eux et sa voix apparaît sur un de leurs albums. (Sleep sur l'album Undun). Il collabore aussi avec le fameux producteur RJD2. Il dit écrire partout, tout le temps, trouvant son inspiration dans le train, dans sa voiture, dans la rue, au supermarché ou avec ses enfants. Parfois les idées sont fraîches. Parfois une mélodie surgit de son passé, une simple étincelle. Il ne se limite à rien. Il a maintenant l'opportunité de révéler le spectre de son art, démontrant brillamment les liens entre les divers facettes de ce que l'on appelle la musique pop. Passant d'un rock exubérant à la Prince, à un groove malin à la Curtis Mayfield, Son Little est un artiste empreint des mélanges et des contradictions qui font la grandeur de la pop américaine. Son Little propose aujourd'hui son 1er EP : Things I Forgot.

L'ESPRIT D'AVENTURE D'HILARY HAHN LA CONDUIT UNE NOUVELLE FOIS HORS DES SENTIERS BATTUS Aux côtés du pianiste et compositeur Volker Bertelmann (plus connu du public underground sous le nom d'Hauschka) et de Valgeir Sigurosson (le producteur de Björk), la violoniste Hilary Hahn enregistre Silfra. Hilary Hahn et Hauschka ont en commun une formation classique, même si ce dernier a choisi de s'orienter vers la musique expérimentale, en jouant et composant sur des pianos préparés. Le résultat de la collaboration de ces deux artistes qui a priori tout oppose, est un album fascinant, véritable ovni sur le label Deutsche Grammophon. Sur cet album, Hilary Hahn et Hauschka mêlent improvisation et musique expérimentale : Vous écoutez la musique telle qu'elle a été jouée à la première prise car il n'y en a pas eu d'autres. Vous entendez donc exactement ce qui est né à l'instant T où nous avons enregistré. Ce fut pour moi une expérience tellement enrichissante que je me sens nostalgique lorsque j'écoute le disque !, déclare Hilary Hahn. Silfra est une faille près de Reykjavik (capitale de l'Islande, où l'album a été enregistré) où s'entrechoquent les plaques tectoniques de l'Amérique du Nord et de l'Eurasie. Le titre de l'album symbolise donc la rencontre de deux mondes, à la fois musicaux (classique et expérimental) et géographiques (Hilary est originaire des Etats-Unis; Hauschka d'Allemagne). UN ALBUM CREATIF ET INNOVANT, A L'IMAGE DES DEUX ARTISTES QUI L'ANIMENT...

France, 1615 : Louis XIII épouse Anne d'Autriche, l'infante d'Espagne. La nouvelle reine arrive à la cour française accompagnée de ses courtisans espagnols : les compositeurs français s'inspirent de cette vogue hispanique et écrivent des airs de cour dans cette nouvelle langue. Espagne, 1701 : Philippe V épouse une jeune princesse française, Marie-Louise de Savoie. Le maitre de musique de la reine n'est autre que Santiago de Murcia, qui s'essaie - avec Gaspar Sanz - à l écriture de plusieurs pièces d'inspiration française en hommage à sa reine.

Retour aux sources Ravel et Gaveau ? C'est une longue histoire. De l'ouverture de la Salle Gaveau le 3 octobre 1907 à la mort de Ravel le 28 décembre 1937, la musique du compositeur a beaucoup résonné entre les murs de ce lieu mythique. Ce disque réunit quatre oeuvres majeures de Maurice Ravel, toutes créées à l'historique Salle Gaveau : les Valses nobles et sentimentales, Le Tombeau de Couperin, le Trio avec piano et Tzigane. Il revient à Svetlin Roussev (violon), à Aurélien Pascal (violoncelle) et aux pianistes David Lively et Denis Pascal d'interpréter ces oeuvres mythiques dans le contexte de leur création.