The Cramps est un groupe de musique américain formé en 1975 à Sacramento en Californie, dissous après la mort du chanteur Lux Interior le 4 février 2009. Tout au long de leur longue carrière, bien qu'ils aient été classés dans différentes catégories par leurs fans et par les journalistes musicaux au gré des modes, ses membres se définissent eux-mêmes comme un groupe de rock 'n' roll, dans le son comme dans l'esprit - le terme de psychobilly auquel ils sont généralement associés désignant plus précisément une scène anglaise, influencée par eux, mais dont les principaux instigateurs restent véritablement les Meteors. Les Cramps s'inscrivent bel et bien dans une tradition américaine du rock 'n' roll, singuliers dans la fusion qu'ils font de trois genres pourtant bien distincts : le rockabilly, le garage punk et le psychédélisme, tous trois également issus de la contre-culture américaine. Leur but initial avoué était de réaliser le croisement entre Carl Perkins et Shadows of Knight. Leur musique mêle rockabilly (Carl Perkins), rock garage (Shadows of Knight), psychédélisme et punk rock, sur fond de drogue, de sexe et d'horreur de série B. Stay Sick! est le cinquième album studio du groupe américain The Cramps

Robert Doisneau est le plus célèbre photographe en France et peut-être dans le monde. Il a su capter des instants simples et naturels, qui parlent assez fort à la sensibilité et à la culture françaises, toutes deux assez nostalgiquement connectées au passé. Les photos de Doisneau constituent l’un des très rares univers artistiques à réconcilier experts et grand public, à se trouver aussi à l’aise en galerie d’art qu’en posters, couvertures de cahiers ou d’agendas en hypermarchés... Et aujourd’hui en couvertures de disques classiques, dans une toute nouvelle collection chez Sony Classical. Pour arriver à sensibiliser plus largement à la musique classique, au-delà de l’affiche du grand répertoire et des artistes mythiques pour le défendre, il faut établir un premier lien de proximité affective, une attirance qui n’en passe pas forcément par des critères rationnels ou une pré-connaissance du sujet. En musique classique, l’enjeu est de passer de la curiosité respectueuse à l’envie, de la retenue un peu complexée à l’acte. C’est la mission affective assignée aux photos de Robert Doisneau, qui illustrent, évoquent ou ironisent un peu... et sont finalement très à l’aise pour défendre les chefs-d’oeuvre absolus du répertoire. Instants Classiques Robert Doisneau, un événement éditorial qui célèbre également le 20e anniversaire de la disparition du photographe en 2014.

Robert Doisneau est le plus célèbre photographe en France et peut-être dans le monde. Il a su capter des instants simples et naturels, qui parlent assez fort à la sensibilité et à la culture françaises, toutes deux assez nostalgiquement connectées au passé. Les photos de Doisneau constituent l'un des très rares univers artistiques à réconcilier experts et grand public, à se trouver aussi à l'aise en galerie d'art qu'en posters, couvertures de cahiers ou d'agendas en hypermarchés... Et aujourd'hui en couvertures de disques classiques, dans une toute nouvelle collection chez Sony Classical. Pour arriver à sensibiliser plus largement à la musique classique, au-delà de l'affiche du grand répertoire et des artistes mythiques pour le défendre, il faut établir un premier lien de proximité affective, une attirance qui n'en passe pas forcément par des critères rationnels ou une pré-connaissance du sujet. En musique classique, l'enjeu est de passer de la curiosité respectueuse à l'envie, de la retenue un peu complexée à l'acte. C'est la mission affective assignée aux photos de Robert Doisneau, qui illustrent, évoquent ou ironisent un peu... et sont finalement très à l'aise pour défendre les chefs-d'oeuvre absolus du répertoire. Instants Classiques Robert Doisneau, un événement éditorial qui célèbre également le 20e anniversaire de la disparition du photographe en 2014.

Jacques, Jean-Claude, Pierrick, Laura et Cricri, une joyeuse bande de scouts originaires de Mortefontaine, mènent une enquête riche en rebondissements dans un château fort racheté par l'oncle de Pierrick. Afin de découvrir le trésor de Charles le Ténébreux, l'ancien seigneur du château, ils devront résoudre des problèmes mathématiques, déchiffrer un cryptogramme, faire des recherches historiques… Le lecteur, loin d'être passif, pourra les aider dans leur chasse au trésor ! Attention ! Cette aventure n'est pas sans danger pour les héros ! En effet, des individus, dénués de scrupules, sont aussi à la recherche du trésor ! Si vous avez aimé cette histoire, vous pourrez suivre d'autres aventures des scouts de Saint-Dominique. Le tome II, La Malédiction du grand prêtre (à paraître) les entraînera au pays des pharaons. Dans le tome III, Voyage intersidéral (à paraître), une découverte faite dans un temple maya va les emmener loin de notre planète Terre ! En cherchant à la fois à élargir les connaissances des lecteurs – apprentissage des hiéroglyphes, des rudiments de l'architecture du Moyen Age ou de la culture maya – ces trois enquêtes permettent un entraînement ludique à certaines notions mathématiques à l'aide de schémas ou énigmes à résoudre.

Robert Doisneau est le plus célèbre photographe en France et peut-être dans le monde. Il a su capter des instants simples et naturels, qui parlent assez fort à la sensibilité et à la culture françaises, toutes deux assez nostalgiquement connectées au passé. Les photos de Doisneau constituent l'un des très rares univers artistiques à réconcilier experts et grand public, à se trouver aussi à l'aise en galerie d'art qu'en posters, couvertures de cahiers ou d'agendas en hypermarchés... Et aujourd'hui en couvertures de disques classiques, dans une toute nouvelle collection chez Sony Classical. Pour arriver à sensibiliser plus largement à la musique classique, au-delà de l'affiche du grand répertoire et des artistes mythiques pour le défendre, il faut établir un premier lien de proximité affective, une attirance qui n'en passe pas forcément par des critères rationnels ou une pré-connaissance du sujet. En musique classique, l'enjeu est de passer de la curiosité respectueuse à l'envie, de la retenue un peu complexée à l'acte. C'est la mission affective assignée aux photos de Robert Doisneau, qui illustrent, évoquent ou ironisent un peu... Et sont finalement très à l'aise pour défendre les chefs-d'oeuvre absolus du répertoire. Instants classiques Robert Doisneau, un événement éditorial ! Qui célèbre également le 20e anniversaire de la disparition du photographe en 2014.

Robert Doisneau est le plus célèbre photographe en France et peut-être dans le monde. Il a su capter des instants simples et naturels, qui parlent assez fort à la sensibilité et à la culture françaises, toutes deux assez nostalgiquement connectées au passé. Les photos de Doisneau constituent l'un des très rares univers artistiques à réconcilier experts et grand public, à se trouver aussi à l'aise en galerie d'art qu'en posters, couvertures de cahiers ou d'agendas en hypermarchés... Et aujourd'hui en couvertures de disques classiques, dans une toute nouvelle collection chez Sony Classical. Pour arriver à sensibiliser plus largement à la musique classique, au-delà de l'affiche du grand répertoire et des artistes mythiques pour le défendre, il faut établir un premier lien de proximité affective, une attirance qui n'en passe pas forcément par des critères rationnels ou une pré-connaissance du sujet. En musique classique, l'enjeu est de passer de la curiosité respectueuse à l'envie, de la retenue un peu complexée à l'acte. C'est la mission affective assignée aux photos de Robert Doisneau, qui illustrent, évoquent ou ironisent un peu... Et sont finalement très à l'aise pour défendre les chefs-d'oeuvre absolus du répertoire. Instants classiques Robert Doisneau, un événement éditorial ! Qui célèbre également le 20e anniversaire de la disparition du photographe en 2014.

Ramzi Aburedwan, né et élevé en Palestine, a découvert la musique à plus de quinze ans. Il est aujourd'hui un soliste de renommée internationale et dirige l'Ensemble national de musiques arabes de Palestine. Savourez sur cet album instrumental la douceur de son bouzouk, accompagné par l'oud, l'accordéon et les percussions. La carrière internationale étonnante et le talent de Ramzi nous font souvenir que sa patrie est lieu de culture, de créativité et de beauté. Reflections Of Palestine est une sélection des compositions et arrangements originaux de Ramzi qui jalonnent son histoire personnelle. Photographié enfant jetant des pierres aux tanks israéliens, Ramzi est devenu ambassadeur de la paix et de la compréhension par la musique. Une image de 1987 montre un enfant de 8 ans, vêtu d'un jean et d'un blouson rouge, sur le point de jeter violemment la grosse pierre qu'il tient dans la main. L'image du petit garçon s'est rapidement diffusée et est devenue une icône de la première Intifada. Adolescent, Ramzi a pris des leçons gratuites de musique. En découvrant son talent, son monde a été chamboulé et la musique est rapidement devenue sa profession, sa vie, et, surtout, son arme. Ramzi a poursuivi ses études en France, au Conservatoire d'Angers. Il a ensuite obtenu une place dans le prestigieux Orchestre du Divan occidental-oriental de Daniel Barenboïm. Il se produit aujourd'hui en tant que soliste et dirige l'Ensemble national de musiques arabes de Palestine.

Le nouvel album des légendes du Reggae, The Gladiators ! Avec 14 titres mêlant des adaptations des classiques du groupe comme Jah Works ou Look is Deceiving et des nouvelles compositions toujours inspirées par le Roots Rock Reggae telles que Freeman ou le single We Are Not mais avec un son très actuel, le nouvel album des Gladiators prouve qu'ils sont encore dans l'arène pour défendre les couleurs de la culture Jamaicaine ! La trio vocal originel des Gladiators en 1967 se compose de Albert Griffiths, Errol Grandison et David Webber, ces deux derniers étant remplacés quelques années plus tard par Clinton Fearon et Gallimore Sutherland. En 2004, avec l'album Father and sons, Albert Griffiths annonce sa retraite en passant officiellement le flambeau à ses fils : Anthony qui officie déjà depuis plusieurs années à la batterie au sein du groupe et Al au chant, héritier direct de la voix et du charisme de son père. Formés durant leur jeunesse par Albert Griffiths cela fait aujourd'hui plus de dix ans qu'ils perpétuent avec succès le style qui a fait la renommée des Gladiators, tout en y apportant une fraîcheur et une dynamique nouvelle. Le prochain album du groupe Roots Legacy en est la parfaite illustration : le projet d'un artiste mûr, reprenant à la perfection quelques uns des titres d'Albert Griffiths et proposant de nouvelles compositions inédites du groupe.

« Là, il s'arrête net : accrochée au tronc de son chevet de fortune, une feuille de papier ! Il s'approche : oui, c'est bien une feuille de papier, de couleur brune et noircie d'une écriture faite de lettres bizarres, comme sur les anciens parchemins. Roland hésite puis s'avance encore et il lit, incrédule : “À l'aube d'un nouvel âge, ton âme pénétrera dans un territoire étrange, fait de toute éternité humaine et, pourtant, singulièrement le tien. Tu y vivras les épreuves de ton histoire majeure et tu y connaîtras les altérations du même, entre joies et périls, raison et déraison. Ton désir saura trouver les huit merveilles ambiguës, portes des stases qui enivrent jusqu'aux âmes les plus froides. Tu devras puiser en toi la force de les franchir. Quoi qu'il advienne, ne t'écarte pas de ton chemin, suis les étapes qui te conduiront vers le Nord extrême, aux confins du monde fabuleux. Là, dans l'antre de tous les possibles, sera écrit le mot de ta fin.” » Alice a son Pays des Merveilles, Julius a quant à lui son Altermonde, lieu d'initiation, espace de métamorphoses, de quêtes et de découvertes sur soi, qui s'inspire, sous la plume de S. Tagnani, de grandes références de la culture. Récit épique au sens premier du terme, Virtuelle Apocalypse se double encore d'une réflexion sur les rapports entre réel et imaginaire à l'âge de l'informatique, et compose, en creux et à travers les expériences de son héros et de ses doubles, le cheminement intime d'un adolescent qui se cherche en cet âge si particulier.

Le guitariste virtuose et expérimental revient pour un album instrumental et insolite ! à une époque où rien n'a de sens, ou où tout le monde essaie de donner un sens à tout, même la bonne idée peut ne pas avoir un sens parfait pour tout le monde.Delicate Steve, aka Steve Marion, auteur-compositeur, guitariste et producteur qui a déjà derrière lui quatre disques instrumentaux, sans parole, mettant l'accent sur la guitare, aime à parler de la culture déviante et réactionnaire du moment. Le nom de l'album vient des paroles Walk on Guilded Splinters de Dr. John où Steve a mal interprété la phrase Tit Alberta pour Till I Burn Up. Ce morceau, ou encore l'album Gris Gris de Dr. John ont guidés l'état d'esprit de l'artiste qui, s'est toujours efforcé de faire une déclaration orignale à chacun de ses enregistrements. La confiance nécessaire à Steve pour faire Till I Burn Up pourrait aussi être auto-inspirée. Aujourd'hui, près de dix ans après le début de sa carrière, Steve est un artiste culte de son temps qui a été appelé à enregistrer avec ses héros (Paul Simon, Kanye West) et à contribuer de manière significative aux chefs-d'oeuvre modernes de ses contemporains (Amen Dunes, Freedom), tout en enregistrant et publiant ses propres oeuvres saluées par la critique et partageant la scène avec Tame Impala, Mac DeMarco, Growlers et autres.

The Cramps est un groupe de musique américain formé en 1975 à Sacramento en Californie, dissous après la mort du chanteur Lux Interior le 4 février 2009. Tout au long de leur longue carrière, bien qu'ils aient été classés dans différentes catégories par leurs fans et par les journalistes musicaux au gré des modes, ses membres se définissent eux-mêmes comme un groupe de rock 'n' roll, dans le son comme dans l'esprit - le terme de psychobilly auquel ils sont généralement associés désignant plus précisément une scène anglaise, influencée par eux, mais dont les principaux instigateurs restent véritablement les Meteors. Les Cramps s'inscrivent bel et bien dans une tradition américaine du rock 'n' roll, singuliers dans la fusion qu'ils font de trois genres pourtant bien distincts : le rockabilly, le garage punk et le psychédélisme, tous trois également issus de la contre-culture américaine. Leur but initial avoué était de réaliser le croisement entre Carl Perkins et Shadows of Knight. Leur musique mêle rockabilly (Carl Perkins), rock garage (Shadows of Knight), psychédélisme et punk rock, sur fond de drogue, de sexe et d'horreur de série B. Rockin n Reelin in Auckland New Zealand XXX est le deuxième album live du groupe américain The Cramps enregistré à Auckland (Nouvelle-Zélande) au Galaxy le 30 août 1986.

Post-garage, post-surf, post-psyché, post-lo-fi... Voici quelques-uns des termes employés par les médias pour décrire la musique de TY SEGALL. Ce mignon natif de Laguna Beach, Californie. À seulement vingt-cinq ans, il possède une culture musicale suffisamment gargantuesque pour bluffer les kids nostalgiques d'une époque qu'ils n'ont pas connue : Eddie Cochran, Captain Beefheart, The Beach Boys, The Flamin' Groovies, The Thrashmen, The Kinks, The Red Krayola, Black Sabbath, The Troggs, T-Rex, The Pretty Things, Pavement, Beck... Mélomane omnivore et stakhanoviste, il a déjà officié au chant, à la guitare et à la batterie dans de nombreux groupes (Love Death, The Traditional Fools, Epsilons, Party Fowl, The Perverts, Sic Alps) et a fait paraître plus d'une vingtaine d'enregistrements sous son nom (dont quatre albums), avant de devenir un phénomène indie à la sortie de Melted (2010), troisième LP légèrement moins crasseux. Création jouissive et festive, perdue entre la folie brute d'un Syd Barrett et le panthéisme d'un Donovan, Twins nous renvoie des parfums de liberté, de joie toute simple où les orgues et les solos guitares dégoisent leur bonne humeur et leurs stupéfiants. Maîtrise technique, gaité de la composition, TY SEGALL renouent avec les volutes psychédéliques d'un Red Krayola première période. Ce disque est un plaisir sans limites.

Post-garage, post-surf, post-psyché, post-lo-fi... Voici quelques-uns des termes employés par les médias pour décrire la musique de TY SEGALL. Ce mignon natif de Laguna Beach, Californie. À seulement vingt-cinq ans, il possède une culture musicale suffisamment gargantuesque pour bluffer les kids nostalgiques d'une époque qu'ils n'ont pas connue : Eddie Cochran, Captain Beefheart, The Beach Boys, The Flamin' Groovies, The Thrashmen, The Kinks, The Red Krayola, Black Sabbath, The Troggs, T-Rex, The Pretty Things, Pavement, Beck... Mélomane omnivore et stakhanoviste, il a déjà officié au chant, à la guitare et à la batterie dans de nombreux groupes (Love Death, The Traditional Fools, Epsilons, Party Fowl, The Perverts, Sic Alps) et a fait paraître plus d'une vingtaine d'enregistrements sous son nom (dont quatre albums), avant de devenir un phénomène indie à la sortie de Melted (2010), troisième LP légèrement moins crasseux. Création jouissive et festive, perdue entre la folie brute d'un Syd Barrett et le panthéisme d'un Donovan, Twins nous renvoie des parfums de liberté, de joie toute simple où les orgues et les solos guitares dégoisent leur bonne humeur et leurs stupéfiants. Maîtrise technique, gaité de la composition, TY SEGALL renouent avec les volutes psychédéliques d'un Red Krayola première période. Ce disque est un plaisir sans limites.

The Cramps est un groupe de musique américain formé en 1975 à Sacramento en Californie, dissous après la mort du chanteur Lux Interior le 4 février 2009. Tout au long de leur longue carrière, bien qu'ils aient été classés dans différentes catégories par leurs fans et par les journalistes musicaux au gré des modes, ses membres se définissent eux-mêmes comme un groupe de rock 'n' roll, dans le son comme dans l'esprit - le terme de psychobilly auquel ils sont généralement associés désignant plus précisément une scène anglaise, influencée par eux, mais dont les principaux instigateurs restent véritablement les Meteors. Les Cramps s'inscrivent bel et bien dans une tradition américaine du rock 'n' roll, singuliers dans la fusion qu'ils font de trois genres pourtant bien distincts : le rockabilly, le garage punk et le psychédélisme, tous trois également issus de la contre-culture américaine. Leur but initial avoué était de réaliser le croisement entre Carl Perkins et Shadows of Knight. Leur musique mêle rockabilly (Carl Perkins), rock garage (Shadows of Knight), psychédélisme et punk rock, sur fond de drogue, de sexe et d'horreur de série B. Rockin n Reelin in Auckland New Zealand XXX est le deuxième album live du groupe américain The Cramps enregistré à Auckland (Nouvelle-Zélande) au Galaxy le 30 août 1986.

Le guitariste virtuose et expérimental revient pour un album instrumental et insolite ! à une époque où rien n'a de sens, ou où tout le monde essaie de donner un sens à tout, même la bonne idée peut ne pas avoir un sens parfait pour tout le monde.Delicate Steve, aka Steve Marion, auteur-compositeur, guitariste et producteur qui a déjà derrière lui quatre disques instrumentaux, sans parole, mettant l'accent sur la guitare, aime à parler de la culture déviante et réactionnaire du moment. Le nom de l'album vient des paroles Walk on Guilded Splinters de Dr. John où Steve a mal interprété la phrase Tit Alberta pour Till I Burn Up. Ce morceau, ou encore l'album Gris Gris de Dr. John ont guidés l'état d'esprit de l'artiste qui, s'est toujours efforcé de faire une déclaration orignale à chacun de ses enregistrements. La confiance nécessaire à Steve pour faire Till I Burn Up pourrait aussi être auto-inspirée. Aujourd'hui, près de dix ans après le début de sa carrière, Steve est un artiste culte de son temps qui a été appelé à enregistrer avec ses héros (Paul Simon, Kanye West) et à contribuer de manière significative aux chefs-d'oeuvre modernes de ses contemporains (Amen Dunes, Freedom), tout en enregistrant et publiant ses propres oeuvres saluées par la critique et partageant la scène avec Tame Impala, Mac DeMarco, Growlers et autres.

The Cramps est un groupe de musique américain formé en 1975 à Sacramento en Californie, dissous après la mort du chanteur Lux Interior le 4 février 2009. Tout au long de leur longue carrière, bien qu'ils aient été classés dans différentes catégories par leurs fans et par les journalistes musicaux au gré des modes, ses membres se définissent eux-mêmes comme un groupe de rock 'n' roll, dans le son comme dans l'esprit - le terme de psychobilly auquel ils sont généralement associés désignant plus précisément une scène anglaise, influencée par eux, mais dont les principaux instigateurs restent véritablement les Meteors. Les Cramps s'inscrivent bel et bien dans une tradition américaine du rock 'n' roll, singuliers dans la fusion qu'ils font de trois genres pourtant bien distincts : le rockabilly, le garage punk et le psychédélisme, tous trois également issus de la contre-culture américaine. Leur but initial avoué était de réaliser le croisement entre Carl Perkins et Shadows of Knight. Leur musique mêle rockabilly (Carl Perkins), rock garage (Shadows of Knight), psychédélisme et punk rock, sur fond de drogue, de sexe et d'horreur de série B. Smell of Female est le premier album live du groupe américain The Cramps enregistré lors de concerts organisés les 25 et 26 février 1983 au Peppermint Lounge à New York.

The Cramps est un groupe de musique américain formé en 1975 à Sacramento en Californie, dissous après la mort du chanteur Lux Interior le 4 février 2009. Tout au long de leur longue carrière, bien qu'ils aient été classés dans différentes catégories par leurs fans et par les journalistes musicaux au gré des modes, ses membres se définissent eux-mêmes comme un groupe de rock 'n' roll, dans le son comme dans l'esprit - le terme de psychobilly auquel ils sont généralement associés désignant plus précisément une scène anglaise, influencée par eux, mais dont les principaux instigateurs restent véritablement les Meteors. Les Cramps s'inscrivent bel et bien dans une tradition américaine du rock 'n' roll, singuliers dans la fusion qu'ils font de trois genres pourtant bien distincts : le rockabilly, le garage punk et le psychédélisme, tous trois également issus de la contre-culture américaine. Leur but initial avoué était de réaliser le croisement entre Carl Perkins et Shadows of Knight. Leur musique mêle rockabilly (Carl Perkins), rock garage (Shadows of Knight), psychédélisme et punk rock, sur fond de drogue, de sexe et d'horreur de série B. Smell of Female est le premier album live du groupe américain The Cramps enregistré lors de concerts organisés les 25 et 26 février 1983 au Peppermint Lounge à New York.

Root' System est né un beau jour de printemps 1999 au Pays Basque, de l'union de 9 musiciens amoureux de musiques jamaïquaines (calypso, reggae, rocksteady, ska, dub, etc...) 17 années d'existence, 5 albums, plus de 700 concerts en Europe (Belgique, Suisse, Allemagne, PaysBas, Espagne, France, Pays Basque), de nombreuses collaborations tant sur scène qu'en studio avec, pour ne citer qu'eux, Alpha Blondy, Burning Spear, Ijahman Levi, Jamaica All Stars, Yuri Buenaventura, U-Roy, Toure Kunda, Max Romeo, Macka B (...), tels sont les quelques chiffres qui pourraient caractériser les Root' System. Depuis bien longtemps, le Boléro de Ravel est pour les membres du groupe Root' System, non seulement une oeuvre majeure de la culture mondiale mais aussi une oeuvre expérimentale. Qui plus est, Maurice Ravel étant né a Ciboure comme la majorité des musiciens de Root' System, il fallait adapter ce monument à leur sauce pour en faire un Ska dansant. Pour ce faire ils avaient besoin d'une icône pour les accompagner, et qui mieux que Leroy Horsemouth Wallace (Batteur de Burning Spear, Inner Circle et autre légende Jamaïcaine) pour accomplir cette mission et donner à ce Boleroots toute la noblesse d'un vrai hit de Sound System. Voila chose faite. Les Root' System vous donnent rendez vous à leurs prochains concerts pour bouger sur le Ska et sur le Mento. Les Root' System ne changent pas de conduite.

Columbia Records et Legacy Recordings sont heureux et fiers d’annoncer la sortie de The Cutting Edge 1965-1966 : The Bootleg Series /vol.12 de Bob Dylan. Ce nouveau volume des célèbres Bootleg Series de Bob Dylan est centré sur les sessions studio légendaires qui ont donné naissance à Bringing It All Back Home, Highway 61 Revisited et Blonde On Blonde, la fameuse trilogie de chefs d'oeuvre qui a permis à Dylan d'asseoir sa réputation d’auteur-compositeur-interprète et qui a exercé une influence considérable sur l'évolution de la musique et de la culture populaires. Tous les morceaux inclus dans The Cutting Edge 1965-1966 : The Bootleg Series /vol. 12 sont des versions compilées à partir des bandes originales enregistrées en studio. Plus important encore, The Cutting Edge 1965-1966 : The Bootleg Series /vol. 12 offre une rare exploration du processus créatif de l'artiste en studio, permettant aux fans de découvrir une autre facette de Bob Dylan à travers l'évolution de ses chansons et enregistrements au cours de cette période révolutionnaire. The Cutting Edge 1965-1966 : The Bootleg Series /vol. 12 - Deluxe Edition réunit pour la première fois de nombreux enregistrements parmi les plus recherchés de l'ensemble de l'oeuvre de Dylan. Ces 6 CD comprennent entre autres des chansons totalement inédites, des outtakes de studio, des morceaux de répétition, ou encore des versions alternatives de tubes, y compris la session complète de « Like A Rolling Stone ».

Le nouvel album tropical de Mixu. Cet opus festif, exotique et joyeux rend hommage à un personnage charismatique qui a marqué profondément la culture et le pays de Basque de son aura. Patrick Michelena, alias Mixu, était un ogre qui mangeait la vie. Cet épicurien a porté et incarné le groupe Sustraia au début des années 90. Un groupe de rock Basque qui a marqué la scène rock de son empreinte avec un mélange de styles, un éclectisme musicale et une énergie débordante. Le groupe a révolutionné l'approche des bals de village en faisant de ces moments festifs un happening et un concept à part entière. Sustraiak, qui signifie les racines en basque, est à cette image et tel que Mixu l'aurait voulu : ouvert sur le monde, atypique, sans compromis et attaché à ses racines. Le concept Que ce soit avec le groupe Sustraia ou lors de ses projets plus personnels, Mixu a toujours opté pour une approche fusion de la musique en cassant les genres et en privilégiant les rythmes exotiques. Normal pour cet artiste, batteur et percussionniste de formation. Ce nouvel album s'inscrit complètement dans cette démarche d'ouverture. Sustraia-K reprend les voix originales de Mixu et du groupe Sustraia qui ont été ré-orchestrée pour apporter quelque chose de nouveau. Ce nouvel opus emmène Mixu dans les Caraïbes pour un voyage musical de 11 chansons, dans les eaux azures, entre Cuba et la Jamaïque, en compagnie des meilleurs musiciens de cette région.

« Springsteen réussit un tour de force avec cet album enjoué et pertinent » - Liberation « L'album est somptueux...son meilleur depuis des lustres, tant Springsteen y chante avec conviction » - Télérama « Le grand Bruce, qui n'est jamais aussi convaincant qu'en explorant les tréfonds de la culture populaire musicale américaine, revient avec un album formidable consacré à Pete Seeger, le pape du folk contestataire des années 60.....Bruce transcende des chansons vieilles comme l'Amérique » - Le Monde « Bruce Springsteen prête sa voix profonde et rocailleuse à ces quelques morceaux d'anthologie » - Le Scope « Un album aussi inattendu qu'enthousiasmant » - Le Nouvel Observateur « Springsteen demeurera une des voix les plus fascinantes de son temps » - Rock & Folk « Bruce Springsteen excelle dans le traditionnel » - L'indépendant « Springsteen a rarement semblé aussi libre et impliqué » - VSD « Bruce Springsteen s'impose comme le dernier « protest singer » en activité, reprenant le flambeau de Bob Dylan & Pete Seeger » - Paris Match En plus du nouvel album original, cette édition contient 3 chansons inédites ('How Can A Poor Man Stand Such Times And Live,' 'Bring 'Em Home' et 'American Land.'), un DVD avec 4 vidéos de chansons en live, des scènes inédites sous forme de documentaires (40 minutes de programme), de nouvelles photos, un nouveau livret, des clips..Il s'agit d'un package CD+DVD intitulé : WE SHALL OVERCOME : THE SEEGER SESSIONS - AMERICAN LAND EDITION

D'origine guyanaise, Blakkamoore part très tôt vivre à Brooklyn où il baigne dans la culture hip-hop. De ces origines diverses lui viendront l'envie de mixer les sons, jongler avec les cultures. Son style est ainsi un patchwork épicé de toutes ces influences entre musique urbaine et sonorités tropicales du reggae dancehall. Sur son nouvel album Upward Spiral, Blakkamoore démontre à quel point reggae et hip-hop sont liés. On y savoure sa voix huilée et charismatique, qui se dilue aussi bien sur du reggae que sur des sonorités plus urbaines. Quand le tempo s'accélère, Blakkamoore poursuit avec aisance et son flow se déverse avec fluidité. Blakkamoore, un artiste complet qui, à travers ce nouvel album, remet le reggae sur le devant de la scène internationale. Ce n'est pas pour rien que Snoop Dogg lui-même participe à ce nouveau projet sur le titre Get Down Tonight l'exemple parfait d'une rencontre dancehall / hip hop au sommet. Biga* Ranx, icone de la scène Dub digitale le rejoint sur l'excellent Skyscrappers, une collaboration de haut vol où les deux voix, les deux flows se donnent la réplique. Enfin, le défunt Akae Beka, ancien chanteur du groupe Midnite qui transcendait les foules avec une aura mystérieuse, est aussi de la partie sur Earth Cry . Un cocktail de qualité servi sur un plateau de productions riches et variées, redonnant un coup de fouet au reggae mondial, de quoi réunir du monde autour d'esthétiques qui, finalement, peuvent n'en être qu'une.

Timeless le 1er album de Goldie en 1995 a changé la face de la culture musicale en Angleterre, en démocratisant la scène drum & bass, et consacrant Goldie comme star locale mais pas que : avec le soutien enthousiaste d'artistes tels David Bowie, il traversa la Manche et l'Atlantique. Mais alors que tout le monde attendait avec impatience la suite de la formule de Timeless, Goldie avait d'autres plans : avec Saturnz Retun (1998) il revînt avec un concept album de 150 minutes (dans sa version CD), innovateur, experimental et clivant, jusqu'aux critiques musicales : soit dithyrambiques soit horrifi ées. 21 ans après, sa vision radicale et novatrice a été reprise et adaptée par de très nombreux artistes, de Carl Craig à Pete Tong. 21 ans après, pour la 1ère fois grâce au nouveau label London remasterisé & avec en CD de nombreux bonus - Remixes 2019 mais aussi versions rares et inédites des archives de Goldie, Saturnz Return est enfi n prêt à recevoir l'accueil critique qu'il aurait du avoir à sa sortie. L'avant-garde est devenue une référence. Editions collector : Triple CD (CD 1 & 2 remasterisés - CD 3 : bonus) et Double Vinyle 180 G (la version d'origine de l'album vinyle remasterisée). disponible en 2 éditions Collector : édition Triple CD (CD 1 & 2 remasterisés - CD 3 : bonus) et, - édition Double Vinyle 180 G (la version d'origine de l'album vinyle remasterisée).

Timeless le 1er album de Goldie en 1995 a changé la face de la culture musicale en Angleterre, en démocratisant la scène drum & bass, et consacrant Goldie comme star locale mais pas que : avec le soutien enthousiaste d'artistes tels David Bowie, il traversa la Manche et l'Atlantique. Mais alors que tout le monde attendait avec impatience la suite de la formule de Timeless, Goldie avait d'autres plans : avec Saturnz Retun (1998) il revînt avec un concept album de 150 minutes (dans sa version CD), innovateur, experimental et clivant, jusqu'aux critiques musicales : soit dithyrambiques soit horrifi ées. 21 ans après, sa vision radicale et novatrice a été reprise et adaptée par de très nombreux artistes, de Carl Craig à Pete Tong. 21 ans après, pour la 1ère fois grâce au nouveau label London remasterisé & avec en CD de nombreux bonus - Remixes 2019 mais aussi versions rares et inédites des archives de Goldie, Saturnz Return est enfi n prêt à recevoir l'accueil critique qu'il aurait du avoir à sa sortie. L'avant-garde est devenue une référence. Editions collector : Triple CD (CD 1 & 2 remasterisés - CD 3 : bonus) et Double Vinyle 180 G (la version d'origine de l'album vinyle remasterisée). disponible en 2 éditions Collector : édition Triple CD (CD 1 & 2 remasterisés - CD 3 : bonus) et, - édition Double Vinyle 180 G (la version d'origine de l'album vinyle remasterisée).

Doomsquad a commencé en 2010 lorsque les frères et soeurs Trevor, Jaclyn et Allie Blumas ont enregistré leurs premiers morceaux dans un style folk artisanal. La fratrie a ensuite très vite fait la découverte de la trance et du beatmaking éléctronique. Leur jeune projet, porté par leur fascination pour la culture dance et les rythmes, a vite fleuri en un vrai projet artistique. Depuis, le trio canadien est passé par une techno aux atmosphères sombres et méditatives avec leur premier abum Kalaboogie, puis s’éloignant de leurs origines avec l’EP Pagentry Suite. On voit alors apparaître des synthés disco agrémentés de beats inspirés des musiques africaines contrastant avec des voix franches et des paroles tranchantes sur les thèmes de la myoginie ou du consumérisme. Cette année sortira Total Time, le second album du groupe, écrit et enregistré dans le désert du Nouveau-Mexique. Le groupe revient ici à ses origines et offre des beats sombres entrecoupés de chants incantatoires et hypnotiques. Les titres ont été enregistrés avec de nombreux collaborateurs et tout particulièrement les jumeaux Jesse et Josh Hasko (North America) qui intègrent de surcroit la formation live de Doomsquad. Imaginées pour emmener l’auditeur à travers une expérience de possession du temps, d’intemporalité, les chansons de Total Time sont également faites pour le pousser sur la piste de danse.

Doomsquad a commencé en 2010 lorsque les frères et soeurs Trevor, Jaclyn et Allie Blumas ont enregistré leurs premiers morceaux dans un style folk artisanal. La fratrie a ensuite très vite fait la découverte de la trance et du beatmaking éléctronique. Leur jeune projet, porté par leur fascination pour la culture dance et les rythmes, a vite fleuri en un vrai projet artistique. Depuis, le trio canadien est passé par une techno aux atmosphères sombres et méditatives avec leur premier abum Kalaboogie, puis s’éloignant de leurs origines avec l’EP Pagentry Suite. On voit alors apparaître des synthés disco agrémentés de beats inspirés des musiques africaines contrastant avec des voix franches et des paroles tranchantes sur les thèmes de la myoginie ou du consumérisme. Cette année sortira Total Time, le second album du groupe, écrit et enregistré dans le désert du Nouveau-Mexique. Le groupe revient ici à ses origines et offre des beats sombres entrecoupés de chants incantatoires et hypnotiques. Les titres ont été enregistrés avec de nombreux collaborateurs et tout particulièrement les jumeaux Jesse et Josh Hasko (North America) qui intègrent de surcroit la formation live de Doomsquad. Imaginées pour emmener l’auditeur à travers une expérience de possession du temps, d’intemporalité, les chansons de Total Time sont également faites pour le pousser sur la piste de danse.

TRAGéDIE D'UNE TRAJECTOIRE après de longues années d'attente, enfin la réédition de l'album de CASEY. Balafrée et creusée par des plaies mal cicatrisées, Casey expose un visage à l'image de ses mots. Ennemi de l'Ordre, son précédent disque, assénait avec force, sous le vocable d'un je, les souffrances et colères d'un nous opprimé, dominé. L'identité collective laisse place sur ce plus long format à l'expression d'une identité personnelle, plurielle, dont les lignes de force et de construction se dessinent au fil des titres. Un premier morceau, où chaque mot est un coup de couteau, trace cette trajectoire, par un récit autobiographique fragmentaire, décousu, et violent, donnant à voir par flashs des moments de l'enfance, fondateurs et obsédants. Puis les différents pôles de l'identité de Casey s'exposent. Il y a les racines : un magnifique Chez Moi, hommage à l'île d'origine, sa culture et son histoire nécessairement souffrantes. Il y a ce qui a fait et continue de façonner Casey : la Banlieue Nord et le rap, la fierté populaire mêlée à l'orgueil de l'autodidacte. Et il y a ce que Casey veut détruire, ce qui la construit dans l'adversité : les ennemis, dans la société française ou dans le milieu rap, ou cette si féconde histoire d'amour avec la haine. Une haine qui prend la forme d'une bombe finissant de s'amorcer lors de la prophétie d'explosion qui conclut le disque. C'est ici que la tragédie individuelle dessinée par le premier morceau et la tragédie collective tracée par Ennemi de l'Ordre se confondent et deviennent tragédie politique et sociale. NOUVEL ALBUM ET TOURNéE EN MARS 2020.

Pour coïncider avec la sortie en salle du très attendu Pavarotti, documentaire réalisé par Ron Howard, Decca Records publie un nouvel album best of en 3CDs intitulé Pavarotti : The Greatest Hits. Permettant d'explorer davantage l'incroyable répertoire de Pavarotti, l'anthologie offre les plus célèbres enregistrements du ténor réunissant ses plus beaux airs d'opéras, chansons italiennes, airs sacrés et duos. S'ouvrant sur l'interprétation iconique de Nessun dorma, le disque dédié aux airs d'opéras couvre l'intégralité de la carrière du ténor de légende et comprend ces airs célébrissimes issus de La bohème, Rigoletto, Pagliacci,... Une vingtaine des captations les plus poignantes de Pavarotti dont 'O Sole Mio', 'Caruso', 'Volare', 'O Holy Night'.. sont quant à elles réunies sur le disque dédié aux chansons italiennes et airs sacrés. L'anthologie s'achève sur un album de grands duos avec le gratin des superstars de la musique, dont Andrea Bocelli, Céline Dion, Elton John, ou encore Stevie Wonder. Cinq duos encore inédits figurent ici en exclusivité avec notamment : Barry White, James Brown, Lou Reed, Brian May et Roger Taylor de Queen, et Sting. Récemment retrouvées et remasterisées, ces pistes, enregistrées live lors des concerts Pavarotti & Friends offrent un poignant rappel de la compassion et de l'humanité de Pavarotti ainsi que des liens durables qu'il entretenait avec tant de stars issues de la culture populaire.

Survivre à l'apocalypse, c'est plus sympa quand on a 10 ans ! Voilà 3 mois qu'une terrible épidémie a transformé la population en zombies avides de chair fraîche. Seulement, après avoir dévoré la presque totalité de l'humanité, les morts-vivants eux-mêmes commencent à dépérir et tombent de famine les uns après les autres... C'est dans une banlieue ensoleillée de Californie au doux parfum de fin du monde que Ben, 10 ans et encore traumatisé par la mort de ses parents, forme avec ses potes le dernier bastion de l'humanité. Et entre chasse des zombies survivants, expéditions pour amasser vivres, jouets et comics, le tout filmé par le bien nommé Spielberg, la vie s'écoule plutôt paisiblement au coeur de leur enceinte construite avec les moyens du bord. Jusqu'au moment où quelque chose de pire qu'une reprise de l'épidémie, une catastrophe nucléaire ou les 4 anneaux clignotants d'une Xbox 360 vient frapper leur petite communauté : deux filles ! Jusqu'ici habitués à chiller au bord de la piscine en mangeant des barres chocolatées et jouant aux jeux vidéo, comment les garçons vont-ils réagir aux nouvelles coutumes bizarres de Polly et sa petite soeur Sue ? Aurélien Ducoudray et Jocelyn Joret revisitent le récit de zombies avec un point de vue de gamins de 10 ans dans un concentré de culture pop fleurant bon l'Entertainment des années 1980. KidZ : ou la rencontre improbable entre Stranger Things et Bienvenue à Zombieland sur une bande-son de Gorillaz !

Collectif de musiciens réunis depuis 15 ans, le groupe THE VOLUNTEREED SLAVES poursuit aujourd’hui son entreprise de décloisonnement, entre jazz, funk, pop, disco et racines Afro ! « RIPCORD » Ce collectif de musiciens, mené par Olivier Temime (saxophone), venus d’ici et surtout d’ailleurs, cherche une musique qui nous mélange et mélange les styles, les cultures, les générations, les genres... Pour ce nouvel opus, le groupe poursuit son entreprise de décloisonnement, au gré de ses rencontres. N'hésitant pas à colorer hier son jazz de funk et de disco, il cultive aujourd'hui ses racines Afro avec quatre jeunes chanteuses Hip-Hop (Indy, Mafé, Kiala Ogawa, Raphaela Cupidin) et le slameur Allonymous. L'électro n'est pas loin avec les ondes analogiques du moog d’Emmanuel Duprey ou du vocoder de l'organiste/ chanteur Emmanuel Bex, invité de l’album. D’un titre à l’autre, on suit les pérégrinations d’une troupe nomade. ‘’Kahina’’ nous embarque aux côtés de la première guerrière berbère et féministe, ‘’Watersplash’’ dans l’écume d’un couple en déroute, ‘’The Gambler’’ dans les vapeurs d’un joueur illuminé et ‘’Osun’’ dans les incantations d’un prêche créole. Pérégrination toujours, le groupe revisite les titres mythiques de sa culture pop avec ’’Us and them’’ des Pink Floyd, ‘’God only knows’’ des Beach Boys ou encore ‘’Video Killed the radio star’’ des Buggles. Pour ce nouvel album, le groupe The Volunteered Slaves entend des voix et nous invite à planer à bonne distance du sol; d'où son titre Ripcord.

Cigala&Tango, est le huitième disque de Diego El Cigala, comptant avec la collaboration d'Andrés Calamaro et des musiciens Néstor Marconi et Juanjo Domínguez.Avec ce nouvel album Cigala&Tango Diego El Cigala revêt la tradition argentine du flamenco, surtout lorsqu'il interprète les onze tangos qui l'ont fait le plus souffrir, un album que le chanteur définit comme musique de l'âme et qui surgit lors d'une soirée partagée avec le pubique argentin lors de son interprétation Garganta con arena. Le flamenco et le tango sont des genres musicaux différents mais ils vont bien ensemble, parce que nous parlons de musique de l'âme, nocturnes et magiques, affirme Diego El Cigala. Enregistré à Buenos Aires avec la collaboration de nombreux musiciens argentins tels que Calamaro. Le nouveau travail de El Cigala est composé de onze classiques du tango auxquels l'artiste confère un accent flamenco, enregistrés durant son concert le 29 avril dernier au mythique Grand Rex de Buenos Aires. Ainsi, après avoir parier sur le genre musical du boléro dans son antérieur album Lágrimas negras, avec la participation de Bebo Valdés, Diego El Cigala investigue la culture musicale argentine. Selon les dires de l'artiste, le tango a de nombreuses façons de jouer avec le flamenco lorsqu'il s'agit d'interprétation parce qu'il s'agit de vraies musiques. L'idée de créer ces chansons surgit la première fois qu'il voyage à Buenos Aires, il y a trois ou quatre ans, où il eut l'opportunité de connaître le tango.

Un roman profondément humain Eliott vit dans une drôle de famille, où on ne s’embrasse pas sur la joue et où on ne fête pas les anniversaires. Un jour, dans la cabane au fond du potager, Eliott trouve Yazid, un jeune terroriste qui revient de Syrie et se cache de la police. Yazid supplie Eliott de ne pas le dénoncer... Ce récit aborde un sujet d'actualité, le terrorisme, d'une manière nuancée et pédagogique. EXTRAIT La porte est toujours verrouillée, mais je sais qu’il suffit de soulever un pot où des géraniums achèvent de mourir. La clef est là, qui permet de pénétrer dans cet antre du parfait mauvais jardinier. Depuis la fin de l’été, mon père n’y met plus les pieds et je suis sûr qu’on ne m’y dérangera pas jusqu’à la fin du printemps. Cette fois, la clef n’était pas sous le pot. Ni à côté. Je l’ai cherchée à terre. Rien. Elle était sur la porte. Étrange. Avais-je oublié de la retirer la dernière fois que j’étais venu ? Non, car la porte n’était pas verrouillée. Bizarre. Il y avait quelqu’un à l’intérieur. Assis sur un sac, un garçon que je ne connaissais pas. — Que faites-vous là ? La question a résonné à mes oreilles comme une phrase de film. Mais que dire quand on est face à quelqu’un qui n’a pas à être là et qui ne justifie pas spontanément sa présence ? Pas de réponse à ma question. Je me suis approché du garçon. Il m’a regardé avec un air mauvais. Je me suis arrêté. J’attendais. À PROPOS DE L'AUTEUR Claude Raucy est né en 1939. Il a exercé le métier d'enseignant avant de se consacrer entièrement à l'écriture à partir de 1997. Il est membre de l'Association des écrivains belges, de la Société européenne de culture (Venise) et secrétaire perpétuel de l'Académie Royale Luxembourgeoise. Chez Ker, il est également l'auteur du Violon de la rue Lauriston.

Wiener Blut, opérette posthume du père du Beau Danube Bleu et de quelques incontournables tubes au bon goût viennois, créé l'année de sa mort en 1899, est né d'un très singulier collage des plus populaires musiques de son répertoire. C'est, dit-on, pour pallier les diffi cultés fi nancières de son théâtre, Le Theater an der Wien, où fut créée la majorité des oeuvres de Strauss junior, qu'Adolf Müller, son directeur et chef d'orchestre eut l'idée de « fabriquer » une opérette inédite à partir d'airs connus du maître. Il en commanda le livret à Victor Léon et Léo Stein, les futurs librettistes de La Veuve Joyeuse de Franz Lehar. Ceux-ci prirent pour titre Wiener Blut, « sang viennois » comme on dirait «bon bec de Paris», une valse que tout Vienne fredonnait et dansait depuis 1873... Ils y injectèrent d'autres rengaines connues, Grüss Dich Got, Aimer, boire et danser, Stoss an, etc... Müller lia le tout d'une sauce musicale de gourmet en parfaite fi délité au compositeur. Le tout au service d'une histoire de couple boiteux, d'un Don Juan sans foi ni loi, et de résistance à l'envahisseur. Car nous sommes au lendemain d'une guerre - celle de la Succession d'Autriche - où déjà ! - la Prusse avait envahi la perle du Danube. Le comte tombeur de jupons y prend ses marques de sympathie avec l'occupant, tandis que la comtesse, sa fi dèle épouse se retire chez ses parents en signe de protestation pour cause d'incompatibilité de moeurs et de culture... Tout un programme à découvrir dans cette production pleine d'humour, fi lmée en 1971, servie par des voix magnifi ques. Un must !!!

Quatre albums, un EP, des projets solos et de multiples collaborations : que de chemin parcouru par les quatre Texans New-­Yorkais depuis leur premier album en 2013. La rivière ne se tarit pas avec Wide Awake!, un cinquième album novateur, synonyme de fraîcheur, de conquête de nouveaux territoires créatifs qui témoigne de l'esprit en constante ébullition du groupe. Le travail de Brian Burton aka Danger Mouse à la production n'y est pas pour rien. On ne peut que constater que cette alchimie étonnante a fait des merveilles. Les treize titres de ce nouvel album sont bien empreints de la passion punk rock qu'on leur connaît mais apporte des sonorités inédites. Le disque reflète une confiance bourgeonnante dans la capacité du groupe à explorer de nouvelles idées et surtout de nouvelles émotions que ses membres n'osaient pas exprimer auparavant. Des sentiments contradictoires, tels que la joie et la rage, la colère et la studipidé, une envie aussi de jouer sur le rapport dialectique entre la rage et l'allégresse. Mais surtout à l'image de groupes comme Youth of Today, Gorilla Biscuit ou Black Flag, une furieuse envie de vouloir faire danser, d'armer les corps pour la résistance à coups de groove, de joie et d'indignation face au nihilisme et au rejet sans cesse plus fort de la culture par scander les idées d'amour, de passion et de combat face à une Amérique qui se referme et des valeurs individaulistes trio souvent érigées en valeur totale. On tient probablement ici l'album le plus abouti et le plus engagé du quatuor. Le réveil a sonné !

Quatre albums, un EP, des projets solos et de multiples collaborations : que de chemin parcouru par les quatre Texans New-­Yorkais depuis leur premier album en 2013. La rivière ne se tarit pas avec Wide Awake!, un cinquième album novateur, synonyme de fraîcheur, de conquête de nouveaux territoires créatifs qui témoigne de l'esprit en constante ébullition du groupe. Le travail de Brian Burton aka Danger Mouse à la production n'y est pas pour rien. On ne peut que constater que cette alchimie étonnante a fait des merveilles. Les treize titres de ce nouvel album sont bien empreints de la passion punk rock qu'on leur connaît mais apporte des sonorités inédites. Le disque reflète une confiance bourgeonnante dans la capacité du groupe à explorer de nouvelles idées et surtout de nouvelles émotions que ses membres n'osaient pas exprimer auparavant. Des sentiments contradictoires, tels que la joie et la rage, la colère et la studipidé, une envie aussi de jouer sur le rapport dialectique entre la rage et l'allégresse. Mais surtout à l'image de groupes comme Youth of Today, Gorilla Biscuit ou Black Flag, une furieuse envie de vouloir faire danser, d'armer les corps pour la résistance à coups de groove, de joie et d'indignation face au nihilisme et au rejet sans cesse plus fort de la culture par scander les idées d'amour, de passion et de combat face à une Amérique qui se referme et des valeurs individaulistes trio souvent érigées en valeur totale. On tient probablement ici l'album le plus abouti et le plus engagé du quatuor. Le réveil a sonné !

Petit garçon de la toundra, Youko apprend à s'occuper des rennes, à vivre en harmonie avec les animaux sauvages. Il découvre aussi le monde des adultes moqueurs... Les histoires de Youko sont aussi l'un des ultimes témoignages de la vie des derniers nomades du Grand Nord, les éleveurs de rennes youkaghirs de Sibérie. A LA DECOUVERTE DES YOUKAGHIRS DE SIBERIE Les histoires de Youko se déroulent au nord-est de la Russie, dans une région tout au nord de la République de Yakoutie : la Kolyma. Elles illustrent la vie des Youkaghirs, dont beaucoup étaient encore nomades durant la seconde moitié du du XXe siècle.Si les Youkaghirs étaient environ 400 au début du XXe siècle, on compte une population de 1500 personnes depuis le recensement de la Fédération russe de 2010. Même si le chiffre official de la population augmente sans cesse, le nombre de locuteurs de la langue, lui, diminue au profit des langues russe et yakoute : moins de 50 personnes aujourd'hui sont capables de parler le youkaghir. La majorité des Youkaghirs vivent sur le territoire de la Yakoutie. Quelques centaines d'entre eux vivent dans les régions voisines : en Tchoukotka et dans la région de Magadan. Dès le début des années 1990, au lendemain de la chute de l'Union soviétique, les Youkaghirs de Yakoutie ont réclamé la création d'une unité administrative propre. C'est en 1998 qu'est né le Souktoul, une municipalité formée autour du village d'Andriouchkino, qui possède son propre statut juridictionnel au sein de la République de Yakoutie. Le Souktoul a pour objectif de soutenir les projets autour de la culture youkaghire et de lutter contre les fléaux sociaux qui menacent les petits peuples de Sibérie.

J'ai toujours été fasciné par la maîtrise du temps affichée par les grands bluesmen. Pour ce projet, j'ai souhaité rassembler une rythmique et des solistes d'horizons différents afin de partager cette notion de temps à partir de la culture de chacun.' JJ Milteau À l'aube du nouveau millénaire, Jean-Jacques Milteau célébrait son arrivée chez Universal Jazz avec le recueil 'Memphis', enregistré dans la capitale de la soul musique sudiste, et récompensé depuis par une Victoire de la Musique. Cinq ans plus tard, l'harmoniciste décidait de se lancer dans une aventure plus volontiers tournée vers le blues électrique et parcourait la France à la tête d'une formation aussi explosive que contrastée : pour donner la réplique aux deux pivots de son orchestre habituel - le guitariste Manu Galvin et la chanteuse Demi Evans - J.J. faisait appel à une rythmique noir-américaine plébiscitée de longue date sur le circuit du blues aux États-Unis. Constituée autour du bassiste Felton Crews (un ancien de la bande à Miles Davis qui a prouvé son attachement au blues en travaillant avec Junior Wells et Otis Rush), l'orchestre de la tournée comprenait également le batteur Mark Mack (ancien accompagnateur de James Cotton), ainsi que le guitariste et chanteur Andrew 'Junior Boy' Jones, un Texan qui a fait ses classes auprès du grand Freddie King. Cette tournée, largement plébiscitée par le public en 2005, trouve aujourd'hui un prolongement mérité grâce à ce 'Live Hot 'n Blue' qui traduit fidèlement les accents blues d'une rencontre féconde en rebondissements musicaux.

Alors que la Première Guerre Mondiale ravage l'Europe, les forces vives manquent. Pour faire face aux besoins en hommes des usines d'armement, des mines, de la construction des routes, etc., Français et Britanniques recrutent en Chine 140.000 travailleurs qui arriveront entre 1916 et 1918 pour servir de main-d'ouvre en arrière des lignes de front. Parmi eux, Wei dont le destin reflète celui de milliers d'autres de ses semblables. A l'issue du conflit, plus de 20.000 de ces hommes sont morts, comme en témoigne le cimetière chinois de Nolette (dans la baie de Somme). Tandis que la plupart des survivants retournent au pays, quelques milliers de Chinois, dont Wei, s'installent en France pour une vie qu'ils n'avaient pas imaginée. Fiction documentaire composée d'une première partie narrative au texte sensible et d'une seconde partie documentaire (cartes, chiffres, photographies anciennes). Gwenaëlle ABOLIVIER est journaliste et auteure. Pendant 20 ans, elle a présenté sur France Inter des émissions de reportages où elle a raconté ses grands voyages à travers le monde. Plus récemment, elle s'est consacrée à la littérature de voyage et aux relations épistolaires. Elle est l'auteure de plusieurs anthologies de lettres et d'une biographie d'Alexandra David-Néel. ZAÜ a d'abord travaillé dans la publicité et continuera longtemps d'exercer dans ce secteur d'activité. Il publie son premier album jeunesse en 1966 à l'Ecole des loisirs et collabore à différents magazines de presse jeunesse avant de revenir à l'album au début des années 90. Il développe une création humaniste attentive à la différence et à l'autre et puise son inspiration dans ses nombreux voyages.

Le tout premier album live de Whitney Houston avec les performances les plus marquantes de cette icône, disponible en CD et CD/DVD ! Whitney Houston Live : Her Greatest Performances emportera ses auditeurs à travers l’incroyable carrière de Houston, de sa première apparition sur une chaîne de télévision nationale dans l’émission The Merv Griffin Show en 1983 en tant qu’adolescente prodige interprétant Home de The Wiz, à sa performance pleine d’émotion de I Didn’t Know My Own Strength en 2009 dans l’émission The Oprah Winfrey Show. Le producteur du CD et du DVD est Clive Davis, récompensé de 5 Grammy Awards. Selon Mr. Davis, Le CD/DVD live de Whitney surprendra tout le monde. Il montre de façon définitive à quel point elle était unique, la plus grande de tous les temps. Pour moi, c’est quelque chose de très émouvant. Cet album confirme qu’il n’y avait pas d’autre chanteuse comme elle. Cela rend cette tragédie de la voir partir si jeune encore plus douloureuse. Le fait de regarder le DVD est une expérience incroyable. Sa voix hallucinante et les chansons qui ont su traverser les années s’assemblent pour nous hypnotiser encore et encore. Avec un total de six Grammy Awards, deux Emmy Awards, seize Billboard Music Awards, vingt-deux American Music Awards (record détenu pour une artiste féminine), et 170 millions d’albums, singles et vidéos vendus à travers le monde, Whitney Houston était une véritable icône de la culture pop, et l’album Whitney Houston Live : Her Greatest Performances est simplement une nouvelle démonstration de son talent, qui permettra de la garder ainsi que sa magie présents à jamais dans nos coeurs !

Le tout premier album live de Whitney Houston avec les performances les plus marquantes de cette icône, disponible en CD et CD/DVD ! Whitney Houston Live : Her Greatest Performances emportera ses auditeurs à travers l’incroyable carrière de Houston, de sa première apparition sur une chaîne de télévision nationale dans l’émission The Merv Griffin Show en 1983 en tant qu’adolescente prodige interprétant Home de The Wiz, à sa performance pleine d’émotion de I Didn’t Know My Own Strength en 2009 dans l’émission The Oprah Winfrey Show. Le producteur du CD et du DVD est Clive Davis, récompensé de 5 Grammy Awards. Selon Mr. Davis, Le CD/DVD live de Whitney surprendra tout le monde. Il montre de façon définitive à quel point elle était unique, la plus grande de tous les temps. Pour moi, c’est quelque chose de très émouvant. Cet album confirme qu’il n’y avait pas d’autre chanteuse comme elle. Cela rend cette tragédie de la voir partir si jeune encore plus douloureuse. Le fait de regarder le DVD est une expérience incroyable. Sa voix hallucinante et les chansons qui ont su traverser les années s’assemblent pour nous hypnotiser encore et encore. Avec un total de six Grammy Awards, deux Emmy Awards, seize Billboard Music Awards, vingt-deux American Music Awards (record détenu pour une artiste féminine), et 170 millions d’albums, singles et vidéos vendus à travers le monde, Whitney Houston était une véritable icône de la culture pop, et l’album Whitney Houston Live : Her Greatest Performances est simplement une nouvelle démonstration de son talent, qui permettra de la garder ainsi que sa magie présents à jamais dans nos coeurs !

Le jazz est un art paradoxal : expression essentiellement individuelle, il est aussi langage, musique du dialogue. S'il est si difficile à cerner, si l'on s'entend si rarement sur sa définition, c'est peut-être que le jazz est un processus, le lieu d'une tension dialectique qui se résout à un instant donné, sur scène, en une création commune. L'écueil à éviter, et le motif de tant de disputes, c'est de vouloir dire a priori ce qui est jazz. La grande histoire du jazz est faite de dissidences, de convergences accidentelles, elle ne se résume pas d'un trait net. Archie Shepp ne veut pas du mot « Jazz » pour sa musique; ce qui l'habite, c'est la musique noire américaine au son de laquelle il a grandi. Ce qu'il joue, le projet d'une vie, c'est la « Black Art Music ». C'est pour lui, et au-delà pour de nombreux musiciens noirs (Duke, Roach, Mingus... Oliver Lake) la réponse à la confiscation de leur histoire par une industrie sans identité. Ce qui n'exclut pas la rencontre, l'extrême proximité, inattendue et inexplicable, entre un pianiste autrichien élevé dans une culture musicale classique - Siegfried Kessler - et un enfant du ghetto de Fort Lauderdale, Floride - Archie Shepp. Le jazz, puisqu'il faut un mot, est universel parce qu'il est ancré dans le particulier, parce qu'il est ouvert sur toutes les expressions singulières. Call and Response. Quelques notes suffisent pour entendre la proximité entre Shepp et Lake. Leur timbre, absolument personnels, déchirés et déchirants, sont des incarnations de la Voix Noire. L'un et l'autre conçoivent leur musique en lien direct avec la culture de leur peuple, et toutes les formes artistiques qui en ont émergé. Oliver Lake fut l'un des fondateurs du BAG - Black Artists Group - un collectif multidisciplinaire d'artiste afro-américains, et Archie Shepp l'un des principaux animateurs de l'aventure qui l'inspira : Le Black Arts Repertory Theater/School d'Amiri Baraka. La rencontre avec Maddox prolonge un dialogue entre musique et poésie orale dans lequel les deux saxophonistes se sont depuis longtemps engagés. Malcolm Semper Malcolm (Fire Music 1968), ou encore les versions scandées de Revolution annoncent le rap et prolongent une tradition qui part d'Afrique, traverse spirituals, blues, la poésie de Baraka, les dirty dozens, la prosodie de Luther King, The Revolution Won't be Televised, les raps de Public Enemy... Le parlé scandé noir américain ressaisit la parole quotidienne dans une poésie rythmique; il est politique parce qu'il est au plus proche de la langue d'une communauté opprimée. S'y exprime l'élan fondamental de la musique afroaméricaine, son urgence et sa nécessité. Napoleon Maddox restitue la richesse d'un grand mouvement artistique populaire, le hip-hop. Human Beat Box, ou l'art d'imiter une batterie avec sa voix, free style - raps improvisés - dont les textes sont biographiques, intimes et politiques, ces instruments et formes authentiques du rap font écho à une histoire plus large : le rappeur est le bluesman moderne. Maddox restitue la richesse d'un grand mouvement artistique populaire, le hip-hop. Human Beat Box, ou l'art d'imiter une batterie avec sa voix, free style - raps improvisés - dont les textes sont biographiques, intimes et politiques, ces instruments et formes authentiques du rap font écho à une histoire plus large : le rappeur est le bluesman moderne. Il y a là un fil que l'on peut suivre à travers toute la musique noire américaine : Malcolm Semper Malcolm - Archie Shepp Fire Music 1968 - ou encore les versions scandées de Revolution, annonçaient le rap et retravaillait une forme qui naquît en Afrique, traversa spirituals, blues, la poésie de Baraka, les dirty dozens, la prosodie de Luther King, The Revolution Won't be Televised, les raps de Public Enemy... Le parlé scandé noir américain ressaisit la parole quotidienne dans une poésie rythmique; il est politique parce qu'il est au plus proche de la langue d'une communauté opprimée. S'y exprime l'élan fondamental de la musique afro-américaine, son urgence et sa nécessité.

A l'occasion de l'ouverture de l'exposition du même nom qui se déroule à Nashville jusqu’à fin 2016, Legacy Recordings et le Country Music Hall of Fame de Nashville sont fiers de sortir cette compilation exceptionnelle ! Ce double CD contient 36 titres pop, rock et folk enregistrés à Nashville ou en collaboration avec des musiciens de la Nashville Session, dont des titres de Bob Dylan, Leonard Cohen, Simon & Garfunkel et bien d'autres. Également présente sur cette compilation, une version inédite If Not For You de Bob Dylan ! Une playlist sera mise en ligne le 11 mai avec les commentaires de Charlie Daniels des Nashville Cats et un concert est prévu cet été, le 7 juillet, pour célébrer la sortie de l'album. Bob Dylan, Leonard Cohen, The Byrds, Simon & Garfunkel, Neil Young, Paul McCartney ont tous fait partie des nombreux artistes rock et folk qui se sont rendus à Nashville à la fin des années 60 et au début des années 70 pour enregistrer des albums avec les Nashville Cats, musiciens de studio aux multiples talents. Bob Dylan y a enregistré Blonde on Blonde, John Wesley Harding, et Nashville Skyline, les Byrds Sweetheart of the Rodeo, et Neil Young Harvest. La décision de Bob Dylan d'enregistrer Blonde On Blonde à Nashville en 1966 a fait graviter beaucoup de musiciens de la contre culture et de l'establishment vers cette destination improbable et a conduit à un mélange des genres. Dylan, Cash, and the Nashville Cats : A New Music City incarne l'esprit universel de la musique qui défie les frontières et les catégories en célébrant le lien entre les musiques rock, pop et country. Cette période d'échange musical a fait évoluer le son de Nashville hors de la country traditionnelle et vers des influences pop, rock et folk grand public.

25 ANS APRES : L'ALBUM LE PLUS VENDU DE TOUS LES TEMPS REVIENT ENCORE PLUS FORT L'édition spéciale des 25 ans de Thriller célèbre ce classique incontournable et historique avec 7 titres bonus, dont 6 totalement inédits. Parmi ces nouvelles pistes, des remixes de Kan ye West, Fergie, Will.I.am et Akon, le tout accompagné d'une chanson inédite issue des sessions originales de l'album Thriller intitulée For all time, mixée et masterisée par Michael Jackson. Un dvd bonus permettra de redécouvrir les 3 vidéoclips produits pour l'album en version remasterisée, ainsi que la performance légendaire de Michael Jackson sur Billie Jean enregistrée à l'occasion de la soirée Motown 25 : yesterday, today, forever (diffusée pour la première fois sur NBC le 16 mai 1983). La version deluxe est présentée sous un format livret avec une couverture rigide plus un livret de 48 pages contenant des photos rares et les paroles des chansons. Toutes les versions de cette édition spéciale 25 ans contiennent un message de Michael Jackson pour ses fans, rédigé exclusivement pour l'occasion. THRILLER - EDITION 25E ANNIVERSAIRE DISPONIBLE A TRAVERS LE MONDE LA SEMAINE DU 11 FEVRIER 2008 Initialement commercialisé il y a 25 ans (3 décembre 1982), Thriller, le sixième album solo de Michael Jackson, et le deuxième produit avec Quincy Jones, a propulsé le leader des Jackson 5 au rang de superstar planétaire. En ajoutant le robot et le moonwalk au lexique des clubbers du monde entier grâce aux sons palpitants de Thriller, Michael Jackson a révolutionné tous les aspects de la culture pop - autant sur les ondes radio du monde entier que par l'arrivée des premiers vidéoclips - et s'est imposé comme la plus grande star au monde. Thriller a passé pas moins de 80 semaines dans le top 10 albums aux USA, dont 37 à la première place. 7 des 45 tours originaux se sont classés dans le top 10 et certains titres se sont classés premiers dans plusieurs pays : USA, Royaume-Uni, France, Italie, Australie, Danemark, Belgique, Afrique du sud, Espagne, Irlande, Nouvelle Zélande et Canada. Thriller a marqué l'histoire en devenant le seul et unique album le plus vendu aux USA sur deux années consécutives (1983 et 1984). Thriller a été certifié disque de platine 27 fois par la RIAA, et a été reconnu double disque de diamant aux USA. Thriller a également été couronné disque de platine ou diamant dans les pays suivants : Argentine, Australie, Brésil, Belgique, Canada, Finlande, France, Allemagne, Japon, Mexique, Hollande, Nouvelle Zélande, Portugal, Espagne, Suisse et le Royaume-Uni. LE LIVRE DES RECORDS (GUINESS BOOK OF RECORDS) A RECONNU THRILLER COMME L'ALBUM LE PLUS VENDU AU MONDE (PLUS DE 104 MILLIONS D'EXEMPLAIRES). En février 1984, Michael Jackson a reçu un nombre record de nominations aux Grammy awards (victoires de la musique américaines), et en a remporté 8, ce qui reste le record pour un artiste sur une même année. 7 de ces récompenses concernaient Thriller : album de l'année; single de l'année (Beat it); meilleure performance pop vocale masculine (Thriller); meilleur enregistrement; meilleure performance rock vocale masculine (Beat it); meilleure performance r'n'b vocale masculine (Billie Jean); meilleur single r'n'b (Billie Jean). (Michael a remporté son 8ème Grammy awards dans la catégorie meilleur album, single ou enregistrement pour enfants, pour le coffret E.T. The extra-terrestrial - storybook). La même année, Michael Jackson a remporté 8 American music awards et 3 MTV vidéo music awards. L'année suivante, le documentaire The making of Michael jackson's thriller a remporté le trophée de meilleure vidéo lors de la 27ème cérémonie des Grammy awards. Nommé homme de spectacle le plus populaire de tous les temps (most successful entertainer of all time) par le livre des records, Michael Jackson fait partie des artistes les plus reconnus, acclamés et influents de la culture pop. Les world music awards lui ont décerné le prix d'artiste du millénaire et les American music awards lui ont remis le prix d'artiste du siècle. Il a été intronisé deux fois au rock & roll hall of fame : en 1997 comme membre des Jackson 5, et en 2001 en tant qu'artiste solo.

25 ANS APRES : L'ALBUM LE PLUS VENDU DE TOUS LES TEMPS REVIENT ENCORE PLUS FORT L'édition spéciale des 25 ans de « Thriller » célèbre ce classique incontournable et historique avec 7 titres bonus, dont 6 totalement inédits. Parmi ces nouvelles pistes, des remixes de Kan ye West, Fergie, Will.I.am et Akon, le tout accompagné d'une chanson inédite issue des sessions originales de l'album « Thriller » intitulée « For all time », mixée et masterisée par Michael Jackson. Un dvd bonus permettra de redécouvrir les 3 vidéoclips produits pour l'album en version remasterisée, ainsi que la performance légendaire de Michael Jackson sur « Billie Jean » enregistrée à l'occasion de la soirée « Motown 25 : yesterday, today, forever » (diffusée pour la première fois sur NBC le 16 mai 1983). La version deluxe est présentée sous un format livret avec une couverture rigide plus un livret de 48 pages contenant des photos rares et les paroles des chansons. Toutes les versions de cette édition spéciale 25 ans contiennent un message de Michael Jackson pour ses fans, rédigé exclusivement pour l'occasion. « THRILLER » - EDITION 25E ANNIVERSAIRE DISPONIBLE A TRAVERS LE MONDE LA SEMAINE DU 11 FEVRIER 2008 Initialement commercialisé il y a 25 ans (3 décembre 1982), « Thriller », le sixième album solo de Michael Jackson, et le deuxième produit avec Quincy Jones, a propulsé le leader des Jackson 5 au rang de superstar planétaire. En ajoutant le «robot» et le «moonwalk» au lexique des clubbers du monde entier grâce aux sons palpitants de « Thriller », Michael Jackson a révolutionné tous les aspects de la culture pop - autant sur les ondes radio du monde entier que par l'arrivée des premiers vidéoclips - et s'est imposé comme la plus grande star au monde. « Thriller » a passé pas moins de 80 semaines dans le top 10 albums aux USA, dont 37 à la première place. 7 des 45 tours originaux se sont classés dans le top 10 et certains titres se sont classés premiers dans plusieurs pays : USA, Royaume-Uni, France, Italie, Australie, Danemark, Belgique, Afrique du sud, Espagne, Irlande, Nouvelle Zélande et Canada. « Thriller » a marqué l'histoire en devenant le seul et unique album le plus vendu aux USA sur deux années consécutives (1983 et 1984). « Thriller » a été certifié disque de platine 27 fois par la RIAA, et a été reconnu double disque de diamant aux USA. « Thriller » a également été couronné disque de platine ou diamant dans les pays suivants : Argentine, Australie, Brésil, Belgique, Canada, Finlande, France, Allemagne, Japon, Mexique, Hollande, Nouvelle Zélande, Portugal, Espagne, Suisse et le Royaume-Uni. LE LIVRE DES RECORDS (GUINESS BOOK OF RECORDS) A RECONNU « THRILLER » COMME L'ALBUM LE PLUS VENDU AU MONDE (PLUS DE 104 MILLIONS D'EXEMPLAIRES). En février 1984, Michael Jackson a reçu un nombre record de nominations aux Grammy awards (victoires de la musique américaines), et en a remporté 8, ce qui reste le record pour un artiste sur une même année. 7 de ces récompenses concernaient « Thriller » : album de l'année; single de l'année (Beat it); meilleure performance pop vocale masculine (Thriller); meilleur enregistrement; meilleure performance rock vocale masculine (Beat it); meilleure performance r'n'b vocale masculine (Billie Jean); meilleur single r'n'b (Billie Jean). (Michael a remporté son 8ème Grammy awards dans la catégorie meilleur album, single ou enregistrement pour enfants, pour le coffret E.T. The extra-terrestrial - storybook). La même année, Michael Jackson a remporté 8 American music awards et 3 MTV vidéo music awards. L'année suivante, le documentaire « The making of Michael jackson's thriller » a remporté le trophée de meilleure vidéo lors de la 27ème cérémonie des Grammy awards. Nommé « homme de spectacle le plus populaire de tous les temps » (most successful entertainer of all time) par le livre des records, Michael Jackson fait partie des artistes les plus reconnus, acclamés et influents de la culture pop. Les world music awards lui ont décerné le prix « d'artiste du millénaire » et les American music awards lui ont remis le prix « d'artiste du siècle ». Il a été intronisé deux fois au rock & roll hall of fame : en 1997 comme membre des Jackson 5, et en 2001 en tant qu'artiste solo.

25 ANS APRES : L'ALBUM LE PLUS VENDU DE TOUS LES TEMPS REVIENT ENCORE PLUS FORT L'édition spéciale des 25 ans de « Thriller » célèbre ce classique incontournable et historique avec 7 titres bonus, dont 6 totalement inédits. Parmi ces nouvelles pistes, des remixes de Kan ye West, Fergie, Will.I.am et Akon, le tout accompagné d'une chanson inédite issue des sessions originales de l'album « Thriller » intitulée « For all time », mixée et masterisée par Michael Jackson. Un dvd bonus permettra de redécouvrir les 3 vidéoclips produits pour l'album en version remasterisée, ainsi que la performance légendaire de Michael Jackson sur « Billie Jean » enregistrée à l'occasion de la soirée « Motown 25 : yesterday, today, forever » (diffusée pour la première fois sur NBC le 16 mai 1983). La version deluxe est présentée sous un format livret avec une couverture rigide plus un livret de 48 pages contenant des photos rares et les paroles des chansons. Toutes les versions de cette édition spéciale 25 ans contiennent un message de Michael Jackson pour ses fans, rédigé exclusivement pour l'occasion. « THRILLER » - EDITION 25E ANNIVERSAIRE DISPONIBLE A TRAVERS LE MONDE LA SEMAINE DU 11 FEVRIER 2008 Initialement commercialisé il y a 25 ans (3 décembre 1982), « Thriller », le sixième album solo de Michael Jackson, et le deuxième produit avec Quincy Jones, a propulsé le leader des Jackson 5 au rang de superstar planétaire. En ajoutant le «robot» et le «moonwalk» au lexique des clubbers du monde entier grâce aux sons palpitants de « Thriller », Michael Jackson a révolutionné tous les aspects de la culture pop - autant sur les ondes radio du monde entier que par l'arrivée des premiers vidéoclips - et s'est imposé comme la plus grande star au monde. « Thriller » a passé pas moins de 80 semaines dans le top 10 albums aux USA, dont 37 à la première place. 7 des 45 tours originaux se sont classés dans le top 10 et certains titres se sont classés premiers dans plusieurs pays : USA, Royaume-Uni, France, Italie, Australie, Danemark, Belgique, Afrique du sud, Espagne, Irlande, Nouvelle Zélande et Canada. « Thriller » a marqué l'histoire en devenant le seul et unique album le plus vendu aux USA sur deux années consécutives (1983 et 1984). « Thriller » a été certifié disque de platine 27 fois par la RIAA, et a été reconnu double disque de diamant aux USA. « Thriller » a également été couronné disque de platine ou diamant dans les pays suivants : Argentine, Australie, Brésil, Belgique, Canada, Finlande, France, Allemagne, Japon, Mexique, Hollande, Nouvelle Zélande, Portugal, Espagne, Suisse et le Royaume-Uni. LE LIVRE DES RECORDS (GUINESS BOOK OF RECORDS) A RECONNU « THRILLER » COMME L'ALBUM LE PLUS VENDU AU MONDE (PLUS DE 104 MILLIONS D'EXEMPLAIRES). En février 1984, Michael Jackson a reçu un nombre record de nominations aux Grammy awards (victoires de la musique américaines), et en a remporté 8, ce qui reste le record pour un artiste sur une même année. 7 de ces récompenses concernaient « Thriller » : album de l'année; single de l'année (Beat it); meilleure performance pop vocale masculine (Thriller); meilleur enregistrement; meilleure performance rock vocale masculine (Beat it); meilleure performance r'n'b vocale masculine (Billie Jean); meilleur single r'n'b (Billie Jean). (Michael a remporté son 8ème Grammy awards dans la catégorie meilleur album, single ou enregistrement pour enfants, pour le coffret E.T. The extra-terrestrial - storybook). La même année, Michael Jackson a remporté 8 American music awards et 3 MTV vidéo music awards. L'année suivante, le documentaire « The making of Michael jackson's thriller » a remporté le trophée de meilleure vidéo lors de la 27ème cérémonie des Grammy awards. Nommé « homme de spectacle le plus populaire de tous les temps » (most successful entertainer of all time) par le livre des records, Michael Jackson fait partie des artistes les plus reconnus, acclamés et influents de la culture pop. Les world music awards lui ont décerné le prix « d'artiste du millénaire » et les American music awards lui ont remis le prix « d'artiste du siècle ». Il a été intronisé deux fois au rock & roll hall of fame : en 1997 comme membre des Jackson 5, et en 2001 en tant qu'artiste solo.

Sonny Landreth est l'un des plus grands joueurs de guitare slide actuel et à ce titre a collaboré avec de nombreux artistes : Clifton Chénier (son premier mentor), John Hiatt, Bonnie Raitt, Alain Bashung ('Osez Joséphine', 'J'écume', 'Volutes'), Stephan Eicher ('Carcassonne', '1000 Vies'), Elliott Murphy, John Mayall ('A Sense Of Place'), Mark Knopfler ('Golden Heart'), etc. Il est né à Canton dans le Mississippi le 1er février 1951 et a émigré très tôt à Lafayette où il devient un « session man » très recherché. Imprégné de culture louisianaise, il intègre facilement dans ses compositions des styles cajuns tels le zydeco ou le swamp. John Hiatt le repère assez rapidement et lui donne sa chance dans son groupe. Son style inimitable lui assure une reconnaissance chez ses pairs à commencer par des musiciens de stature internationale tels que John McLaughlin, Eric Clapton, Mark Knopfler, etc. Passé maître dans l'art de la 'slide guitar', grâce à un jeu arachnéen époustouflant, Sonny Landreth est également chanteur, auteur, compositeur, porteur de l'âme du Sud profond de l'Amérique : le blues. Ce onzième album solo est très différent de ce que le maître a déjà enregistré : il s'agit d'un album totalement instrumental. Les influences sont très diverses : sonorités ibériques, improvisations bouillonnantes entre rock et jazz, grooves jamaïcains, harmonies classiques, swing Zydeco... Un album sans frontière, enregistré en compagnie d'excellents musiciens, qui respire l'amour de la musique et dont la richesse surprend et tient en haleine à chaque écoute. A noter la participation de Joe Satriani (le solo féroce sur « Gaia Tribe ») et du virtuose de retour Eric Johnson (« Passionala »).

25 ANS APRES : L'ALBUM LE PLUS VENDU DE TOUS LES TEMPS REVIENT ENCORE PLUS FORT L'édition spéciale des 25 ans de « Thriller » célèbre ce classique incontournable et historique avec 7 titres bonus, dont 6 totalement inédits. Parmi ces nouvelles pistes, des remixes de Kan ye West, Fergie, Will.I.am et Akon, le tout accompagné d'une chanson inédite issue des sessions originales de l'album « Thriller » intitulée « For all time », mixée et masterisée par Michael Jackson. Un dvd bonus permettra de redécouvrir les 3 vidéoclips produits pour l'album en version remasterisée, ainsi que la performance légendaire de Michael Jackson sur « Billie Jean » enregistrée à l'occasion de la soirée « Motown 25 : yesterday, today, forever » (diffusée pour la première fois sur NBC le 16 mai 1983). La version deluxe est présentée sous un format livret avec une couverture rigide plus un livret de 48 pages contenant des photos rares et les paroles des chansons. Toutes les versions de cette édition spéciale 25 ans contiennent un message de Michael Jackson pour ses fans, rédigé exclusivement pour l'occasion. « THRILLER » - EDITION 25E ANNIVERSAIRE DISPONIBLE A TRAVERS LE MONDE LA SEMAINE DU 11 FEVRIER 2008 Initialement commercialisé il y a 25 ans (3 décembre 1982), « Thriller », le sixième album solo de Michael Jackson, et le deuxième produit avec Quincy Jones, a propulsé le leader des Jackson 5 au rang de superstar planétaire. En ajoutant le «robot» et le «moonwalk» au lexique des clubbers du monde entier grâce aux sons palpitants de « Thriller », Michael Jackson a révolutionné tous les aspects de la culture pop - autant sur les ondes radio du monde entier que par l'arrivée des premiers vidéoclips - et s'est imposé comme la plus grande star au monde. « Thriller » a passé pas moins de 80 semaines dans le top 10 albums aux USA, dont 37 à la première place. 7 des 45 tours originaux se sont classés dans le top 10 et certains titres se sont classés premiers dans plusieurs pays : USA, Royaume-Uni, France, Italie, Australie, Danemark, Belgique, Afrique du sud, Espagne, Irlande, Nouvelle Zélande et Canada. « Thriller » a marqué l'histoire en devenant le seul et unique album le plus vendu aux USA sur deux années consécutives (1983 et 1984). « Thriller » a été certifié disque de platine 27 fois par la RIAA, et a été reconnu double disque de diamant aux USA. « Thriller » a également été couronné disque de platine ou diamant dans les pays suivants : Argentine, Australie, Brésil, Belgique, Canada, Finlande, France, Allemagne, Japon, Mexique, Hollande, Nouvelle Zélande, Portugal, Espagne, Suisse et le Royaume-Uni. LE LIVRE DES RECORDS (GUINESS BOOK OF RECORDS) A RECONNU « THRILLER » COMME L'ALBUM LE PLUS VENDU AU MONDE (PLUS DE 104 MILLIONS D'EXEMPLAIRES). En février 1984, Michael Jackson a reçu un nombre record de nominations aux Grammy awards (victoires de la musique américaines), et en a remporté 8, ce qui reste le record pour un artiste sur une même année. 7 de ces récompenses concernaient « Thriller » : album de l'année; single de l'année (Beat it); meilleure performance pop vocale masculine (Thriller); meilleur enregistrement; meilleure performance rock vocale masculine (Beat it); meilleure performance r'n'b vocale masculine (Billie Jean); meilleur single r'n'b (Billie Jean). (Michael a remporté son 8ème Grammy awards dans la catégorie meilleur album, single ou enregistrement pour enfants, pour le coffret E.T. The extra-terrestrial - storybook). La même année, Michael Jackson a remporté 8 American music awards et 3 MTV vidéo music awards. L'année suivante, le documentaire « The making of Michael jackson's thriller » a remporté le trophée de meilleure vidéo lors de la 27ème cérémonie des Grammy awards. Nommé « homme de spectacle le plus populaire de tous les temps » (most successful entertainer of all time) par le livre des records, Michael Jackson fait partie des artistes les plus reconnus, acclamés et influents de la culture pop. Les world music awards lui ont décerné le prix « d'artiste du millénaire » et les American music awards lui ont remis le prix « d'artiste du siècle ». Il a été intronisé deux fois au rock & roll hall of fame : en 1997 comme membre des Jackson 5, et en 2001 en tant qu'artiste solo.

Legacy Recordings, est fier d’annoncer la sortie de Out Among The Stars (Columbia/Legacy), un nouvel album incroyable composé de 12 enregistrements de Johnny Cash récemment découverts par son fils John Carter Cash. Les morceaux de Out Among The Stars ont été enregistrés à Nashville, dans le Tennessee, dans les studios Columbia en 1981 et au studio 1111 Sound en 1984, et produits par Billy Sherrill, l’architecte du son ‘countrypolitan’, alors à la tête de la direction artistique de CBS Records à Nashville. Sur ces morceaux - qui comprennent deux duos avec sa femme, June Carter Cash, et un avec Waylon Jennings -, Johnny Cash a travaillé avec un groupe élargi composé d’un Marty Stuart tout jeune à l’époque (à la guitare et à la mandoline), ainsi que de Jerry Kennedy (à la guitare), Pete Drake (à la steel guitar), Hargus Pig Robbins (au piano) et Henry Strzelecki (à la basse), tous les quatre membres du Nashville A-Team, surnom donné à un cercle de musiciens de studio renommés de la ville. Ces enregistrements totalement inédits ne sont ni des démos, ni de simples prises inexploitées ou des versions alternatives de morceaux existants. Ils sont restés dans les tiroirs lorsque Columbia Records a publié les derniers albums de Johnny Cash pour le label et ont été oubliés par la suite. Out Among The Stars est le résultat de ce travail et constitue un superbe album de Johnny Cash, faisant le lien entre le rockabilly de ses années Sun Records et ses derniers albums absolument marquants enregistrés pour American Recordings. En près de cinquante ans de carrière, celui qui était surnommé The Man in Black n’a pas seulement été l’un des artistes les plus prolifiques en studio; il a également été un archétype de la musique américaine, lui qui était devenu une figure majeure de la culture populaire sans jamais se trahir.

Legacy Recordings, est fier d’annoncer la sortie de Out Among The Stars (Columbia/Legacy), un nouvel album incroyable composé de 12 enregistrements de Johnny Cash récemment découverts par son fils John Carter Cash. Les morceaux de Out Among The Stars ont été enregistrés à Nashville, dans le Tennessee, dans les studios Columbia en 1981 et au studio 1111 Sound en 1984, et produits par Billy Sherrill, l’architecte du son ‘countrypolitan’, alors à la tête de la direction artistique de CBS Records à Nashville. Sur ces morceaux - qui comprennent deux duos avec sa femme, June Carter Cash, et un avec Waylon Jennings -, Johnny Cash a travaillé avec un groupe élargi composé d’un Marty Stuart tout jeune à l’époque (à la guitare et à la mandoline), ainsi que de Jerry Kennedy (à la guitare), Pete Drake (à la steel guitar), Hargus Pig Robbins (au piano) et Henry Strzelecki (à la basse), tous les quatre membres du Nashville A-Team, surnom donné à un cercle de musiciens de studio renommés de la ville. Ces enregistrements totalement inédits ne sont ni des démos, ni de simples prises inexploitées ou des versions alternatives de morceaux existants. Ils sont restés dans les tiroirs lorsque Columbia Records a publié les derniers albums de Johnny Cash pour le label et ont été oubliés par la suite. Out Among The Stars est le résultat de ce travail et constitue un superbe album de Johnny Cash, faisant le lien entre le rockabilly de ses années Sun Records et ses derniers albums absolument marquants enregistrés pour American Recordings. En près de cinquante ans de carrière, celui qui était surnommé The Man in Black n’a pas seulement été l’un des artistes les plus prolifiques en studio; il a également été un archétype de la musique américaine, lui qui était devenu une figure majeure de la culture populaire sans jamais se trahir.

Le voyage initiatique de Mylène. De retour d’un voyage, Charles offre à sa fille un livre fabuleux. En le feuilletant au creux d’un chêne centenaire, Mylène s’évade dans un monde magique et se lie d’amitié avec des rapaces. Un voyage initiatique durant lequel elle va découvrir le secret du peuple Sioux, sa sagesse et son harmonie avec la nature. Aux côtés de Mylène, plongez dans la culture Sioux et découvrez les secrets, la sagesse et l'harmonie avec la nature de ce peuple ! - Roman à lire dès 8 ans. EXTRAIT Le jour suivant, je suis surprise de trouver Tekoa m’attendant au vieux chêne en compagnie de Salto. — Que se passe-t-il ? m’inquiété-je soudain. Salto me laisse approcher sans rien dire. Je le trouve tristounet, bizarre, et puis je comprends. Je leur raconte alors le réveil de Tristan : — Vous m’aviez dit hier soir qu’il ne se souviendrait pas de sa mésaventure. Cela s’est avéré exact. Devant l’air déçu de Salto, je m’empresse de rajouter : — Il n’était pas peu fier quand il m’a raconté son rêve. Imaginez, il a volé avec un faucon ! Un soupir de soulagement gonfle la poitrine de Salto. Au moment de partir, il me souffle à l’oreille : — Merci, Mylène. — Pauvre vieux, gémit Tekoa en regardant son ami partir. Tu sais que, depuis qu’il a vu ton frère, c’est une véritable pipelette et Tristan par-ci et Tristan par-là... Remarquant mon silence, il prend un air enjoué : — Tss, tss ! Ce n’est pas bon de ruminer tout ça. Je t’emmène te changer les idées. A PROPOS DE L'AUTEUR Installée en Sologne, Viviane s'initie à la peinture et à la sculpture, mais l'écriture reste son domaine de prédilection. Aujourd'hui elle se consacre à la littérature de jeunesse où elle peut exprimer toute son imagination. Dans les aventures fabuleuses et magiques de ses personnages, les animaux et les objets ont la parole. Une plume sur l'épaule est son premier roman jeunesse.

Il aura fallu seulement quelques mois au quatuor Palma Violets pour exploser sur le devant de la scène britannique. Les quatre jeunes anglais s’installent dans un sous-sol londonien qui leur sert à la fois de squat et de studio de répétition en septembre 2011. Faute de trouver des concerts, ils improvisent des soirées en invitant leurs amis au studio pour leur jouer les morceaux au fil et à mesure de leur création. Ce studio se trouve à Lambeth, quartier populaire au sud de Londres qui n’est pas, au contraire de Camden par exemple, un vivier de la culture rock de la ville. Et pourtant, avec un bouche-à-oreille exponentiel, les fans et leurs amis se déplacent en nombre croissant pour assister à ces happenings. Rapidement, plus d’une centaine de personnes s’entassent régulièrement dans le minuscule sous-sol, sans climatisation ni fenêtre, forçant certain(e)s fans à se déshabiller ! Moins d’un an plus tard, le NME, la bible du rock anglais, se rend à une de ces soirées et le groupe fait la couverture du magazine alors qu’il n’est ni signé et n’a quasiment aucun concert à son actif ! Palma Violets signe dans la foulée sur le label Rough Trade et est invité au Festival Les Inrocks en novembre dernier pour un concert à la Boule Noire mémorable et assurément l’un des moments forts de cette édition.180, leur premier album, est le nom de ce studio où tout à commencé pour Palma Violets. On y retrouve toute la spontanéité et l’énergie communicative du groupe sur scène, mais aussi ses dons de mélodiste, véritable marque de fabrique des grands groupes de rock anglo-saxons. On n’est ainsi pas prêt de se lasser de son premier single ‘Best Of Friends’, tube instantané et imparable qui ouvre l’album de la plus belle des manières. Comparé inévitablement à Libertines et The Vaccines, le groupe rappelle aussi The Clash tout en faisant preuve d’une identité et d’une maturité très forte pour un premier album.

Il aura fallu seulement quelques mois au quatuor Palma Violets pour exploser sur le devant de la scène britannique. Les quatre jeunes anglais s’installent dans un sous-sol londonien qui leur sert à la fois de squat et de studio de répétition en septembre 2011. Faute de trouver des concerts, ils improvisent des soirées en invitant leurs amis au studio pour leur jouer les morceaux au fil et à mesure de leur création. Ce studio se trouve à Lambeth, quartier populaire au sud de Londres qui n’est pas, au contraire de Camden par exemple, un vivier de la culture rock de la ville. Et pourtant, avec un bouche-à-oreille exponentiel, les fans et leurs amis se déplacent en nombre croissant pour assister à ces happenings. Rapidement, plus d’une centaine de personnes s’entassent régulièrement dans le minuscule sous-sol, sans climatisation ni fenêtre, forçant certain(e)s fans à se déshabiller ! Moins d’un an plus tard, le NME, la bible du rock anglais, se rend à une de ces soirées et le groupe fait la couverture du magazine alors qu’il n’est ni signé et n’a quasiment aucun concert à son actif ! Palma Violets signe dans la foulée sur le label Rough Trade et est invité au Festival Les Inrocks en novembre dernier pour un concert à la Boule Noire mémorable et assurément l’un des moments forts de cette édition.180, leur premier album, est le nom de ce studio où tout à commencé pour Palma Violets. On y retrouve toute la spontanéité et l’énergie communicative du groupe sur scène, mais aussi ses dons de mélodiste, véritable marque de fabrique des grands groupes de rock anglo-saxons. On n’est ainsi pas prêt de se lasser de son premier single ‘Best Of Friends’, tube instantané et imparable qui ouvre l’album de la plus belle des manières. Comparé inévitablement à Libertines et The Vaccines, le groupe rappelle aussi The Clash tout en faisant preuve d’une identité et d’une maturité très forte pour un premier album.

Une chose est sûre : Matthew Herbert est un vrai musicien. Dès son plus jeune âge, il étudie violon et piano et poursuit ses études académiques jusqu'à l'université. Parallèlement le petit Matt, se produit dans les églises et au sein de différents orchestres, dans des big bands ! C'est à cette époque que naît l'amour d'Herbert pour le Jazz et notamment dans son expression la plus festive, les big bands. Il découvre plus tard la musique électronique et ses infinies possibilités. Au milieu des années 90, Matthew travaille avec Aphex Twin, sur son premier album, puis accumule frénétiquement les projets sous nombre de pseudos; Wishmountain, Doctor Rockit et bien sûr Herbert. Il est alors totalement immergé dans le monde de la musique electronique, en est l'un des pionniers les plus innovants - samplant en live toutes sortes de sons ambiants, ce qui reste la griffe Herbert - bien que ses productions que l'on pourrait qualifier de bruitistes laissent transparaître une culture large, ou des accents jazz ou pop sont clairement perceptibles. 'Around the house', l'un des meilleurs albums de house music à ce jour, consacrera enfin Herbert en 1999. Succès confirmé par la multitude de projets auxquels il participe et les albums qui suivent et notamment Goodbye Swingtime en 2003, premier album sur lequel Herbert, chantre de l'electronica, est accompagné d'un big band jazz. Herbert offre aujourd'hui une suite à 'Goodbye Swingtime' et ré itère cette magnifique expérience avec 'There's Me And There's You'. Accompagnant jusqu'alors Dani Siciliano au chant, Herbert s'est cette fois offert les services de Eska Mtungwazi, chanteuse dont le timbre sublime se situe quelque part entre Dani Siciliano et Minnie Riperton. Mais Herbert a une autre passion : la politique. 'There's Me and There's You' est donc un étonnant recueil de protest songs jazz. Sous cet écrin musical d'une élégance presque désuète se cachent des textes d'un engagement rare et d'une modernité troublante.

Un roman d'espionnage époustouflant, une histoire d'amour et des complots à la cour de Byzance. Majid, le héros de En route vers Bagdad, poursuit ses aventures dans cette ville mythique, à l'origine d'une immense civilisation au Moyen-Age. C'est là, à Byzance, qu'il découvrira des codes diplomatiques et les stratagèmes de survie dans les cercles du pouvoir. Découvrez ce deuxième volet de la saga historique Les aventures de Majid, et replongez au coeur de la civilisation arabe ! EXTRAIT À la grande satisfaction de l’empereur, les cochers du parti des Bleus gagnèrent trois des quatre courses du matin. Puis vint l’heure du repas de midi. Des clowns et des acrobates envahirent la piste tandis qu’on distribuait du jambon, des fruits et des légumes, offerts par l’impératrice à la population présente. L’empereur se retira dans le Triclinos45 pour s’y restaurer en compagnie des membres de l’ambassade. Loin du repas frugal du peuple resté sur les gradins de l’hippodrome, on y servit des mets délicats dans une vaisselle précieuse. A PROPOS DES AUTEURS Hugues Beaujard travaille, depuis 2006, en tant qu'enseignant en Ressources Informatique et Pédagogie, ainsi que ASH - Mission d'aide à la scolarisation des enfants handicapés, à Marseille. Il est titulaire d'une licence de lettres modernes et d'une maîtrise en sciences économiques. Cet amoureux des lettres, spécialisé dans les TIC, a également animé un atelier d'écriture à Aix-en-Provence pendant deux ans. Après des études à l'école Emile Cohl, Emily Nudd-Mitchell entreprend de nombreux voyages en Afrique, en Asie et en Europe, dont elle rapporte des carnets avec des aquarelles subtiles marquant son sens de l'observation.,Durant plusieurs années, Emily vit à Madrid et met son talent et sa grande culture au service de l'enseignement. Elle y anime également de nombreux ateliers pour enfants. Elle enseigne aujourd’hui dans la prestigieuse école d’illustration, Emile Cohl, à Lyon.

The Bug est le projet de Kevin Martin, producteur qui s'est également fait remarquer avec d'autres projets très divers. Il fait en effet parti de TECHNO ANIMAL / ICE / GOD (avec JUSTIN BROADRICK de GODFLESH / JESU), KING MIDAS SOUND, RAZOR X Productions (avec THE ROOTSMAN), PRESSURE et LADYBUG pour n'en citer que quelques uns. Il y a aussi son label, Pathological Records, et les collaborations avec 16-17, PETE SONIC BOOM KEMPER, JOHN ZORN, KEVIN SHIELDS, El-P, ANTIPOP CONSORTIUM. Il a également travaillé avec des labels aussi différents que Virgin (pour des compilations jazz & dub), Rephlex, Position Chrome/Mille Plateaux, Word Sound, Hyperdub, City Slang, Tigerbeat 6, Grand Royal, et maintenant Ninja Tune. Il a enfin été personnellement sollicité pour remixer THOM YORKE, GRACE JONES, EINSTURZENDE NEUBAUTEN et PRIMAL SCREAM. Son nouvel album, London Zoo, est donc le résultat de toutes ses activités. C'est au sein de la scène Dub-step grandissante (dont THE BUG était un pionnier avant même qu'elle ne soit baptisée ainsi) et aux contacts de producteurs emblématiques (dont Kode 9) que KEVIN réalise qu'il n'est pas seul sur la trajectoire sonore qu'il empreinte. London Zoo est donc le fruit de trois rencontres : WARRIOR QUEEN, FLOWDAN et RICKY RANKING (bien connu pour son travail avec ROOTS MANUVA). Les trois mêmes qui figurent en première ligne dans l'aboutissement final et les représentations live à venir. Bien que le point d'entrée de cet album soit l'étiquette Dub-step, notamment après les succès des trois premiers singles (Jah War, Skeng'et Poison Dart'), ce disque célèbre avant tout le passé et réanime les références du dancehall, du grime, du hip-hop, et autres attaques noise. Un album issu de la culture sound-system de Londres mais dont le charme va bien au delà. _______________________________________________________________________________________________

Fruit d'un méticuleux travail de recherche, de conservation et de restauration, le coffret de 36 CD Bob Dylan : The 1966 Live Recordings est tiré de trois grandes sources : des enregistrements soundboard, des enregistrements mobiles de CBS Records et des enregistrements de spectateurs. A l'exception du concert de Manchester du 17 mai 1966, sorti sous le titre Bob Dylan Live 1966 - The Bootleg Series /vol.4 (Columbia/Legacy) en 1998, de deux chansons figurant sur la compilation Biograph (1985) et de quelques autres morceaux, l'immense majorité des titres et des performances rassemblés dans le coffret Bob Dylan : The 1966 Live Recordings est totalement inédite et disponible pour la toute première fois. Ce coffret commémore avec un réalisme époustouflant le 50e anniversaire de ces concerts électrisants, qui ont changé à jamais le son et l'orientation de la musique rock et pop à travers le monde. Chaque CD du coffret Bob Dylan : The 1966 Live Recordings est logé dans une pochette spéciale agrémentée d'instantanés de films en couleur pris par D.A. Pennebaker, dont les images des tournées 1965 et 1966 de Bob Dylan sont devenues les cultissimes documentaires Don't Look Back (1965) et Eat The Document (1966). L'artiste a en effet produit en l'espace de 18 mois les albums Bringing It All Back Home, Highway 61 Revisited et Blonde On Blonde : trois chefs d'oeuvre qui ont scellé sa réputation de compositeur-interprète au génie, à la puissance et à l'originalité inégalés, tout en marquant profondément la musique et la culture populaires Cette fameuse tournée de 1966 est aussi l'année de la controverse pour Bob Dylan, car c'est l'année ou il décide de passer de la guitare acoustique à l'électrique et la plupart des concerts se passent de façon très houleuse auprès d'une partie de ses fans qui hurlent à la trahison. En complément, les livrets de Bob Dylan : The 1966 Live Recordings sont signés Clinton Heylin, consultant pour le projet et auteur de Judas ! : From Forest Hills to the Free Trade Hall : A Historical View of Dylan's Big Boo, le récit écrit ultime des tournées historiques et charnière de Bob Dylan en 1965-66.

Initié très tôt à la musique classique, mais nourri au rock, au funk et au jazz, Francesco Bearzatti est incontestablement un artiste d’aujourd’hui, définitivement affranchi de toute notion de genre et de style trop restrictives. Pour autant, élève de George Coleman, sideman dans les orchestres de Charles Persip ou Kurt Rosenwinkel, partenaire de grands noms du jazz transalpin (Stefano Bollani, Pietro Tonolo, Roberto Gatto, Enrico Rava) et leader désormais de plusieurs formations en trio et en quartet, Bearzatti, au-delà de l’éclectisme revendiqué de ses goûts et de son savoir-faire, est certainement l’un des plus beaux stylistes apparus dernièrement sur la scène jazz européenne. A 45 ans, l’italien insuffle un puissant vent d’air frais sur le jazz, en enjambant allègrement les styles, une liberté à l’image de son parcours, entre le rock, le punk, la house et le bop. Son précédent album « Monk’n’Roll », joyeux mélange entre Monk et la pop music, avait défrayé la chronique, recevant de nombreuses récompenses dans la presse musicale. Ce nouveau disque avec le Tinissima 4tet est un hommage engagé à Woody Guthrie, qui avait inscrit sur sa guitare dès les années 30 « This Machine Kills Fascists ». Sa musique a eu une influence considérable et fait partie de la culture contemporaine des États-Unis; ses textes réputés à l'image de son tempérament sont portés par une musique reconnue comme brute et sans fioritures, et son oeuvre est incontestablement devenue une référence très importante de la chanson américaine, influençant Bob Dylan, Joan Baez, Bruce Springsteen, Billy Bragg ou encore The Clash. L’album est habité, comme en témoigne ces quelques mots du saxophoniste : « Je me sens totalement impliqué dans ce que je fais. C’est vrai que je suis possédé par la musique... Je joue avec beaucoup de passion. J’essaye de raconter mon histoire. Je ne peux pas l’expliquer, mais je mets toute ma vie dedans, ma personnalité, mes problèmes aussi, mes joies... Je mets tout mon être dans la musique ».

A l'apogée de la télévision a petit budget et de la production de films de genre, les producteurs qui avaient besoin d'une bande sonore pouvaient choisir parmi une selection de Library Music avec des disques pour coller avec toutes les ambiances possibles. Bien qufa lfepoque, lfutilisation de tels disques etait surtout une manoeuvre de reduction des couts pour les productions qui ne pouvaient pas se permettre dfembaucher leurs propres compositeurs, lfindustrie sfest rapidement développée : ces catalogues firent de grands succes financiers, et la plupart des morceaux etaient extraordinaires car en realite derriere cette musique creee a la demande de facon anonyme ou sous un pseudo se cachaient certains des plus grands esprits musicaux de la fin du XXe siecle, des musiciens experts et compositeurs novateurs qui ont pu profiter des libertes paradoxalement offertes par les entreprises. Unusual Sounds nous plonge dans un univers musical jusqu'alors accessible uniquement aux producteurs et aux collectionneurs de disques. C'est une celebration de cette industrie etrange et une examination de sa place unique au coeur de l'art et du commerce. Compagnons parfaits du livre de David Hollander intitule Unusual Sounds : The Hidden History of Library Music (publie sur Anthology Editions), ces 20 titres illustrent la fascinante sous-culture de la Library Music. Les genres ont ete melanges, les convenances ont ete supprimees et des musiques hybrides d'une complexite etonnante ontete produites. Des elements de rock, de jazz, de soul et meme de composition avant-gardiste du vingtieme siècle ont ete utilises, et tournes dans tous les sens. En consequence, certaines des meilleures musiques de Library Music defient toute categorisation dans un style, refletant les excentricites individualistes et les talents artistiques des differents musiciens qui les ont creees. Cette compilation comprend des chansons du fondateur du groupe Brainticket, Joel Vandroogenbroeck, de John Cameron et de Keith Mansfield, du compositeur d'origine montenegrine Janko Nilovi., et du compositeur italien Stefano Torossi, entre autres. David Hollander est un producteur, superviseur de musique, ecrivain et collectionneur vivant au Texas. Collectionneur de disques de longue date, sa collection de Library Music est consideree par beaucoup comme l'une des meilleures du monde.

Leonard Cohen est l'une des légendes vivantes de la musique populaire des cinquante dernières années, un chantre essentiel de la contre-culture et l'un des plus grands séducteurs de tous les temps. Ses chansons seront reprises, entre autres, par Cocker, Johnny Cash, Aaron Neville, Jeff Buckley, Bono, Nick Cave ou Suzanne Vega. En janvier 2006, la réalisatrice américaine Lian Lunson se rend en Australie pour filmer les trois nuits de concerts baptisées « Came So Far For Beauty » données au Sydney Opera House en hommage au grand Leonard. L'événement est organisé par Hal Willner. Sur scène, venu interpréter les chansons de Cohen, un aréopage de pointures folk, rock ou pop : Nick Cave, Rufus Wainwright, Laurie Anderson, Antony (d'Antony and the Johnsons), Beth Orton, Teddy Thompson, Kate & Anna McGarrigle, Martha Wainwright, The Handsome Family, Perla Batalla, Jarvis Cocker, Linda Thompson et, en duo avec Leonard lui-même, U2. Au programme : quelques-uns des titres les plus représentatifs de l'oeuvre « cohénienne ». À commencer par « Suzanne », écrite en 1967 pour Judy Collins et qui deviendra sa chanson la plus universellement connue. Mais aussi « Chelsea Hotel » (1974), qui témoigne de son aventure avec Janis Joplin, « Hallelujah », issu de l'album « Various Positions » (1985), thème repris depuis par Jeff Buckley, Bono et John Cale. Ou encore « I'm Your Man » (1988), qui traduit l'intérêt du songwriter pour l'actualité, la politique, les soubresauts et changements du monde et, extrait du même disque, « Everybody Knows ». « Tower of Song » (1995), enfin, de l'album éponyme, formidable production à laquelle participaient rien moins que Sting, Elton John, Peter Gabriel, Bono ou Billy Joel. Le film, baptisé « I'm Your Man » et produit par Mel Gibson, Erik Nelson, Kevin Beggs et Sandra Stern, présente les meilleurs moments des concerts de Sydney, Brooklyn et Brighton entrecoupés d'interviews de l'artiste réalisées backstage où ce dernier commente, avec force humour, lyrisme et tendresse, les souvenirs qui jalonnent sa carrière. Entre essai et biographie, monographie et album photos. Où se dessinent, face à une caméra subtile et complice, la vraie personnalité et la vraie vérité de l'artiste

Alexander Paley est largement reconnu pour ses prouesses techniques éblouissantes, son répertoire exceptionnellement large des concertos et des oeuvres pour piano solo, et la profondeur de ses interprétations uniques et personnelles. Lors de ma première rencontre avec Rameau, j’avais 7 ans. Mon premier professeur était né à Paris et il avait une très bonne connaissance de la culture française. Grâce à lui, je suis à mon tour tombé amoureux de la France en général et de Rameau en particulier, Rameau qui ne m’a plus jamais quitté par la suite. Je l’ai toujours gardé dans un coin de ma tête, sans jamais pouvoir le donner sur scène car, malheureusement, les programmateurs, préféraient et préfèrent encore des compositeurs plus familiers du grand public.(...) C’est résolument en tant que pianiste que j’aborde la musique de Rameau. Nulle question ici d’une simple imitation du clavecin : il me semble dommage de ne pas exploiter les opportunités que notre piano contemporain offre, comme l’a fait, par exemple dans Bach, Glenn Gould, musicien que j’admire. J’ai également apporté une attention particulière à la question du tempo. Sur la question des ornements, pour lesquels le compositeur a laissé une table fort copieuse, je me réclame de Wanda Landowska. L’ornement est, à mes yeux, comme un vaste champ qui permet d’introduire ce qui existait autour de Rameau en son temps. Ainsi, dans La Vénitienne (Premier livre, 1706), après avoir joué strictement ce qui est écrit par Rameau, j’ai inséré des citations de Domenico Scarlatti et de Jean-Paul-Egide Martini (son célèbre Plaisir d’amour). C’est aussi pour cette raison que dans les doubles de la fameuse Gavotte, j’ai introduit le Dies iræ. J’avoue avoir l’intime et forte conviction d’en avoir le droit. J’ai essayé de jouer chaque mélisme, chaque note, écrits par Rameau car le texte reste la Bible, et il doit être scrupuleusement respecté. Mais Debussy disait que la musique survenait entre les notes et il est du ressort de l’interprète de découvrir ce qui existe au-delà du papier et de l’encre noire. Ce que je joue ne relève absolument pas de la transcription telle qu’a pu superbement le faire un Godowski. Ce n’est pas non plus une tentative de transformer la musique en quelque chose d’audible pour un hypothétique auditeur contemporain. J’essaie simplement de partager cette immense beauté qui naît devant moi et devant l’auditeur... Alexander Paley