XX est le premier album studio du groupe d'indie pop londonien The XX, sorti en le 17 août 2009 sur le label Young Turks. L'album, auto-produit, a été enregistré dans les studios XL à Londres entre décembre 2008 et avril 2009. Dès sa sortie, XX a été acclamé par le milieu pop indé de musique et reçoit en 2010 le Mercury Prize. XX reste pendant quatre-vingt-sept semaines dans le UK Albums Chart, et a été certifié disque de platine par la British Phonographic Industry. En septembre 2011, les ventes de l'album au Royaume-Uni s'élèvent à 405 000 exemplaires.

Une compilation de morceaux inédits Comment décrire Angel Olsen, la femme aux mille visages ? De Burn Your Fire for No Witness, un album lofi folk-mélancolique à l’électrique et rock’n’roll My Woman, Olsen refuse de s’arrêter à un seul genre, attentes ou vision. Impossible à figer, Olsen navigue le monde de son incroyable voix et de sa force narrative. Elle module et travaille sa musique pour raconter au mieux ses histoires. POUR CEUX QUI AIMENT Patti Smith, Kevin Morby, Leonard Cohen, Sharon Von Etten

La bande originale du film Proxima, composée par l'un des plus grands compositeurs du cinéma du 20ème et 21ème siècle, Ryuichi Sakamoto, est désormais disponible dans son édition vinyle collector. La musique de Sakamoto illustre l'histoire de Sarah, une astronaute française s'entraînant en amont d'une mission d'un an dans l'espace, qui devra se séparer de son enfant de 7 ans pour mener à bien ses objectifs. Le film, réalisé par Alice Winocour, a été primé aux festivals internationaux de films de Toronto, Saint Sebastien et au festival du film de Sarlat.

CHIMAIRA, précurseur de la fusion entre metal (pour les riffs) et hardcore (pour le chant), vient ébranler de bien belle manière l'univers de la musique extrême en ce début d'année 2009 avec son nouvel opus, The Infection, un chef d'oeuvre absolu où s'entrecoupent sonorités exotiques, riffs de toute beauté orchestrés par ROB et MATT, et passages hurlés par MARK ANDOLS. Intensité et intégrité ! Voilà un album qui va laisser des traces ! Pour tous les fans de brutalité et de groove.

CHIMAIRA, précurseur de la fusion entre metal (pour les riffs) et hardcore (pour le chant), vient ébranler de bien belle manière l'univers de la musique extrême en ce début d'année 2009 avec son nouvel opus, The Infection, un chef d'oeuvre absolu où s'entrecoupent sonorités exotiques, riffs de toute beauté orchestrés par ROB et MATT, et passages hurlés par MARK ANDOLS. Intensité et intégrité ! Voilà un album qui va laisser des traces ! Pour tous les fans de brutalité et de groove.

Après 3 maxis sur Hilltop Imprint et le label Construct Re-Form (Zadig, Voiski, Antigone, Jonas Kopp), le producteur Français Fareed, moitié du duo Society of Silence (aperçu sur Versatile, Concrete Music et Fragile Musique) revient sur le néo label parisien MAZE, dédié à la techno aventureuse et autres expérimentations breakées. Premier EP orienté club salace aux accents métalliques, aux rythmes pas droits mais qui laisse entrevoir sur deux morceaux un paysage de lendemain lumineux, comme une épopée d'une journée et d'une nuit dans un monde dystopique.

Le groupe de rap californien, composé de Stefan Burnett, Andy Morin, Zach Hill et séparé depuis 2014, sort son ultime album Death Grips combine de la noise musique, du hip-hop, et du punk. Ils sont également connus pour leurs textes sombres et un style de rap plutôt agressif. Le trio a marqué les esprits grâce à des spectacles remarquables, des performances sauvages, puissantes et une présence impressionnante sur scène. Leur dernier clip, On GP a été dévoilé deux semaines avant la sortie ‘’The Powers That B’’, provoquant l’événement sur le web.

Vivaldi revisited Le compositeur post-minimaliste Max Richter est célèbre pour ses nombreuses musiques de films et en 2012, son album Recomposed s'est classé en tête des palmarès dans 22 pays. Son travail intelligent, magnifiquement conçu, basé sur les célèbres concertos de Vivaldi ne conserve qu'un quart de la musique originale. Richter utilise habilement des parties en boucle qui mettent en valeur ses références postmodernes et minimalistes. Fenella associe Recomposed avec le puissant Lonely Angel de Vasks, et le populaire Fratres de Pärt.

Fort des deux premiers albums disque de platine avec Tree of Life & Cardioïd. Victoire de la musique en 2010 de Révélation de l'album de l'année, des tournées et festivals à travers la France et l'Europe avec plus de 250 dates, ainsi que de nombreuses collaboration dans l'univers du cinéma et de la mode (Les petits mouchoirs de Guillaume Canet, Dior.) Après 3 ans d'absence Yodelice revient avec un nouvel album Square Eyes, résolument plus rock et lumineux. Son premier est extrait Fade Away.

Madrigaux sans paroles. Toute l'attirance que Fabio Bonizzoni éprouve pour les splendeurs de la musique baroque pour voix et orchestre ne peut museler son instinct d'instrumentiste qui l'entraîne constamment à aborder les chefsd'oeuvre du répertoire pour clavier. Après avoir récemment mis sa sensibilité et sa virtuosité au service de L'Art de la Fugue de Bach, Bonizzoni affronte une autre cime, chronologiquement antérieure, du baroque : la musique de Girolamo Frescobaldi. L'importance de ce compositeur dans le domaine de la musique pour clavecin et orgue a souvent été comparée à celle de Monteverdi concernant l'art vocal et dramatique. Et en effet, le génie du Ferrarais était amplement reconnu quand il travaillait à Rome et à Florence, à l'époque où il publiait et révisait (en y incluant des canzonas et des séries de variations) les deux livres de toccatas enregistrés ici. Les toccatas de Frescobaldi permettent une grande flexibilité dans l'interprétation, en revendiquant la liberté rythmique et, bien évidemment l'expression du drame et de l'émotion. De fait, Bonizzoni, pleinement averti des nouvelles exigences de la seconda prattica à l'époque de Frescobaldi, considère les toccatas comme des madrigaux sans paroles, la poésie se lovant au coeur de ses interprétations.

La réédition du mythique premier album éponyme des suisses de The Young Gods comprend 2 CDs : le premier contient l'album de 1987 remasterisé et le second un enregistrement live d'un concert donné à Fribourg. The Young Gods est un ouragan, l'une des pièces maîtresses de l'histoire du rock. En effet, la musique de cet album venait du futur, avec l'utilisation du sampling, qui balaya tout sur son passage, conjuguant ainsi le meilleur de la technologie de l'époque avec une sauvagerie rock emblématique.

Revelation est le 14ème album de BRIAN JONESTOWN MASSACRE enregistré entre la fin 2012 le début 2014 et fait suite à Aufheben (avril 2012) qui avait marqué le retour d'une écriture plus pop de la part de Anton Newcombe. Ce disque est marqué de l'empreinte du son de BRIAN JONESTOWN MASSACRE mixé avec des influences venues de l'est, le tout relevé par les influences expérimentales qui ont jalonné le monde de la pop musique depuis ces 40 dernières années ainsi que le parcours musical de Newcombe lui-même.

Revelation est le 14ème album de BRIAN JONESTOWN MASSACRE enregistré entre la fin 2012 le début 2014 et fait suite à Aufheben (avril 2012) qui avait marqué le retour d'une écriture plus pop de la part de Anton Newcombe. Ce disque est marqué de l'empreinte du son de BRIAN JONESTOWN MASSACRE mixé avec des influences venues de l'est, le tout relevé par les influences expérimentales qui ont jalonné le monde de la pop musique depuis ces 40 dernières années ainsi que le parcours musical de Newcombe lui-même.

Filmé et enregistré lors de la tournée mondiale «Mylo Xyloto» (plus de 3 millions de spectateurs), «Live 2012» propose des images tournées lors des concerts du groupe à Paris (Stade de France), Montréal, Madrid et Glastonbury. «La tournée Mylo Xyloto est celle qui nous a procuré le plus de plaisir en tant que groupe», a déclaré Chris Martin, le chanteur de Coldplay, «cela a été exaltant dès le départ, notamment parce que nous sommes fiers de la musique...».

Dans la foulée de la tournée mondiale de l'album Conatus, Nika Roza Danilova (Zola Jesus) fût invitée a jouer au musée Guggenheim a New York, l'un des plus prestigieux musées d'art contemporain / moderne. Elle saisit cette opportunité pour travailler avec un compositeur classique afin d'arranger ses morceaux pour quartet. Elle recrute alors JG Thirlwell (aka Foetus), un des pionniers de la musique industrielle new yorkaise dudebut des annees 80, qui au travers de ses differents projets (Manoerxia, Steroid Maximus, Wiseblood ou encore les BO pour la série Adult Swim) reste reconnaissable avec son approche cinematographique, intense et dramatique de la musique. Pour avoir travaille avec des big band, des projets allant du noise-rock à l'électronique abstrait en passant par de la musique de chambre, Thrilwell apparait comme le collaborateur idéal pour Zola Jesus /Danilova. Sur Versions, ils retravaillent les approximations des albums passes, réinventant les morceaux. Sans les éléments électroniques qui structuraient les titres, les morceaux deviennent alors comme plus légers et permettent de toucher un public plus large, qui ne se serait peut-être pas aventurer dans l'arène techno-pop / industrielle.

Dans la foulée de la tournée mondiale de l'album Conatus, Nika Roza Danilova (Zola Jesus) fût invitée a jouer au musée Guggenheim a New York, l'un des plus prestigieux musées d'art contemporain / moderne. Elle saisit cette opportunité pour travailler avec un compositeur classique afin d'arranger ses morceaux pour quartet. Elle recrute alors JG Thirlwell (aka Foetus), un des pionniers de la musique industrielle new yorkaise dudebut des annees 80, qui au travers de ses differents projets (Manoerxia, Steroid Maximus, Wiseblood ou encore les BO pour la série Adult Swim) reste reconnaissable avec son approche cinematographique, intense et dramatique de la musique. Pour avoir travaille avec des big band, des projets allant du noise-rock à l'électronique abstrait en passant par de la musique de chambre, Thrilwell apparait comme le collaborateur idéal pour Zola Jesus /Danilova. Sur Versions, ils retravaillent les approximations des albums passes, réinventant les morceaux. Sans les éléments électroniques qui structuraient les titres, les morceaux deviennent alors comme plus légers et permettent de toucher un public plus large, qui ne se serait peut-être pas aventurer dans l'arène techno-pop / industrielle.

Avec un son authentique de sitar indien et une guitare classique, sur des rythmes intenses, cette musique est très appropriée pour la haute intensité des pratiques telles que Power Yoga et le Pilates Power. Ce second volume de la série « Elements » est créé autour de l'élément du feu et comporte une touche de lounge sound confortable. Il crée une atmosphère chaleureuse pour une pratique inspirante. Pour l'élévation du corps et de l'esprit, ou tout simplement une grande soirée à la maison avec des amis.

La talentueuse chanteuse anglaise Låpsley, 19 ans, propose son 1er album : au premier abord, on dirait de Holly Lapsley Fletcher, Låpsley pour son nom de scène, qu' elle est la nouvelle Adele. Mélangeant avec beaucoup de finesse force et fragilité, elle nous envoûte avec sa musique électro-pop fine et aérée à la poésie omniprésente... Intitulé Long Way Home, cet album se composera de 12 titres dont son premier hit Hurt Me ainsi que le dernier single, l’aérien Love is Blind...

La talentueuse chanteuse anglaise Låpsley, 19 ans, propose son 1er album : au premier abord, on dirait de Holly Lapsley Fletcher, Låpsley pour son nom de scène, qu' elle est la nouvelle Adele. Mélangeant avec beaucoup de finesse force et fragilité, elle nous envoûte avec sa musique électro-pop fine et aérée à la poésie omniprésente... Intitulé Long Way Home, cet album se composera de 12 titres dont son premier hit Hurt Me ainsi que le dernier single, l’aérien Love is Blind...

Joyeux anniversaire Bernard Haitink ! Le London Symphony Orchestra célèbre en grande pompe les 90 ans d'un des chefs d'orchestre les plus importants de sa génération : Bernard Haitink. Peu d'artistes ont eu une interprétation aussi claire et intelligente de la musique de Beethoven que le chef néerlandais. Cet album propose un couplage entre le concerto pour piano n°2, interprété par la célèbre pianiste portugaise Maria João Pires, et la performance virtuose du triple concerto par Lars Vogt, Gordan Nikolitch et Tim Hugh.

Beethoven et Reicha, tous deux nés en 1770, se sont côtoyés durant de longues années, notamment dans la fosse d'orchestre de Bonn où ils se rencontrèrent, l'un à l'alto, l'autre à la flûte. à l'occasion de leurs 250 ans, Le Concert de la Loge leur rend conjointement hommage dans un disque qui réunit le Septuor, op. 20 de Beethoven et la Grande Symphonie de salon n° 1 de Reicha. oeuvres hybrides, car situées à la croisée de la musique de chambre et de la symphonie, elles reflètent le goût de l'expérimentation cher à leurs compositeurs. La sophistication des lignes instrumentales beethoveniennes, sous l'apparente galanterie du divertissement, répond, en diptyque, à la symphonie de salon de Reicha, que Berlioz saluera lors de sa nomination à la section Musique de l'Académie des Beaux-Arts, comme un véritable révolutionnaire. Julien Chauvin et les solistes du Concert de la Loge proposent un disque en forme de double portrait qui donne à entendre les parentés des esthétiques allemande et française, plongeant leurs racines chez Haydn, mais aussi leurs singularités respectives. Le charisme orchestral des deux compositeurs s'impose, jusque dans la musique de chambre, et leur rigueur d'écriture accueille l'expérimentation et la fantaisie.

Le nouveau projet Metal Symphonique du guitariste Victor Smolski est de retour avec l'album Kinsglayer! Victor Smolski continue sa carrière solo avec son nouveau groupe ALMANAC. Un concept qui combine Heavy- Metal avec de la musique classique. Un mélange savoureux de différents styles vocaux, de riffs Heavy et Groovy, avec une puissance orchestrale et des mélodies accrocheuses ! « La grande force de ce disque est de proposer ce qui s’est fait de mieux dans le Power Metal européen de ces quinze dernières années » METALLIAN Victor Smolski a peaufiné dans les moindres détails la voûte de ce nouvel album. La matière symphonique s’avère savamment dosée afin de mettre en valeur le principal, à savoir une base instrumentale et une musique ancrées dans le Heavy-Power. POUR CEUX QUI AIMENT LORDS OF BLACK, THORBRIDGE, NORDIC UNION

Le trio Deva Premal, Miten et Manose marque une nouvelle direction intéressante dans sa manière de mélanger harmonieusement l'Orient et l'Occident dans ce nouvel album Password, incarnant l'énergie extraordinaire portée par ces mantras anciens dans une fusion riche en sons et silences. La musique, principalement composée par le trio lui-même, comprend la voix dorée de Deva Premal, et l'incroyable virtuosité du Bansuri de Manose (flûte de bambou Indienne). Guidé par Miten et le producteur du premier album à succès de Deva Premal 'The Essence' Rajrishi, l'album évolue à travers des paysages musicaux étincelants, embellis par quelques uns des meilleurs jeunes musiciens de jazz en Europe. Le résultat est une invitation séduisante à embrasser une nouvelle perspective rafraîchissante dans un style qui est en passe de devenir une écoute essentielle pour ceux à la recherche de profondeur et de nourriture spirituelle dans la musique.

Pour un immense public, la poésie du violoniste Enrico Gatti, que nous goûtons depuis plus d'une trentaine d'années en concert et au disque (Symphonia, Arcana ou Glossa), n'a pratiquement pas d'équivalent dans l'interprétation de la délicatissime musique italienne des XVIIe et XVIIIe siècles. Cet enregistrement de 1992 dédié à des oeuvres choisies parmi les meilleures compositions pour violon écrites au XVIIIe siècle par des musiciens de la cour de Savoie à Turin, Somis, Giardini ou Pugnani, nous révèle ainsi un monde fascinant et incompréhensiblement peu fréquenté.

StevenHauschildt est certainement le membre le moins actif du trio EMERALDS. Se considérant lui-même plus artiste que musicien, il voit son travail aussi bien en solo qu'en groupe comme une expérience visuelle autant qu'auditive. L'album, construit comme un traité sur l'Age de l'Information, évolue autour de l'idée que la technologie devient de plus en plus disponible, mais également de plus en plus jetable. De cette idée naît un splendide monde flottant de musique post-cosmique, le premier du genre pour Steve Hauschild en tant qu'artiste solo.

Révélation de l'année 1999 dans le Landernau pop/rock, touchant à la fois le grand public et un public plus indé, Muse apporte sans conteste un souffle d'air frais à la musique pop britannique. A la croisée du lyrisme de Radiohead et de l'énergie, pour ne pas dire de la puissance de Nirvana, le groupe offre de spectaculaires compositions sur les douze titres que compte cet album, allant de la ballade grandiose (Hate This And I'll Love You) aux riffs de guitares exaltés en passant par des tubes incontestés comme Unintended, symbole triomphal de ce groupe plein d'avenir.

Ici, Lévon retourne à ses « Sources », tel le nom de l'album. Il s'est entouré de trois joueurs de doudouk, d'un joueur de kamantché, d'une percussionniste et d'un pianiste. Sa soeur Roselyne, qui interprétait son premier album déjà, le rejoint le temps d'une chanson. Lévon a recherché dans les profondeurs du répertoire de la musique arménienne et s'est approprié ces mélodies différemment. Il alterne des interprétations de morceaux traditionnels avec ceux de compositeurs du 18ème siècle (comme Sayat Nova) jusqu'aujourd'hui (Djivan Gasparian). Ainsi, naît un projet très personnel plein de découvertes et de beauté.

Le retour de Girlpool avec un album aux accents indie pop lo-fi, aussi doux que robuste ! Presque deux ans après la sortie de Powerplant, le duo indie rock de Los Angeles Girlpool, avec leurs puissantes harmonies et leurs compositions imaginaires, franchit de nouveaux pas créatifs avec ce nouvel album, What Chaos Is Imaginary. Combinant des éléments shoegaze, folk et post-punk des années 80 avec leurs propres sons mélodiques, ces deux grands auteurs-compositeurs proposent un classique moderne plein de mélodies géniales et de surprises sonores. La musique de Cleo Tucker et Harmony Tividad, les deux membres de Girlpool, occupe un espace transitoire. L'évolution constante du duo rend parfaitement impossible d'articuler correctement où se situe leur projet, entre plusieurs canons musicaux contemporain. C'est d'ailleurs l'une des raisons pour lesquelles la musique de Girlpool est si captivante.

Hommage à Alexandre Glazounov qui fit des musiciens russes d'après Tchaïkovski de vrais professionnels, lui-même compositeur émérite, et donna ses lettres de noblesse à la symphonie classique comme à la musique de ballet d'avant et d'après le Groupe des Cinq. De ce pédagogue étonnamment désintéressé, Mravinski tint à programmer quelques pages qui s'inscrivent ingénument dans l'art romantique alors qu'il préférait les pages 'interdites' de ses élèves, du jeune Stravinsky, chahuteur invétéré, comme de Prokofiev, alors pianiste prétentieux et insupportable...

Ils chantent la vie, la gourmandise, les bêtises, la famille avec leur musique débordante d'énergie. Jean-Luc Baldacchino fondateur du groupe Méli-Mômes anime depuis de nombreuses années des ateliers d'écriture de chansons dans les écoles primaires et maternelles, il est également formateur pour Enfance et Musique. Dans ce deuxième disque de Méli-Mômes vous trouverez des chansons originales mais aussi quelques reprises largement revisitées pour le plaisir des petits, des grands et des parents.

Le pianiste islandais Vakingur olafsson poursuit sa brillante carrière d'enregistrement avec une collection de pièces connues et moins connues du célèbre compositeur baroque : Jean Sebastian Bach. L'interprétation de Vakingur olafsson du répertoire baroque est limpide, moderne et d'une beauté envoûtante. Dans son propre style, Vakingur saisit parfaitement Bach comme un maître de l'équilibre dont la musique est la combinaison idéale de l'émotion et de l'intellect, de la mélodie chantante et du contrepoint sculpté.

Le nouveau film de Theo Angelopoulos, Dust of Time, est une histoire d'exil, de frontières et de séparation dont Eleni Karaindrou, qui travaile avec Angelopoulos depuis environ 25 ans, a écrit une partition musicale, aux couleurs infiniment tendres et intimes, mettant en avant le violon, le violoncelle et la harpe. L'intention de la compositrice était de pouvoir explorer et mettre en valeur l'essence du film tout en gardant une couleur sonore dépouillée pour traduire l'intemporalité de la nostalgie. Près de 100 minutes de musique ont été enregistrées pour les besoins du film. Avec un sens de la dramaturgie et un à-propos indéniables, Manfred Eicher et Eleni Karaindrou sont parvenus à réduire l'ensemble en une suite concentrée de 45 minutes, mixant les couleurs orchestrales en une palette invisible d'une extrême délicatesse. Plus qu'une bande son cette musique s'écoute comme une composition contemporaine au caractère intensément mélodique.

Avant de se lancer dans le jazz, Dave Brubeck avait suivi en Californie de très sérieuses études de musique classique, fréquentant même un temps les cours de Schoenberg. C’est ce qui explique sans doute le goût de ce pianiste et compositeur extrêmement populaire à la fin des années cinquante pour des explorations musicales assez insolites. Cette audace, doublée d’un opportunisme certain, trouve son aboutissement dans ce disque incontournable où, à la tête d’un quartet avec Paul Desmond, il aligne une grosse poignée de tubes (Take Five, Blue Rondo A La Turk...).

Version cristal remplaçant la version Digipack de l'album. Deuxième album pour les londoniens de Monuments, la relève du métal progressif reconnus par tous à présent. 10 titres de Metal Prog moderne aux paroles politiquement engagées. Monuments est le fruit de plusieurs années de travail pour arriver à créer son propre son, sa propre personnalité et une musique facilement reconnaissable et indentifiable par tous. Produit au Monnow Valley Studio (Black Sabbath, Rush, Led Zeppelin)

La voix douce et aérienne de Maximilian Hecker nous emmène dans son univers romantique et mélancolique à la fois. Cet auteur, compositeur et interprète allemand pose ses émotions en anglais sur des ballades sentimentales pop folk jouées au piano ou à la guitare acoustique à la manière de Radiohead et de Sigur Rós. Cela fait 11 ans que Maximilian nous offre des titres d’une réelle beauté, tant par leurs paroles que par leur musique. Il nous a habitués à des mélodies planantes et rêveuses... que l’on espére découvrir à nouveau dans ce nouvel album !

En 1999, un an seulement après avoir enregistré le magnifique album de leurs retrouvailles Not Two, Not One, Paul Bley, Gary Peacock et Paul Motian prenaient la route pour proposer en concerts des deux côtés de l'Atlantique la musique hautement novatrice de leur trio enchanteur. When Will The Blues Leave rend compte d'une superbe performance donnée par la formation dans le cadre de cette tournée à l'Aula Magna, à Trevano en Suisse. On y trouve, en plus de l'anguleuse et mystérieuse composition free-bop d'Ornette Coleman qui donne son titre à l'album, la pièce 'Mazatlan' de Paul Bley, débordante d'énergie, l'inaltérable 'Moor' de Gary Peacock, la tendre et mélancolique mélodie de Gershwin 'I Loves You Porgy... et bien d'autres choses encore... Tout cela transcendé par la subtilité de ces grands maitres de l'improvisation, redonnant à tout instant formes et directions nouvelles à la musique.

La musique de HTRK n'est pas une solution miracle pour les esprits inquiets et impatients; il doit être absorbé, contemplé et revisité. écoutez l'un de leurs disques et vous vous retrouverez plongés dans leur univers sonore, où les réverbérations caverneuses de la dub techno se mêlent à des motifs post-punk givrés et aux imperfections graveleuses de l'industriel, réinventées dans le décor d'un sous-sol sombre. Leur musique est dotée de suffisamment de points de référence culturels subtils pour attirer une dissection critique, suffisamment crue pour attirer les foules vives, et suffisamment viscérale pour donner un sens à la sonorité d'un système de son club. En combinant les influences fondamentales de HTRK, vous découvrirez le surréalisme troublant de David Lynch à côté des paysages industriels de Bill Henson, avec les compositions minimales de Mika Vainio aux côtés de la synth-pop dysfonctionnelle de Suicide. C'est un mélange puissant.

La musique de HTRK n'est pas une solution miracle pour les esprits inquiets et impatients; il doit être absorbé, contemplé et revisité. écoutez l'un de leurs disques et vous vous retrouverez plongés dans leur univers sonore, où les réverbérations caverneuses de la dub techno se mêlent à des motifs post-punk givrés et aux imperfections graveleuses de l'industriel, réinventées dans le décor d'un sous-sol sombre. Leur musique est dotée de suffisamment de points de référence culturels subtils pour attirer une dissection critique, suffisamment crue pour attirer les foules vives, et suffisamment viscérale pour donner un sens à la sonorité d'un système de son club. En combinant les influences fondamentales de HTRK, vous découvrirez le surréalisme troublant de David Lynch à côté des paysages industriels de Bill Henson, avec les compositions minimales de Mika Vainio aux côtés de la synth-pop dysfonctionnelle de Suicide. C'est un mélange puissant.

Zoolook est un album de Jean Michel Jarre sorti originellement en 1984 sur le label Dreyfus. Cet album, qui apparaît comme l'un des plus recherchés du musicien, a remporté de nombreux prix l'année de sa publication (Victoire de la musique pour le meilleur album de musique instrumentale, ainsi que le Grand Prix du disque de l'Académie Charles-Cros. Il a aussi été élu meilleur album instrumental de l'année en France). À sa sortie, l'album avait surpris beaucoup de critiques par son avant-gardisme. Jamais un album auparavant n'avait fait usage d'autant de samples et c'est surtout l'originalité de l'utilisation des 25 voix ethniques différentes en tant que percussions qui étonna. À ce titre, Jarre a fait appel à l'ethnologue Xavier Bellenger comme conseiller. Le producteur/mixeur François Kervorkian contactera par la suite Jean-Michel Jarre pour effectuer un remix du titre Zoolookologie.

La sérénité des chants médiévaux La musique du Moyen âge n'existe aujourd'hui que grâce au précieux travail de musiciens comme Dominique Vellard. qui s'emploie à donner vie au répertoire liturgique des monastères anciens. Aux quatre coins de l'Europe médiévale, des manuscrits - ou codex - consignaient les chants des offices. C'est justement dans un codex, celui du monastère espagnol Las Huelgas Reales, conservé sur place, que nait le programme inédit de ce nouveau disque. L'Ensemble Gilles Binchois puise à ce grand livre pour composer un moment de pure plénitude en forme de voyage à travers les siècles, en réunissant un ensemble varié de pièces vocales tantôt uniques, tantôt teintées d'influences européennes, preuve que la musique circule durant tout le Moyen âge. La prise de son, au plus près des chanteurs, offre une belle résonance nécessaire au répertoire a capella, comme une invitation à la méditation.

La collection The Essential jusqu'à présent disponible uniquement en Double CD, se décline désormais en Double Vinyle. Voici les 3 premiers artistes disponibles sous ce format désormais revenu à la mode, et excusez du peu, trois artistes majeurs du catalogue Legacy Recordings puisqu'il s'agit d'Elvis Presley, Johnny Cash et Bob Dylan. L'occasion de compléter sa collection d'incunables du Rock N Roll avec le meilleur de ces légendes incontournables sans qui la musique, dite populaire, ne serait pas ce qu'elle est aujourd'hui !

Filmé et enregistré lors de la tournée mondiale «Mylo Xyloto» (plus de 3 millions de spectateurs), «Live 2012» propose des images tournées lors des concerts du groupe à Paris (Stade de France), Montréal, Madrid et Glastonbury. «La tournée Mylo Xyloto est celle qui nous a procuré le plus de plaisir en tant que groupe», a déclaré Chris Martin, le chanteur de Coldplay, «cela a été exaltant dès le départ, notamment parce que nous sommes fiers de la musique...».

Le DJ et compositeur anglais James Holden de retour avec une nouvelle formation aussi ambitieuse que surprenante Laissez le gourou de la musique électronique James Holden et son nouveau groupe The Animal Spirits vous transportez vers un nouveau monde magique avec son troisième album : un nouveau set audacieux mêlant des sonorités folk, trance et synthétiques, entrecoupées par des sons plus psychédéliques, krautrock, world ou jazz, avec la vigueur propre aux melodies de Holden. Cet album est son effort le plus ambitieux et aussi le plus accessible à date. La formation initiale de Holden est complétée par des saxophones, par des percussions cosmiques, et d’autres instruments qui se sont ajoutés au fil de sa tournée. Cela résultera en un album enregistré sous sa direction, un mélange de plusieurs styles qui pourtant assemblés donnent une musique universelle, fluide et vivante. POUR CEUX QUI AIMENT Etienne Jaumet, Francis Bebey, Floating Points

Invada est heureux de présenter une nouvelle collaboration entre Nick Cave & Warren Ellis sur une musique de film après Wind River. Le double vinyle de War Machine est disponible dès maintenant. War Machine est un nouveau film de Netflix, réalisé par David Michôd et mettant en vedette Brad Pitt, Tilda Swinton et beaucoup d’autres. La bande originale est pressée sur 2 vinyles de couleur blanc logés dans une pochette gatefold de luxe avec artworks du film. Le vinyle est coupé à 45rpm pour une qualité audio optimale!

Après plus de 3 millions d’albums vendus, 3 victoires de la musique et des collaborations prestigieuses (Jacques Audiard, Olivier Dahan, Bashung, etc.) Raphaël revient avec un 7ème album très attendu, « Somnambules ». « Somnambules » est un véritable hommage à l’enfance. Réalisé par Craig Silvey (Arcade Fire, Florence and The Machine) l’album fut enregistré au studio Ferber et à l’école Houdon, où Raphaël a mené tel un prof de chant, une chorale composée d’élèves de CM2. Il en ressort un album plus insouciant, plus spontané, qui vous rappellera une certaine Caravane.

2nd album du producteur allemand Martin Enke aka Lake People et faisant suite à Purposely Uncertain Field (2015, Permanent Vacation). Il s’oriente ici vers le coeur de la musique électronique de club : des sons et des grooves épurés et espiègles, entrelacés avec des éléments de techno. Cet album, au groove irrésistible et parfois Larry-Heard-esque, suit une narration pleine de tempérament pour transporter l’auditeur de la joie à la fantaisie en passant par une mélancolie un brin mielleuse en ne quittant jamais sa ligne directrice : le faire continuellement danser.

Mendelssohn par le Quatuor Doric : une interprétation vibrante ! Le Doric String Quartet enrichit son répertoire avec un nouvel album Mendelssohn. L'op. 12 rend hommage à Beethoven, mort quelques années auparavant. Si l'op. 44 n°3 est une longue suite de variations qui fait écho à sa vie amoureuse, l'op. 80 apparaît sombre et mélancolique, reflet de son état d'esprit suite la mort subite de sa soeur Fanny. Ce quatuor a été pensé comme un Requiem : résignée et nostalgique, la musique préfigure la propre mort du compositeur six mois plus tard.

Le renouveau du Black Metal atmosphérique en provenance des Etats-Unis. Sky Swallower est un album fluide et accessible procurant un plaisir d'écoute indubitable. Mêlant influences Black et Death et alternant le tempo en permanence, l'efficacité des riffs est redoutable et l'album s'écoute avec grand plaisir de bout en bout. On navigue constamment entre la violence, la haine, la tristesse et le désespoir. Le talent de Vattnet Viskar et de savoir passer de l'un à l'autre dans une musique demeurant personnelle.

Sleeprydr 7 a été décrit comme un rock psychédélique qui frappe comme un rêve malgré les bandes sonores cauchemardesques (-Stereogum). Slow Sundown, le premier album de Holy Motors, utilise une palette sonore similaire allant de la Pop Psychédélique sombre au Shoegaze. Mais tandis que Sleeprydr et Heavenly Creatures 7 de 2015, ne fournissait qu'un aperçu fugace du paysage onirique que leur musique évoque, les huit titres de Slow Sundown offrent une expérience plus immersive pour ceux qui ont le courage d’y faire le tour.

RUE 2

Z = 7L

THANK YOU GOD

Le troisième album de Transatlantic est un véritable cadeau pour tous les fans de Spock's Beard, The Flower Kings, Marillion, Dream Theater et tous les fans de Prog Metal en géneral. C'est sous l'impulsion de Mike Portnoy (Dream Theater) et de Neal Morse (Spock's Beard) que Transatlantic s'est formé. Le projet réunit la crème du Metal Progressif. Transatlantic affiche l'objectif de proposer une musique qui réconcilie Yes, Genesis, les Beatles et Pink Floyd, bref de mélanger le meilleur des années soixante et soixante-dix avec un son actuel. La musique de Transatlantic se caractérise par la durée extraordinaire des morceaux, les ambiances diversifiées, ainsi que de superbes harmonies vocales. L'album est composé d'une seule pièce d'une durée de 77 minutes, ainsi que d'un second CD contenant huit morceaux, dont quatre reprises : Genesis, Procol Harum, les Beatles et Santana.

Le troisième album de Transatlantic est un véritable cadeau pour tous les fans de Spock's Beard, The Flower Kings, Marillion, Dream Theater et tous les fans de Prog Metal en géneral. C'est sous l'impulsion de Mike Portnoy (Dream Theater) et de Neal Morse (Spock's Beard) que Transatlantic s'est formé. Le projet réunit la crème du Metal Progressif. Transatlantic affiche l'objectif de proposer une musique qui réconcilie Yes, Genesis, les Beatles et Pink Floyd, bref de mélanger le meilleur des années soixante et soixante-dix avec un son actuel. La musique de Transatlantic se caractérise par la durée extraordinaire des morceaux, les ambiances diversifiées, ainsi que de superbes harmonies vocales. L'album est composé d'une seule pièce d'une durée de 77 minutes, ainsi que d'un second CD contenant huit morceaux, dont quatre reprises : Genesis, Procol Harum, les Beatles et Santana.

« Excellent de bout en bout, The Holographic Principle est bien sur l'album le plus abouti d'Epica » Metallian Magazine « La musique symphonique se veut grandiose mais sans compromis. C'est là toute la subtilité d'Epica » MyRock « Epica a visiblement décidé d'aller plus loin dans l'exploration de ses multiples talents, plus Heavy et plus technique» Metal Obs' « Un album très puissant et inspiré, finement arrangé et très abouti d'un point de vue technique. Une réussite totale !» Rock Hard

Easy' est le premier album du groupe de rock australien The Easybeats, enregistré en quelques jours aux Studios EMI de Sydney. L'album était à l'origine une sortie exclusivement australienne, mais est devenu disponible internationalement dans les années 90. La plupart des chansons de l'album ont été écrites par George Young et la chanteuse Stevie Wright. C'est un premier album remarquable, proche de la musique Merseybeat des groupes étrangers. 'Easy' comprend leur premier hit australien, She's So Fine, rempli de parties de basse et de pauses de guitare.

La nouvelle série Netflix produite par David Fincher et Charlize Theron. Une musique originale de Jason Hill. Voici la nouvelle série Netflix - adaptée du livre Mindhunter : Dans la tête d’un profileur - produite par David Fincher (The Social Network) et Charlize Theron (Monster) entre autres. La série est diffusée depuis le 13 octobre. David Fincher a confié à Jason Hill la lourde tâche de composer la musique originale de cette nouvelle série énigmatique, après avoir déjà travaillé avec lui sur Gone Girl. Pour Mindhunter, le compositeur américain (déjà fort de collaborations avec New York Dolls, Ariel Pink, David Bowie, Robbie Williams, The Killers, ou encore Macy Gray) a créé un impressionnant paysage sonore qui fait la part belle aux cordes plaintives et aux bois aérés.

Plusieurs histoires, d'amour, d'art et de famille(s) coexistent dans ce disque qui sonne comme un grand cru millésimé. Laurent Courthaliac y rend un splendide hommage à la musique be-bop et à sa protectrice et muse, la baronne Pannonica de Koenigswarter, dont la petite-fille artiste, Nadine, signe la pochette. Au fil d'un répertoire où ses compositions se mêlent à celles des géants de l'époque, Thelonious Monk en tête, le pianiste, à la tête de son trio, nous emmène dans les méandres d'une époque et d'un style qui apparaît encore plus que moderne : éternel.

The First Twenty Years est un best of incluant 1 titre bonus inédit de 19 : 45 mn, soit plus de 2h30 de musique au total ! Spock’s Beard s’est affranchi de toutes ces histoires d’influences et de quête identitaire pour se concentrer sur l’essentiel, à savoir : les compos et le plaisir de les jouer. De toute évidence, c’était le bon choix car le groupe a pu conserver ainsi la verve et la fougue de sa jeunesse. Egalement inclus un DVD bonus avec du matériel rare sur le groupe filmé dans les années 90 et notamment lors de leur passage au Progfest '97, ou en studio de répétition

Depuis la sortie du premier album en 1988, Deicide a toujours suscité la controverse à travers le monde pour ses paroles et sa musique intransigeante. Le groupe a été la cible de groupes pro-chrétiens et d'activistes des droits des animaux, ainsi que de groupes de pro-censure. Le chanteur de Deicide, Glen Benton, a marqué son crucifix à l'envers comme une déclaration d’intention et a été présenté dans le documentaire «Death Metal Murders» de la BBC2, qui a été également la couverture du groupe dans les journaux de la BBC et du UK National. Ils continuent d'enregistrer et de tourner jusqu'à ce jour.