Winslow Leach, jeune compositeur inconnu, profite de l’entracte lors d’un concert des Juicy Fruits, le groupe pop à la mode, pour jouer sa cantate Faust. Swan, le plus grand producteur de musique de tous les temps, l’entend et décide que ce sera la musique pour inaugurer le Paradise, son Palais du Rock. Il vole la partition de Leach et le fait jeter en prison. Ce dernier parvient à s’échapper et, après avoir été défiguré et perdu sa voix, est prêt à tout pour se venger

Le septième album de la série Octave Remastered, une collection de musique parmi les plus importantes de l'histoire du jazz, est arrivé Il s'agit du premier album traditionnel en studio d'Erroll Garner en cinq ans, et peut-être son album le plus ambitieux en tant que compositeur. Les sélections ont sûrement été inspirées par le nouveau groupe de musiciens réunis pour les sessions, dont le percussionniste José Mangual, qui jouera avec Garner pour le reste de sa carrière. L'atmosphère, enregistré sur bande, est à la fois électrique et joyeuse.

Robert Plant a formé The Sensational Space Shifters en 2012, groupe avec lequel il tourne et enregistre depuis. Robert Plant a toujours aimé intégrer la musique de nombreuses cultures dans son travail. Avec leur mélange de rythmes africains, de musique rock et de racines traditionnelles, les Space Shifters en sont la parfaite illustration. En octobre 2016, ils participaient au premier 'Festival Of Disruption' à l'Ace Hotel Theatre de Los Angeles, un événement pour collecter des fonds pour la Fondation David Lynch. Au programme, des titres de leur album Lullaby and... The Ceaseless Roar sorti en 2014 et bien entendu les classiques de Led Zeppelin revisités. Ce spectacle qui a reçu un accueil enthousiaste du public lors du concert, est maintenant disponible en DVD pour la première fois.

Atypique, Long Distance Calling l'est assurément. Le choix d'être un groupe instrumental montre une vraie volonté de se démarquer. Il faut dire que la musique se suffit à elle-même. Long Distance Calling propose sur The Flood Inside un Metal Progressif et atmosphérique, paré d'électronique du plus bel effet. Entre Tool et Pink Floyd. La nouveauté cette fois ci étant que le groupe a décidé des parties vocales. Multipliant ainsi les couches instrumentales et vocales, Long Distance Calling captive son auditoire en alternant les passages Rock gorgés d'électricité, les ponts atmosphériques reposants, privilégiant les montées en puissance pour revenir au riff principal, moteur de la musique. Long Distance Calling a donc réussi son quatrième album avec brio et confirme son statut de groupe en pleine progression.

Que dire qui n'ait pas été dit au sujet de cet album incontournable pour tout amoureux de musique ? Ce double album d'Ella Fitzgerald consacré au répertoire de Cole Porter est tout simplement l'un des plus grands chefs d'oeuvre du jazz vocal, un album île déserte. En 2003, cet opus a fait partie des cinquante albums à être choisi par le Congrès américain pour faire part de la prestigieuse « Library Of Congress » de Washington.

Plus violent et caustique que son prédécesseur, The Thousand Faces Of Lies de DEATH DECLINE marque un pas de plus vers une brutalité sans compromis, ou chaque morceaux dépeint une vision glaciale de notre évolution. DEATH DECLINE délivre une musique puissante et racée, bâtie avec la rage et la passion propres aux contrées extrêmes et dont l'impact sonore est simplement... ravageur. (www.musicwaves.fr)Pour fans de MEGADETH, MORBID ANGEL, ARCH ENEMY.

RINGS OF SATURN repousse encore plus loin les limites de la technicité et de la haute précision. Une nouvelle dimension cosmique et complexe tout en restant entraînant et musical ! La musique de Rings Of Saturn est basée sur la rapidité à la frontière de la frénésie épileptique. Les sonorités harmoniques et cohérentes n’ont donc pas leur place dans le monde de Rings Of Saturn. Les américains propose un Deathcure survitaminé, original, puissant et surtout inclassable où le talent et la maîtrise technique sont au rendez-vous.

Rêvolution est un disque qui déborde, qui donne plus qu'il ne prend, un disque lumineux, volontaire, généreux et rigolard, maquisard et empathique, pas dupe et jamais blasé, c’est une déclaration d'amour à la musique, la leur, la nôtre, rap, reggae, soul, funk. C'est une main tendue à tous ceux qui ne veulent pas se contenter de respirer, un avertissement aussi, à ceux qui entretiennent la haine sans penser aux conséquences, à ceux qui se trouvent toujours une excuse pour ne pas avancer, pour accuser l'autre de leurs propres dérives.

Rêvolution est un disque qui déborde, qui donne plus qu'il ne prend, un disque lumineux, volontaire, généreux et rigolard, maquisard et empathique, pas dupe et jamais blasé, c’est une déclaration d'amour à la musique, la leur, la nôtre, rap, reggae, soul, funk. C'est une main tendue à tous ceux qui ne veulent pas se contenter de respirer, un avertissement aussi, à ceux qui entretiennent la haine sans penser aux conséquences, à ceux qui se trouvent toujours une excuse pour ne pas avancer, pour accuser l'autre de leurs propres dérives.

Après le succès de l’album « Youth in the Dark » en 2012, Sam Alone (Poli Correia’s) qui n’est autre que le chanteur charismatique du groupe The Devil In Me revient avec son nouvel album. Gardant la même ligne directrice dans sa musique à la fois agressive et entraînante, Sam Alone va encore plus loin que dans les précédents albums, à fouiller la nature humaine dans ses profondeurs. Un savoureux mélange de rock’n’roll, de folk et de country. Tougher Than Leather n’est finalement qu’un constat des aléas de la vie, criant de vérité.

Aux sources de la polyphonie anglaise avec le fabuleux ensemble Graindelavoix ! Grandelavoix interprète la musique de deux compositeurs anglais de la fin du XVe siècle : John Browne et Thomas Ashwell. Dans Missa Ave Maria de Ashwell, les voix s'enchevêtrent d'une façon incroyable, grâce à la liberté individuelle donnée aux chanteurs. Encadrant la messe de Ashwell, deux motets amples appréciés des polyphonistes de l'Angleterre des Tudor : le Stabat mater et la première version du Salve Regina de John Browne.

The Healing Water est conçu spécifiquement pour les Spa, centres de massage et tous les arts de remise en forme, comme un outil puissant pour la relaxation et la méditation. La combinaison entre la musique et le touché crée une amélioration et une élévation de votre sensation de bien-être. L'album contient une piste en continue avec pour caractéristiques acoustiques, classiques et guitares électriques, basse, flûte, clavier, orgue, piano électrique et le synthétiseur. Accompagnement idéal avec l'eau.

Dans un monde en crise où le bruit vous agresse, revenez aux fondamentaux de la musique pour la détente et passez un moment de calme et de sérénité en écoutant The Cool Concept : une nouvelle collection pleine de charme et de sensualité. Avec les meilleurs artistes - d'hier ou d'aujourd'hui - du catalogue Sony, laissez-vous tenter par cette vague de douceur qui à chaque écoute vous donnera la sensation d'être en vacances toute l'année.

Dans un monde en crise où le bruit vous agresse, revenez aux fondamentaux de la musique pour la détente et passez un moment de calme et de sérénité en écoutant The Cool Concept : une nouvelle collection pleine de charme et de sensualité. Avec les meilleurs artistes - d'hier ou d'aujourd'hui - du catalogue Sony, laissez-vous tenter par cette vague de douceur qui à chaque écoute vous donnera la sensation d'être en vacances toute l'année.

NICOLA BENEDETTI : DU VIOLON AU 7EME ART, IL N'Y A QU'UN PAS... A 24 ans, la jeune écossaise, Nicola Benedetti, est considérée comme l'une des violonistes les plus talentueuses de sa génération. Gagnante à 16 ans seulement du prestigieux concours de la BBC Young Musician of the year en 2004, la jolie virtuose a fait de l'accès du plus grand nombre à la musique classique son cheval de bataille. Elle est depuis cette année la marraine de Big Noise, l'équivalent Ecossais du Sistema Venezuélien. Son nouvel album The Silver Violin, consacré aux plus belles pages composées pour le violon dans les musiques de films, est le reflet de son engagement : Faire la connexion entre le grand public et la musique classique à travers les musiques de film m'a semblé une évidence. Nicola Benedetti a donc élaboré un programme passionnant, à partir du fameux Concerto pour violon de Korngold (compositeur Autrichien, émigré à Hollywood pour fuir le nazisme). Parmi d'autres joyaux du répertoire, on retrouvera également la célèbre Romance de Chostakovitch (The Gadfly). Le cinéma contemporain n'est pas en reste avec le poignant et oscarisé thème principal de la Liste de Schindler de Spielberg (composé par John Williams) et Les Promesses de l'ombre de David Cronenberg (musique d'Howard Shore interprétée par Nicola Benedetti sur la bande-originale du film en 2007). UN PONT ENTRE PASSE ET PRESENT, EST ET OUEST, MUSIQUE CLASSIQUE ET GRAND PUBLIC

The Suspended Harp of Babel (La harpe suspendue de Babel) propose des interprétations particulièrement représentatives des qualités de la musique chorale du compositeur estonien Cyrillus Kreek (1889-1962). Les pièces de Kreek, incorporant avec finesse des citations des psaumes et d'hymnes folkloriques, sont présentées ici aux côtés de fantaisies et interludes instrumentaux composés spécifiquement pour cet enregistrement par Marco Ambrosini. Sous la direction de Jaan-Eike Tulve, le choeur Vox Clamantis - qu'on a pu entendre précédemment sur ECM dans des enregistrements consacrés aux oeuvres d'Arvo Pärt, Erkki-Sven Tuur ou Helena Tulve ainsi que dans des disques de chants grégoriens - se révèle l'interprète idéal de cette musique faisant le lien entre l'ancien et le nouveau. The Suspended Harp of Babel a été enregistré dans l'église de la Transfiguration à Tallinn en août 2018.

Andras Schiff poursuit son exploration de la musique de Franz Schubert et consacre ce nouveau chapitre aux Quatre Impromptus D 899 et aux compositions datant de 1828, la dernière année de la trop brève vie du compositeur : les Trois Pièces D 946 (possédant toutes les caractéristiques de l'impromptu sauf l'appellation note Misha Donat dans le livret du CD), la Sonate en Si mineur D 958 et la Sonate en La majeur D 959. Pour ces enregistrements Schiff une fois encore a choisi d'utiliser son pianoforte fabriqué par Franz Brodmann à Vienne, aux alentours de 1820. Les critiques se sont retrouvés unanimes à louer les interprétations que Schiff a proposé de la musique de Schubert : 'Je ne vois personne d'autre de son calibre capable de maîtriser aussi bien le pianoforte que le piano moderne en faisant preuve d'un tel sens des nuances sur chacun d'eux' a écrit Stephen Plaistow dans une critique publiée dans Gramophone.

Pour faire suite à leur enregistrement des sonates de Franck et Strauss sur Onyx, Augustin Dumay et Louis Lortie se tournent maintenant vers Brahms. Les trois Sonates pour violon et piano forment le corpus le plus important de la musique écrite pour cette combinaison d'instruments, après les 10 sonates de Beethoven. De la mélancolie et de la réflexion dans la sonate en sol majeur, du soleil radieux et un travail grandiose et passionné dans la sonate en ré mineur, le génie créatif de Brahms pousse l'écriture pour violon et piano dans un nouveau territoire et révèlent un compositeur en pleine possession de ses moyens. Quel que soit le répertoire, la musique partagée par Augustin Dumay et Louis Lortie est authentique dans son interprétation, parfaitement exécutée et unique grâce à une complicité à toute épreuve.

En 2013, GOLDFRAPP sortait Tales Of Us, un album folk empreint de tous les codes du songwriting. Ce nouvel album, Silver Eye, marque le retour du groupe dans un autre registre, tant sa palette sonore est électronique, sombre, profonde et inspirée de l’électro underground. Après avoir passé dix jours à Dallas avec John Congleton, le producteur de St. Vincent, John Grant et Wild Beasts, récompensé par un Grammy, Alison et Will sont allés à Londres où ils ont fait équipe avec le compositeur de musique électronique Bobby Krlic, alias The Haxan Cloak. Leo Abrahams, collaborateur de Brian Eno, a ajouté des textures de guitare abstraite et l’album a été mixé par David Wrench (The xx, Fka Twigs, Caribou). Le visuel, qui constitue une analogie parfaite au drame des éléments contenu dans la musique, a été entièrement conçu et photographié par Alison sur une île volcanique des Canaries.

Quand, en 2009, le guitariste virtuose Tobin Abasi a sorti son premier album sous le nom de Animals As Leaders il était impensable qu'un album mixant du metal progressif, du jazz, des sonorités électroniques et ambient trouve un large public. Ce fut le cas et deux ans plus tard le second album du groupe enfonça le clou et valut à Animals As Leaders une place de choix dans la scène. Steve Vai déclara même que le groupe était le futur du jeu de guitare à la fois inventif et virtuose. 2014 voit la sortie du troisième album du groupe avec deux nouveaux membres dont la technique pousse la musique du groupe vers de nouveaux horizons musicaux. Toujours instrumentale la musique de 'The Joy Of Motion' est d'une parfaite maitrise entre riffs metal, soli d'enfer, plages ambient et signatures jazz.

Dès l'âge de 5 ans, Julia est passionnée par la musique. à 8 ans, elle décide de prendre des cours de chant et rêve d'en faire son métier. à 16 ans, Julia rencontre Mylène Farmer et Laurent Boutonnat. Ils décident de rentrer en studio pour enregistrer sa première chanson : S.E.X.T.O. Julia prépare actuellement son premier album. TRACKLISTING : 1. S.E.X.T.O 2. S.E.X.T.O (Remix by Global Deejays) 3. S.E.X.T.O (Club Remix by Global Deejays) 4. S.E.X.T.O (Remix by KLYMVX) 5. S.E.X.T.O (Remix by Skydancers) 6. S.E.X.T.O (Club Remix Edit by Global Deejays)

Sa voix surtout véhicule puissamment la sincérité de ses convictions, avec une expressivité doloriste héritée de la soul LE MONDE ‘Antony n'est plus, les Johnsons non plus : place à Anohni, femme puissante. Son album est une claque.’ GRAZIA ‘Un triple changement - de sexe, de nom et de musique - n’empêche en rien l’ancien Antony de côtoyer l’excellence.’ LES INROCKS Plébiscité par la presse et nominé au prestigieux Mercury Prize, Hopelessness, le dernier album d’Anohni, fut un véritable succès critique. Plus que jamais, Anohni s’impose aujourd’hui comme l’une des plus importantes porte-paroles du féminisme et délivre une nouvelle diatribe de notre société actuelle sur cet EP sobrement intitulé Paradise. Anohni continue ici son exploration de la musique électronique, tout en se révoltant contre la brutalité qui secoue la planète sur les six titres qui composent ce nouvel ep, toujours en collaboration avec les producteurs de renom Hudson Mohawke et Oneohtrix Point Never, qui avaient produit Hopelessness.

Standards est un savant mélange d'improvisations, de compositions spontanées, de thèmes référencés que Sylvain Luc nous propose. Toutes les possibilités de la guitare acoustique sont exploitées avec une sensibilité et une émotion que vient domestiquer une grande rigueur. Ici, la guitare devient tout à coup quelque chose de terriblement sensuel, de dépaysant. D'un voyage au bout de lui-même en solitaire, Sylvain a su revenir avec une musique qui parle et chante même, à tout le monde.

« Fragile et audacieux, direct et poétique, un si bel album atemporel... Entre Rosalie Sorrels et The Only Ones ! C’est ainsi que le chanteur Devendra Banhart évoque le premier album de SYLVIE SIMMONS. La notoriété de SYLVIE SIMMONS en tant que journaliste rock n’est plus à refaire : née à Londres, amoureuse des Etats-Unis et de la musique, elle rejoint LA dans les années 70 et écrit notamment les biographies de Leonard Cohen et de Serge Gainsbourg - elle a même fait l’objet d’un documentaire de la BBC, The Rock Chick. « La seule ligne directrice de ma vie est la musique », explique Sylvie. « Ecrire sur elle et la jouer en cachette... jusqu’à aujourd’hui. » Sylvie se met complètement à nu sur cet album sensuel, brut et délicat, où elle joue d’un ukulélé qui sonne comme une harpe cassée ou une guitare au coeur brisé. « Ces chansons sont vraies, c’est comme ça qu’elles me sont venues, seules dans la nuit, tristes, douces et mystérieuses ».

Après un album triple platine, 2 Victoires de la Musique dont celle d'Artiste Interprète de l'année et une tournée couronnée de succès avec plus de 200 000 spectateurs conquis, Olivia Ruiz offre la version live de Miss Météores. Retrouvez les versions live des titres de l'album Miss Météores, ainsi que les titres phares d'Olivia Ruiz (« J'traine des pieds », « La Femme chocolat », etc).

Maestro de l'accordéon, Richard Galliano a trouvé au Japon un public attentif et respectueux. En 2018, pour son quatrième séjour dans l'archipel depuis 1975, il a donné trois concerts en solo à Tokyo lors d'un festival de musique classique. Présenté ici, ce concert témoigne de son talent unique à apporter sa touche personnelle, sensible, aux compositeurs de tous horizons, des maîtres du classique (Bach, Debussy, Chopin, Satie) aux airs brésiliens, sans oublier, bien entendu, la musique française populaire illustrée par le musette et un homme à Claude Nougaro et Michel Legrand. Richard Galliano a toujours considéré l'accordéon comme un orchestre à lui tout seul. Dépoussiéré, l'instrument roi des bals populaires, imprime son pouvoir évocateur à toutes les musiques. Le Victoria, le Stradivarius de l'accordéon, devient sous les doigts de l'artiste niçois 'un Steinway à bretelles'

Blowzabella est un groupe véritablement unique de folk Anglaises et Européenne. Leur son basé la musique de Drone créé un mur de sons dans lequel l'auditeur est obligé d'etre emporté. Beaucoup de leur morceau sont des standards dans le répertoire folklorique britannique/européen moderne et sont joués par des groupes du monde entier. Blowzabella sont souvent cités comme une source d'influence majeure par les groupe de musique folklorique.

Toto est un groupe de musique rock nord-américain (États-Unis) fondé dans les années 1970 en Californie par Jeff Porcaro (batterie) et David Paich (clavier), auxquels se joignent Steve Lukather (guitare), Steve Porcaro (clavier), David Hungate (basse) et Bobby Kimball (chant). Le son du groupe mêle, entre autres, des influences de pop rock, de jazz-rock fusion et de funk. Retrouvez le meilleur du groupe phare !

Quatre voix en polyphonie sur un tapis de percussions. CHET NUNETA explore la voix au travers des chants traditionnels et de la création musicale. Une langue méconnue, un dialecte en disparition, l'histoire d'un peuple, un poème populaire, autant de points de départ pour l'immersion dans un continent sans frontières. Avec Chet Nuneta nous sommes dans un domaine où il est impossible de faire la part de la tradition et de la création personnelle, de la mémoire et de l'imagination. (...) La musique de Chet Nuneta est une musique sans frontières : musique d'itinérances qui se nourrit de toutes les émotions, de toutes les découvertes et des envies d'aller voir toujours plus loin. Subtilités rythmiques et éclectisme des inspirations (komi, pygmée, moldave, séfarade, chinoise, arabe), mélancolie lyrique ou allégresse de l'improvisation, elle est portée par une énergie jubilatoire, un souffle de vitalité et de plaisir contagieux.

Phil Collen, guitariste du groupe anglais Def Leppard et du groupe alternatif roots/rock Manraze, a fondé le groupe Delta Deep avec le souhait de revenir à ses racines blues. Le groupe a été comparé à « Aretha Franklin & Chaka Khan jouant du Led Zeppelin ! », non seulement grâce à des riffs qui empruntent au Delta mais également grâce à la voix soul de la chanteuse Debbi Blackwell-Cook. Le Elmore Magazine a écrit « Si vous aimez le rock’n roll émotionnel, spirituel et pourtant provocant, ne cherchez pas plus loin que Delta Deep ». Quant au Axis Magazine, la citation parle d’elle-même : « Si le but du groupe est de créer de la musique qui ranime la musique blues, leur mission est accomplie. » Album enregistré dans des conditions de concert chez « Daryl’s House » (du groupe Hall & Oates) en avril 2016.

Loco Cello c'est l'aboutissement de 10 ans d'entente et d'échanges artistiques entre François Salque et Samuel Strouk. Partis à la recherche d'une nouvelle esthétique, au croisement de la musique classique et du jazz à cordes, ils ont choisi de s'entourer du brillant guitariste de jazz manouche Adrien Moignard et de son fidèle compagnon de route Jérémie Arranger à la contrebasse. Ils ont ainsi créé un quartet soudé et inédit capable de repousser les frontières entre écriture et improvisation, entre musique de chambre et jazz. S'inspirant librement du grand répertoire comme de musiques traditionnelles, Loco Cello propose un répertoire nouveau basé sur des compositions de Samuel Strouk comme sur des arrangements originaux d'oeuvres classiques. Le quartet Loco Cello passe de Felix Mendelsohnn à Django Reinhardt avec une souplesse déconcertante tout en conservant ce son original qui le caractérise. Ces années de scène et de recherches communes ont donné lieu à une musique ou la complicité et la maîtrise sont les maîtres mots. Le groupe est composé de deux guitares, un violoncelle et une contrebasse et réuni des solistes de renoms très identifiés par un public qui les suit depuis de nombreuses années.

Julian et Roman Wasserfuhr offrent un jazz au style raffiné et rempli d'émotions La musique est inspirée, façonnée et développée par les lieux où elle est. Et c'est là que réside le stimulant créatif que le producteur Siggi Loch donne à Julian et Roman Wasserfuhr : sa recherche continuelle de nouveaux contextes pour leur jeu leur ouvre des perspectives musicales jusqu'alors inimaginables. Après leur voyage musical en Suède en 2009, à Brooklyn en 2017, les frères se sont rendus sur la côte ouest de l'Irlande et au Lettercollum Studio de John Fitzgerald à Cork. Et pour la première fois, ils sont rejoints par le violoncelliste Jörg. Relaxin' in Ireland est un aperçu très personnel de l'île d'émeraude à travers le langage de la musique, il raconte comment les environs de West Cork ont ensorcelé le trio au moment de leur création musicale.

à travers Juramento Mantarraya, Aries et son co-producteur, José Vazquez, créent un orchestre : un mélange passionnant de rythmes soul et free-jazz, mélodies des groupes de filles des années 60, sunshine pop, folk espagnol et électronique expérimentale. Combinant samplers, synthés, guitares, sa précieuse voix et les sons de la côte galicienne où elle parle d'amitié, d'amour et de la beauté de l'erreur. Soutenu par Red Bull Music Academy. Aries a également composé la musique du jeu vidéo de Playstation Melbits World.

à travers Juramento Mantarraya, Aries et son co-producteur, José Vazquez, créent un orchestre : un mélange passionnant de rythmes soul et free-jazz, mélodies des groupes de filles des années 60, sunshine pop, folk espagnol et électronique expérimentale. Combinant samplers, synthés, guitares, sa précieuse voix et les sons de la côte galicienne où elle parle d'amitié, d'amour et de la beauté de l'erreur. Soutenu par Red Bull Music Academy. Aries a également composé la musique du jeu vidéo de Playstation Melbits World.

McFarlane Reality Guest est le nom collectif du trio dirigé par McFarlane. En tant que membre du groupe Twerps, McFarlane traverse depuis quelques années une musique pop mélodique centrée sur la guitare tout en respectant un langage musical unique et très personnel. Ta Da est son premier album solo, sorti à l'origine dans son Australie natale sur Hobbies Galore. Synthétiseur et saxophone, la déclaration vocale de McFarlane est une déclaration accentuée, simple et factuelle. Alors que le précédent travail de McFarlane dans Twerp faisait référence à une guitare pop anglaise des années 80, Ta Da présente différentes influences, plongées dans la musique psychédélique et les synthés. C'est un mélange brillant et habile nageant dans le minimalisme de Young Marble Giants imbibé de pop dénudée et semblable à celui de Kevin Ayers qui donne un sens à la créative banlieue de Melbourne aux visages à moitié reconnus sous un soleil aveuglant.

McFarlane Reality Guest est le nom collectif du trio dirigé par McFarlane. En tant que membre du groupe Twerps, McFarlane traverse depuis quelques années une musique pop mélodique centrée sur la guitare tout en respectant un langage musical unique et très personnel. Ta Da est son premier album solo, sorti à l'origine dans son Australie natale sur Hobbies Galore. Synthétiseur et saxophone, la déclaration vocale de McFarlane est une déclaration accentuée, simple et factuelle. Alors que le précédent travail de McFarlane dans Twerp faisait référence à une guitare pop anglaise des années 80, Ta Da présente différentes influences, plongées dans la musique psychédélique et les synthés. C'est un mélange brillant et habile nageant dans le minimalisme de Young Marble Giants imbibé de pop dénudée et semblable à celui de Kevin Ayers qui donne un sens à la créative banlieue de Melbourne aux visages à moitié reconnus sous un soleil aveuglant.

Pour succéder à Blue Moon, Ahmad Jamal nous offre avec la même équipe de choc un album solaire, construit sur ces ballades dont il a le secret, moments de grâce suspendus au firmament de la grande Histoire de la «musique classique américaine» - le disque contient aussi une superbe reprise de Duke Ellington et un hommage à Horace Silver. Avec son jeu à la fois rythmique et aérien, il sculpte une transe voluptueuse et nous conduit vers un sommet musical : l'épure du groove.

C'est une entreprise de longue haleine qu'a débuté il y a plus de dix ans le chanteur de Carthage, Curro Pinana, et qui culmine aujourd'hui avec cet enregistrement. Cette sélection célèbre la culture juive, et principalement la figure de Ibn Gabirol, un immense personnage de la culture sépharade mystique. Il présente une collection de poèmes mis en musique, dont cinq de Gabirol extraits de son oeuvre « L'âme affligée » ainsi que de nombreux autres, afin de d'immerger dans la quête spirituelle perpétuelle de ces figures tutélaires qui parlent à nos sens.

Le plus essentiel des groupes alternatifs ! Lo'Jo invente dans ce nouvel album enregistré aux quatre coins de la planète sa propre musique universelle, avec des couleurs électro-acoustiques qui apportent un éclairage surprenant et inédit. Chaque morceau possède une modernité pop avec son lot de fulgurances poétiques et d’inventions rythmiques. Le groupe dont personne désormais ne conteste l’aura poursuit sa trajectoire unique et livre un album puissant. Une seconde naissance ! POUR CEUX QUI AIMENT Albin de la Simone, Miossec, Arno, Camille

Après la sortie de Dark Arc, en 2014, SAINTSENECA revient avec Such Things. Album qui s’éloigne de la qualité sonore cinématographique et linéaire dont le leader du groupe, Zac Little, nous avait habitués, en incorporant çà et là, les idée de ses compagnons. Le premier single « Sleeper Hold » est aussi vibrant qu’entêtant, mêlant punk, folk et rock’n roll, autours d’un refrain hymnique. Little décrit son projet comme étant « Un groupe unique et singulier, façonné par la musique des montagnes Appalaches et l’insouciance du Punk. »

Il ne pouvait en être autrement de la rencontre entre le talentueux pianiste italien et le batteur américain. Dans une parfaite complicité, ils créent et ils inventent une musique surgie de leurs deux mondes intérieurs. Romantiques, lyriques, souvent improvisés mais jamais ennuyeux, leurs duos sont des compositions excitantes qui fourmillent d'inventivité. Antonello Salis utilise aussi bien le piano traditionnel que le piano préparé et son jeu évoque parfois Cecil Taylor. Joey Baron triture ses fûts et ses cymbales tel un dompteur au milieu de son attirail percussif et on ne peut s'empêcher de penser à ses travaux new-yorkais en compagnie de Bill Frisell par exemple. Enregistrés en mars 2007, ces onze morceaux sont directs, immédiats, et ils vont immanquablement plaire à tous les amoureux de jazz moderne amateurs de musique différente et sans concessions

La présente anthologie constitue une introduction parfaite à l’art du compositeur dont nous célébrons le 450e anniversaire cette année. En 2CD, voici une sélection des plus importants chefs-d’oeuvre de la musique sacrée et profane de Monteverdi, issues d’enregistrements de référence du label Deutsche Grammophon. Y figurent notamment des extraits de L’Orfeo, du Couronnement de Poppée et des Vêpres de 1610, ainsi que le célèbre Lamento d’Arianna (monologue de L’Arianna, opéra perdu de Monteverdi), plusieurs madrigaux (dont le Lamento della ninfa) et des morceaux choisis de musique sacrée issue de Selva morale e spirituale. Les interprètes sont également de premier choix, figurant parmi les meilleurs chanteurs, instrumentistes et chefs de la musique ancienne : Anna Prohaska, Emma Kirkby, Sylvia McNair, Magdalena Kozená, Anne Sofie von Otter, Bernarda Fink, Anthony Rolfe Johnson, Nigel Rogers, John Tomlinson, David Thomas, The Monteverdi Choir, English Baroque Soloists, Gabrieli Consort & Players, Concert of Musicke, John Eliot Gardiner, Paul McCreesh, Andrea Marcon et Anthony Rooley.

LA MUSIQUE LIBRE, VIBRANTE, LYRIQUE ET SANS FRONTIèRE DE DANIEL HERSKEDAL THE ROC Au cours des deux dernières années, Daniel Herskedal a atteint une notoriété internationale dans le monde du jazz, tournant avec son groupe aux quatre coins de l'Europe et du Japon. Son nouvel album est empreint d'influences musicales orientales suite à ses séjours en Syrie, Liban et Palestine. Les musiciens intègrent à leur vocabulaire musical les modes, rythmes et grooves orientaux; ensemble ils sculptent de magnifiques paysages sonores et l'apport du violon et violoncelle enrichissent la subtile trame harmonique et mélodique. Le timbre des instruments utilisés par Herskedal est véritablement envoûtant et unique. Remarquable mélodiste, porteur d'un jazz aérien aux couleurs et sonorités nordiques, il repousse les limites à la fois techniques et sonores du tuba, en défiant les conventions de l'instrument. Nous sommes ici en présence d'un trio captivant qui devrait ravir tous les amateurs d'une musique libre, vibrante, lyrique et sans frontière. POUR TOUS CEUX QUI AIMENT : Mats Eilertsen Trio, Helge Lien Trio, Marius Neset, Trio Elf Alboran Trio, Tore Brunborg, Eple Trio, Hakon Kornstad, etc....L'un des petits ensembles les plus uniques et les plus novateurs en Europe à ce jour, apportant un large mélange d'influences issues du folk, du jazz, de la musique classique et arabe. FRANCE MUSIQUE (FR)

Le génie de Joplin, c'est d'avoir réalisé la synthèse des musiques populaires des saloons et des boîtes de nuit, où blancs et noirs mélangeaient leurs connaissances musicales : harmonie pour les blancs, sens de la polyrythmie pour les noirs. Joplin rapiéça ces lambeaux de musique (d'où le terme de rag) pour en faire un style stabilisé. Avec la publication Maple Leaf Rag en 1899, oeuvre qui a codifié la structure du rag classique, Joplin connaît une gloire qu'a relancée pour des générations encore The Entertainer, musique originale du film l'Arnaque. C'est le mot «joie» qui décrit le mieux le sentiment que l'auditeur ou l'interprète ressent à l'écoute de la musique de Joplin. Cette joie, néanmoins, est quelque peu paradoxale car ces morceaux furent composés par un homme dont la vie fut à bien des égards placée sous le sceau de la frustration et de la tragédie. Afro-Américain qui lutta pour une reconnaissance du ragtime comme forme artistique à part entière, Joplin fut doublement maudit. En tant qu'homme Noir, il vécut à une période où régnait un système qui non content de ne laisser aucun droit civique aux Noirs, s'acharnait également à dénigrer leurs créations artistiques.

Christophe Maé revient enfin avec un nouvel album ‘Je veux du bonheur’, qui s’annonce clairement comme la sortie la plus attendue de l’année. Bercé par l’influence de la Louisiane et de la musique du Sud-Est américain, Christophe Maé nous propose un album rempli de tubes imparables, aux mélodies ciselées qui accrochent dès la première écoute. Avec ‘Je veux du bonheur’, Christophe Maé nous propose son album le plus abouti et le plus ambitieux.

Christophe Maé revient enfin avec un nouvel album ‘Je veux du bonheur’, qui s’annonce clairement comme la sortie la plus attendue de l’année. Bercé par l’influence de la Louisiane et de la musique du Sud-Est américain, Christophe Maé nous propose un album rempli de tubes imparables, aux mélodies ciselées qui accrochent dès la première écoute. Avec ‘Je veux du bonheur’, Christophe Maé nous propose son album le plus abouti et le plus ambitieux.

Pionniers d'un punk rock emo, les membres de HAWTHORNE HEIGHTS ont tutoyé les sommets tout au long de leur carrière. Disques d'or ou de platine aux USA, leurs précédents albums (The Silence In Black And White, If Only You Were Lonely) ont toujours été encensés par la critique. Classés numéro 3 dans le top 200 de Billboard ou invités aux côtés de THE DESCENDANTS ou encore COHEED AND CAMBRIA, les cinq musiciens offrent à l'écoute une musique poignante et richement travaillée. Leurs 16 meilleurs titres sont ici regroupés, témoignant de leurs talents d'écriture et de composition.

La B.O émotionnelle et minimale de Max Richter de la série télévisée de Damon Lindelof sur un événement mondial post-apocalyptique où 2% de la population mondiale disparaît sans explication, sort pour la première fois en vinyle. L'approche de Richter explore les sentiments familiaux du personnage principal, à travers une musique intime. Il aborde ce paysage psychologique en apportant une qualité rituelle à la partition, tandis que les thèmes du départ et de la perte sont représentés par un sentiment de décomposition sonore, reposant sur l'instrumentation de quelques sons soutenus par des pianos et des harpes.

à l'occasion du centenaire de la naissance de Boris Vian, venez célébrer le Prince De Saint-Germain-Des-Prés dans un coffret 3CD évènement et en vinyle ! Redécouvrez le chanteur, sa mythique trompinette, son verbe tranchant, mais également ses plus beaux titres interprétés par les grandes voix de l'époque ! Inclus les titres : Le Déserteur - Je Bois - Je Suis Snob - Complainte Du Progrès - La Java Des Bombes Atomiques - Fais-Moi Mal Johnny (Avec Magaly Noël) - Musique Mécanique (Par Juliette Gréco) - Moi J'Préfère La Marche A Pied (Par Henri Salvador).

Dans un cas curieux de hasard, alors qu'Aphex Twin refait surface pour la première fois depuis dix ans avec Syro, deux des pièces les plus cruciales du casse-tête de Drexciya réapparaissent également dans les rayons des magasins. Le premier album complet de Drexciya, Neptune's Lair, et le premier album de Transllusion, The Opening of the Cerebral Gate, ont finalement été réédités, ce dernier contenant des titres inédits en bonus. En apparence, il semble y avoir peu de liens entre ces contemporains du début des années 90, à savoir le producteur britannique qui a développé un culte de la personnalité et deux des plus obscurs fabricants de musique électronique à avoir jamais élu domicile à Detroit. Mais les deux actes ont une étiquette commune et il est presque impossible d'imaginer la musique idiosyncratique de Richard D. James sans l'exemple insulaire mais profond de Drexciya.

Après ses débuts l’an passé avec The Acid Documents, Jamal Moss, alias Hieroglyphic Being, revient pour un second album chez Soul Jazz Records, cette fois sous le nom d’Africans With Mainframes. Hieroglyphic Being et son compatriote producteur de Chicago, Noleian Reusse, ont enregistré leur musique sous le nom d’Africans With Mainframes pendant plus de 15 ans, depuis leurs débuts sur leur propre label Mathematics Recordings en 2005. K.M.T. est le premier album du groupe, un mélange d'acide apocalyptique de Chicago se mêlant à une funk post-house industrielle et transcendantale. A la fois intense et unique, cet album aux sonorités avant-gardistes, expérimentales et dépassant les frontières de l’électro afro-futuriste nous montre une fois de plus pourquoi Hieroglyphic Being est considéré comme l'un des compositeurs de black musique expérimentale les plus respectables aujourd’hui. Rien ne peut arrêter le prophète !

À la suite de son huitième n°1 Country aux États-Unis, Darius Rucker, le gagnant du Grammy Award à trois reprises, lance son nouvel album 'When Was The Last Time'. Produit par le producteur de Nashville Ross Copperman (Dierks Bentley, Brett Eldredge, Keith Urban), il annonce à coup sûr une autre date pivot déterminante dans la carrière de l'une des figures les plus aimées de la musique. Darius Rucker est devenu un phénomène du pays, après une carrière incroyable dans Hootie et The Blowfish.

Tout droit venus d’Arizona, les quatre membres d’Hogjaw nous délivre une musique allant du rock, en passant par le blues et la country. Avec leur sixième album ‘Way Down Yonder’, produit par Byron Filson et le groupe lui-même, composé de 11 titres, le groupe nous propose encore une fois un mélange de sonorités, avec le style de guitare ‘mellow-pickin’ de ‘Back Home Today’, le pur groove de ‘Never Surrender’ ou encore le rythme entraînant de ‘Brown Water’.

Projet ping pong entre la chanteuse/parolière Angela Aux et le producteur Sam Irl. Les deux artistes ont crée une palette, sans notion de temps de morceaux futuristes pop. Comme si les deux artistes s'étaient montrés leur sketchbook et en les synchronisant s'étaient décidés à faire de la musique : Entre dub et folk, afrobeat et electronica, le tout sur de la littérature beatnik. Ce premier EP offre un chemin pour l'escapade. Pas de feux d'artifice, de lumière incandescente juste un chemin simple. Disponible uniquement en LP.

Née Eleanora Fagan le 7 avril 1915 à Philadelphie, Billie Holiday a, par sa voix unique, transformé la pop, le jazz et le blues au 20ème siècle. En plus de transmettre la sincérité de ses morceaux, son style vocal nous a légué l’émotion brute de chacun des moments qu’elle chantait. En ayant été l’une des premières chanteuses interprètes de l’histoire de la musique enregistrée, Billie Holiday, surnommée Lady Day, continue d’affecter notre façon d’entendre et de ressentir l’âme humaine dans la musique. Archétype du jazz et improvisatrice, Billie Holiday a créé une oeuvre influente, démarrée avec ses premiers « singles » au début des années 1930. Plus de 50 ans après sa mort tragique à l’âge de 44 ans (le 17 juillet 1959), elle n’a pas fini d’émouvoir et d’inspirer le public. A l’occasion de son 100ème anniversaire Sony Legacy vous propose de découvrir ou redécouvrir quelques-uns de ces plus beaux chefs-d’oeuvre.

Musique Liturgique du début XVIIème siècle Il y a une quinzaine d'années, un document jusque-là inconnu, le « Manuscrit Carlo G. » fut acheté dans un marché aux puces de Vienne pour 60 euros. Bien que le document date de l'époque de Carlo Gesualdo et malgré le goût du célèbre compositeur pour l'incognito, il semble que le prince de Venosa n'en soit pas l'auteur... Grâce à la Schola Cantorum Basiliensis et l'ensemble Profeti della Quinta dirigés par l'organiste Elam Rotem, nous pouvons à présent écouter un large choix de pièces de ce manuscrit. Il s'agit d'une musique liturgique du début du XVIIe que l'on a certainement interprétée dans l'Italie centrale d'une façon très proche de ce que l'on entend dans cet enregistrement. L'acoustique magnifique de l'église italienne dei Santi Eusebio e Vittore de Peglio parachève l'authenticité d'un projet fascinant à tous les points de vue et d'écoute !

Ayant choisi de faire la musique qu'il voulait, plutôt que celle qu'on attendait de lui, AMON TOBIN s'est doucement mais sûrement bâti une solide réputation en tant que musicien électro prééminent de sa génération. Il revient accompagné de JOE CHAPMAN nous présenter le second album de TWO FINGERS, «Stunt Rhythms». Leur dernier opus éponyme sorti en 2009 avait déjà impressionné et prouvé que le potentiel du duo était énorme. « Stunt Rhythms », c'est avant tout des beats et des basses, bien qu'il serait facile de le comparer à un disque de dubstep. Mais c'est surtout une déclaration d'amour au hip hop qu'on retrouve ici. Un hip hop libéré de son consumérisme rampant, renouant avec une tradition d'innovation et de fraîcheur. Grâce à une attention quasi obsessionnelle pour le détail, le son se trouve intensément texturé, beau et brutal. Sans compromis, musclée et puissante, la musique de TWO FINGERS ne laissera personne indifférent.

Une pièce de bravoure, un mélange subtil des genres, à la fois extrême, violent, mélancolique, beau et épique. Il s'agit d'un album concocté par un seul homme, en effet JARI MÄENPÄÄ s'est occupé de tout lors du processus de création de ce disque. Il joue à la fois le rôle de compositeur, parolier, guitariste, bassiste, claviériste, chanteur et choriste ! Inutile de préciser que Jari fait ici preuve d'un talent indéniable, d'une virtuosité instrumentale impressionnante et d'une très grande connaissance de la musique. Les morceaux évoluent sur de solides bases Heavy auxquelles viennent s'ajouter des guitares mélodiques aux riffs incisifs de longs solos techniques et mémorables ainsi qu'un clavier omniprésent De plus JARI alterne à merveille cette voix Black rugueuse et un chant clair. Time I est une perle qui respire le génie à pleins poumons, une musique agressive et merveilleusement belle à la fois.

1 CD / 18 TITRES Dont 2 nouveaux titres INEDITS It Would Be A Crime &I'm Ready et les HITS UNIVERSELS We Don't Need Another HeroWhat's Love Got To Do With It,Goldeneye... Tina Turner a remporté 8 Grammy Awards. Les contributions constantes de Turner envers la musique rock lui ont permis d'acquérir le titre de Queen Of Rock & Roll. En plus de musique rock, elle s'est illustrée également dans le rythme and blues, la Soul, la dance et la musique pop. Elle est listée sur la Rolling's Stone List : The Immortals, Greatest Artists of All Time. Tina Turner est également présente au Grammy Hall Of Fame avec deux de ses singles immortalisés : River Deep Mountain High (en 1999) et Proud Mary (en 2003). Le 26 avril 2008, Turner a annoncé durant l'enregistrement de l'émission The Oprah Winfrey Show au Caesar Palace de Las Vegas qu'elle s'apprêtait à lancer une nouvelle tournée mondiale débutant le 1er octobre 2008 à Kansas City et qui passera par la France début 2009. La nouvelle tournée s'appelle : Tina : Live in Concert Tour ? Elle a déjà vendu plus de 560 000 tickets à ce jour. Tina Turner est reconnue pour être l'une des artistes les plus populaire du monde. La chanteuse de rock la plus triomphale avec des ventes d'album dépassant les 180 millions exemplaires. Elle est également l'artiste solo à avoir vendu le plus de billets de concert de l'histoire de la musique. TINA TURNER EST SIMPLEMENT UNE LEGENDE VIVANTE.

Fusionnant avec technique et créativité la musique jazz et électro, le Jazzrausch Bigband se présente comme un phénomène musical à ne pas manquer ! Jazzrausch Bigband est le premier big band résident d'un club techno de renommée internationale. Les moteurs du projet Jazzrausch Bigband sont le chef d'orchestre et producteur Roman Sladek et le compositeur et arrangeur Leonhard Kuhn. Lors de leurs concerts big band techno, on assiste à une fusion musicale, où la créativité et la diversité sonore d'un big band jazz rencontrent la clarté impressionnante d'un club techno. Cela ouvre un nouveau monde musical aussi proche de l'origine du jazz que de l'avenir de la musique de l'électro. Leur planning comprend plus de 120 concerts annuels et les a déjà emmenés au Lincoln Center NYC, au JZ Festival Shanghai, au Safaricom Int. Jazzfestival Nairobi, le Festival da Jazz St. Moritz et la Philharmonie de Munich.