Tabouret jaune moderniste, Hendrik Wouda, H. Pander & Zonen, Pays-Bas 1924. Pin peint & soie.L'Interbellum, la période entre les deux guerres mondiales, est une période où la culture néerlandaise s'est épanouie. Les architectes, les designers et les artistes se sont fixé pour objectif de façonner un avenir plus brillant et plus moderne en changeant la façon dont les gens vivent. La ville de La Haye a vu naître l'école dite de La Haye, un style de design luxueux et moderne. Il s'agit d'une variante du style Art déco international, reconnaissable à ses lignes droites et à ses formes cubistes. Cet ensemble de chambre à coucher de sept pièces est un exemple des débuts de l'école de La Haye, reconnaissable à sa composition symétrique, plutôt qu'à ses formes asymétriques plus tardives (après 1926). Il a été conçu par le designer néerlandais Hendrik Wouda (1885 - 1946) et fabriqué par H. Pander & Zonen. Cet ensemble spécifique a été exposé en 1924 au magasin Pander d'Amsterdam. Il est extrêmement rare de trouver un ensemble complet dans son état d'origine, avec la peinture et le rembourrage d'origine.Monique Teunissen et Albert Veldhuisen, Hendrik Wouda, Architect en meubelontwerper, Uitgeverij 010, Rotterdam, 1989, illustré p. 12, no. 6

Étagère moderniste jaune, noire et rouge, Hendrik Wouda, H. Pander & Zonen, Pays-Bas 1924. Pin peintL'Interbellum, la période entre les deux guerres mondiales, est une période où la culture néerlandaise s'est épanouie. Les architectes, les designers et les artistes se sont fixé pour objectif de façonner un avenir plus brillant et plus moderne en changeant la façon dont les gens vivent. La ville de La Haye a vu naître l'école dite de La Haye, un style de design luxueux et moderne. Il s'agit d'une variante du style Art déco international, reconnaissable à ses lignes droites et à ses formes cubistes. Cet ensemble de chambre à coucher de sept pièces est un exemple des débuts de l'école de La Haye, reconnaissable à sa composition symétrique, plutôt qu'aux formes asymétriques plus tardives (après 1926). Il a été conçu par le designer néerlandais Hendrik Wouda (1885 - 1946) et fabriqué par H. Pander & Zonen. Cet ensemble spécifique a été exposé en 1924 au magasin Pander d'Amsterdam. Il est extrêmement rare de trouver un ensemble complet dans son état d'origine, avec la peinture et le rembourrage d'origine.Monique Teunissen et Albert Veldhuisen, Hendrik Wouda, Architect en meubelontwerper, Uitgeverij 010, Rotterdam, 1989, illustré p. 12, no. 6

Vanité jaune moderniste, Hendrik Wouda, H. Pander & Zonen, Pays-Bas 1924. Pin peint, marbre, soie.L'Interbellum, la période entre les deux guerres mondiales, est une période où la culture néerlandaise s'est épanouie. Les architectes, les designers et les artistes se sont fixé pour objectif de façonner un avenir plus brillant et plus moderne en changeant la façon dont les gens vivent. La ville de La Haye a vu naître l'école dite de La Haye, un style de design luxueux et moderne. Il s'agit d'une variante du style Art déco international, reconnaissable à ses lignes droites et à ses formes cubistes. Cet ensemble de chambre à coucher de sept pièces est un exemple des débuts de l'école de La Haye, reconnaissable à sa composition symétrique, plutôt qu'aux formes asymétriques plus tardives (après 1926). Il a été conçupar le designer néerlandais Hendrik Wouda (1885 - 1946) et fabriqué par H. Pander & Zonen. Cet ensemble spécifique a été exposé en 1924 au magasin Pander d'Amsterdam. Il est extrêmement rare de trouver un ensemble complet dans son état d'origine, avec la peinture et le rembourrage d'origine.Monique Teunissen et Albert Veldhuisen, Hendrik Wouda, Architect en meubelontwerper, Uitgeverij 010, Rotterdam, 1989, illustré p. 12, no. 6

Commode moderniste jaune, Hendrik Wouda, H. Pander & Zonen, Pays-Bas 1924. Pin peint, plateau en marbre noir.L'Interbellum, la période entre les deux guerres mondiales, est une période où la culture néerlandaise s'est épanouie. Les architectes, les designers et les artistes se sont fixé pour objectif de façonner un avenir plus brillant et plus moderne en changeant la façon dont les gens vivent. La ville de La Haye a vu naître l'école dite de La Haye, un style de design luxueux et moderne. Il s'agit d'une variante du style Art déco international, reconnaissable à ses lignes droites et à ses formes cubistes. Cet ensemble de chambre à coucher desept pièces est un exemple des débuts de l'école de La Haye, reconnaissable à sa composition symétrique, plutôt qu'à ses formes asymétriques plus tardives (après 1926). Il a été conçu par le designer néerlandais Hendrik Wouda (1885 - 1946) et fabriqué par H. Pander & Zonen. Cet ensemble spécifique a été exposé en 1924 au magasin Pander d'Amsterdam. Il est extrêmement rare de trouver un ensemble complet dans son état d'origine, avec la peinture et le rembourrage d'origine.Monique Teunissen et Albert Veldhuisen, Hendrik Wouda, Architect en meubelontwerper, Uitgeverij 010, Rotterdam, 1989, illustré p. 12, no. 6

Chaise moderniste jaune et noire, HendrikWouda, H. Pander & Zonen Pays-Bas 1924. Une partie de l'exposition De Klare Lijn.L'Interbellum, la période entre les deux guerres mondiales, est une période où la culture néerlandaise s'est épanouie. Les architectes, les designers et les artistes se sont fixé pour objectif de façonner un avenir plus brillant et plus moderne en changeant la façon dont les gens vivent. La ville de La Haye a vu naître l'école dite de La Haye, un style de design luxueux et moderne. Il s'agit d'une variante du style Art déco international, reconnaissable à ses lignes droites et à ses formes cubistes. Cet ensemble de chambre à coucher de sept pièces est un exemple des débuts de l'école de La Haye, reconnaissable à sa composition symétrique, plutôt qu'à ses formes asymétriques plus tardives (après 1926). Il a été conçu par le designer néerlandais Hendrik Wouda (1885 - 1946) et fabriqué par H. Pander & Zonen. Cet ensemble spécifique a été exposé en 1924 au magasin Pander d'Amsterdam. Il est extrêmement rare de trouver un ensemble complet dans son état d'origine, avec la peinture et le rembourrage d'origine.Monique Teunissen et Albert Veldhuisen, Hendrik Wouda, Architect en meubelontwerper, Uitgeverij 010, Rotterdam, 1989, illustré p. 12, no. 6

Plateau en parchemin laqué rouge, base en acajou, table à manger, Aldo Tura, Italie, années 1960. Né en 1909, le designer-maître italien Aldo Tura a établi sa maison de production de meubles en Lombardie en 1939. Travaillant entre les idiomes de l'Art Déco et du modernisme, Tura a créé des meubles et des accessoires singuliers et haut de gamme qui se caractérisent par la richesse des matériaux, des formes sculpturales et des techniques artisanales haut de gamme. Le travail de Tura est devenu un objet de collection, en particulier les exemples aux finitions exotiques - comme la coquille d'œuf, la peau de chèvre et le parchemin - dans des palettes intenses de rouge, de vert et de jaune. Tura était l'un des talents de design les plus uniques du milieu du siècle en Italie. Dans les années d'après-guerre, alors que de nombreux fabricants de meubles adaptaient leurs méthodes de production à la production de masse, Tura est resté fidèle à un artisanat traditionnel et lent. Il favorisait les formes complexes et les processus à forte intensité de main-d'œuvre qui ne pouvaient jamais être reproduits dans un système d'usine à grande échelle. En conséquence, le nombre d'œuvres de Tura disponibles sur le marché des objets anciens reste limité.? 120 cm, H 75 cm

Article :Tapis muralDécennie :1970sOrigine :Pays-BasProducteur :Desso, Pays-BasCe tapis est un excellent exemple d'intérieur pop art des années 1970. Fabriqué selon une technique de tissage de haute qualité. Ce tapis mural noué en macramé de haute qualité a été conçu dans les années 1970 et fabriqué par Desso Studio aux Pays-Bas. Il est fait de laine polyacrylique et il est encore en très bon état d'origine. Le tapis a une taille extra ordinaire de 140 x 140 cm avec poils macramé, dans cette taille et cet état une rareté absolue et difficile à trouver. Fantastique coloration en couleurs vives dans les tons de beige, noir, violet et rouge. Au milieu, le tapis présente plusieurs éléments de laine colorés noués. L'étiquette originale du producteur est toujours surle tapis. Fixation sur le mur généralement avec des clous ou un rail.Une pièce intéressante pour toute maison moderne dans un bel état vintage. S'adapterait bien dans n'importe quelle maison avec des décors des années 1960-1970 ou en combinaison avec un intérieur moderne du milieu du siècle.Dimensions :Largeur 140 cmHauteur 140 cmProfondeur 10 cmCondition :Cet objet est en très bon état vintage avec une patine.

Armoire de bar moderniste jaune et noire avec glacière, Hendrik Wouda, H. Pander & Zonen, Pays-Bas 1924 - Pin peint, plateau en marbre noirL'Interbellum, la période entre les deux guerres mondiales, est une période où la culture néerlandaise s'est épanouie. Les architectes, les designers et les artistes se sont fixé pour objectif de façonner un avenir plus brillant et plus moderne en changeant la façon dont les gens vivent. La ville de La Haye a vu naître l'école dite de La Haye, un style de design luxueux et moderne. Il s'agit d'une variante du style Art déco international, reconnaissable à ses lignes droites et à ses formes cubistes. Cet ensemble de chambre à coucher de sept pièces est un exemple des débuts de l'école de La Haye, reconnaissable à sa composition symétrique, plutôt qu'aux formes asymétriques plus tardives (après 1926). Il a été conçu par le designer néerlandais Hendrik Wouda (1885 - 1946) et fabriqué par H. Pander & Zonen. Cet ensemble spécifique a été exposé en 1924 au magasin Pander d'Amsterdam. Il est extrêmement rare de trouver un ensemble complet dans son état d'origine, avec la peinture et le rembourrage d'origine.Monique Teunissen et Albert Veldhuisen, Hendrik Wouda, Architect en meubelontwerper, Uitgeverij 010, Rotterdam, 1989, illustré p. 12, no. 6

Ancien porte-serviettesCe porte-serviettes victorien en acajou, incroyablement rare, est de qualité supérieure grâce à sa construction solide et à son attrait esthétique.Fabriquée par Marsh, Jones & Cribb, cette entreprise victorienne emblématique était connue pour la qualité de son savoir-faire et pour ses étiquettes inhabituelles en papier avec le cachet de leur fabricant, le nom de l'ébéniste et la signature avec la date, le tout écrit à la main. Le rail est également marqué du numéro 1982.Marsh et Jones : Les ébénistes médiévaux de Leeds fondés en 1850 sont devenus Marsh, Jones & Cribb en 1867 et ont exposé à l'Exposition de Paris en 1878. La société emploie Charles Bevan, qui leur donne en 1865 la licence de fabrication de son nouveau fauteuil inclinable enregistré, qui connaît un grand succès.Bruce James Talbert, autre architecte et décorateur d'intérieur de renom, a également conçu des objets pour la société dans les années 1870 et 1880.Ce porte-serviettes serait un bel ajout à une salle de bain ou une chambre à coucher, surtout si elle présente déjà des meubles et des accessoires de style victorien.Dimensions :94 cm de hauteur x 34 cm de profondeur x 83 cm de largeur.Condition :En bon état antique.

Article :Tapis mural - nouveau vieux stockDécennie :1970sOrigine :Pays-BasProducteur :Desso, Pays-BasCe tapis est un excellent exemple d'intérieur pop art des années 1970. Fabriqué selon une technique de tissage de haute qualité. Ce tapis mural noué en macramé de haute qualité a été conçu dans les années 1970 et fabriqué par Desso Studio aux Pays-Bas. Il est fabriqué en laine polyacrylique et il est encore en très bon état d'origine, car il s'agit d'un vieux stock neuf, inutilisé. Le tapis a une taille extra ordinaire de 166cm x 90, dans cette taille et cet état une rareté absolue et difficile à trouver. Fantastique coloration en couleurs vives dans les tons beige, marron, jaune et vert. Au milieu, le tapis présente plusieurs éléments de laine colorés noués. L'étiquette originale du fabricant se trouve toujours au dos du tapis. La fixation au mur se fait généralement à l'aide de clous ou d'un rail.Une pièce intéressante pour toute maison modernedans un bel état vintage. S'intégrerait bien dans n'importe quelle maison avec un décor des années 1960-1970 ou en combinaison avec un intérieur moderne du milieu du siècle.Dimensions :largeur 90cmHauteur 166cmCondition :nouveau vieux stock, non utilisé.

Ce grand vase Windsor transparent a été conçu par J.G Durand pour la manufacture française Luminarc dans les années 1970. Réalisé en verre pressé coupé Verrerie d'Arques. Vase Art déco avec relief géométrique, solidement fabriqué. Il peut être utilisé dans n'importe quel arrangement. Signé France.J.G. Durand est reconnu comme l'un des producteurs de verre de cristal les plus innovants et polyvalents du 20ème siècle. Établi en 1927 près du village français d'Arques, J. G. Durand était largement connu et sa vaisselle en verre est encore très appréciée aujourd'hui. L'inspiration de l'auteur pour moderniser la production a été un voyage aux États-Unis au début des années 1930. Au cours des deux dernières décennies, la J.G. Durand s'est assurée une position inchangée en rachetant d'autres marques de verre renommées. Durand a également pris le contrôle du géant du verre Mikasa. Aujourd'hui, le nom J.G. Durand a été remplacé par Arc International.Luminarc est une marque française qui fabrique des produits en cristal et en verre de haute qualité depuis 1948. Luminarc est déjà une tradition et sa principale caractéristique est sa haute qualité et sa résistance aux chocs.Ce vase est en état original vintage. Nous offrons deux pièces, le prix est pour l'une d'entre elles. Ensemble, ils forment un très bel ensemble.

Cette figurine moderniste en céramique représentant un chat noir a été produite dans les années 1970. La figurine est fabriquée en céramique de haute qualité de couleur noire brillante. Le chat est parfaitement réalisé, subtil et digne à la fois.Les sculptures animalières ont une très longue tradition et remontent à l'époque paléolithique. Au cours des siècles suivants, les artistes ont forgé des formes animales en pierre, en argile collée et en bronze coulé. Ce n'est qu'aux XIXe et XXe siècles que la sculpture animalière a acquis une position indépendante. Avec le développement de l'art des cabinets et des collections, les petites sculptures représentant divers animaux ont gagné en popularité. Les artistes de l'Art nouveau se sont inspirés du monde des animaux à pleines mains, créant aussi bien des sculptures indépendantes que des meubles, des bijoux inspirés des formes des corps des animaux. Dans le style Art déco, les formes complexes des animaux étaient réduites à des formes simples et géométriques qui, associées à des détails et à des matériaux raffinés, donnaient un effet incroyablement décoratif. Le maître de ce type de traitement est François Pompon, dont la figure d'un ours polaire marchant est entrée dans le canon. Les grands artistes d'avant-garde n'ont pas non plus reculé devant les formes animales. Il suffit de citer Pablo Picasso ou Henry Moore.Cette figurine est dans un état vintage original.

Belle lampe à pendentif vintage de style art déco, provenant de France, vers les années 1950.La pièce présente un très bel abat-jour en verre soufflé, avec un verre de lait granulé et givré et 3 anneaux chromés ,montés sur une poignée en métal brossé.La lampe a été nettoyée avec soin, afin de préserver les détails originaux et la patine de la pièce.Il y a des signes de vieillissement proportionnels au temps (voir photos).L'abat-jour en verre dépoli est en excellent état d'origine, il n'y a pas d'éclats ni de fissures.Le décor en chrome est légèrement délavé et de couleur or pâle.La patine est également dans un état fantastique, certaines zones brillent plus que d'autres.De chaque côté des anneaux (ou jantes), il y a 3 vis à main, qui fontIl est possible de retirer l'abat-jour en verre, afin de pouvoir insérer l'ampoule dans la douille.Tout en haut du bras en métal brossé, il y a un capuchon en métal brossé, qui permet de cacher le câblage.Afin de maintenir le bouchon en place, il y a une petite vis (voir photo.)Il y a un crochet sur le haut du bras de la poignée, pour fixer la lampe au plafond.Cette lampe a son câblage d'origine, a été testée et fonctionne parfaitement, avec une ampoule standard B22 à baïonnette (non fournie).Dimensions :~ Hauteur du bras de la poignée en métal brossé : 46 cm~ Hauteur totale du support au plafond à la pointe : 63 cm~ Diamètre de l'ombre : 22 cm

Cette grande figurine de guépard a probablement été produite en Italie dans les années 1970. La figurine est fabriquée en céramique de haute qualité peinte à la main dans des nuances intenses d'orange. Le guépard est parfait pour le bureau ou le salon, et comme complément d'un intérieur dans le style Hollywood Regency.Les sculptures animalières ont une très longue tradition et remontent à l'époque paléolithique. Au cours des siècles suivants, les artistes ont forgé des formes animales en pierre, en argile collée et en bronze coulé. Ce n'est qu'aux XIXe et XXe siècles que la sculpture animalière a acquis une position indépendante. Avec le développement de l'art des cabinets et des collections, les petites sculptures représentant divers animaux ont gagné en popularité. Les artistes de l'Art nouveau se sont inspirés du monde des animaux à pleinesmains, créant aussi bien des sculptures indépendantes que des meubles, des bijoux inspirés des formes des corps des animaux. Dans le style Art déco, les formes complexes des animaux étaient réduites à des formes simples et géométriques qui, associées à des détails et à des matériaux raffinés, donnaient un effet incroyablement décoratif. Le maître de ce type de traitement est François Pompon, dont la figure d'un ours polaire marchant est entrée dans le canon. Les grands artistes d'avant-garde n'ont pas non plus reculé devant les formes animales. Il suffit de citer Pablo Picasso ou Henry Moore.Cette figurine est dans un état vintage original.

R &Y Augousti a été fondée en 1989 par le duo mari-femme Ria et Yiouri Augousti. Leurs parcours artistiques les ont réunis en tant qu'innovateurs dans leur domaine en faisant revivre les techniques artisanales du galuchat et d'autres matériaux exotiques qui étaient prédominantes à l'époque de l'Art Déco dans les années 1930. Grâce à leur mélange de design vintage et contemporain, leur marque de meubles et d'accessoires pour la maison a été saluée dans le monde entier. D'une première collection pour le luxueux Hôtel Crillon à Paris, à des collections exclusives pour des magasins de luxe comme Barneys New York & Bergdorf Goodman, ils ont finalement ouvert leur magasin phare dans la célèbre rue Du Bac dans le 7e arrondissement de Paris, en France. À partir de là, ils ont commencé à travailler en étroite collaboration avec des décorateurs d'intérieur, des architectes et des célébrités de renommée mondiale pour créer des pièces sur mesure pour leurs maisons et leurs projets, tout en respectant l'univers Augousti. Bien que le galuchat soit leur signature ADN, les R&Y Augousti sont connus comme les pionniers des mélanges de motifs de matériaux exotiques de galuchat, de coquillages, de parchemin, de peau d'anguille, de pierres semi-précieuses, de peaux de serpent et de métal. Leurs étonnants motifs sont reconnaissables par leur clientèle mondiale. Ce vase unique en peau de serpent est également très recherché et montre l'étendue de l'environnement de design dans lequel Augousti travaille.

Ce grand léopard en céramique a été fabriqué en Italie dans les années 1970. Il est fabriqué en céramique de haute qualité peinte à la main. Il a l'air très digne et élégant. Cet objet décoratif possède un tampon imprimé sur le dessous avec les mots Made in Italy. Cette figurine s'accorde parfaitement avec le style Régence de Holywood.Les sculptures animalières ont une très longue tradition et remontent à l'époque paléolithique. Au cours des siècles suivants, les artistes ont forgé des formes animales en pierre, en argile collée et en bronze coulé. Ce n'est qu'aux XIXe et XXe siècles que la sculpture animalière a acquis une position indépendante. Avec le développement de l'art des cabinets et des collections, les petites sculptures représentant divers animaux ont gagné en popularité. Les artistes de l'Art nouveau se sont inspirés du monde des animaux à pleines mains, créant aussi bien des sculptures indépendantes que des meubles, des bijoux inspirés des formes des corps des animaux. Dans le style Art déco, les formes complexes des animaux étaient réduites à des formes simples et géométriques qui, associées à des détails et à des matériaux raffinés, donnaient un effet incroyablement décoratif. Le maître de ce type de traitement est François Pompon, dont la figure d'un ours polaire marchant est entrée dans le canon. Les grands artistes d'avant-garde n'ont pas non plus reculé devant les formes animales. Il suffit de citer Pablo Picasso ou Henry Moore.Cette figurine est dans un état vintage original frappé.

R &Y Augousti a été fondée en 1989 par le duo mari-femme Ria et Yiouri Augousti. Leurs parcours artistiques les ont réunis en tant qu'innovateurs dans leur domaine en faisant revivre les techniques artisanales du galuchat et d'autres matériaux exotiques qui étaient prédominantes à l'époque de l'Art Déco dans les années 1930. Grâce à leur mélange de design vintage et contemporain, leur marque de meubles et d'accessoires pour la maison a été saluée dans le monde entier. D'une première collection pour le luxueux Hôtel Crillon à Paris, à des collections exclusives pour des magasins de luxe comme Barneys New York & Bergdorf Goodman, ils ont finalement ouvert leur magasin phare dans la célèbre rue Du Bac dans le 7e arrondissement de Paris, en France. À partir de là, ils ont commencé à travailler en étroite collaboration avec des décorateurs d'intérieur, des architectes et des célébrités de renommée mondiale pour créer des pièces sur mesure pour leurs maisons et leurs projets, tout en respectant l'univers Augousti. Bien que le galuchat soit leur signature ADN, les R&Y Augousti sont connus comme les pionniers des mélanges de motifs de matériaux exotiques de galuchat, de coquillages, de parchemin, de peau d'anguille, de pierres semi-précieuses, de peaux de serpent et de métal. Leurs étonnants motifs sont reconnaissables par leur clientèle mondiale. Cette table d'appoint unique en coquille de noix de coco naturelle au fini craquelé, aux couleurs organiques variées et au plateau en verre est en bon état, ce qui correspond à son âge et à son utilisation.

Cette paire de chaises vintage en bois et skaï a été produite par Steiner (Paris) au début des années 50 et conçu par le célèbre, designer hollandais, Wilhelm Von Bode.Sur chaque chaise, la base est travaillée dans un morceau de frêne pliée solide. Les sièges et les dossiers sont recouverts de skaï blanc.Un anneau en laiton, unique point de fixation, rejoint la base et le dossier, pour assurer la flexibilité et le confort de la position assise. Les deux chaises portent l’étiquette du fabricant original et ont été entièrement restauré (détails ci-dessous): ~ La surface de la structure en bois a été poncée et revernie.~ Les sièges et les dossiers ont été recouverts de nouveau,skai vinyle.~ L’ancien crin de cheval a été remplacée par une nouvelle mousse (HR 42, haute résistance.)~ Les anciens ressorts d’origine ont été remplacés par de nouvelles sangles. pour fournir plus de confort, mais aussi pour conserver et maintenir l’Intégrité et l’aspect vintage des chaises.~ Un nouveau tissu d’ameublement a été ajouté sous les assises de chaises~ Les bagues et les vis en laiton restent d’origine et n’ont pas été remplacées. Ces pièces portent une marque d’attribution du fabricant.Ces pièces sont une conception bien connue qui est bien documentée dans la littérature du mobilier.~ Style: Vintage, Art Deco, Classiques du design.~ État détaillé: très bon- Ces articles vintage n’ont pas de défauts, mais peuvent montrer de légères traces d’utilisation.~ Patine et usure légère conforme à l’âge et à l’usage.~ Hauteur d’assise: 46 cm~ Le prix est pour la paire.

La boîte à bijoux provient de Huta Hortensja, elle a été réalisée en verre pressé dans les années 70. Nous sommes intéressés par un objet à la forme minimaliste, un exemple de design polonais dans le style moderne du milieu du siècle. Nous évaluons l'état de l'objet comme très bon.Dimensions :hauteur 7,5 cm diamètre 10 cmDimensions en pouces :hauteur 3 in diamètre 3,9 inAprès la première guerre mondiale, Hortensja s'est agrandie - en 1921, elle employait environ 500 ouvriers. Elle produisait d'élégants verres soufflés et pressés dans des formes à la mode du style art déco. Elle a reçu de nombreux prix internationaux pour ses produits. Les conditions de travail difficiles et les bas salaires (les propriétaires qui sympathisaient avec les nazis investissaient la plupart de leurs bénéfices au-delà de la frontière occidentale de la Pologne) ont entraîné de nombreuses grèves, notamment en 1923, 1928, 1932 et 1936. Juste avant le début de la Seconde Guerre mondiale, les propriétaires de Hortensja The Haeblers ont quitté Piotrków. Pendant la guerre, l'usine était sous administration allemande. Dans la Pologne populaire, la verrerie a été nationalisée et a reçu le nom de Huta Szk?a Gospodarczego Hortensja. Presque tous les anciens bâtiments ont été démolis ou entièrement reconstruits. Dans les années 1970, Hortensja employait plus de 2 000 personnes. Elle exportait ses produits vers environ 120 pays. Malgré sa transformation en société à actionnaire unique du Trésor public en 1993, Hortensja n'a pas survécu aux changements politiques et économiques et a cessé ses activités à la fin des années 1990.

Une grande peinture à l'huile sur toile représentant un lac coloré de rêve avec un oiseau exotique intitulé Kotillion du martin-pêcheur et daté de 1980. La peinture se divise en deux, à gauche le fond du lac et à droite l'endroit où l'oiseau est assis et le paysage se transforme en une composition plus fleurie. Ce tableau est l'exemple même des intérieurs américains des années 1980, avec ses nuances pastel et ses couleurs vives. Une véritable œuvre d'art des années 1980 de FloridaPalm Beach et Miami. Encadrée dans un fin panneau de bois. Provenance Shilton International.Richard Frank est né en Grande-Bretagne et s'est installé aux États-Unis à l'âge de treize ans. Il a étudié l'architecture à l'université de Floride et la peinture et le dessin à la Tyler School of Art et à l'université John F. Kennedy, où il a obtenu une maîtrise et une licence en beaux-arts. Au fil des ans, Frank a occupé des postes de conservateur de musée, de professeur d'université, de directeur de galerie et d'animateur d'émissions artistiques à la télévision publique. Il a participé à de nombreuses expositions aux États-Unis et en Europe et a reçu de nombreux prix et deux bourses d'artistes de l'État de Floride. Sa dernière exposition a eu lieu au Museum of Art - DeLand Florida en juin-septembre 2019.ARTISTE : Richard James Frank, Signé RJ Frank b.1947-2014LIEU D'ORIGINE : USADATE DE FABRICATION : c. 1980PÉRIODE : 1980-1989MATÉRIAUX ET TECHNIQUES : Toile, peinture à l'huile, boisÉTAT : Bon état général, quelques légères fissures et patines.UTILISATION : L'usure doit correspondre à l'âge et à l'utilisation. Il y a un peu de peinture à l'eau brune.DIMENSIONS :Hauteur : 124cm 48.9inLARGEUR : 154cm 60inPROFONDEUR : 2cm 1,2in

Né en 1909, le designer-maître italien Aldo Tura a créé sa maison de production de meubles en 1939. Travaillant entre les idiomes de l'Art Déco et du modernisme, Tura a créé des meubles et des accessoires singuliers et haut de gamme qui se caractérisent par la richesse des matériaux, des formes sculpturales et des techniques artisanales haut de gamme. Les œuvres de Tura sont devenues des objets de collection, en particulier des exemples aux finitions exotiques - comme la coquille d'œuf, la peau de chèvre et le parchemin - dans d'intenses palettes de rouge, de vert et de jaune.Tura était l'un des talents les plus uniques du design italien du milieu du siècle dernier. Dans les années d'après-guerre, alors que de nombreux fabricants de meubles adaptaient leurs méthodes de production à la production de masse, Tura est resté fidèle à un artisanat traditionnel et lent. Il favorisait les formes complexes et les processus à forte intensité de main d'œuvre qui ne pourraient jamais être reproduits dans un système d'usine à grande échelle. En conséquence, le nombre d'œuvres de Tura disponibles sur le marché des objets anciens reste limité.Aujourd'hui, l'entreprise de Tura continue à produire des meubles décoratifs haut de gamme, mais beaucoup d'informations sur Tura lui-même ont été perdues dans l'histoire. Le Brooklyn Museum de New York possède une poignée de créations de Tura qui ont été exposées à l'origine dans le cadre de l'exposition itinérante Italy at Work : Her Renaissance in Design Today (1950-53).Ces tables gigognes en peau de chèvre rouge sont magnifiques sous tous les angles et très bien détaillées.

Superbe commode haute chiffonnier de très belle taille, vintage en bois claircontreplaqué finition placage chêne doré de style minimaliste à cinq tiroirs chanfreinés, produite par BC Furniture MFG&CO des années 60. La pièce est en très bon état general. Il y a quelques légères traces, marques d’usage et d’utilisation sur le plateau (voir photos avec une piece de 1 centimes pour la perspective), la structure, les panneaux latéraux (voir photo) et piètements ainsi qu’une magnifique patine du temps. Quelques anciens sauts de placage a l’extremité gauche et droite du 2 ème et 3 ème tiroir (voir photos). A noter, 2 anciennes reparations aux extremities arriere basse de la piece( voir photos).la pièce a été entièrement nettoyée. Les 5 tiroirs sont très propres et tous fonctionnels. La commode a tous les attributs de la période et style du design du mouvement initié au debut des années 60 aux états unis et dont les pionniers Alvar Aalto, Gerrit Rietveld, Mies van der Rohe ou Marcel Breuer et leur cohorte articulaient leurs designs et buts autours de principes simples que nous retrouvons aujourd’hui tel que cout de fabrication, nettoyage facile, design simple, elegant et pratique, grande portabilité et légèreté de l’espace, sans oublier leurs adage Less is More. Piétements fuseaux dévissables si besoin. Très grande capacité de rangement dans un espace meme restreint. Dimension des tiroirs: L76 X P37 X H 17 . La piece porte la marque du fabricant ( voir photo.) Superbe effet pour une déco vintage dans une entrée, living room, chambre ou salle de bain.

Cette petite cruche thermique a été conçue par Sigvard Bernadotte pour le fabricant suédois Husqvarna Borstfabrik dans les années 1960. Le thermos est fabriqué en plastique blanc. La poignée, le couvercle et le fond sont noirs. L'entrée est conçue de manière à ce que vous puissiez y fixer directement un filtre à café ou à thé.Sigvard Oscar Fredrik, duc Bernadotte, comte de Wisborg est né le 7 juin 1907 et jusqu'en 1934, il était connu sous le nom de duc Sigvard de Suède, duc d'Uppland et était membre de la famille royale suédoise. Lorsqu'il a épousé une femme de statut inégal, il a perdu ses titres princiers. Il était également un designer industriel à succès. Il a tout conçu, des luxueux articles en argent pour Georg Jensen aux articles en plastique de tous les jours. Parmi ses créations emblématiques figurent l'ouvre-bouteille Clara rouge, le couteau pliant EKA Swede 38, le bol Margrethe, le pichet Bernadotte et la machine à écrire Facit Private.Husqvarna Borstfabrik était populairement appelée Borsten. Au départ, l'assortiment ne comprenait que des brosses utilisées dans l'industrie de la fonderie. L'émergence du marché des matières plastiques a incité l'entreprise à élargir sa gamme. Les designers suivants ont été invités à coopérer : Acton Björn et Sigvard Bernadotte, qui ont conçu de nouveaux articles, dontbeaucoup ont acquis un statut culte, notamment la vaisselle de jardin Table et toute la série Signature.Ce thermos est dans un état vintage original. Entièrement fonctionnel, il garde la chaleur pendant de nombreuses heures. Il présente des signes normaux d'utilisation, un petit éclat sur le dessus.

Cette petite cruche thermique a été conçue par Sigvard Bernadotte pour la manufacture suédoise Husqvarna Borstfabrik dans les années 1960. Le thermos est fabriqué en plastique rouge-orange. La poignée, le couvercle et le fond sont noirs. L'entrée est conçue de manière à ce que vous puissiez y fixer directement un filtre à café ou à thé.Sigvard Oscar Fredrik, duc Bernadotte, comte de Wisborg est né le 7 juin 1907 et jusqu'en 1934 il était connu sous le nom de duc Sigvard de Suède, duc d'Uppland et était un membre de la famille royale suédoise. Lorsqu'il a épousé une femme de statut inégal, il a perdu ses titres princiers. Il était également un designer industriel à succès. Il a tout conçu, des luxueux articles en argent pour Georg Jensen aux articles en plastique de tous les jours. Parmi ses créations emblématiques figurent l'ouvre-bouteille Clara rouge, le couteau pliant EKA Swede 38, le bol Margrethe, le pichet Bernadotte et la machine à écrire Facit Private.Husqvarna Borstfabrik était populairement appelée Borsten. Au départ, l'assortiment ne comprenait que des brosses utilisées dans l'industrie de la fonderie. L'émergence du marché des matières plastiques a incité l'entreprise à élargir sa gamme. Les designers suivants ont été invités à coopérer : Acton Björn et Sigvard Bernadotte, quiont conçu de nouveaux articles, dont beaucoup ont acquis un statut culte, notamment la vaisselle de jardin Table et toute la série Signature.Ce thermos est dans un état vintage original. Entièrement fonctionnel, il garde la chaleur pendant de nombreuses heures. Il présente des signes normaux d'utilisation.

Lustre de l'époque Art déco néerlandais, école d'Amsterdam, années 1920. Pièce expressionniste avec des détails exubérants comme le verre multicolore en plomb, les franges en soie, le bois de fruit sculpté, et les détails ébonisés et sculptés. Le lustre a également la forme d'un œil en amande. L'école d'Amsterdam (en néerlandais : Amsterdamse School) est un style d'architecture qui a vu le jour de 1910 à 1930 environ aux Pays-Bas. Le mouvement de l'école d'Amsterdam fait partie de l'architecture expressionniste internationale, parfois liée à l'expressionnisme allemand de la brique. Les bâtiments de l'école d'Amsterdam sont caractérisés par une construction en brique avec une maçonnerie complexe d'aspect arrondi ou organique, une volumétrie relativement traditionnelle et l'intégration d'un schéma élaboré d'éléments de construction à l'intérieur et à l'extérieur : maçonnerie décorative, verre artistique, ferronnerie d'art, flèches ou fenêtres en échelle (avec des barres horizontales) et sculpture architecturale intégrée. L'objectif était de créer une expérience architecturale totale, à l'intérieur comme à l'extérieur. Imprégné des idéaux socialistes, le style de l'école d'Amsterdam a souvent été appliqué aux lotissements ouvriers, aux institutions locales et aux écoles. Pour de nombreuses villes néerlandaises, Hendrik Berlage a conçu les nouveaux plans urbains, tandis que les architectes de l'École d'Amsterdam étaient responsables des bâtiments. En ce qui concerne le style architectural, Michel De Klerk avait une vision différente de celle de Berlage. Dans le magazine Bouwkundig Weekblad 451916, Michel De Klerk a critiqué les bâtiments récents de Berlage dans le style du traditionalisme néerlandais. Dans ce contexte, la Bourse de Berlage de 1905 peut être considérée comme le point de départ de l'architecture traditionaliste. De 1920 à 1930, différents mouvements parallèles se sont développés aux Pays-Bas.L 90 cm, P 55 cm, H 125 cm

Magnifique voilier en laiton signé Big en parfait état par Curtis Jeré, fabriqué en Californie en 1976. Cette beauté peut être accrochée au mur ou être exposée debout. Mesures : H 104 x L 120 x L 20 cm. Le bateau sera expédié assuré à l'étranger dans une caisse en bois fabriquée sur mesure. Le coût du transport vers la caisse américaine inclus est de 450 euros. Bien que le nom de Curtis Jeré soit connu de beaucoup comme le créateur du design moderne exubérant et excentrique des années 1960 et 1970, relativement peu de gens savent qu'il s'agit d'un pseudonyme pour l'équipe de design de Curtis Freiler et Jerry Fels. Ensemble, ils ont créé certains des meubles et des objets décoratifs les plus frappants et les plus vivants de leur époque, des sculptures aux miroirs à encadrement dynamique, en passant par les luminaires et les décorations murales. Les New-Yorkais Freiler et Fels avaient collaboré pendant deux décennies sur des lignes de petits bijoux avant de lancer une société de design appelée Artisan House en 1964. Ils ont combiné des variantes de leurs noms pour créer un personnage artistique - parfois raccourci en C. Jeré ; le nom de famille est prononcé avec une inflexion montante : jhayr-EH - qui se tenait derrière des pièces métalliques décoratives de grande envergure, marquées par des formes de pétales semi-abstraites aux bords brûlés et brasés. Fels était responsable du design et Freiler, connu pour son travail manuel, était le chef de production. Depuis lors, le travail éclectique des deux hommes a captivé les collectionneurs d'art décoratif et les décorateurs d'intérieur. Le travail de Curtis Jeré fait preuve d'un sens du jeu et de la curiosité, tout en s'inspirant de thèmes tels que les fleurs, les disques, les formes géométriques et les figures animales. Freiler et Fels avaient une capacité de travail magistrale.

Cette cruche à vide a été conçue par Erik Magnussen pour la manufacture danoise Stelton en 1976. Elle est cataloguée sous le nom de EM77. Il est une icône du design primé depuis 1977 et est constamment l'un des best-sellers de Stelton. C'est l'une des conceptions les plus vendues de l'histoire de la société. L'EM77 a une forme cylindrique brevetée avec un couvercle à charnière qui permet de verser d'une seule main. En plus du bouchon à bascule, il possède un bouchon à bascule unique. Le pichet Kelton s'ouvre automatiquement lorsqu'il est incliné et le couvercle se referme après avoir été rangé. La cruche est dans la couleur rare du café au lait.Erik Magnussen est né en 1940 à Copenhague. Il est diplômé de l'école des arts appliqués et du design où il a obtenu un diplôme avec une médaille d'argent. Il a travaillé pendant de nombreuses années pour Bing & Grøndahl, et son travail récent comprend des projets pour des marques telles que Fritz Hansen, Franz Schneider Brakel, Royal Selangor, Licht & Form et Paustian. Les créations d'Erik Magnussen sont exposées dans des musées du monde entier. Il a reçu le prix Lunning en 1967, et dix ans plus tard le 1er prix du mobilier. En 1983, il a été nommé designer de l'année par le Conseil danois du design, et ses produits ont reçu à plusieurs reprises le prix ID de la Société danoise de design industriel. Erik Magnussen a reçu la médaille Bindesbøll en 1996 et a reçu des bourses du Fonds Ole Haslund, du Fonds anniversaire du Jueweller royal A. Michelsen et du Fonds commémoratif Knud V. Engelhardt. En 1997, Erik Magnussen a reçu le prix Red Dot lors du concours Design Innovations 1997 organisé par le Design Zentrum Nordrhein-Westfalen et a remporté le Good Design Gold Prize décerné par l'Organisation japonaise de promotion du design industriel.La cruche est dans un état vintage original. Entièrement fonctionnelle, elle garde la chaleur pendant de nombreuses heures. Elle présente des signes normaux d'utilisation. La capacité est de 1 litre.

Ce bol Corona en cristal a été conçu par Lars Hellsten pour la verrerie suédoise Orrefors dans les années 1970. Réalisé en cristal artistique de haute qualité, il a la forme d'une couronne hexagonale placée sur une base ronde.Lars Hellsten a étudié la sculpture et la céramique au College of Arts, Crafts and Design de Stockholm et a rejoint Orrefors en 1972. À une époque où l'industrie suédoise du verre était liée sur le plan structurel, technologique et artistique. Jouant un rôle essentiel dans cette période de changement créatif, Lars a apporté de nouvelles idées de design et de nouvelles techniques à la fabrication du verre, tout en revitalisant les anciens procédés. La vision artistique et les innovations techniques de Lars Hellsten ont fait de lui l'un des maîtres modernes de la conception du verre. Ses œuvres sont représentées dans les collections permanentes et les expositions des musées du monde entier. Le verre de Lars Hellsten est typiquement massif et solide, et nombre de ses créations des années 1970 et 1980 sont toujours des best-sellers. Comme pour la plupart des artistes scandinaves, la nature est sa principale source d'inspiration, tout comme ses voyages, les cultures exotiques, les mythes et les histoires, et l'imagination pure. Il est également le créateur de collections telles que CORONA et ODYSSEY ainsi que AMOUR et MY HEART.La verrerie suédoise Orrefors tire son nom du village forestier de Småland où elle a été fondée. Au XXe siècle, le nom d'Orrefors est devenu synonyme de verre suédois parfait. La réputation d'Orrefors s'est répandue dans le monde entier au milieu des années 20, d'abord grâce à la présentation d'Orrefors à l'exposition de Göteborg en 1923, puis grâce à la participation à l'exposition révolutionnaire de l'Exposition internationale des arts décoratifs à Paris en 1925, où Orrefors et les artistes eux-mêmes ont reçu le Grand Prix. L'entreprise s'est développée et a élargi ses lignes de produits. Actuellement, l'entreprise opère sous le nom d'Orrefors Kosta Boda AB et constitue le plus grand groupe de verreries de Scandinavie.Ce bol est dans un état vintage original.

Ce thermos TV-Kanna Signatur a été conçu en 1962 par Carl-Arne Breger pour le fabricant suédois Husqvarna Borstfabrik. Le thermos est fabriqué en plastique rouge-orange avec un fond noir. La poignée et le couvercle sont en teck massif. L'entrée est conçue de manière à ce qu'un filtre à café ou à thé puisse être fixé directement.Carl-Arne Breger est né le 29 août 1923 à Trelleborg. Il est décédé le 15 janvier 2009 à Malmö. Il était un designer industriel suédois qui est devenu célèbre pour avoir principalement conçu des articles en plastique. Il a fait ses études à Konstfack à Stockholm de 1943 à 1948. En 1953, il a été embauché comme designer pour Stig Lindberg à l'usine de porcelaine de Gustavsberg. Il a conçu, entre autres, l'évier Gustavsberge modèle 525, le plus vendu, et de nombreux articles en plastique de tous les jours, comme un seau carré duquel il était facile de verser de l'eau. En 1960, il a remporté le prix du meilleur produit en plastique des années 1950, et Breger lui-même a reçu l'épithète de M. Plastique. En 1959, il a ouvert sa propre entreprise, Breger Design, à Malmö. Il y conçoit de nombreux objets qui sont aujourd'hui des classiques du design et qui existaient et existent encore dans de nombreux foyers suédois. Son produit en plastique le plus célèbre est un pichet à eau en styrène sculpté, qui est aujourd'hui une pièce de collection recherchée. Le duo Juice Press, conçu pour Gustavsberg en 1967, est un autre classique de Breger acheté par le Musée d'art moderne. Breger se qualifiait de maître de la polyvalence et créait des objets fonctionnels. Il était très satisfait du téléphone Diavox pour LM Ericsson en 1975. Il est devenu le premier téléphone standard à boutons-poussoirs de Televerket et a été exporté dans de nombreux pays. Au fil des ans, près de 3 000 produits ont quitté les planches à dessin de Breger Design.Ce thermos est dans un état vintage original. Entièrement fonctionnel, il garde la chaleur pendant de nombreuses heures. Il présente des signes normaux d'utilisation.

Lampe de table RAAK, grande taille en aluminium, acier et verre, 1972, néerlandais. Il s’agit très probablement d’un design par Nanny Still McKinney, l’un des designers les plus célèbres à RAAK Amsterdam. Cette lampe de table a été nettoyée en douceur tout en respectant la patine vintage. Nouvellement rebranché - terre, entièrement de travail et PAT testé par un électricien. Il dispose d’un nouveau porte-lampe en métal nickel E 27, d’un interrupteur noir, d’un câble de soie grise et d’une nouvelle prise noire. Ampoule incluse. Il est possible d’utiliser cette lumière dans d’autres pays, bien qu’il puisse être nécessaire d’acheter différentes ampoules adaptées à l’électricitélocale. Il peut être utilisé avec un gradateur. Cette grande lampe de table vintage combine des influences modernistes et brutalistes dans le design. Complété par l’ajout de panneaux de verre colorés faits à la main qui adoucissent le look et ajoutent du glamour. Il fait littéralement une «énorme» déclaration décorative et conviendrait à une gamme d’intérieurs tels que Mid-Century Modern, Art Déco, Hollywood Regency, Brutalist, 70's Glamour, Post Modern, Industriel ou Contemporain. La lampe se compose de 3 parties : une hotte en acier inoxydable, une colonne centrale avec une combinaison de disques d’aluminium , de verre coloré, et une base en aluminium. La base ronde est en aluminium brossé et pondérée sur le dessous, ce qui rend cette lampe très stable. De la base s’élève la colonne centrale d’aluminium tubulaire. Ceci est décoré d’une série de 5 anneaux en aluminium. Le haut et le bas sont des cadres circulaires vides. Les 3 anneaux au milieu tiennent à la main des panneaux de verre colorés. Chacun de ces 5 anneaux tourne à 360 degrés et peut être placé dans des positions différentes, ainsi que se déplacer de haut en bas de la colonne verticale principale. Chaque section avec verre est composée de 2 panneaux de verre ronds de même couleur, montés de chaque côté du cadre rond en aluminium. La diversité de la texture, de l’effet et de la couleur est exceptionnelle. En haut de la colonne il ya l’acier inoxydable légèrement conique ombre de tambour avec une texture brossée polie à l’extérieur. À l’intérieur, il est recouvert d’alliage de zinc. Interesti (en)

Lampe de table RAAK, grande taille en aluminium, acier et verre, 1972, néerlandais. Il s’agit très probablement d’un design par Nanny Still McKinney, l’un des designers les plus célèbres à RAAK Amsterdam. Cette lampe de table a été nettoyée en douceur tout en respectant la patine vintage. Nouvellement rebranché - terre, entièrement de travail et PAT testé par un électricien. Il dispose d’un nouveau porte-lampe en métal nickel E 27, d’un interrupteur noir, d’un câble de soie grise et d’une nouvelle prise noire. Ampoule incluse. Il est possible d’utiliser cette lumière dans d’autres pays, bien qu’il puisse être nécessaire d’acheter différentes ampoules adaptées à l’électricité locale. Il peut être utilisé avec un gradateur. Cette grande lampe de table vintage combine des influences modernistes et brutalistes dans le design. Complété par l’ajout de panneaux de verre colorés faits à la main qui adoucissent le look et ajoutent du glamour. Il fait littéralement une «énorme» déclaration décorative et conviendrait à une gamme d’intérieurs tels que Mid-Century Modern, Art Déco, Hollywood Regency, Brutalist, 70's Glamour, Post Modern, Industriel ou Contemporain. La lampe se compose de 3 parties : une hotte en acier inoxydable, une colonne centrale avec une combinaison de disques d’aluminium , de verre coloré, et une base en aluminium. La base ronde est en aluminium brossé et pondérée sur le dessous, ce qui rend cette lampe très stable. De la base s’élève la colonne centrale d’aluminium tubulaire. Ceci est décoré d’une série de 5 anneaux en aluminium. Le haut et le bas sont des cadres circulaires vides. Les 3 anneaux au milieu tiennent à la main des panneaux de verre colorés. Chacun de ces 5 anneaux tourne à 360 degrés et peut être placé dans des positions différentes, ainsi que se déplacer de haut en bas de la colonne verticale principale. Chaque section avec verre est composée de 2 panneaux de verre ronds de même couleur, montés de chaque côté du cadre rond en aluminium. La diversité de la texture, de l’effet et de la couleur est exceptionnelle. En haut de la colonne il ya l’ombre cylindrique en acier inoxydable tambour avec une texture brossée polie à l’extérieur. À l’intérieur, il est recouvert d’alliage de zinc. Intéressant

Chrome & brass floor lamp with halogen uplighter by Deknudt Lighting 1970’s ca, Belgian.This vintagefloor lamp has been gently cleaned while respecting the antique patina. It is rewired, earthed & ready to use. This lamp is compatible with other countries although it may be necessary to purchase a different light bulb suitable to local electricity.This ’Postmodern’ floor lamp has a minimal Neoclassical form, the simplicity emphasising the different shapes. The form is enhanced with the combination of luxury materials: stainless steel with a champagne mirror finish & solid brass detailing. Standing like a skyscraper this lamp is well suited for a range of decors such as Art Deco, 1970’s Glamour, Minimalist, Industrial or Contemporary.The frame has three main components: the base, column & shade.The rectangular plinth base top surface is in stainless steel champagne mirror finish highlighted by solid brass detailing around the 4 edges and at the centre, while the sides are in satin black lacquer. From the centre of the base rises a slender metal column in a champagne mirror finish.The column is of a square section following the materials on the base, finishing at the top with a solid brass sculptural decorative detail that works as a mechanism to move the head at different angles. Inside the column runs the wiring.The rectangular metal shade at the top follows the same design as the plinth base and is in a champagne mirror finish, however the angles are exaggerated with great dramatic effect. This shade tilts 180 degrees forwards & backwards. The mechanism for tilting is of solid brass, functions smoothly and is very decorative. On the upper side there is a reflective metal surface and the light bulb is protected by a removable glass cover.This lamp takes a standard tubular Halogen light bulb up to 500 Watts. At present fitted & photographed with a new Linear Energy Saving Halogen tubular clear of 230 Watts by Crompton Lamps. This type of bulb is easily available in most electrical shops & over the internet.There is a working dimmer switch on the cord. .This floor lamp is sound and in verygood condition. The surfaces have some patina, such as minor tiny marks & rubbing to the finish in line with age & wear. There is the original maker’s label underneath the base.Additional dimensions -The plinth base alone has the following dimensions: Height: 4.5 cm, Width: 25.5 cm, Depth: 17.5 cmThe head containing the lamp has the following dimensions: Height: 8 cm, Width: 30 cm, Depth: 20 cm.

Cet ensemble impressionnant de canapé et de deux fauteuils a été conçu et produit par la société australienne Parker Furniture en 1956. Parker a un héritage de création de certains des meilleurs meubles du milieu du siècle. Ces sièges écologiques ne font pas exception. Dans un design élégant et profond aux proportions parfaites, on trouve des coussins simples recouverts d'un matériau design caractéristique de couleur bleu royal, qui complète la structure sculptée du cadre. Les coussins peuvent être relevés et les pièces ont une structure à ressorts. Des arcs élégants et aérodynamiques sont intégrés dans un cadre bas en teck massif qui crée un classique du 20e siècle ultra-streamline. Parker reflète la légèreté de la forme présente dans le meilleur design du milieu du siècle dernier et cet ensemble de salon très organique de Parker est un excellent exemple d'un style moderniste très convoité. Des lignes épurées et un profil décontracté s'associent pour créer un ensemble confortable et élégant à l'aspect intemporel. La beauté de ces éléments se retrouve dans des détails bien pensés. Les angles aigus visibles dans les accoudoirs et les lattes arrière ajoutent de la sophistication à ce design avant-gardiste. L'ensemble est signé d'une étiquette sur le cadre en bois et d'un insert sur les coussins. Le style élégant à dossier bas et le design sophistiqué sont des exemples de la forme de Parker des années 1950. Le fauteuil a 75x69x73cm. La hauteur du siège est de 42 cm Parker Furniture a débuté sous le nom de Dagger and Parker, un partenariat formé par l'artisan Alf Dagger et le vendeur Jack Parker, après la période de la dépression. Après des débuts modestes, l'entreprise s'est rapidement développée en fabriquant des meubles destinés au gouvernement. À l'origine, l'entreprise fabriquait principalement des meubles de style traditionnel - des reproductions de styles anciens ou art déco. Au milieu des années 1940, Tony Parker a été retiré de l'école par son père et, après avoir étudié le design industriel et perfectionné ses compétences en travaillant dans le grand magasin John Lewis à Londres, Tony a été mis au travail dans l'entreprise familiale, où il était destiné à bouleverser les choses. JW Parker, plus tard connu sous le nom de Parker Furniture, est une marque de meubles australienne très célèbre, fondée en 1935 par Jack Parker. Ce magnifique ensemble est dans un état original, digne d'un musée. Il peut présenter des traces minimes d'âge et comporte de légères réparations, une entaille mineure à l'arrière.

Edouard Schenck lamp (attributed) hand forged iron frame with dragons, 1930’s ca, French.The iron frame on this antique lamp has been gently cleaned & rubbed with a protector. It has been newly rewired and PAT tested by an electrician. It has a new chrome lamp holder, new black silk cable and new black plug. To maintain the antique look it has a vintage lamp holder cover and vintage pedal switch, both of which are chrome. This lamp can work in other countries with a light bulb suitable to local electricity. It is also possible to use this lamp with a dimmer.This floor lamp has many features of early 20th Century French designer Edouard Schenck (1874-1959). For example the quality twisted & curled iron work finished with dragon heads are similar to signed Schenck pieces. This lamp is not signed however.At nearly 2 meters tall this lamp would make an impressive illumination for a large room. It would suite a range of interiors such as Aesthetic Movement, Art Deco, Mid-Century Modern, Country, Industrial, Hollywood Regency or Contemporary.Structurally this lamp has a hand forged iron frame with tripod base and good weight. The tripod with scrolling decorative work leads to the column. Initially the column is intertwined iron rods and then graduates down to a single rod. This junction is marked with an iron octagon which also holds the electrical cable. As the rod rises it is decorated with a trio of dragon heads. These have twisted necks and are grouped together with an iron band. The dragons support a decorative iron plate with scalloped edges. Beyond this the iron column continues to the lamp holder.Takes one standard small screw light bulb (E14) up to 100 Watts. Presently fitted and photographed with a standard Candle clear light bulb of 40 Watts, which is included in the price. Alternatively it is possible to use any other E14 light bulb shapes.Fitted with a vintage lampshade (probably from the 1980’s ca) which has lilac silk fabric on the outside and is lined with silver metallic paper.This antique lamp is in very good condition. The frame is sound with no damages. The shade is in good condition with minor superficial marks, mostly on the inside, in line with age & wear.Packing is offered free of charge. We take special professional care while packing. For safe transport the lampshade would be removed and packed separately with bubble wrap and an outer layer of card. The base would be packed similarly. Both parts could be boxed, ideal for shipping.Additional dimensions:The total Height with the shade is 187 cmThe base alone (without the lampshade) has the following dimensions: Height: 163 cm, Width: 44 cm, Depth: 44 cm.The lampshade alone is: Height: 32.5 cm, top Diameter: 46 cm,bottom Diameter: 50 cm.EDOUARD SCHENCK (1874-1959) - Edouard Schenck grew up around his father’s jewelry store. After the first world war, he studied iron work eventually working with glassmaker Jacques Gruber to produce the dome of Galeries Lafayette.

Table expressive en chêne dans le style de Kramer et Hildo Krop, Pays-Bas, années 1930. Table d'école d'Amsterdam, exubérante et sculpturale. L'école d'Amsterdam (en néerlandais : Amsterdamse School) est un style d'architecture qui a vu le jour de 1910 à environ 1930 aux Pays-Bas. Le mouvement de l'école d'Amsterdam fait partie de l'architecture expressionniste internationale, parfois liée à l'expressionnisme allemand de la brique. Les bâtiments de l'école d'Amsterdam sont caractérisés par une construction en brique avec une maçonnerie compliquée d'aspect arrondi ou organique, une volumétrie relativement traditionnelle et l'intégration d'un schéma élaboré d'éléments de construction à l'intérieur et à l'extérieur : maçonnerie décorative, verre artistique, ferronnerie d'art, flèches ou fenêtres en échelle (avec des barres horizontales) et sculpture architecturale intégrée. L'objectif était de créer une expérience architecturaletotale, à l'intérieur comme à l'extérieur.Imprégné des idéaux socialistes, le style de l'école d'Amsterdam a souvent été appliqué aux lotissements ouvriers, aux institutions locales et aux écoles. Pour de nombreuses villes néerlandaises, Hendrik Berlage a conçu les nouveaux plans d'urbanisme, tandis que les architectes de l'École d'Amsterdam étaient responsables des bâtiments. En ce qui concerne le style architectural, Michel de Klerk avait une vision différente de celle de Berlage. Dans le magazine Bouwkundig Weekblad 451916, Michel de Klerk a critiqué les bâtiments récents de Berlage dans le style du traditionalisme néerlandais. Dans ce contexte, la Bourse de Berlage de 1905 peut être considérée comme le point de départ de l'architecture traditionaliste. De 1920 à 1930, différents mouvements parallèles se sont développés aux Pays-Bas :Traditionalisme (Kropholler, en partie Berlage), expressionnisme (de Klerk, Kramer), De Stijl (Rietveld, Oud, van Doesburg avec le manifeste De Stijl1917 contre le baroque moderne de l'école d'Amsterdam), rationalisme (van Eesteren, van Tijen, Merkelbach avec le manifeste De-81927 contre l'école d'Amsterdam), constructivisme (Duiker, van der Vlugt), le cubisme spécifique de Dudok et Berlage. L'architecture expressionniste de l'école d'Amsterdam est le style le plus réussi des années 1920. Pour de nombreux architectes étrangers, Amsterdam était la Mecque des nouvelles extensions de ville. Mais le mouvement traditionaliste a duré plus longtemps, jusque dans les années 1950, grâce à l'école dite de Delft, représentée par Martinus Granpré Molière à l'université de technologie de Delft. Dans les années 1960, le mouvement rationaliste était dominant. Dans un discours bien connu, le rationaliste néerlandais Willem van Tijen a déclaré que l'école d'Amsterdam était un exemple d'avertissement pour les architectes (publié dans le Forum 91960-61). Après la mort de Piet Kramer en 1961, aucune institution architecturale ni aucun musée ne s'est intéressé à son œuvre expressionniste. C'est pourquoi tous ses dessins, plans et modèles ont été brûlés.L 184 cm, P 90 cm, H 75 cm

Salle à manger néerlandaise de l'époque Art déco dans le style de Kramer et Hildo Krop, Pays-Bas, années 1930. Table et chaises de l'école d'Amsterdam en chêne massif, exubérante et sculpturale. L'école d'Amsterdam (en néerlandais : Amsterdamse School) est un style d'architecture qui a vu le jour de 1910 à 1930 environ aux Pays-Bas. Le mouvement de l'école d'Amsterdam fait partie de l'architecture expressionniste internationale, parfois liée à l'expressionnisme allemand de la brique. Les bâtiments de l'école d'Amsterdam sont caractérisés par une construction en brique avec une maçonnerie compliquée d'aspect arrondi ou organique, une volumétrie relativement traditionnelle et l'intégration d'un schéma élaboré d'éléments de construction à l'intérieur et à l'extérieur : maçonnerie décorative, verre artistique, ferronnerie d'art, flèches ou fenêtres en échelle (avec des barres horizontales) et sculpture architecturale intégrée. L'objectif était de créer une expérience architecturale totale, à l'intérieur comme à l'extérieur.Imprégné des idéaux socialistes, le style de l'école d'Amsterdam a souvent été appliqué aux lotissements ouvriers, aux institutions locales et aux écoles. Pour de nombreuses villes néerlandaises, Hendrik Berlage a conçu les nouveaux plans d'urbanisme, tandis que les architectes de l'École d'Amsterdam étaient responsables des bâtiments. En ce qui concerne le style architectural, Michel De Klerk avait une vision différente de celle de Berlage. Dans le magazine Bouwkundig Weekblad 451916, Michel De Klerk a critiqué les bâtiments récents de Berlage dans le style du traditionalisme néerlandais. Dans ce contexte, la Bourse de Berlage de 1905 peut être considérée comme le point de départ de l'architecture traditionaliste. De 1920 à 1930, différents mouvements parallèles se sont développés aux Pays-Bas : Traditionnalisme (Kropholler, en partie Berlage), Expressionnisme (de Klerk, Kramer), De Stijl (Rietveld, Oud, van Doesburg avec le manifeste De Stijl1917 contre le Baroque moderne de l'école d'Amsterdam), Rationalisme (van Eesteren, van Tijen, Merkelbach avec le manifeste De-81927 contre l'école d'Amsterdam), Constructivisme (Duiker, van der Vlugt), Le cubisme spécifique en brique de Dudok et Berlage.L'architecture expressionniste de l'école d'Amsterdam est le style le plus réussi des années 1920. Pour de nombreux architectes étrangers, Amsterdam était la Mecque des nouvelles extensions de ville. Mais le mouvement traditionaliste a duré plus longtemps, jusque dans les années 1950, grâce à l'école dite de Delft, représentée par Martinus Granpré Molière à l'université de technologie de Delft. Dans les années 1960, le mouvement rationaliste était dominant. Dans un discours bien connu, le rationaliste néerlandais Willem van Tijen a déclaré que l'école d'Amsterdam était un exemple d'avertissement pour les architectes (publié dans le Forum 91960-61). Après la mort de Piet Kramer en 1961, aucune institution architecturale ni aucun musée ne s'est intéressé à son œuvre expressionniste. C'est pourquoi tous ses dessins, plans et modèles ont été brûlés.L 56 cm, P 56 cm, H 101 cm, SH 46 cm

Lampe de table en laiton, sculpture d'une biche et d'un cerf par Regina, 1970's ca, italien.Cette lampe de table a été nettoyée avec précaution tout en respectant la patine d'époque. Elle a été rebranchée et mise à la terre avec un câble de soie doré, un nouvel interrupteur à cordon noir, une nouvelle fiche noire et un nouveau support de lampe en laiton. Elle fonctionne parfaitement, a été testée par un électricien et est prête à l'emploi. Ampoule incluse. Elle peut être utilisée avec un variateur d'intensité. Il est possible d'utiliser cette lampe dans d'autres pays, mais il peut être nécessaire d'acheter des ampoules différentes adaptées à l'électricité locale.La forme sculpturale et le moulage de qualité naturaliste en font une lampe de table élégante et très décorative. Elle conviendrait à toute une gamme d'intérieurs tels que l'Art Déco, le Hollywood Regency, le Glamour des années 70, le Traditionnel, le Country et le Contemporain.La base consiste en une sculpture en laiton massif poli représentant une biche et un cerf en mouvement au sommet d'une montagne. Cette sculpture est posée sur une base en bois brun poli.Entre le cerf et la biche s'élève une colonne en laiton massif poli, légèrement inclinée par rapport au sommet. Elle estterminée au sommet par un porte-lampe en laiton et un couvercle de porte-lampe en laiton. Ce dernier est muni d'un anneau de laiton amovible pour fixer l'abat-jour.Cette lampe prend une petite ampoule à vis standard (E14) jusqu'à 40 watts. Elle est actuellement équipée et photographiée avec une ampoule Candle Clear de 25 watts. Ceci est inclus dans le prix. Il est également possible d'utiliser toute autre forme d'ampoule E14.Cette lampe de table vintage porte l'abat-jour original de la pagode dans un tissu beige légèrement texturé et doublé d'un tissu ivoire uni. Les bordures supérieure et inférieure sont ornées d'une bordure décorative en tissu gris et beige.La forme de la base en bois poli complète la sculpture, et comporte une moulure décorative Ovolo tout autour. Des bouchons bruns sont placés sous la base pour protéger les meubles situés en dessous.Cette lampe de table vintage est en très bon état. La base sculpturale en laiton et en bois est saine et possède une patine chaude et des marques mineures en rapport avec l'âge qui lui donnent du caractère. L'abat-jour est en bon état, sans coupures ni dommages, et ne présente que des traces mineures d'usure correspondant à l'âge.L'emballage est offert gratuitement. Nous apportons un soin professionnel particulier à l'emballage. Pour un transport en toute sécurité, l'abat-jour sera retiré et emballé séparément avec du papier bulle et une couche extérieure de carton. Le socle sera emballé de la même manière. Les deux parties s'emboîtent facilement dans une boîte idéale pour l'envoi.Dimensions supplémentaires :La base seule l'est : Hauteur : 44,5 cm, Largeur : 17 cm, Profondeur : 14 cm.Seul l'abat-jour l'est : Hauteur : 30 cm, Largeur : 35 cm, Profondeur : 26 cm.

Lustre « Cubico » par G. Sciolari, vers 1970 Gaetano SCIOLARI pour SCIOLARI Lustre en acier brossé modèle « Cubico » à 5 lumières, réparties dans 5 tubes de section carrée de hauteurs différentes, cerclés d’un bandeau chromé, finissant par un cube en verre de Murano légèrement bleuté à filet de lattimo. Vers 1970. Haut : 50 cm- Larg. : 23 cm- Prof. : 23 cm Tige réanodisée: 44 cm 7,5 kg. Trois petites égrenures aux angles des cubes de verre. Le designer de luminaire et entrepreneur italien Gaetano Sciolari apparaît sous le feu des projecteurs grâce à ses pièces 1970 et glamour qui attirent une nouvelle génération d’amateurs. Gaetano Sciolari est né en 1927. Après son diplôme en architecture, il fait des études de réalisation cinématographique. Son père décède de manière inattendue en 1949 et il rentre chez lui pour prendre les rênes de l’entreprise familiale, Sciolari Lighting, fondée en 1892. Au cours des années 1950, Gaetano Sciolario devient le designer principal de l’entreprise légendaire de luminaire Stilnovo, fondée par Bruno Gatti à Milan en 1946. A l’époque d’après-guerre, de nombreuses entreprises italiennes dont Stilnovo en particulier, sont acclamées internationalement pour leurs expérimentations avec de nouveaux matériaux et des silhouettes aérodynamiques. Toutefois, Gaetano Sciolari s’attache à des designs plus traditionnels et utilise souvent du verre opalin, du plexiglas et du laiton. Produit par Stilnovo, son Molecular Chandelier (1955) incarne son penchant pour la géométrie moderniste avec des matériaux décoratifs. Du milieu à la fin des années 1960, les designs de Sciolari pour sa propre entreprise rencontrent le succès aux Etats-unis et en Europe. Ses travaux sont influencés aussi bien par le cubisme que le constructivisme et le minimalisme. Mais ils sont caractérisés par leur sophistication, leur aspect sculptural et futuriste. Il utilise le cristal et le verre glacé en juxtaposition avec du métal poli, dont notamment une combinaison originale de laiton et de chrome. Au cours des années 1970, Sciolari Lighting importe des lampes aux États-Unis via Lightolier & Progress Lighting, qui présentent de nombreuses collections dans des catalogues annuels incluant Geometric Series, Habitat Series, Scultura Series, et Futura Series. Le succès est au rendez-vous et les ventes nombreuses. Le business familial en est renforcé. Beaucoup affirment que Sciolari a produit son meilleur travail dans les années 1970, lorsque ses goûts se sont éloignés du strict modernisme en faveur d’une esthétique plus artisanale et décorative aux côtés de l’art déco et du style Space Age. On peut observer le même schéma dans les créations de Paul Evans, François Monnet et Verner Panton. La Cubic Series, qui a été réalisé dans une variété de tailles, de configurations et de finitions, est le design le plus célèbre de Sciolari. Il est apparu dans de nombreuses émissions de télévision dans les années 1970 et 80. Sciolari a notamment été le fondateur et premier président de l’association professionnelle des fabricants italiens d’appareils d’éclairage. Sciolari est décédé en 1994. Aujourd’hui, ses lampes sont très recherchés par les collectionneurs.