Gae Aulenti (1927-2012), modèle Arcata, Poltronova, Italie 1968, noyer et cuir bordeaux. Giuliana Gramigna, 19501980 Repertorio, Milan, Éditions Mondadori, 1985, p.264.Gae Aulenti (4 décembre 1927 - 31 octobre 2012) était un architecte italien prolifique, dont le travail couvre le design industriel et d'exposition, le mobilier, le graphisme, la scénographie, l'éclairage et la décoration intérieure. Elle est connue pour plusieurs projets muséaux de grande envergure, notamment le Musée d'Orsay à Paris (1980-86) avec ACT Architecture, la Galerie d'art contemporain du Centre Pompidou à Paris, la restauration du Palazzo Grassi à Venise (1985-86), et le Musée d'art asiatique de San Francisco avec HOK (cabinet) (2000-2003). Aulenti était l'une des rares femmes à dessiner dans la période d'après-guerre en Italie, où les designers italiens ont cherché à établir des liens significatifs avec les principes de production au-delà de l'Italie. Ce mouvement de design d'avant-garde s'est épanoui en un type d'architecture italienne entièrement nouveau, plein d'utopies imaginaires laissant la standardisation au passé. La profonde implication d'Aulenti dans la scène du design milanais des années 1950 et 1960 a fait d'elle une architecte respectée pour ses capacités analytiques à naviguer dans la complexité métropolitaine, quel que soit le support. Son développement conceptuel peut être suivi dans la revue de design Casabella, à laquelle elle a régulièrement contribué. Ses contemporains ont été Vittorio Gregotti, Giancarlo de Carlo et Aldo Rossi.L 123 cm, P 75 cm, H 94 cm, SH 45 cm

Chaises d'orchestre modernes scandinaves, en bouleau, empilables, Sven Markelius, Suède, années 1930. Ces chaises modernistes ont été spécialement conçues pour la salle de concert de Helsingborg. Les lignes simples et épurées font de ces chaises modernistes très précoces un design formidable et intemporel. Ces chaises s'intégreraient bien dans un intérieur minimaliste et zen des temps modernes, éventuellement associé à des éléments brutalistes et rustiques. La salle de concert d'Helsingborg a revêtu une grande importance en tant que premier bâtiment monumental fonctionnaliste de Suède. Elle a été conçue par Sven Markelius et a été achevée en 1932. En 1925, un concours a été lancé et Markelius a été invité. Il avait auparavant, en 1918, présenté une proposition pour une salle de concert. Markelius est arrivé en troisième position dans ce concours après Lars Israel Wahlman et Ragnar Östberg. Pour des raisons économiques, aucun des projets n'a été réalisé, et les propositions ont été révisées pour s'adapter à un cadre financier plus serré lors d'un nouveau concours en 1926. Dans ce nouveau concours, Markelius a obtenu le premier prix et donc le contrat final pour fournir les plans du bâtiment. La proposition de 1926 a été révisée à plusieurs reprises jusqu'en 1930, date à laquelle la disposition finale a été achevée. Markelius a engagé Mogens Mogensen pour les travaux et la salle de concert a été achevée en 1932 avec une salle de concert et un cinéma dans la partie supérieure et avec une entrée et un restaurant dans la partie inférieure. La salle de concert n'a pratiquement pas changé depuis sa construction et elle a été classée monument historique en 1997.L 46 cm, P 42 cm, H 81 cm, SH 46 cm

L'emblématique chaise de salle à manger modèle 78 a été conçue en 1954 par Niels O. Møller pour J.L. Møllers Møbelfabrik. Ce modèle, avec ses formes organiques et ses pièces de bois qui se fondent les unes dans les autres, témoigne de ce que de grands designers et de brillants ébénistes pouvaient réaliser dans le design et l'artisanat danois de cette période.Les chaises ont été restaurées et refaites par notre ébéniste afin de s'assurer qu'elles sont en très bon état et ne présentent que des signes minimes d'âge et d'utilisation. Elles seront rembourrées sans frais supplémentaires dans n'importe quel tissu Kvadrat de votre choix avant d'être expédiées.Né à Århus en 1920, le travail du designer danois Niels Otto Møller a acquis une réputation d'excellence constante en matière de qualité et de travail. Le dévouement de Møller à son métier est né de son apprentissage d'ébéniste, achevé en 1939, qui a été suivi par des études supplémentaires à l'école de design d'Århus.En 1944, Møller a fondé sa propre entreprise de production de meubles, JL Møllers Møbelfabrik, dans un petit atelier au centre de sa ville natale. Tout en supervisant la production de meubles traditionnels dans son usine, Møller a continué à concevoir. La chaise n°1 (1946) en fut le premier résultat. Pour le reste de sa vie, les meubles conçus par Møller seront produits par sa propre entreprise.Les chaises de Møller, comme les sculptures n° 55 et n° 71 (toutes deux de 1951), représentent fortement, par le choix des matériaux et la douceur des courbes, la vision scandinave d'après-guerre d'un design pratique mais bien fait.

Marcel Genay, Cosmo Chimera sur VisbyLithographie sur papier JohannotLe nombre 330Cette œuvre est signée par l'artiste. Elle porte un numéro individuel (crayon)Dimensions de la feuille 3855Travail non encadréMarcel Genay est né en France en 1928. Il a vécu à Biarritz jusqu'à sa mort en 1993. Il a beaucoup voyagé et son travail est exposé dans des galeries du monde entier. Il s'est rendu à de nombreuses reprises en Suède, où il a régulièrement organisé des expositions, ce qui a apporté richesse et nostalgie romantique à ses compositions. Marcel Genay a illustré une collection du célèbre poète Louis Guillaume, de nombreux documentaires télévisés, des articles de journaux nationaux et régionaux, un article dans la revue de science-fiction Horizon du Fantastique. Les poèmes de Marcel Genay ont inspiré de nombreux artistes. L'un de ses poèmes a été sélectionné pour figurer dans l'Anthologie des poètes contemporains. Aujourd'hui, ses œuvres font partie de nombreuses collections privées et de galeries.Le travail a été réalisé sur du papier Arches Johannot. Il s'agit d'un produit haut de gamme composé de 75 cotons et de 25 alfa méditerranéens. Grâce à des méthodes de production traditionnelles, utilisant une machine à papier cylindrique, les feuilles ont une texture naturelle et harmonieuse, semblable à celle du papier fait à la main. Grâce à cette technique, les fibres sont réparties de façon homogène et le papier est plus stable et plus résistant à la déformation. La stabilité dimensionnelle leur permet de s'étirer uniformément après le trempage. Chaque feuille comporte un filigrane pour garantir l'authenticité du produit.État d'origine, marques mineures.

Né en 1909, le designer-maître italien Aldo Tura a créé sa maison de production de meubles en 1939. Travaillant entre les idiomes de l'Art Déco et du modernisme, Tura a créé des meubles et des accessoires singuliers et haut de gamme qui se caractérisent par la richesse des matériaux, des formes sculpturales et des techniques artisanales haut de gamme. Les œuvres de Tura sont devenues des objets de collection, en particulier des exemples aux finitions exotiques - comme la coquille d'œuf, la peau de chèvre et le parchemin - dans d'intenses palettes de rouge, de vert et de jaune.Tura était l'un des talents les plus uniques du design italien du milieu du siècle dernier. Dans les années d'après-guerre, alors que de nombreux fabricants de meubles adaptaient leurs méthodes de production à la production de masse, Tura est resté fidèle à un artisanat traditionnel et lent. Il favorisait les formes complexes et les processus à forte intensité de main d'œuvre qui ne pourraient jamais être reproduits dans un système d'usine à grande échelle. En conséquence, le nombre d'œuvres de Tura disponibles sur le marché des objets anciens reste limité.Aujourd'hui, l'entreprise de Tura continue à produire des meubles décoratifs haut de gamme, mais beaucoup d'informations sur Tura lui-même ont été perdues dans l'histoire. Le Brooklyn Museum de New York possède une poignée de créations de Tura qui ont été exposées à l'origine dans le cadre de l'exposition itinérante Italy at Work : Her Renaissance in Design Today (1950-53).Ces tables gigognes en peau de chèvre rouge sont magnifiques sous tous les angles et très bien détaillées.

Article :Objet en grès céramiqueConcepteur et producteur :Gerhard LiebenthronInformation :Gerhard Liebenthron, Brême1925 †2005Décennie :1970sCet objet de poterie vintage original a été conçu par Gerhard Liebenthron et produit dans leur propre studio dans les années 1970 à Brême, en Allemagne. Il est fabriqué en céramique de poterie en grès et présente une coloration brune et beige et une structure de surface très uniques. la spécialité de cet objet sont les têtes uniques sur les côtés gauche et droit. le fond est marqué de la signature typique du producteur Liebenthron GL et de la signature de l'année 70. c'est un objet de collection très rare de la collection Liebenthron. l'objet a une forme très sculpturale et dans sa taille de 20,5 cm de hauteur, il est très impressionnant.le design direct et minimaliste de l'époque du design des années 1970. Cet article est un merveilleux complément à toute maison moderne.Dimensions :Hauteur 20,5 cmProfondeur 16cmlongueur 18cmpoids :1,377 kgCondition :Cet objet est en très bon état vintage avec une patine.VITA Liebenthron :De 1945 à 1951, Liebenthron a étudié à la Staatliche Kunstschule Bremen (école des arts) dans la classe de poterie d'Else Krieg & Dorothea Colberg-Tjadens. En 1951, Liebenthron y a été l'assistant du sculpteur Prof. Goersemann.Après que Liebenthron ait terminé ses études à la Kunstschule, il ouvre son propre atelier dans la Boettcherstraße, à Brême (en 1952).L'œuvre de Gerhard Liebenthron se trouve dans plusieurs musées en Allemagne. Le Keramik Museum à Berlin, le Fockemuseum à Brême et le Hetiens Museum à Düsseldorf par exemple. Il a été membre de l'Arbeitsgemeinschaft Kunsthandwerk Bremen.Lit : Keramik Gerhard Liebenthron, Gerhard Liebenthron und Fockemuseum Bremen, Bremen 1968.

La lithographie originale de Noe Canjura. Cette estampe est imprimée sur du papier vergé avec le filigrane Arches et avec des marges pleines et décalées, telle qu'elle a été publiée à Paris dans l'édition limitée de 125 estampes vers 1960. Elle est signée par l'artiste au crayon dans la marge inférieure et numérotée 44125. Cette œuvre représente une jeune fille en fleurs. C'est un bel exemple original de l'art créé par l'artiste salvadorienne, Noe Canjura.Le début du modernisme dans l'art salvadorien est largement attribué à trois artistes majeurs, Raul Elas Reyes, Mario Araujo Rajo et Noe Canjura. Tous trois ont étudié la peinture et la gravure à San Salvador, à l'Academia de Valero Lecha. Le plus jeune, Noe Canjura, a été le premier à acquérir une réputation internationale.Peu de temps après avoir obtenu son diplôme, Noe Canjura a reçu une bourse du gouvernement pour poursuivre ses études à Paris. À l'exception de visites occasionnelles à San Salvador, la France sera la patrie de l'artiste pour le reste de sa courte vie. Presque immédiatement, l'utilisation unique de la couleur, du ton et de la texture de Noe Canjura lui a valu une grande reconnaissance et ses peintures et lithographies ont été incluses dans de nombreuses expositions françaises importantes. Au cours de la dernière décennie de sa vie, l'art de Canjura a été exposé à Rome, Venise, Anvers, Paris et Marseille. Aujourd'hui, son art fait partie de nombreuses collections publiques en France, en Italie, aux États-Unis et en Amérique latine.Cette pièce est typique des talents extraordinaires de Noe Canjura. Il est remarquable de considérer qu'un artiste qui n'a atteint que l'âge de quarante-six ans ait pu construire un tel chef-d'œuvre de valeurs tonales et de coloration.Cette œuvre est dans son état d'origine.

Lot de 6 fauteuils modulables dessinés par la société Albert Stoll Giroflex Ag dans les années 80. C’est un design et une fabrication Suisse et uniquement fabriqués à Koblenz dans le canton d’Argovie. Ils sont en cuir bleu marine (nettoyés à la lingette désinfectante)avec une hauteur d’assise de 38cm. Les structures latérales ont toutes été désinfectées et sont en plastique et métal de couleur blanc. Toutes les traces sur les pieds,que vous voyez sur les photos, ont été nettoyées, après les photos (j’aime autant être sincère). Les cuirs sont en très très bon état, ni rayures ni déchirures. Juste à constater, 2 mini fissures sur le haut des dossiers sur 2 fauteuils (voir photos). Ces fauteuils sont modulables car il suffit de les associer pour faire une banquette comportant jusqu’à 6 fauteuils (dsl mais je me suis arrêté à 3 pour les photos par manque de bras). Le démontage et remontage (avec clé 6 pans de 10) est assez facile mais pour un grand ensemble il vous faudra 2 personnes (je serai à votre disposition pour toute aide téléphonique supplémentaires aux heures de bureau). L’ensemble assise et dossier et de bon confort. Montage possible avant départ de mon atelier en formule 5+1, 4+2, 3+3,3+2+1, 3+1+1+1, 2+2+2, 2+2+1+1, 2+1+1+1+1, 1+1+1+1+1+1 et autres possibilités si vous en trouvez une autre (à organiser le jour d’achat par messagerie ou par téléphone). Dimensions 1 fauteuil Largeur 64 cm hauteur 76cm profondeur 68.5 cm Dimensions canapé 2 places Largeur 127cm Dimensions canapé 3 places 190cm ... L’ensemble sera soigneusement emballé pour le transport. Possibilité de l’envoyer démonté pour montage à l’étage. N’hésitez pas à me contacter par la messagerie pour toutes questions.

Cet élégant canapé matelassé a été conçu par John-Bertil Häggström pour la manufacture suédoise Swed-Form, Skillingaryd, dans les années 1970. Le canapé est rembourré en cuir naturel noir avec un matelassage régulier. L'assise et le dossier sont des éléments séparés et les grands coussins sont combinés par des inserts avec des boutons pression. Le cadre est en métal doré, qui se distingue en outre par son esthétique moderniste axée sur le style Regency d'Hollywood. Ce canapé très confortable et de forme ergonomique est parfait pour un salon ou une salle de repos.Le style Hollywood Regency se caractérise par une utilisation audacieuse des couleurs et des contrastes, souvent avec des accents métalliques destinés à signifier à la fois richesse et confort. Le style doit son nom à l'industrie cinématographique de Californie du Sud, qui se caractérise par les maisons et les propriétés des acteurs et actrices d'Hollywood de l'âge d'or, à peu près entre les années 1920 et 1950.John-Bertil Häggström est membre de l'Association des designers industriels suédois. Après avoir fait partie de l'équipe IKEA et d'autres fabricants de meubles, John-Bertil a commencé sa carrière en tant que designer indépendant travaillant pour des entreprises suédoises et internationales. Il conçoit des meubles à usage commercial et résidentiel. Häggström a été honoré, entre autres, par le prix japonais du G-design.Nous avons deux canapés, mais l'offre porte sur l'un d'entre eux. Les deux canapés sont dans leur état d'origine, avec des traces d'âge et une patine naturelle. Les pièces présentent de légères éraflures et rayures.

La série de fauteuils en plexus a été conçue par Illum Wikkelsø dans les années 1960 et produite par CFC Silkeborg au Danemark.Les fauteuils sont en bon état et présentent un cadre en acajou et un revêtement en tissu.La série Plexus est conçue pour être démontée, ce qui permet de combiner facilement, par exemple, deux chaises Plexus pour en faire un canapé, pour les stocker ou pour les expédier.Comme tous nos articles rembourrés, les fauteuils peuvent également être rembourrés à nouveau selon vos souhaits dans un délai de deux semaines à compter de votre commande.Kristian Illum Wikkelsø était un designer de meubles danois, qui appartenait à la génération de designers danois, parmi lesquels Hans j. Wegner, Finn Juhl, Kai Kristiansen et bien d'autres qui ont fait du design danois une marque mondiale dans les années 1950 et 1960. Il a été apprenti charpentier jusqu'en 1938, puis a été admis à l'école d'art de Copenhague, d'où il a obtenu son diplôme en 1941. Après avoir travaillé pendant des années comme employé, d'abord chez Jacob Kjær, puis chez les associés Peter Hvidt et Orla Mølgaard, il a créé sa propre entreprise en 1954. Nombre de ses œuvres sont devenues des objets de design classique, parmi les plus connus figurent son rocking chair et son fauteuil modèle V11.Un partenaire important était C. F. Christensen, Silkeborg, pour qui il a conçu la série PLexus et d'autres chaises de confort léger.DimensionsHauteur : 25,6 in. (65 cm)Largeur : 29,14 in. (74 cm)Profondeur : 24,02 in. (61 cm)Hauteur du siège : 15,75 in. (40 cm)Vendu en lot de 2

Chaises d'orchestre modernes scandinaves, en bouleau laqué, empilables, Sven Markelius, Suède, années 1930. Ces chaises modernistes ont été spécialement conçues pour la salle de concert de Helsingborg. Des lignes simples et épurées font de ces chaises modernistes très précoces un design formidable et intemporel. Ces chaises s'intégreraient bien dans un intérieur minimaliste et zen des temps modernes, éventuellement associé à des éléments brutalistes et rustiques. La salle de concert d'Helsingborg a revêtu une grande importance en tant que premier bâtiment monumental fonctionnaliste de Suède. Elle a été conçue par Sven Markelius et a été achevée en 1932. En 1925, un concours a été lancé et Markelius a été invité. Il avait auparavant, en 1918, présenté une proposition pour une salle de concert. Markelius est arrivé en troisième position dans ce concours après Lars Israel Wahlman et Ragnar Östberg. Pour des raisons économiques, aucun des projets n'a été réalisé, et les propositions ont été révisées pour s'adapter à un cadre financier plus serré lors d'un nouveau concours en 1926. Dans ce nouveau concours, Markelius a obtenu le premier prix et donc le contrat final pour fournir les plans du bâtiment. La proposition de 1926 a été révisée à plusieurs reprises jusqu'en 1930, date à laquelle la disposition finale a été achevée. Markelius a engagé Mogens Mogensen pour les travaux et la salle de concert a été achevée en 1932 avec une salle de concert et un cinéma dans la partie supérieure et avec une entrée et un restaurant dans la partie inférieure. La salle de concert n'a pratiquement pas changé depuis sa construction et elle a été classée monument historique en 1997.L 46cm, P 42 cm, H 81 cm, SH 46 cm

Une table à manger 778 conçue par Afra & Tobia Scarpa en 1965 et produite en Italie par Cassina. Ce modèle est un exemple de l'utilisation de planches de bois massif disposées pour former un cadre en forme de C. La table, dont le plateau s'ouvre, est supportée par quatre tréteaux, dont deux sont quelques centimètres plus bas que les autres afin que le plateau puisse reposer sur eux lorsque la table est fermée. Le confinement est résolu sur les deux côtés restants par les tréteaux plus grands qui dissimulent complètement la double épaisseur du plateau. Grâce à cette solution structurelle, le renforcement nécessaire du pied est assuré par la configuration en L des planches.L'extension de la table se fait en soulevant une moitié du plateau articulé et en faisant glisser la moitié inférieure horizontalement.Ce mouvement est rendu possible par deux rails métalliques qui guident de petites roues en nylon fixées au plateau.Afra (1937-2011) & Tobia (1935-) Scarpa ont tous deux étudié à l'Institut d'architecture de Venise. Tobia a d'abord travaillé pour le fabricant de verre italien Venini. À partir de 1960, le couple a ouvert son propre bureau de design. Leur travail porte sur l'architecture et les objets de la vie quotidienne comme les meubles et les vêtements. Tobia & Afra ont conçu des projets pour de nombreuses grandes entreprises italiennes et internationales comme Flos, Gavina, B&B Italia, Cassina, Knoll International et de nombreux projets d'intérieur pour de nombreuses entreprises dans le monde entier.Dimensions : l 75 130 cm x p 130 250 cm x h 73 75 cm l 29,5 51,2 in. x p 51,2 98,4 in. x h 28,7 29,5 in.Excellent état de conservation.

Table basse ronde en mosaïque de marbre de Carara par Heinz Lilienthal, années 1970Belle mosaïque sur marbreTrès rare table basse ronde avec un beau plateau fait main, fabriquée en Allemagne. Cette table est conçue et fabriquée par l'artiste Heinz Lilienthal, né en Pologne mais élevé en Allemagne dans les années 1970. Heinz Lilienthal était un artiste né en Pologne et l'un des peintres sur verre les plus reconnus de l'après-guerre. Au cours de sa carrière, il a également conçu et fabriqué des tables basses et des tables à manger, composées pour la plupart de différentes couches de marbre et d'autres matériaux tels que la pierre dure.Il est tiré de la série Carrara de Lilienthal. Lilienthal a créé le dessus en coupant le marbre en petits morceaux et en les façonnant de telle sorte que la forme ronde du marbre reste intacte. Ensuite, les morceaux de marbre ont été reliés par de l'époxy, puis l'ensemble du plateau a été recouvert d'un vernis transparent. L'avantage de cette construction est que le marbre est résistant grâce à l'époxy et que le dessus semble toujours constitué d'une seule pièce car la surface est lisse. Un chef-d'œuvre absolu. De plus, le dessous de ce tableau présente une construction en brique où les tuiles de brique ont été échafaudées selon un motif. Ainsi, même le dessous de cette table est une œuvre d'art qui lui est propre.Le pied est en acier inoxydable et présente une forme typique de pied à quatre pattes.Les dimensions sont de 110 cm de diamètre et 50 cm de hauteur.Le dessus est encore en très bon état, avec seulement quelques fissures et éclats mineurs dans le placage. Aucun dommage structurel n'est à déplorer. Le pied est également en bon état et sûrement original pour cette table.

Gae Aulenti (1927-2012), modèle Arcata, Poltronova, Italie 1968, noyer et cuir bordeaux. Ensemble très rare, un modèle similaire a été récemment vendu aux enchères chez ArtcurialBibliographie : Giuliana Gramigna, 19501980 Repertorio, Milan, Éditions Mondadori, 1985, p.264. Gae Aulenti (4 décembre 1927 - 31 octobre 2012) était un architecte italien prolifique, dont l'œuvre couvre la conception industrielle et d'expositions, le mobilier, le graphisme, la scénographie, l'éclairage et la décoration intérieure. 1 Elle était bien connue pour plusieurs projets muséaux de grande envergure, notamment le Musée d'Orsay à Paris (1980-86) avec ACT Architecture, la Galerie d'art contemporain du Centre Pompidou à Paris, la restauration du Palazzo Grassi à Venise (1985-86), et le Musée d'art asiatique de San Francisco avec HOK (cabinet) (2000-2003). Aulenti était l'une des rares femmes à dessiner dans la période d'après-guerre en Italie, où les designers italiens ont cherché à établir des liens significatifs avec les principes de production au-delà de l'Italie. 2 Ce mouvement de design d'avant-garde s'est épanoui en un type d'architecture italienne entièrement nouveau, plein d'utopies imaginaires laissant la standardisation au passé. La profonde implication d'Aulenti dans la scènedu design milanais des années 1950 et 1960 a fait d'elle une architecte respectée pour ses capacités analytiques à naviguer dans la complexité métropolitaine, quel que soit le support. Son développement conceptuel peut être suivi dans la revue de design Casabella, à laquelle elle a régulièrement contribué. 2 Ses contemporains étaient Vittorio Gregotti, Giancarlo De Carlo et Aldo Rossi.Matériaux : Noyer et cuir de BourgogneL 188 cm, P 75 cm, H 94 cm, SH 45 cm

Designer - Elmar Flötotto. Fabricant - Flotto. Période de conception - 1960 à 1969. Pays d'origine - Allemagne. Très bon état. Cette pièce d'époque ne présente aucun défaut, mais elle peut présenter de légères traces d'utilisation. L'entreprise de fabrication de meubles Flötotto a débuté en 1906 lorsque Heinrich Flötotto a ouvert son atelier de menuiserie dans la région de Rhénanie du Nord-Westphalie en Allemagne. En quelques décennies, l'entreprise est passée de la fabrication de meubles sur mesure à la production de meubles en série. À la fin de la Seconde Guerre mondiale, les fils d'Heinrich, Fritz et Franz, ont pris la direction de l'entreprise et ont commencé à bâtir la réputation de la marque pour ses chaises, bureaux, étagères et autres produits durables et modernes destinés aux écoles, bureaux et institutions. Les sièges ergonomiques en contreplaqué moulé (ou pagholz) de Flötotto sont devenus omniprésents dans les salles de classe allemandes pendant l'après-guerre. De 1969 à 1991, Flötotto a été dirigé par une troisième génération : les époux Elmar et Anna Flötotto, Reinhard et Barbara Flötotto, et Hubertus et Ingrid Flötotto. En 1969, ils ont lancé la collection Optimal d'espaces de travail pour étudiants à hauteur réglable. En 1975, ils ont lancé la ligne de fours modulaires primée de Beechwood Profilsystem. Plus récemment, en 2012, Flötotto a fait la une des journaux lorsqu'elle a chargé le designer Konstantin Grcic de créer une nouvelle ligne de mobilier scolaire, la collection primée PRO. La caractéristique la plus marquante de PRO est la coque en forme de S qui permet une expérience d'assise dynamique et confortable, basée sur les principes de l'assise active. La famille a vendu l'entreprise en 1998, mais l'a rachetée en 2002. Depuis 2008, Flötotto est la propriété d'Elmar Flötotto.

Dimensions fauteuil :– Largeur : 83 cm– Profondeur : 70 cm– Hauteur : 78 cmMatériaux : Hêtre massif, tissu en laineFabricant : FDB MøblerDesigner : Erik Ole JørgensenDimensions fauteuil :– Largeur : 83 cm– Largeur assise : 51 cm– Profondeur : 70 cm– Profondeur assise : 48 cm– Hauteur : 78 cm– Hauteur assise : 42 cmLe canapé en bois est typique de l’âge d’or du design danois. Dans cet esprit, Erik Ole Jørgensen a dessiné les fauteuil et canapés à barreaux J146, J148 et J149, en 1978 pour FDB Møbler. On retrouve un style caractéristique de la série « J » avec un dossier et des accoudoirs courbes, cintrés à la vapeur, soutenus par des barreaux en bois tourné. Le style épuré de cette série est complété par des coussins d’assise et de dossier amovibles, simplement attachés par de fines lanières de cuir naturel. Les coussins sont recouverts d’un tissu en laine – Crisp – fabriqué par une des grandes marques de tissus d’ameublement : Gabriel.FDB Møbler est une coopérative de consommateurs danois créée dans les années 1940 et dirigée à l’origine par Børge Morgensen. Leur but : fabriquer du mobilier design à prix abordable pour le grand public.Erik Ole Jørgensen était un architecte de meubles danois, originellement formé à la tapisserie d’ameublement. Atteint de la maladie de la polio, il a été admis à l’hôpital Frederiksberg après la guerre. Il a passé beaucoup de temps à peindre des aquarelles, ce qui lui a permis de développer son sens des couleurs et de leurs combinaisons.Des années plus tard, il a commencé sa formation d’architecte en mobilier et, en 1948, il a passé son examen final à la School of Arts and Crafts. Au cours de sa carrière, il a conçu des meubles et des tissus. Son mobilier simple et fonctionnel le place parmi les meilleurs designers de meubles danois. L’un de ses meubles les plus célèbres est cette série de canapés, conçus à l’origine pour FDB Møbler.

Une lampe à suspension Rotaflex (plastique) minimaliste bien conservée. Crée une très belle lueur chaude avec son motif caractéristique en plastique filé. Concepteur et producteur inconnu.Rotaflex est fondamentalement un processus de fabrication plus qu'une marque ou un producteur. Au départ, Rotaflex était la méthode de moulage de l'acétate de cellulose en abat-jour, brevetée en 1946 par les ingénieurs civils danois Bent Højberg Pedersen et Bent Panker. En 1960, après des années de licence sur le procédé de fabrication, Pedersen et Panker ont fondé une société danoise appelée Rotaflex. L'acétate de cellulose est fourni par une fine buse sur un moule qui tourne en créant une spirale de fil de plastique. La lumière qui traverse les abat-jour de la lampe crée une lueur chaude et agréable très distincte.Le terme Rotaflex est le plus souvent utilisé en combinaison avec le nom Heifetz, en référence à Yasha Heifetz qui dirigeait la société américaine Heifetz Rotaflex, créée en 1955. Heifetz était à l'origine le distributeur américain de la société britannique Rotaflex Great Britain LTD. La plupart des lampes Rotaflex que vous rencontrez sur Internet aujourd'hui sont dites Heifetz, mais ce n'est pas le cas de beaucoup d'entre elles. Très peu de ces feux étaient marqués et il y a beaucoup de confusion. Le premier fabricant de luminaires à utiliser le terme Rotaflex était la société française ARP (Atelier de Recherches Plastiques). Ils étaient distribués et vendus par de nombreuses sociétés différentes en Europe qui s'attribuaient toutes le mérite de leur origine.Cette lampe particulière provenant de Suède est probablement fabriquée par Bergboms, Suède ou Stockman Orno, Finlande, à moins qu'elle n'ait été importée. Bon état, sans cassures ni fissures. Quelques légères décolorations sur le dessus, comme sur la dernière photo.Douille d'ampoule standard E 27.

Une chaise longue facile et attrayante conçue par Osvaldo Borsani, fabriquée par Tecno en Italie vers 1960.Cette belle chaise a un style fantastique : le cadre est fait de métal laqué noir rectangulaire, combiné aux coussins carrés, ce qui crée une apparence très moderne. Les accoudoirs en bois brun foncé, de forme incurvée, forment un joli contraste. Cela donne au style moderne une belle touche d'élégance. Les coussins sont nouvellement rembourrés dans un beau tissu bleu sarcelle, qui s'harmonise parfaitement avec le reste du design.Il reste en très bon état, d'époque, avec une usure mineure correspondant à l'âge et à l'utilisation, préservant une belle patine. Hauteur d'assise 35cm.Osvaldo Borsani (1911-1985) Né à Varedo, près de Milan, en Italie. Il a étudié l'architecture au Politecnico di Milano. Après avoir obtenu son diplôme, il rejoint l'entreprise familiale, l'Atelier Varedo, en tant que designer de meubles. En 1953, il s'associe avec son collègue designer Fulgencio pour former une nouvelle société appelée Tecno, qui devient célèbre pour son approche technologique de la conception de meubles basée sur la recherche. L'organisation Tecno est devenue l'une des entreprises de design les plus influentes d'Europe, car elle a développé des approches nouvelles et innovantes pour les bâtiments et les bureaux municipaux. Osvaldo a été l'unique designer de la société pendant plus de 30 ans, jusqu'à ce que, dans les années 1980, d'autres designers comme Gae Aulenti, Norman Foster et d'autres commencent à apporter leur contribution à la société. Les créations de Borsani ont été célébrées et exposées dans des musées et des galeries du monde entier. En 1961, il a reçu le prestigieux Premio Compasso d'Oro en hommage à l'ensemble de ses réalisations.

Table à manger en bois de rose, TL22, Franco Albini, Poggi, Italie 1958. L'œuvre de Franco Albini témoigne d'une nouvelle conception de la modernité, un rationalisme artistique que l'on retrouve dans la recherche de l'harmonie, dans le classicisme des proportions et dans l'équilibre constant entre rigueur et fantaisie poétique. À partir des années 40, il réalise plusieurs prototypes et pièces uniques pour un certain nombre de maisons privées, dont le succès sera confirmé par leur production ultérieure par d'importantes entreprises italiennes, dont Poggi et Cassina.- R. Aloi, Esempi di arredamento moderno di tutto il mondo, Tavoli tavolini carrelli, Hoepli, 1957 - Gramigna - Biondi, Il Design in Italia, Allemandi Ed., pag. 17. né près de Milan en 1905, Franco Albini était un architecte, urbaniste et designer de meubles italien actif entre les années 1930 et 1960. Il a étudié l'architecture au célèbre Politecnico de Milan, a fait son apprentissage auprès du maître architecte-designer Gio Ponti et a joué un rôle clé dans la formulation du mouvement rationaliste en Italie avant la Seconde Guerre mondiale.Tout au long de l'après-guerre, Albini a continué à créer des meubles et des architectures visant la pureté d'expression par le biais de la modularité et de matériaux abordables. Bien que son travail tende vers une réduction formelle, il conserve également une chaleur et un charme qui découlent de son respect durable du contexte et de la tradition. Au cours de sa vie, Albini a travaillé avec divers fabricants du milieu du siècle dernier, notamment Cassina, Arflex, Poggi, Arteluce, Brionvega et Knoll, et nombre de ses créations sont toujours en production. Il a reçu de nombreuses récompenses pour son travail, dont trois prestigieux prix Compasso d'Oro.

Cet élégant ensemble de salon se compose d'un canapé trois places et d'un fauteuil. L'ensemble a été conçu par Hans J. Wegner pour le Getama Gedsted au Danemark dans les années 1960. Il s'agit du modèle GE-530. Le cadre est en chêne massif de couleur brun foncé. Le cadre a des accoudoirs courbés ressemblant à des cornes de taureau. Il s'agit d'un design légèrement agressif qui s'harmonise parfaitement avec les aménagements intérieurs spéciaux. Les coussins sont rembourrés d'un élégant tissu de laine.Hans J. Wegner est un designer danois de renommée mondiale, connu principalement pour ses nombreuses créations de chaises. Wegner avait une capacité particulière à combiner fonctionnalité et esthétique. Nombre de ses projets ont des qualités amusantes ou poétiques. Wegner est connu comme l'un des pionniers du modernisme danois et l'une des figures clés de l'âge d'or du design nordique. Il a reçu de nombreux prix de design au cours de sa carrière, notamment le prix Lunning et le Grand Prix de la Triennale de Milan en 1951, la médaille du Prince Eugen en 1961 et la médaille C. F. Hansen en 1980. Getam est l'incarnation de quelque chose de vraiment danois. L'excellence de l'artisanat, la qualité et le plus haut niveau de service ont fait connaître et respecter l'usine dans tout le Danemark. Ceci est principalement dû à la collaboration avec Hans Wegner qui a aidé la Gedsted Tang-og Madrasfabrik à faire une percée internationale en tant qu'entreprise de meubles. Suite à cette percée, l'entreprise a dû trouver un nom plus court et plus international, si bien qu'en 1953, Gedsted Tang-og Madrasfabrik est devenue Getama. L'ambition de Getama, après plus de cent ans, est toujours de créer des meubles innovants conçus par les meilleurs architectes.L'ensemble est dans son état d'origine, avec des traces normales de vieillissement. Le fauteuil a la même hauteur et la même profondeur que le canapé. La largeur du fauteuil est de 78 cm.

Tasse en verre conçue par Zbigniew Horbowy pour la cristallerie Sudety de Szczytna. Une chope en verre de cristal d'une belle teinte ardente a été fabriquée pour l'auberge de bière ZZ Zakmat en 1984. La chope est en outre équipée d'un couvercle et d'une plaque en cuivre. Objet conservé en parfait état, aucun dommage.Dimensions :hauteur 21 cm largeur 14 cm diamètre de la base 9 cm diamètre de l'entrée 8 cmDimensions en pouces :hauteur 8,3 po largeur 5,5 po diamètre de la base 3,5 po diamètre de l'entrée 3,1 poÀ Szczytna, des verreries forestières étaient déjà en activité au Moyen Âge. Les fondations de l'usine sidérurgique Sudety ont été fournies par l'aciérie établie à Batorów en 1770.En 1827, elle a été achetée par Leopold von Hochberg, dont les activités ont conduit à la modernisation et au développement de l'usine.Au début, les Sudetes se sont spécialisés dans le verre ménager, préférant produire des modèles simples, modestesde forme et de couleur. À la fin des années 1860, la fonderie maîtrise la production de verre antico à double couche. Après 1945, de nombreux artistes ont collaboré avec la verrerie, concevant des verres uniques et en série.En 1959, Zbigniew Horbowy a réalisé son mémoire de diplôme à l'usine de Szczytno, qui a ensuite dirigé le Centre de design de 1959 à 1974. D'autres artistes célèbres ont travaillé dans l'aciérie : Józef Górski (en 1966-1968) et Stefan Sadowski - un designer à partir de 1968, et entre 1975 et 2008 le chef du Centre de design de l'entreprise. Ewa Gerczuk-Moskaluk et Zygmunt Janota, qui y ont travaillé pendant une courte période, ont également été associés aux Sudètes.Jusque dans les années 1990, la production était basée sur le verre sodé et le verre au plomb. À la fin de son activité, l'usine produisait uniquement des produits en cristal - soufflés, pressés à la main et automatiquement avec un riche design. L'aciérie a été fermée en 2014, puis démantelée.

Cette cruche à vide a été conçue par Erik Magnussen pour la manufacture danoise Stelton en 1976. Elle est cataloguée sous le nom de EM77. Il est une icône du design primé depuis 1977 et est constamment l'un des best-sellers de Stelton. C'est l'une des conceptions les plus vendues de l'histoire de la société. L'EM77 a une forme cylindrique brevetée avec un couvercle à charnière qui permet de verser d'une seule main. En plus du bouchon à bascule, il possède un bouchon à bascule unique. Le pichet Kelton s'ouvre automatiquement lorsqu'il est incliné et le couvercle se referme après avoir été rangé. La cruche est dans la couleur rare du café au lait.Erik Magnussen est né en 1940 à Copenhague. Il est diplômé de l'école des arts appliqués et du design où il a obtenu un diplôme avec une médaille d'argent. Il a travaillé pendant de nombreuses années pour Bing & Grøndahl, et son travail récent comprend des projets pour des marques telles que Fritz Hansen, Franz Schneider Brakel, Royal Selangor, Licht & Form et Paustian. Les créations d'Erik Magnussen sont exposées dans des musées du monde entier. Il a reçu le prix Lunning en 1967, et dix ans plus tard le 1er prix du mobilier. En 1983, il a été nommé designer de l'année par le Conseil danois du design, et ses produits ont reçu à plusieurs reprises le prix ID de la Société danoise de design industriel. Erik Magnussen a reçu la médaille Bindesbøll en 1996 et a reçu des bourses du Fonds Ole Haslund, du Fonds anniversaire du Jueweller royal A. Michelsen et du Fonds commémoratif Knud V. Engelhardt. En 1997, Erik Magnussen a reçu le prix Red Dot lors du concours Design Innovations 1997 organisé par le Design Zentrum Nordrhein-Westfalen et a remporté le Good Design Gold Prize décerné par l'Organisation japonaise de promotion du design industriel.La cruche est dans un état vintage original. Entièrement fonctionnelle, elle garde la chaleur pendant de nombreuses heures. Elle présente des signes normaux d'utilisation. La capacité est de 1 litre.

Œuvre d'art expressionniste signée (lithographie couleur) par le peintre et graphiste suédois de la vente aux enchères Bengt Olson ( Olsson). Œuvre de l'artiste réalisée dans les années 1960. La lithographie est signée à la main et numérotée par l'auteur dans la partie inférieure du tableau. Dans un cadre d'époque original. Conservée en bon étatBengt Olson (Olsson), né le 22 juin 1930 à Kristinehamn, est un peintre, graphiste et sculpteur suédois qui a vécu et travaillé à Paris la majeure partie de sa vie. Il est marié à Christiane Fulconis, qu'il a rencontrée à Paris lorsqu'il s'y est installé et a commencé son grand travail dans la ville.Fils d'Allan Olson et d'Elin Maria Johnsson. Bengt Olson a grandi à Kristinehamn avec des parents qui s'intéressaient à l'art et, dès son enfance, il a commencé à subvenir à ses besoins en peignant à partir de l'âge de 15 ans. Il a étudié à l'école d'art de Valand à Göteborg de 1948 à 1952 avec, entre autres, Endre Nemes . Après avoir obtenu son diplôme, il s'est rendu en France pour poursuivre sa formation avec Fernand Léger en 1953.Bengt maîtrise tous les matériaux et techniques tels que l'huile, le pastel, l'aquarelle, le sablage et le glaçage. On y voit de tout, des peintures aux énormes sculptures, et un intérêt brûlant pour l'architecture où la ville et la nature doivent interagir avec l'art.Il s'installe en France en 1960. À l'automne 1964, il entre en contact avec Carl Nesjar en France, qui a travaillé avec les sculptures de Pablo Picasso, et ils obtiennent la permission de Picasso en 1964 de mettre à l'échelle une maquette de sa série de sculptures Lesdames de Mougins pour la placer sur les rives du lac Vänern à Vålöviken à sept kilomètres de Kristinehamn. Elle est devenue la Jaqueline de 15 mètres de haut en béton sablé, la plus grande sculpture de Picasso au monde. 2Bengt a depuis travaillé lui-même avec la technologie du béton sablé à Paris. Il a également utilisé des carreaux de faïence de pointe.Il a eu l'honneur d'ériger neuf des plus grandes œuvres monumentales de Paris dans les années 60 et 70.

Cendrier ou urne en verre fabriqué à la main, conçu par Jerzy S?uczan-Orkusz chez Krakowskie Zak?ady Szklarskie au 3, rue Lipowa à Cracovie, en Pologne, dans les années 1970. Un objet dans le style du modernisme organique, avec une déchirure du verre (le fameux s?kacz).Nous estimons l'état de conservation comme très bon, il présente de légères rayures d'exploitation.Dimensions :hauteur 4 cm largeur 12 cm profondeur 8 cmDimensions en pouces :hauteur 1,6 in largeur 4,8 in profondeur 3,2 in.Les débuts de la production de verre dans la rue Lipowa à Cracovie remontent aux années 1930.Une verrerie a été ouverte à cet endroit, qui a été nommée Krakowska Huta Szk?a, eng. L. B?kowski, D. Chazan i Ska .Dans la rue Lipowa, on produisait principalement des bouteilles de vodka, à la demande du monopole d'État des spiritueux, mais on y fabriquait également des bouteilles de vin, d'eau minérale et des verres de pharmacie.Après la Seconde Guerre mondiale, la propriété est devenue la propriété de l'État. La Krakowskie Zak?ady Szklarskie fut créée, qui, outre la verrerie de Lipowa, comprenait la verrerie Wawel à Zab?ocie 80 et la verrerie de Skawina. Dans les années 1960, dans les bâtiments de Lipowa 3, un centre scientifique et de recherche sur le verre a commencé à fonctionner, relié à la verrerie au début des années 1970. À cette époque, en tant que branche de l'Institut du verre de Varsovie (plus tard : l'Institut du verre et de la céramique), le centre a très bien prospéré, employant près de 500 personnes. Il était célèbre dans toute la Pologne non seulement pour ses recherches spécialisées sur le verre, mais aussi pour la production de verres artistiques colorés, connus sous le nom de verre de Cracovie. Des vases, des coupes, des calices, des plateaux, des chandeliers et des tasses ont été conçus par Jerzy S?uczan-Orkusz, Micha? Jakubas, Zofia Pasek, Marian Go?ogórski, Barbara ?wistacka, Monika Orkusz, Piotr Koz?owski, Ryszard Serwicki, puis mis en œuvre à l'aide d'outils de verrerie traditionnels par des ouvriers hautement qualifiés dans le hall de Lipowa. Les produits formés à la main, signés de l'image d'un dragon soufflant une bulle de verre, ont rapidement gagné en popularité dans le pays et à l'étranger.

L'emblématique chaise de salle à manger modèle 78 a été conçue en 1954 par Niels O. Møller pour J.L. Møllers Møbelfabrik. Ce modèle, avec ses formes organiques et ses pièces de bois qui se fondent les unes dans les autres, témoigne de ce que de grands designers et de brillants ébénistes pouvaient réaliser dans le design et l'artisanat danois de cette période.Les cadres des chaises ont été soigneusement négligés et retouchés par notre ébéniste.Les chaises seront rembourrées avec le tissu de votre choix de Kvadrat ou, moyennant un supplément de prix, avec le cuir de votre choix afin que vous obteniez les chaises que vous souhaitez lorsqu'elles arriveront à votre porte.Nous avons d'autres modèles 78 en stock så n'hésitez pas à nous demander si nous avons le nombre de chaises que vous recherchez.Sachez qu'une licence d'exportation Cites est nécessaire pour le commerce international légal de tous les types de bois de rose. Pour l'exportation hors de l'UE, une licence Cites avec le nom de l'acheteur est nécessaire. Nous nous chargerons bien entendu des formalités Cites nécessaires pour que vous puissiez obtenir les chaises que vous souhaitez.Né à Århus en 1920, le travail du designer danois Niels Otto Møller a acquis une réputation d'excellence constante en matière de qualité et de travail. Le dévouement de Møller à son métier est né de son apprentissage d'ébéniste, achevé en 1939, qui a été suivi par des études supplémentaires à l'école de design d'Århus.En 1944, Møller a fondé sa propre entreprise de production de meubles, JL Møllers Møbelfabrik, dans un petit atelier au centre de sa ville natale. Tout en supervisant la production de meubles traditionnels dans son usine, Møller a continué à concevoir. La chaise n°1 (1946) en fut le premier résultat. Pour le reste de sa vie, les meubles conçus par Møller seront produits par sa propre entreprise.Les chaises de Møller, comme les sculptures n° 55 et n° 71 (toutes deux de 1951), représentent fortement, par le choix des matériaux et la douceur des courbes, la vision scandinave d'après-guerre d'un design pratique mais bien fait.

Chaise shaker Elder, une paire, cadre en érable avec sièges tissés, 2003 anglais. Ces chaises ont été nettoyées en douceur tout en respectant la patine vintage et sont prêtes à l’emploi. La conception de cette chaise est basée sur l’antique chaise arrière de l’échelle ShakerElder. Cette paire a été faite en 2003 par 'Shaker of Malvern, UK', et vendue à Londres par 'Shaker Limited'. L’étiquette originale est présente sous chaque siège. La 'Shaker of Malvern' Company est liée aux 'Shaker Workshops' dans le Massachusetts, Etats-Unis. Le mobilier Shaker est admiré dans le monde entier pour sa simplicité, sa menuiserie innovante, sa qualité et sa fonctionnalité. Il exprime magnifiquement l’harmonie et l’ordre que les Shakers cherchaient dans tous les aspects de leur vie. Ses lignes nettes et nettes, sa force et sa légèreté singulière rendent ces chaises adaptées aux intérieurs modernes et traditionnels. Les principes sous-jacents du design Shaker ont inspiré certains des meilleurs designers du mobilier moderne. Par exemple, les chaises arrière de l’échelle Shaker ont profondément influencé le travail des designers danois d’après-guerre. Avec ses proportions généreuses et ses lignes seigneurieuses, ce fauteuil Shaker classique est exceptionnellement confortable. Les finesiales minces sur les poteaux arrière et les virages « champignon » sur les accoudoirs sont copiés en détail de la chaise Shaker antique. Le premier original américain a été fait à la communauté mt. Liban New York Shaker dans les années 1860. Le cadre est l’érable dur avec une finition d’huile et de cire à la main, un vernis séculaire connu des fabricants de meubles Shaker eux-mêmes. Le fabricant a utilisé un mélange fabriqué par l’huile Odies qui est une huile et une cire entièrement naturelles qui n’est pas toxique à la fois dans l’utilisation et la finition. Il durcit et atteint un lustre encore plus grand au fil du temps et est très résistant aux taches et à l’humidité. Le siège tissé est dans le ruban de chaise en couleur redrust indien dans un motif de damier. Chaque chaise a le timbre du fabricant d’origine à l’intérieur d’une jambe telle qu’elle est photographiée. Ces chaises se vendent ensemble, et le prix est pour la paire. Les deux chaises sont en très bon millésime c

Pièce d’étagères métalliques, par l’artiste Susana Solano, Meta Memphis, Italie, 1989. Il s’agissait d’une édition limitée de 25 pièces pour Memphis Milano. Les étagères de caisse de livre sont réglables dans la hauteur. Se sent comme une pièce de groupe pentagone d’inspiration japonaise. Guggenheim: Susana Solano est née à Barcelone en 1946 et aétudié à la Real acadèmia Catalana de bellas artes de San Jorge (aujourd’hui la Reial acadèmia Catalana de belles arts de Sant Jordi). Enfant, elle a été exposée à la beauté de son pays par de fréquentes visites dans un domaine familial « El Palau » à Falset, ainsi qu’à Sant Gregori, Valldoreix et la côte méditerranéenne, autant d’endroits qui ont profondément influencé sa relation à l’espace et aux matériaux et leur utilisation dans sa sculpture, son dessin et sa photographie. Elle appartient à une génération de sculpteurs espagnols travaillant dans la tradition de la ferronnerie du pays qui a pris de l’importance après la mort du dictateur Francisco Franco en 1975. Alors que Solano a réalisé des œuvres abstraites sur papier tout au long de sa vie, elle a commencé à créer la sculpture pour laquelle elle est surtout connue en 1979. Sa première exposition personnelle a eu lieu en 1980 à la Fundació Joan Miró, Barcelone, et comprenait un groupe de sculptures en laiton et en bois et des tentures murales en toile cousue. Par la suite, son travail a continué à englober une gamme de matériaux généralement associés à la sculpture moderniste, tels que le fer, l’acier, le plomb, le verre et le maillage métallique. Par ses manipulations et juxtapositions de ces matériaux, cependant, sa sculpture s’est développée pour devenir plus évocatrice des structures trouvées dans la nature ou dans les arrangements domestiques, tels qu’un pont ou une table. Elle s’est concentrée sur leurs significations symboliques potentielles en créant des œuvres formellement rigoureuses et imposantes en échelle et en matérialité. Distinct de son prédécesseur catélonien Julio González et des sculpteurs minimalistes américains travaillant juste avant elle, Solano construit ses sculptures abstraites en métal comme des récipients autonomes et fermés, rappelant souvent des cages, dans lesquelles l’espace intérieur inaccessible joue un e

Conçu par George Nelson, cet ensemble de salon est une pièce emblématique du design moderne du milieu du siècle. Fabriqué par Herman Miller aux États-Unis d'Amérique, vers 1960.L'ensemble contient 4 éléments d'assise séparés recouverts de simili cuir noir, sur des pieds en métal chromé. Dans l'ensemble, il s'agit d'un style très reconnaissable qui ne manquera pas d'attirer l'attention de tout amateur de design.Il est dans un bon état vintage avec des signes mineurs d'usure conformes à l'âge et à l'utilisation,tout en conservant une belle patine.Dim :hauteur 70 cmLargeur 75 cmProfondeur 55 cmHauteur du siège 40 cmLe canapé mesure 280 cm de long au totalGeorge Nelson (1908-1986) était un designer industriel américain et l'un des fondateurs du modernisme américain. Alors qu'il était directeur du design pour la société de meubles Herman Miller, Nelson et son studio de design, George Nelson Associates, Inc. ont conçu la plupart des meubles modernistes les plus emblématiques du 20e siècle.En 1945, la société d'ameublement Herman Miller produisait principalement des modèles conventionnels à base de bois. Après avoir lu Tomorrow's House, D.J. Depree, le président d'Herman Miller, choisit Nelson comme prochain directeur du design de la société, bien que Nelson n'ait aucune expérience dans la conception de meubles. Depree était plus intéressé par la compréhension qu'avait Nelson de la meilleure façon de rendre les meubles innovants et utiles. Nelson se voit offrir un contrat qui lui donne la liberté de travailler en dehors d'Herman Miller et d'utiliser les dessins d'autres architectes avec lesquels Nelson avait travaillé. Il est devenu le directeur du design d'Herman Miller en 1947 et a occupé ce poste jusqu'en 1972. Le premier catalogue Herman Miller produit par Nelson est sorti en 1945. Dans les années qui ont suivi, il a présenté certains des meubles les plus emblématiques du 20e siècle. . Ray et Charles Eames, Harry Bertoia, Richard Schultz, Donald Knorr et Isamu Noguchi ont tous travaillé pour Herman Miller, sous la direction de Nelson. Bien que Bertoia et Noguchi aient par la suite exprimé des regrets quant à leur participation, cette période s'est avérée fructueuse pour l'entreprise et pour George Nelson.

Le a été conçu par Gianfranco Frattini en 1970 et produit par le fabricant italien Cassina.La cage tubulaire chromée est elle aussi en parfait état, sans rouille ni oxyde.Le Sesann se caractérise par une forme organique et informelle et est défini par le détail métallique tubulaire qui s'enroule autour du siège souple et rembourré.Dans les années 1970, le catalogue Cassina contenait à l'intérieur deux solutions de salon chromées de l'ère spatiale : la série Soriana d'Afra & Tobia Scarpa et la série Sesann (composée d'un canapé deux places, d'un canapé trois places, d'une chaise longue et d'une table basse).Gianfranco Frattini (15 mai 1926 - 6 avril 2004) était un architecte et designer italien. Il fait partie de la génération qui a créé le mouvement du design italien de la fin des années 1950 jusqu'aux années 1960.Gianfranco Frattini est né à Padoue, en Italie, le 15 mai 1926. Il a obtenu son diplôme d'architecte au Politecnico di Milano en 1953.Frattini a ouvert son propre cabinet professionnel à Milan, après avoir travaillé dans le bureau de son professeur et mentor Giò Ponti. Frattini est devenu designer industriel par défaut lorsqu'il manquait d'éclairage et de mobilier appropriés pour ses intérieurs. Sa collaboration avec Cesare Cassina pour sa société homonyme a commencé en 1954, suivie de collaborations avec de nombreux autres fabricants, tels que Bernini, Arteluce, Acerbis, Fantoni, Artemide (pour qui il a notamment conçu avec Livio Castiglioni la lampe historique Boalum), Luci, Knoll, Lema et bien d'autres. En 1956, il a co-fondé l'Associazione per il Disegno Industriale et tout au long de sa carrière, il a pratiqué le design industriel et l'architecture, en se concentrant principalement sur les intérieurs. Il a été membre du conseil d'administration de la Triennale. Grand connaisseur de l'artisanat du bois, il a forgé un long et fructueux partenariat professionnel avec le maître artisan de Bovisio Masciago (Milan), Pierluigi Ghianda. Les objets en verre conçus par Gianfranco Frattini pour Progetti font partie de la collection permanente du Musée d'art moderne et la lampe Boalum (avec Livio Castiglioni) produite par Artemide est dans la collection du Smithsonian, Musée national du design Cooper-Hewitt.La littérature : Giuliana Gramigna, Federica Monetti. Gianfranco Frattini : architecte d'intérieur et designer. 2007-01-01, FrancoAngeli.

Le salon Sesann a été conçu par Gianfranco Frattini en 1970 et produit par le fabricant italien Cassina.La cage tubulaire chromée est elle aussi en parfait état, sans rouille ni oxyde.Le Sesann se caractérise par une forme organique et informelle et est défini par le détail métallique tubulaire qui s'enroule autour du siège souple et rembourré.Dans les années 1970, le catalogue Cassina contenait à l'intérieur deux solutions de salon chromées de l'ère spatiale : la série Soriana d'Afra & Tobia Scarpa et la série Sesann (composée d'un canapé deux places, d'un canapé trois places, d'une chaise longue et d'une table basse).Gianfranco Frattini (15 mai 1926 - 6 avril 2004) était un architecte et designer italien. Il fait partie de la génération qui a créé le mouvement du design italien de la fin des années 1950 jusqu'aux années 1960.Gianfranco Frattini est né à Padoue, en Italie, le 15 mai 1926. Il a obtenu son diplôme d'architecte au Politecnico di Milano en 1953.Frattini a ouvert son propre cabinet professionnel à Milan, après avoir travaillé dans le bureau de son professeur et mentor Giò Ponti. Frattini est devenu designer industriel par défaut lorsqu'il manquait d'éclairage et de mobilier appropriés pour ses intérieurs. Sa collaboration avec Cesare Cassina pour sa société homonyme a commencé en 1954, suivie de collaborations avec de nombreux autres fabricants, tels que Bernini, Arteluce, Acerbis, Fantoni, Artemide (pour qui il a notamment conçu avec Livio Castiglioni la lampe historique Boalum), Luci, Knoll, Lema et bien d'autres. En 1956, il a co-fondé l'Associazione per il Disegno Industriale et tout au long de sa carrière, il a pratiqué le design industriel et l'architecture, en se concentrant principalement sur les intérieurs. Il a été membre du conseil d'administration de la Triennale. Grand connaisseur de l'artisanat du bois, il a forgé un long et fructueux partenariat professionnel avec le maître artisan de Bovisio Masciago (Milan), Pierluigi Ghianda. Les objets en verre conçus par Gianfranco Frattini pour Progetti font partie de la collection permanente du Musée d'art moderne et la lampe Boalum (avec Livio Castiglioni) produite par Artemide est dans la collection du Smithsonian, Musée national du design Cooper-Hewitt.La littérature : Giuliana Gramigna, Federica Monetti. Gianfranco Frattini : architecte d'intérieur et designer. 2007-01-01, FrancoAngeli.

Le salon Sesann a été conçu par Gianfranco Frattini en 1970 et produit par le fabricant italien Cassina.Cet ensemble rembourré en cuir noir est composé d'un canapé deux places et de deux chaises longues.Il est rembourré avec du cuir noir naturel italien de la meilleure qualité.La cage tubulaire chromée est également en parfait état, sans rouille ni oxyde.Le Sesann se caractérise par une forme organique et informelle et est défini par le détail métallique tubulaire qui s'enroule autour du siège souple et rembourré.Dans les années 1970, le catalogue Cassina contenait à l'intérieur deux solutions de salon chromées de l'ère spatiale : la série Soriana d'Afra & Tobia Scarpa et la série Sesann (composée d'un canapé deux places, d'un canapé trois places, d'une chaise longue et d'une table basse).Gianfranco Frattini (15 mai 1926 - 6 avril 2004) était un architecte et designer italien. Il fait partie de la génération qui a créé le mouvement du design italien de la fin des années 1950 jusqu'aux années 1960.Gianfranco Frattini est né à Padoue, en Italie, le 15 mai 1926. Il a obtenu son diplôme d'architecte au Politecnico di Milano en 1953.Frattini a ouvert son propre cabinet professionnel à Milan, après avoir travaillé dans le bureau de son professeur et mentor Giò Ponti. Frattini est devenu designer industriel par défaut lorsqu'il manquait d'éclairage et de mobilier appropriés pour ses intérieurs. Sa collaboration avec Cesare Cassina pour sa société homonyme a commencé en 1954, suivie de collaborations avec de nombreux autres fabricants, tels que Bernini, Arteluce, Acerbis, Fantoni, Artemide (pour qui il a notamment conçu avec Livio Castiglioni la lampe historique Boalum), Luci, Knoll, Lema et bien d'autres. En 1956, il a co-fondé l'Associazione per il Disegno Industriale et tout au long de sa carrière, il a pratiqué le design industriel et l'architecture, en se concentrant principalement sur les intérieurs. Il a été membre du conseil d'administration de la Triennale. Grand connaisseur de l'artisanat du bois, il a forgé un long et fructueux partenariat professionnel avec le maître artisan de Bovisio Masciago (Milan), Pierluigi Ghianda. Les objets en verre conçus par Gianfranco Frattini pour Progetti font partie de la collection permanente du Musée d'art moderne et la lampe Boalum (avec Livio Castiglioni) produite par Artemide est dans la collection du Smithsonian, Musée national du design Cooper-Hewitt.Dimensions : - Chaise longue H 27,56 po. x L 40 po. x P 39,38 po.H 70 cm x L 101,6 cm x P 100 cmHauteur du siège : 14,97 in. (38 cm)- Canapé H 27,56 po x L 70,87 po x P 39,38 poH 70 cm x L 180 cm x P 100 cmHauteur du siège : 14,97 in. (38 cm)La littérature : Giuliana Gramigna, Federica Monetti. Gianfranco Frattini : architecte d'intérieur et designer. 2007-01-01, Franco Angeli.

Table expressive en chêne dans le style de Kramer et Hildo Krop, Pays-Bas, années 1930. Table d'école d'Amsterdam, exubérante et sculpturale. L'école d'Amsterdam (en néerlandais : Amsterdamse School) est un style d'architecture qui a vu le jour de 1910 à environ 1930 aux Pays-Bas. Le mouvement de l'école d'Amsterdam fait partie de l'architecture expressionniste internationale, parfois liée à l'expressionnisme allemand de la brique. Les bâtiments de l'école d'Amsterdam sont caractérisés par une construction en brique avec une maçonnerie compliquée d'aspect arrondi ou organique, une volumétrie relativement traditionnelle et l'intégration d'un schéma élaboré d'éléments de construction à l'intérieur et à l'extérieur : maçonnerie décorative, verre artistique, ferronnerie d'art, flèches ou fenêtres en échelle (avec des barres horizontales) et sculpture architecturale intégrée. L'objectif était de créer une expérience architecturaletotale, à l'intérieur comme à l'extérieur.Imprégné des idéaux socialistes, le style de l'école d'Amsterdam a souvent été appliqué aux lotissements ouvriers, aux institutions locales et aux écoles. Pour de nombreuses villes néerlandaises, Hendrik Berlage a conçu les nouveaux plans d'urbanisme, tandis que les architectes de l'École d'Amsterdam étaient responsables des bâtiments. En ce qui concerne le style architectural, Michel de Klerk avait une vision différente de celle de Berlage. Dans le magazine Bouwkundig Weekblad 451916, Michel de Klerk a critiqué les bâtiments récents de Berlage dans le style du traditionalisme néerlandais. Dans ce contexte, la Bourse de Berlage de 1905 peut être considérée comme le point de départ de l'architecture traditionaliste. De 1920 à 1930, différents mouvements parallèles se sont développés aux Pays-Bas :Traditionalisme (Kropholler, en partie Berlage), expressionnisme (de Klerk, Kramer), De Stijl (Rietveld, Oud, van Doesburg avec le manifeste De Stijl1917 contre le baroque moderne de l'école d'Amsterdam), rationalisme (van Eesteren, van Tijen, Merkelbach avec le manifeste De-81927 contre l'école d'Amsterdam), constructivisme (Duiker, van der Vlugt), le cubisme spécifique de Dudok et Berlage. L'architecture expressionniste de l'école d'Amsterdam est le style le plus réussi des années 1920. Pour de nombreux architectes étrangers, Amsterdam était la Mecque des nouvelles extensions de ville. Mais le mouvement traditionaliste a duré plus longtemps, jusque dans les années 1950, grâce à l'école dite de Delft, représentée par Martinus Granpré Molière à l'université de technologie de Delft. Dans les années 1960, le mouvement rationaliste était dominant. Dans un discours bien connu, le rationaliste néerlandais Willem van Tijen a déclaré que l'école d'Amsterdam était un exemple d'avertissement pour les architectes (publié dans le Forum 91960-61). Après la mort de Piet Kramer en 1961, aucune institution architecturale ni aucun musée ne s'est intéressé à son œuvre expressionniste. C'est pourquoi tous ses dessins, plans et modèles ont été brûlés.L 184 cm, P 90 cm, H 75 cm

Salle à manger néerlandaise de l'époque Art déco dans le style de Kramer et Hildo Krop, Pays-Bas, années 1930. Table et chaises de l'école d'Amsterdam en chêne massif, exubérante et sculpturale. L'école d'Amsterdam (en néerlandais : Amsterdamse School) est un style d'architecture qui a vu le jour de 1910 à 1930 environ aux Pays-Bas. Le mouvement de l'école d'Amsterdam fait partie de l'architecture expressionniste internationale, parfois liée à l'expressionnisme allemand de la brique. Les bâtiments de l'école d'Amsterdam sont caractérisés par une construction en brique avec une maçonnerie compliquée d'aspect arrondi ou organique, une volumétrie relativement traditionnelle et l'intégration d'un schéma élaboré d'éléments de construction à l'intérieur et à l'extérieur : maçonnerie décorative, verre artistique, ferronnerie d'art, flèches ou fenêtres en échelle (avec des barres horizontales) et sculpture architecturale intégrée. L'objectif était de créer une expérience architecturale totale, à l'intérieur comme à l'extérieur.Imprégné des idéaux socialistes, le style de l'école d'Amsterdam a souvent été appliqué aux lotissements ouvriers, aux institutions locales et aux écoles. Pour de nombreuses villes néerlandaises, Hendrik Berlage a conçu les nouveaux plans d'urbanisme, tandis que les architectes de l'École d'Amsterdam étaient responsables des bâtiments. En ce qui concerne le style architectural, Michel De Klerk avait une vision différente de celle de Berlage. Dans le magazine Bouwkundig Weekblad 451916, Michel De Klerk a critiqué les bâtiments récents de Berlage dans le style du traditionalisme néerlandais. Dans ce contexte, la Bourse de Berlage de 1905 peut être considérée comme le point de départ de l'architecture traditionaliste. De 1920 à 1930, différents mouvements parallèles se sont développés aux Pays-Bas : Traditionnalisme (Kropholler, en partie Berlage), Expressionnisme (de Klerk, Kramer), De Stijl (Rietveld, Oud, van Doesburg avec le manifeste De Stijl1917 contre le Baroque moderne de l'école d'Amsterdam), Rationalisme (van Eesteren, van Tijen, Merkelbach avec le manifeste De-81927 contre l'école d'Amsterdam), Constructivisme (Duiker, van der Vlugt), Le cubisme spécifique en brique de Dudok et Berlage.L'architecture expressionniste de l'école d'Amsterdam est le style le plus réussi des années 1920. Pour de nombreux architectes étrangers, Amsterdam était la Mecque des nouvelles extensions de ville. Mais le mouvement traditionaliste a duré plus longtemps, jusque dans les années 1950, grâce à l'école dite de Delft, représentée par Martinus Granpré Molière à l'université de technologie de Delft. Dans les années 1960, le mouvement rationaliste était dominant. Dans un discours bien connu, le rationaliste néerlandais Willem van Tijen a déclaré que l'école d'Amsterdam était un exemple d'avertissement pour les architectes (publié dans le Forum 91960-61). Après la mort de Piet Kramer en 1961, aucune institution architecturale ni aucun musée ne s'est intéressé à son œuvre expressionniste. C'est pourquoi tous ses dessins, plans et modèles ont été brûlés.L 56 cm, P 56 cm, H 101 cm, SH 46 cm