La saga WE LOVE DISNEY continue ! Après le succès des deux 1ers volumes, voici le troisième volume. WE LOVE DISNEY, ce sont les plus grands classiques Disney revisités par des artistes de la scène française contemporaine. Chaque artiste interprète ces chansons éternelles en leur insufflant sa touche personnelle qui fait toute l’originalité de l’album. Inspirés par l’univers Disney, tous ces artistes français font revivre plus de 75 ans d’histoire musicale. Une fin d'année très Disney marquée par la sortie du nouveau long métrage de Noël (Vaiana, la légende du bout du monde), les 50 ans de la mort de Walt Disney (rétrospectives sous la forme d'un documentaire inédit sur l'univers Disney et la musique, d'une couverture presse conséquente...), mais aussi la sortie d'une volume Jazz, soit autant d'occasions pour les petits et les grands de (re)découvrir un univers mythique et féérique.

Fort de ses nombreuses collaborations sur la scène française et européenne (Erik Truffaz, Andy Sheppard), Michel Benita fait son entrée sur le fameux label ECM et signe un magnifique album « River Silver ». Le groupe Ethics est né il y a cinq ans du désir de Michel Benita d’associer le son du koto japonais à son univers musical. Il a trouvé en Mieko Miyazaki une partenaire d’un grand charisme. Matthieu Michel est incontestablement l’un des meilleurs trompettistes européens, souvent comparé à Paolo Fresu. Artiste complet, Philippe Garcia apporte sa touche électronique à l’univers de Benita depuis leur collaboration dans le groupe d’Erik Truffaz. Quant à Evind Aarset, il est devenu l’une des influences majeures depuis sa collaboration avec Nils Petter Molvr sur les albums Khmer et Solid Ether.

En 1988, au lendemain de la mort par overdose du guitariste Hillel Slovak, les Red Hot Chili Peppers sortent ce EP cinq titres. Un simple coup d'oeil sur la pochette permet de comprendre pourquoi ce mini-album s'intitule The Abbey Road EP. Les choses sérieuses, en réalité, commencent à l'intérieur. Quatre titres sont extraits des premiers albums, Red Hot Chili Peppers, Freaky Styley et Uplift Mofo Party Plan, auxquels il faut ajouter une version apocalyptique de Fire de Jimi Hendrix. Ce n'est donc pas vraiment un disque pour fans, mais plutôt pour ceux qui veulent se familiariser avec l'univers musical du gang californien. Entre heavy metal et funk, entre néo-punk et rap, cet univers est tout sauf insipide et témoigne de la part de ces extravagants musiciens d'un éclectisme qui n'a d'égal que leur nihilisme.

 MIKA montre une nouvelle facette de son talent, en nous faisant voyager dans son univers ne laissant personne indifférent. Son concert ne ressemble à aucunautre, c'est un mélange savoureux de couleurs, de talents, et d'émotions

Solune : le nouvel album de Slimane. Solune, ce n'est pas seulement le soleil qui a rendez-vous avec la lune, c'est aussi la lumière en Slimane. Le trajet entre ces deux astres parcourt son univers, son goût pour les sons purs, pour les mots évidents qu'on ne poserait pas ailleurs. Lorsqu'ils se rencontrent, le nouvel album de Slimane naît. Slimane continue de surprendre : En janvier 2018, il deviendra le premier talent The Voice à obtenir un siège rouge puisque qu'il sera coach pour The Voice Belgique ! L'année prochaine sera également l'année du cinéma pour Slimane qui sera à l'affiche du premier long métrage de Marc Fouchard au printemps. Certifié Double Disque de Platine avec plus de 200 000 exemplaires vendus, l'univers d' A bout de rêves, le premier album de Slimane, ira même jusqu' à séduire d'autres artistes à la recherche de chansons. Il écrit et compose ainsi pour Patrick Fiori, Amaury Vassili, Lissandro... mais également pour son ancien coach et désormais ami Florent Pagny.

1 - C'est merveilleux d'etre un tigre2 - Quelqu'un comme moi3 - C'esttigrementbon4 - Dors douce abeille5 - Une sacrée famille6 - Comment etre untigre7 - Hiphip pooh ray8 - Les ephélants et les nouifs9 - Mes lumièresd'espoir10 - La pluie, pluie, pluie, tombe, tombe, tombe11 - L'univers dejean-christophe12 - Lorsque tout va bien13 - A jamais pour toujours14 - Monami winnie  

Tous les plus grands succès de la star des années 50 Fine moustache, silhouette de gourmet, chemisette exotique, costumes de lumières, extravagant, excentrique, danseur endiablé, voix d'ange souriant, Dario Moreno a enchanté un public conquis par son charme exubérant et sa sensualité sud-américaine. Aussi à l'aise dans le répertoire de l'opérette que dans celui du mambo, de la samba ou du cha cha cha, il occupe une place originale et intemporelle dans l'univers musical du XXe siècle.

Fort des deux premiers albums disque de platine avec Tree of Life & Cardioïd. Victoire de la musique en 2010 de Révélation de l'album de l'année, des tournées et festivals à travers la France et l'Europe avec plus de 250 dates, ainsi que de nombreuses collaboration dans l'univers du cinéma et de la mode (Les petits mouchoirs de Guillaume Canet, Dior.) Après 3 ans d'absence Yodelice revient avec un nouvel album Square Eyes, résolument plus rock et lumineux. Son premier est extrait Fade Away.

Kendji - Edition Mai 2015. Réédition de l’album avec 5 nouveaux titres dont 2 inédits. Kendji est le grand gagnant de la 3ème saison de «The Voice, la plus belle voix». TRACKLISTING : 1. Color Gitano 2. Andalouse 3. Mon univers 4. Viens chez nous 5. Cool 6. Mi Amor 7. Avec toi 8. Baïla Amigo 9. Je m’abandonne 10. Gentleman 11. Au sommet 12. Elle m'a aimé 13. Bella 14. Conmigo 15. Les richesses du coeur 16. La bohème 17. One Last Time (Attends-Moi) en duo avec Ariana Grande 18. Elle m'a aimé (Radio Edit)

Pierre Boulez fête ses 80 ans en 2005. Il est sans conteste le symbole à lui tout seul de la musique contemporaine. Le Marteau sans Maître est probablement son oeuvre la plus célèbre. Ecrite en 1955, elles est inspirée d'un poème surréaliste de René Char et est très influencée musicalement par le Pierrot Lunaire de Schoenberg. En complément de programme Dérive 1 et 2, pièces plus récentes (1980) qui sont très caractéristiques de la recherche esthétique de Boulez. Un excellent CD pour rentrer dans l'univers (difficile il ne faut pas le cacher) du maître.

A l'occasion de la sortie du 2ème volume de We love Disney, le premier volume qui a rencontré un énorme succès sera à nouveau disponible ! We love Disney, ce sont les plus grands classiques Disney revisités par des artistes de la scène française contemporaine ! Chaque artiste interprète ces chansons éternelles en leur insufflant sa touche personnelle qui fait toute l'originalité de l'album. Inspirés par l'univers Disney, tous ces artistes français font revivre plus de 75 ans d'histoire musicale. We love Disney est l'album incontournable de cette fin d'année, idéal pour les petits et les grands !

Après un premier essai avec une autoproduction qui aura convaincu Virgin, c'est avec Welcome To The Cruel World que ce Hobo des temps modernes va lancer sa carrière. Sa Weissenborn sur les genoux et sa voix singulière vont planter le décor et participer à l'identité de cet artiste hors norme. Ces compositions à la croisée d'influences folk comme Dylan ou Sixto Rodriguez se heurtent à un groove faisant de Ben Harper un ovni sur la scène musicale des 90's, plutôt pourvues en groupes Grunge. Retrouvez à l'occasion des 25 ans de la sortie de cet opus, l'univers des débuts de Ben Harper sur cette réédition en double vinyle Gatefold

La nouvelle signature de Phantasy, le label d'Erol Alkan. Ghost Culture, déjà repéré par tous les prescripteurs avec ses maxis underground, sortira le 12 janvier son premier album. Erol Alkan s'est empressé de signer ce jeune homme très doué et dit à son sujet lorsqu'il découvrit ses premiers titres « j'ai pensé aux Strokes qui auraient été produits par Delia Derbyshire ». Entre electro mid tempo remarquablement produite et mélodique et univers indie pop (car Ghost Culture chante aussi, fait rare dans le monde de l'electro ), un premier album à découvrir absolument.

Cet album de Giya Kancheli est totalement différents des ses précédents d'où sa parution sur le label ECM et non sur ECM New Series. En effet, ce programme sous-titré « musique pour la scène et le cinéma » est interprété par un groupe inattendu : le bandonéoniste argentin Dino Saluzzi, le violoniste letton Gidon Kremer et le vibraphoniste ukrainien Andrei Pushkarev. Enregistré entre Oslo et Riga en guise de cadeau surprise pour les 75 ans du compositeur Georgien, il présente des interprétations en duo et en trio de musiques de Kancheli à ses débuts. C'est un voyage dans un univers de courtes mélodies douces qui illustre bien le travail accompli par le compositeur sur des musiques de films et de théâtre.

Lulu Gainsbourg nous offre son premier album personnel en français, où il nous livre ses états d’âme et sa vision de l’amour sur les titres comme 'Premier pas', 'Salade composée' ou encore 'Jeux d’enfants'. Lulu Gainsbourg revient avec son troisième album 'T’es qui là ?'. Pendant deux ans, il a composé et enregistré entre Paris, la Normandie et New York. Il a rencontré sa muse, Lilou, qui a écrit ses textes et l’a emmené vers un univers artistique léger aux sonorités 60’s, 70’s. C’est dans un cadre intime, au 5 bis rue de Verneuil, dans l’appartement parisien de Serge Gainsbourg, que Lulu pose sa voix sur des textes poétiques et emplis d’ironie.

Mika au Parc des Princes (4 juillet 2008) : un spectacle unique déjà culte spécialement conçu pour une seule représentation mondiale. Un show démesuré et grandiose qui mélange les codes du cirque à la pop acidulée de Mika, le plus gros vendeur d'albums en 2007 en France (1.200 000 exemplaires de Life in Cartoon Motion). Virtuose de la pop, vocaliste vertigineux, Mika prouve avec ce live devant 60 000 spectateurs qu'il est aussi une bête de scène, à l'univers visuel singulier, festif et haut en couleurs. En bonus, Grace Kelly en acoustique et en français, un titre inédit Rain, un making of du show, et des prestations Tv rares et inédites en France.

Né au carrefour de l'Andalousie, de la Californie et de Paris, entre les planètes Folk, Rock et Soul, YODELICE est un infatigable voyageur. C'est à Los Angeles que YODELICE enregistre Tree fo Life, son album qui sortira en mars prochain. Intimiste et généreux, cet album est à l'image de cet interprète à la croisée des chemins, baigné d'influences Rock, Folk et Noires Américaines, avec la collaboration d' Abraham Laboriel Jr (batteur de Paul Mc Cartney et Eric Clapton) et les cuivres de Beck. Sur scène l'univers de YODELICE prend vie, la magie opère grâce à une formation atypique, acoustique et électrique où se rencontre la poésie et l'imaginaire. Le clip vidéo «Sunday with a flu» a été réalisé par Guillaume Canet !

A 40 ans, après quatre albums, Zazie change de cap et arrête les exercices de style. Fini les jeux de mots et les combats souvent politiquement corrects, la chanteuse plonge dans un univers textuel plus intime... Composé en collaboration avec Jean-Pierre Pilot (Alain Bashung, Brigitte Fontaine) et Philippe Paradis (Christophe, Daran), Rodéo surfe entre pop et musique électronique. Entre La dolce vita, l'amour passion qui se transforme en tendresse, le titre éponyme qui traite du sujet de la drogue, Lola majeure, magnifique chanson sur sa fille et J'arrive ou les murmures de la mort, Zazie signe sans nul doute son meilleur album à ce jour.

Dans cette collaboration avec Franck Tortiller, Huong Thanh se réapproprie l'univers du jazz. La voici de retour à Saigon, la métropole qui l'a vue naître, revisitant le répertoire d'une époque bouillonnante, où une nouvelle créativité se conjuguait autour du mode occidental. Huong Thanh et Franck Tortiller donnent une dimension inédite et contemporaine à ces chansons d'hier, qui évoquent les paysages moites de L'Amant décrits par Marguerite Duras et les costumes rêvés par Wong Kar-Wai pour In the Mood for Love. Leur vision duale transcende cette atmosphère, gommant la désuète grandiloquence de jadis, pour n'en restituer que l'impérissable poésie au nostalgique vague à l'âme.

'Mon seul but, était de ne pas me répéter, en tant qu'artiste. Je voulais que mon album sonne comme quelque chose de résolument nouveau'. Pari tenu pour PJ Harvey, plus que jamais inclassable, surprenante, envoûtante. Pour son 8ème album (réalisé avec ses compères de toujours, Flood, John Parish, avec la collaboration notamment de Eric Drew Feldman et de Jim White de Dirty Three), PJ Harvey décide de délaisser pour un temps les guitares colériques, pour se tourner vers le piano. Délicatement accompagnée d'une discrète mandoline, d'une batterie anémiée, elle délivre des mélodies caressantes, à la lisière de l'univers de Bjork ou de Kate Bush à ses débuts. Un album indispensable et émouvant.

Rruga (chemin, route ou voyage en albanais) est le titre évocateur du premier album ECM du trio Colin Vallon (pianiste), Patrice Moret (bassiste) et de Samuel Rohrer (batteur ) déjà entendu aux côtés de la chanteuse Susanne Abbuehl. Après diverses expériences musicales partagées sur la scène jazz suisse, ils ont commencé cette aventure en trio il y a maintenant 5 ans pour former l'un des groupes européens les plus prometteurs de la scène jazz, instigateurs d'une musique libre, ouverte et personnelle, inspirée par l'univers du chant, la musique du Caucase et par la tradition jazz. Bousculant les conventions du trio de jazz avec piano, les instrumentalistes sont sur un pied d'égalité, la musique de l'album ayant été composée, arrangée et développée collectivement.

C'est le pari audacieux de Bercy que Mylène Farmer relève une nouvelle fois en 1996. Pour un show remarquablement mis en scène où la chanteuse revisite à plaisir, de sa voix gracile, son répertoire tout au long de vingt titres. Dont certains de ses nombreux tubes, de Sans contrefaçon à XXL, en passant par Libertine, Ainsi soit je ou encore Désenchantée. Et c'est comme une synthèse de son univers, où se déclinent à volonté son romantisme teinté de désespoir et son goût de la provocation et de l'ambiguïté, que nous offre à loisir ce double CD. Après sa collaboration avec Jean- Louis Murat, Mylène Farmer s'essaie à nouveau à l'exercice du duo, de façon inattendue, avec Khaled, pour une reprise de La Poupée qui fait non écrite par Michel Polnareff.

C'est le pari audacieux de Bercy que Mylène Farmer relève une nouvelle fois en 1996. Pour un show remarquablement mis en scène où la chanteuse revisite à plaisir, de sa voix gracile, son répertoire tout au long de vingt titres. Dont certains de ses nombreux tubes, de Sans contrefaçon à XXL, en passant par Libertine, Ainsi soit je ou encore Désenchantée. Et c'est comme une synthèse de son univers, où se déclinent à volonté son romantisme teinté de désespoir et son goût de la provocation et de l'ambiguïté, que nous offre à loisir ce double CD. Après sa collaboration avec Jean- Louis Murat, Mylène Farmer s'essaie à nouveau à l'exercice du duo, de façon inattendue, avec Khaled, pour une reprise de La Poupée qui fait non écrite par Michel Polnareff.

Mickael Miro fait parti de ces chanteurs français qui ne prennent pas les mots à la légère. Tombé d'amour pour les syllabes, mais surtout pour ce qu'elles signifient, il a en effet décidé de construire un univers propre à lui, où textes et musiques se fusionnent et où les uns n'auraient pas de sens sans l'autre. Un monde que Mickael Miro grave pour la première fois sur un single « L'horloge tourne », séduisant immédiatement un public avide d'artiste authentique. Mickael Miro enchaîne les premières parties d'artistes comme : «Florent Pagny, Calogero, Stanislas» où son single fait chavirer de bonheur un public conquis ! «L'horloge tourne» fait aujourd'hui partie des meilleures programmations en France !

En 2010, lorsqu'elle franchit les portes du Kennedy Center à Washington, D.C. elle participe au Concours Jazz International Thelonious Monk - Cécile McLorin Salvant est non seulement la plus jeune finaliste de toute l'histoire de la compétition, c'est aussi une femme mystérieuse. En effet, ses origines sont bien différentes de celles des autres participants. Et lorsqu'elle remporte le premier prix du concours le plus prestigieux de l'univers jazz, le buzz commence sans tarder. Découverte en France l'année dernière sur l'album Gouache de Jacky Terrasson, Cécile McLorin sort à 23 ans un premier album plein d'audace et de virtuosité, en digne héritière des Trois Grandes : Billie Holiday, Sarah Vaughan et Ella Fitzgerald.

BEN HARPER en mode Rock, et alors ? Après avoir écoulé plus de 200 000 exemplaires de son précédent opus, Ben Harper revient avec White Lies For Dark Times, son très attendu neuvième album studio. Plus qu'un nouvel album, c'est un nouveau Ben Harper, désormais pierre angulaire du groupe Relentless7, qu'il forme avec trois jeunes musiciens originaires d'Austin, Texas. Nouveau groupe donc mais aussi nouveau son, plus intense, plus spontané, plus rock pour un disque enregistré en un éclair brillant au Village Studios de Los Angeles. Bienvenue dans l'univers envoutant de « White Lies For Dark Times », voyage musical de 11 étapes au coeur de l'inspiration de Ben Harper.

Apres l'immense succès de Tha Carter III rentré aux US avec plus de 1 million de vente dans la semaine (disque triple platine aux US, double platine au Canada, or en UK & Afrique du sud) - le nouvel opus de la série des Carter se faisait attendre. Ainsi, après Rebirth, témoignant de son envie d'évoluer dans un univers plus rock, et I'm not a human being, Lil Wayne revient à sa recette originale et dévoile en décembre 2010 le premier single du si attendu Tha Carter IV. 6 Foot, 7 Foot annonce donc la couleur : en featuring avec Cory Gunz, le clip est produit par Hype Williams. D'autres titres viennent ensuite confirmer nos attentes. Entre autres, John, en featuring avec Rick Ross, promet un album original et efficace, dans la droite lignée de ce qui a fait le succès de Lil Wayne.

Welcome To My Nightmare est le chef d'oeuvre d'Alice Cooper. Sortie en 1975 c'est cet album qui a posé les bases de l'univers gothique d'Alice et de son utilisation sur scène. De nombreux artistes s'inspirent encore de Welcome (Kiss, Marylin Manson, Slipknot, etc.). Près de 30 ans plus tard Alice et Bob Ezrin (producteur de Pink Floyd, Lou Reed, et Téléphone) ont décidé de remettre le couvert en convoquant non seulement les anciens (Denis Dunaway, Michael Bruce et Neal Smith) du premier groupe d'Alice Cooper, Steve Hunter guitariste historique du premier Welcome, et toujours sur scène avec Alice, Desmond Child, et Dick Wagner. Mais aussi, des talents plus récents et inattendus comme Rob Zombie, John 5 (ex-Marilyn Manson), le producteur Tommy Henriksen (Lady Gaga, Ke$ha) et même Ke$ha. Les influences de Welcome 2 My Nightmare vont du disco au surf, en passant par le rock et la pop des années 70.

Alors qu'il vient d'entrer dans sa trentième année d'existence, le Keith Jarrett Trio est désormais reconnu comme «l'étalon d'or» des groupes de jazz. C'est à Lucerne, en Suisse que le 'Standards' trio a enregistré la matière de ce nouvel album lors d'un concert alliant le sens de la tradition à une fièvre exploratoire toujours vivace. Le disque s'ouvre sur «Deep Space», une pièce totalement improvisée qui s'habille des accords du fameux thème de Miles Davis «Solar», puis s'élance dans l'exploration amoureuse de standards capiteux («Stars Fell On Alabama» et «Between The Devil And The Deep Blue Sea»). Pour finalement se terminer en beauté avec une composition originale de Jarrett intitulée «Everywhere», savante et personnelle divagation dans l'univers de la comédie musicale «West Side Story» de Leonard Bernstein, réunissant librement deux pièces du compositeur, «Somewhere» et «Tonight».

Véritable porte drapeau emblématique d'une country souvent contestataire, Johnny Cash est définitivement entré dans le cercle fermé des légendes. Le sonCash intègre à la country, du hillbilly, du gospel et du blues déposant ainsi une marque de fabrique, capable de séduire au passage un public souvent influencé par le rock alternatif. Cette compilation Ring of fire décrit plutôt bien le parcours de l'homme en noir. Des débuts dans les années 50 et 60(ring of fire, walk the line...) au mythiques enregistrements pénitentiaires de Folsom et de St Quentin, la période 70-80, les fabuleux american recordings des années 90 soignés par Rick Rubin, aux reprises intimistes et écorchées de U2, Depeche Mode, NIne Inch Nails...cette anthologie permet de situer l'histoire et de pénètrer dans l'univers légendaire de monsieur Johnny Cash.                     

Trilogy rassemble les 3 EP (I, II et III) déjà sortis en 2015 (version 3CD et 3LP). Il inclue des tubes comme Turbo Killer, dont le clip vidéo réalisé par Seth Ickerman comptabilise plus de 2,5 millions de vues. Une série de concerts à la scénographie épatante ont eu lieu à travers la France, l’Europe et l’Amérique du Nord (avec, entre autres, une tournée US placé en première partie du groupe suédois Ghost). Une tournée encore plus surprenante est à prévoir pour 2018. Carpenter Brut s’inspire des shows télévisés des années 80 et des fameux films de série B aux synthés si reconnaissables. Savoureux mélange entre les rythmiques de Justice et l’univers envoûtant de John Carpenter, l’artiste rend hommage à la culture post-période hippie des années 60 avec élégance. L’électro et le métal s’harmonisent afin de nous proposer une esthétique sonore unique, violente, provocante.

Le célèbre clarinettiste, improvisateur et compositeur français continue ses aventures musicales avec Gilles Coronado et Benjamin Moussay. La participation du percussionniste classique iranien Kevyan Chemirani, maître du zarb, a apporté une nouvelle dimension à leur univers sonore. Selon Sclavis, une musique contemporaine aventureuse peut être assez vaste pour embrasser des traditions différentes mais complémentaires. Silk and Salt indique mon désir que cet ouvrage prenne une voie imaginaire et nomade d'Asie centrale, mais aussi celui d'aborder l'idée de l'émigration dans l'histoire du monde. Dans ce cas-là : en voyageant à la fois loin et vers le jazz. Les contextes changeants inspirent à Sclavis certaines de ses meilleures performances à la clarinette, dans cet enregistrement réalisé au studio La Buissonne, près d'Avignon en mars 2014.

A la veille des célébrations du 150e anniversaire de la disparition de Gioachino Rossini, Decca présente l'intégrale les ouvertures du compositeur, enregistrée par l'orchestre philharmonique Gioachino Rossini sous la direction de Donato Renzetti, basée sur l'édition critique de la Fondation Rossini de Pesaro. Les ouvertures de Rossini se réjouissent depuis longtemps d'une popularité indépendamment des opéras auxquels elles appartiennent. Avec ses ouvertures et ses opéras, le compositeur a construit deux univers parallèles, cependant reliés. L'un est habité par l'orchestrateur génial et l'innovateur énergique qui préserve en même temps les modèles préexistants. L'autre appartient à l'homme de théâtre instinctif qui peut porter le public à des paroxysmes d'excitation et d'émotion. Des ouvertures de jeunesse aux ouvertures d'opéras de la maturité, sans oublier les ouvertures de pastiches, ces quatre CD offrent un aperçu complet de cette musique intemporelle de Rossini, portée par des interprètes d'aujourd'hui qui lui sont dévoués.

Avec la sortie cet avril de Four MFs Playin' Tunes, le légendaire saxophoniste Branford Marsalis et son quartet régulier - ensemble très soudé s'il en est - invitent une nouvelle fois le public à rejoindre leur univers de cohésion musicale. Cet album est également le premier enregistrement du Branford Marsalis Quartet avec un jeune batteur électrisant qui fait partie du groupe depuis maintenant trois ans. Le disque crépite grâce à des compositions originales audacieuses signées des membres du quartet, et l'on trouve également un classique du répertoire de Thelonious Monk, plus un standard qui remonte aux années 30. Ce nouvel album présente de belles ballades subtiles dans la même veine que Eternal (2004), mais aussi quelques contrastes extatiques, tels que leur célèbre Braggtown. Autrement dit, un album qui pourrait bien être l'enregistrement le plus accompli du sublime Branford Marsalis Quartet.

Pour accompagner le grand coffret consacré à l'intégralité des enregistrements de Rostropovich chez DG, Decca et Philips, le label jaune fait paraître ce seyant digipack 3CDs, présentant une sélection des plus belles pages de la carrière discographique de celui qu'on surnommait Slava. Se trouvent dans ce triple-album notamment la légendaire interprétation du Concerto pour violoncelle de Dvorak avec Karajan la Sonate pour violoncelle de Chopin avec Martha Argerich, ou encore la Sonate pour violoncelle n°1 de Brahms avec Rudolf Serkin. Violoncelliste, chef d'orchestre, mais aussi pianiste et compositeur aguerri, Rostropovitch fut décrit par l'un de ses élèves, David Geringas, comme un univers entier à lui-seul. Slava ! The Art of Rostropovich constitue une introduction de choix à l'art de ce musicien de génie, et sera également accueilli avec plaisir par ceux désireux d'acquérir une rétrospective compréhensive de la discographie d'un des plus grands violoncellistes de l'histoire.

Depuis treize ans qu'elle chante, Cristina Branco est toujours restée fidèle à son premier amour : le fado et les musiques portugaises, en restant toujours dans la finesse et la justesse d'interprétation de son héritage culturel. Après deux albums consacrés à ses maîtres Amalia Rodrigues (Live en 2006) et José «Zeca» Afonso (Abril en 2007), elle reprend pied avec Kronos dans un univers contemporain. Elle a demandé textes et musiques à des auteurs et compositeurs d'aujourd'hui sur le thème du temps, du «mélange du passé avec le présent pour construire l'avenir». Ces poèmes et compositions qui mêlent héritages et innovations, mélodies populaires et subtilité de la poésie d'auteur, aboutissent à un album proche de la perfection. Un tour de chant d'une rare qualité et profondeur, où la poésie des textes met en valeur le timbre incomparable de la chanteuse portugaise. A noter, un duo touchant avec le chanteur portugais Jorge Palma.

La cantate scénique David offre la musique d'Eleni Karaindrou en accompagnement d'une dramaturgie Egéenne, une pièce en vers écrite par un poète anonyme de l'île de Chios. Son texte, publié pour la première fois en 1979, se prête merveilleusement à un accompagnement musical et la compositrice grecque Eleni Karaindrou se montre parfaitement à la hauteur de l'oeuvre, oscillant de façon imaginative entre le passé et le présent à travers ses compositions pour mezzo-sopranos et barytons, solistes instrumentaux, choeur et orchestre. L'alto évocateur de Kim Kashkashian assis sur un lit de cordes peut rappeler à l'auditeur Le Regard d'Ulysse de Karaindrou. La musique puise également son inspiration de l'univers de l'opéra baroque, les chanteurs Irini Karagianni et Tassis Christoyannopoulos étant mis à l'honneur. David offre un monde de couleurs musicales changeantes. Enregistré en direct au Megaron d'Athènes, l'album fut produit et masterisé par Manfred Eicher et Nikos Espialdis.

Kendji : Kendji, Enesemble, Ensemble le live Nombre de disques : 3 Disque 1 : Color gitano - Andalouse - Mon univers - Color gitano - Cool - Mi amor - Avec toi - Baïla amigo - Je m'abandonne - Gentleman - Au sommet - Elle m'a aimé - Bella - Conmigo - Les richesses du cœur - La bohème - One last time (attends-moi) - Ariana Grande - Elle m'a aimé Disque 2 : Tu y yo - Me quemo - No me mires más - C'est trop - Les yeux de la mama - Jamais trop tard - Besame - Una mujer - La morale - Mes potes et moi - Où va le monde ? - Ma solitude - Amor y libertad Disque 3 : Ahora - Conmigo - Cool - Bonsoir Bruxelles - Andalouse - Tu y yo - Les yeux de la mama - Amistad - Palabras (cantique) - Ma solitude - Besame - No me mirès màs - Color gitano - Intro - elle m'a aimé - Elle m'a aimé - Sonrisa - Me quemo - Présentation des musiciens et outro du concert

Fille et disciple du regretté Maître Ravi Shankar, Anoushka Shankar est seule artiste à recevoir une formation complète de son père, Anoushka joue et étudie le sitar avec lui depuis l'âge de neuf ans. Après avoir assis sa réputation dans l'univers de la musique classique indienne, Anoushka commence à explorer un mélange 'crossover' extrêmement fertile en fusionnant des styles entre Inde et Occident. Elle participe également aux albums de Sting, Herbie Hancock. Après le très beau succès de Traveller son précédent album sorti en 2011, Anoushka Shankar présente Traces of You. Un nouvel album dans la pure tradition de la musique indienne classique apprise avec son père. Elle y réinterprète des ragas indiens, sur des arrangements pour cordes classiques occidentales. L'album est produit par le compositeur et multi instrumentiste anglais Nitin Sawhney et comporte trois titres en duo avec Norah Jones (sa demi-soeur).

Bryn Terfel fêtera ses 50 ans avec l'un des plus grands rôles de sa vie Der Fliegende Holländer (Le Vaisseau fantôme ou Le Hollandais volant) peut être considéré comme le premier chef-d'oeuvre du maitre du romantisme allemand Richard Wagner. On y retrouve déjà certains des grands thèmes qui constitueront l'univers wagnérien : l'errance, le sacrifice ou encore la rédemption par l'amour. Pour la première fois en 25 ans de carrière, le célèbre baryton-basse Bryn Terfel incarne Le Hollandais, créature surnaturelle condamnée à errer éternellement sur les océans pour avoir défié Dieu, qui ne pourra obtenir son salut que par l'amour absolu d'une femme Bryn Terfel partage la scène avec un casting d'exception dans lequel on retrouve notamment Matti Salminen (Daland) et Anja Kampe (Senta). La direction est confiée au chef d'orchestre français Alain Altinoglu, dans une mise en scène réalisée par le responsable de l'Opéra de Zurich, Andreas

Née à New York en juillet 1992, Selena Gomez a grandi au Texas, à Grand Prairie. Fille unique, elle est italienne par sa mère et mexicaine par son père. Elle fait ses premiers pas devant une camèra en 2002 en obtenant un rôle dans une série télévisée baptisée Barney & Friends. Elle y restera jusqu'en 2005 et surtout y fera la connaissance de sa meilleure copine : Demi Lovato. Mais c'est en 2006 que la demoiselle voit la chance lui sourire. En effet, elle se fait repérer par Disney qui lui propose de participer à un épisode de la série télé La vie de palace de Zack et Cody. Depuis, Disney en a fait une de ses actrices phares. On la voit dans Hannah Montana avec Miley Cyrus et, depuis début 2008, dans la série TV Les Sorciers de Waverly Place, diffusée sur Disney Channel. Outre sa carrière d'actrice, Selena est aussi chanteuse et elle adore mêler ces deux univers. Ainsi, elle interprète le thème de la série Les Sorciers de Waverly Place : Everything is not what it seems.

Alors qu’il était devenu une véritable rock star en Yougoslavie avec son groupe Bijelo Dugme (Le Bouton Blanc), Goran Bregovic va, à partir de la fin des années 80, construire, sous son nom, puis de nouveau avec Bijelo Dugme mais aussi avec son Orchestre des mariages et enterrements, une discographie unique et personnelle. Unique car il est le seul à avoir distillé sa connaissance des traditions balkaniques dans des genres aussi divers que le rock, la pop, le reggae, le tango, la musique électronique ainsi que la musique classique. Personnelle car il suffit d’entendre une seule note de chansons telles que 'Presidente', 'Ederlezi' ou 'Bella Ciao' pour reconnaître « le son Goran Bregovic ». L’artiste, aujourd’hui installé entre Paris et Belgrade mais qui traverse le monde de part en part pour d’incessantes tournée, a ainsi crée un univers musical à nul autre pareil dont cette sélection de vingt titres invite à redécouvrir toutes les couleurs et tous les paysages.

Cela fait des années que Melody Gardot rêvait de sortir un album live. Un live en Europe, son continent de coeur. A l'écoute de ses 2 heures de musique, les notes se succèdent avec une certaine aisance, comme si la chanteuse laissait son corps parler, comme si tout cela était une évidence pour elle.Melody entraîne son public dans son univers où viennent se mêler le Jazz et le Blues. Derrière ses lunettes noires et sous un chapeau sombre, elle enveloppe et hypnotise son public. Difficile de résister à son charme. Pour ce double album live, Melody Gardot a écouté les enregistrements de plus de 300 concerts en Europe, analysant, disséquant, critiquant chaque solo, chaque phrase, chaque note Mais la raison d'être de ce projet est le sentiment, la nostalgie, le souvenir et une seule chose compte vraiment sur scène pour cette artiste hors du commun : le coeur. Dans ce double album live, vous trouverez certainement le coeur de Melody Gardot.

Après un premier élégant EP encensé par la critique, voici le tant attendu premier album de Cascadeur, «The Human octopus». Gagnant du prix CQFD 2008 (tremplin inrocks) et révélation des Francofolies de La Rochelle 2010, cet ovni musical propose tout un univers onirique, quasi lunaire, à travers lequel il revisite ses amours musicaux de toujours, de Radiohead à Nina Simone, d'Antony & the Johnsons à Érik Satie. L'homme qui ne montre jamais son visage (caché par un casque de pilote de chasse) est à la fois auteur, compositeur, interprète, musicien, arrangeur et mixeur. Réfugié dans son home studio qu'il se plaît à baptiser Cascadrome, il a oeuvré seul pour livrer ce très personnel opus qui affiche une candeur et un condensé d'émotions rares. En live, Cascadeur propose une prestation à la mise en scène soignée, habilement habillée de projections pour une expérience unique, qui n'a pas fini de subjuguer. Cette sortie d'album sera accompagnée d'une tournée dans toute la France dont un Café de la Danse le 23 mars et les festivals d'été

Blechacz a été immergé dans l'univers bachien dès son enfance. Il cultive depuis une éloquence naturelle dans ses interprétations de Bach, déjà matures malgré son jeune âge (31 ans). Rafal Blechacz exprime une fois de plus son talent à travers ce nouvel opus consacré à Jean-Sébastien Bach. Lauréat du Concours international de piano Frédéric Chopin en 2005, il est unanimement salué par la critique comme étant un artiste rare, de la trempe de ceux qui n'apparaissent que quelques fois par siècle. Ce premier disque consacré à Bach à paraître chez DG s'ouvre sur l'un de ses morceaux caractéristiques, le Concerto italien BWV 971. Il comprend également d'autres oeuvres tout aussi célèbres telles que la Partita n ° 1 et Wohl mir, daß ich Jesum habe . On peut sentir la profondeur de ses réflexions d'un bout à l'autre de l'album. Les mouvements lents donnent la clé pour comprendre la conception spirituelle et philosophique du compositeur, estime Rafal, dont le jeu juste découle de son expérience formative en tant qu‘organiste dans l'église de son village natal. Cet album démontre pleinement la versatilité et la profonde connaissance qu'a Blechacz de l'oeuvre de Bach.

Les plus grands classiques Disney revisités par les artistes de la scène française. Après les succès des albums WE LOVE DISNEY 1 et 2, voici le meilleur des 2 volumes réuni sur un CD1 Best Of ainsi que les versions originales de vos titres préférés sur un CD2. Sur le CD1, le best of WE LOVE DISNEY offre les plus grands tubes de Disney par Elodie Frégé, Alizée, Nolwenn Leroy, Ben l'Oncle Soul, Olivia Ruiz, Thomas Dutronc et Laura Smet, Arielle Dombasle, Jenifer, Emmanuel Moire, Kendji Girac, Carmen Maria Vega, Jeanne Cherhal, Et un titre inédit à découvrir : Les Nuits d'Arabie interprété par Hiba Tiwaji ! Chaque artiste interprète ces chansons éternelles en leur insufflant sa touche personnelle qui fait toute l'originalité de l'album. Sur le CD2, vous retrouvez les titres du CD1 dans leurs versions originales issues des dessins animés Disney. Toute la famille pourra (re)découvrir ces versions qui continuent de faire rêver plusieurs générations ! Inspirés par l'univers Disney, tous ces artistes français font revivre plus de 75 ans d'histoire musicale. WE LOVE DISNEY BEST OF est l'album idéal pour les petits et les grands.

Plus de 25 ans après la parution du premier album d’ENIGMA, MCMXC aka. Michael Cretu, le fondateur, compositeur et producteur de cet ensemble musical revient avec un nouveau projet. Michael Cretu renoue avec l’univers musical audacieux et innovant de son tout premier album en proposant une véritable odyssée conceptuelle, sous forme de voyage musical, poétique et pictural évoquant la rédemption, le changement et l’évolution. La musique est mise en mots par le poète et compositeur allemand Michael Kunze - récipiendaire d’un Grammy et d’un Echo award - dont le récit figurera dans l’édition spéciale de l’album. Wolfgang Beltracchi, l’un des artistes les plus célèbres, mais aussi l’un des plus controversés de notre époque, a réalisé l’artwork de l’album et a créé douze oeuvres originales accompagnant chacun de ses douze morceaux. Fruit d’un travail de 8 ans initié par la rencontre avec la chanteuse Angunn - qui prête notamment sa voix au premier single Sadeness (Part II) -, The Fall Of A Rebel Angel bouleversera les codes de par la force et la convergence des moyens d’expression de plusieurs artistes au service d’un mysticisme psychédélique troublant.

En 2002, Superbus débarquait comme un ovni sur la scène rock française, décidé à imposer un univers musical et visuel unique en France. Pari réussi en seulement quatre ans avec 2 albums studio, 230 000 albums vendus dont 150 000 de leur dernier opus « Pop'n'Gum » certifié disque d'or, une nomination aux Victoires de la musique, une victoire aux MTV Europe Awards pour le « Meilleur groupe français » et une crédibilité acquise sur scène avec des tournées sold out dans toute la France (environ 100 dates/an). Avec leur 3ème opus « WOW » qu'ils ont co-réalisé, Superbus confirme et signe. Entre disco rock enivrant aux accents new wave et dirty pop aux riffs imparables, l'album se révèle surprenant et aventureux, surfant sur les influences 60's et 80's du groupe. Auteur-compositrice de l'ensemble des titres, la charismatique et pétillante Jennifer Ayache s'impose à 22 ans comme l'une des artistes féminines les plus prometteuses de la scène hexagonale, véritable icône d'une nouvelle génération. Avant de retrouver le groupe sur les routes à partir de janvier, un lancement événementiel & live à Paris et en province permettra au public de découvrir le nouvel album en partant à la recherche du bus Superbus itinérant et en assistant aux concerts privés.

LE DRAME ET LA PASSION SONT AU PROGRAMME DU NOUVEL ALBUM DE RENÉE FLEMING ! Nouveau défi pour la soprano américaine : l'opéra vériste italien, dont la plupart des oeuvres sont tombées dans l'oubli, pour être trop rarement données sur scène. Verismo signifie vérité. C'est un courant apparu en Italie à la fin du XIXe siècle qui s'est fait l'écho musical du mouvement naturaliste français (Zola, Maupassant). Du point de vue vocal et orchestral, les compositeurs véristes (Puccini et ses contemporains) mettent l'accent sur la simplicité et la spontanéité; du point de vue dramaturgique, les intrigues présentent un univers facilement identifiable pour le public, avec des personnages de tous les jours. Les héroïnes interprétées par Renée Fleming sont donc issues des classes populaires : Mimi la couturière (La Bohème de Puccini), Wally la jeune villageoise (La Wally de Catalani) ou encore Zazá l'artiste de music-hall (Leoncavallo). Renée Fleming les incarne avec une technique vocale exemplaire doublée d'une grande intensité émotionnelle. Cerises sur le gâteau : une première mondiale (track 11) et un duo avec Jonas Kaufmann (track 17) ! DES INTRIGUES DECHIRANTES ET DES AIRS RARES, D'UNE BEAUTE A COUPER LE SOUFFLE !

Michel LEGRAND / Jacques DEMY Le Cinéma en-chanté Michel Legrand et Jacques Demy, c'est bien plus qu'une collaboration entre un compositeur et un cinéaste, c'est une rencontre fusionnelle entre deux poètes. En Legrand, Demy a trouvé un frère de création, un véritable double musical. Son univers à la fois coloré et souvent cruel semble à jamais indissociable des mélodies envoûtantes du musicien, de ses orchestrations à haute-sophistication, de son lyrisme à l'infini, de son appétit pour tous les langages, du baroque au jazz. A l'occasion de la sortie de l'intégrale Demy chez Arte Vidéo, la collection Ecoutez le cinema ! propose la toute première anthologie Demy/Legrand, de Lola à Trois places pour le 26. Trente ans de fraternité partagée, jalonnée d'extraits des grands classiques (Les Parapluies de Cherbourg, Les Demoiselles de Rochefort, Peau d'âne) mais aussi de bandes originales rares pour la première fois éditées en CD (L'évènement le plus important depuis que l'homme a marché sur la lune, Lady Oscar). Pour cet album, Michel Legrand a spécialement réenregistré les chansons de Parking... mais aussi un magnifique extrait d'Anouchka, comédie musicale restée inédite. Un disque enchanté pour se souvenir d'une collaboration en-chanté.

Anouar Brahem : oud - Klaus Gesing : clarinette basse - Björn Meyer : basse - Khaled Yassine : percussions Ce sont trois fragments esquissés qui composent le coeur du nouveau projet d'Anouar Brahem. «J'ai soudain eu l'impression qu'il y avait quelque chose de nouveau, quelque chose qui s'ouvrait vers des espaces encore inexplorés». Le répertoire de The Astounding Eyes of Rita s'inspire de la tradition arabe et s'appuie fortement sur la mélodie. On remarquera l'utilisation de certaines couleurs sonores entendues sur le projet Thimar, des dialogues instrumentaux qui se croisent et se décroisent surtout dans un registre médium, et une rythmique vibrante. Le groupe a été formé avec la participation du producteur Manfred Eicher. Le clarinettiste Klaus Gesing, un improvisateur au phrasé étonnement fluide, a une affinité naturelle pour l'univers sonore de Brahem. Le timbre de la basse électrique de Björn Meyer se mêle sans efforts à celui de l'oud et lui procure une fondation subtile et souple. Enfin, le jeune libanais Khaled Yassine apporte au darbouka une pulsation vitale à cette musique de chambre transculturelle dans laquelle rigueur et liberté, passé et présent se répondent mutuellement.

Fille et disciple du Maître Ravi Shankar, Anoushka Shankar est née à Londres. Seule artiste à recevoir une formation complète de son père, Anoushka joue et étudie le sitar avec lui depuis l'âge de neuf ans. Dès sa publication, son premier disque en solo - Anoushka (1998) - est accueilli favorablement par les critiques, unanimes. Suivent les albums Anourag en 2000 et Live at Carnegie Hall en 2001, et ce dernier disque lui vaut une nomination aux Grammy Awards. Après avoir assis sa réputation dans l'univers de la musique classique indienne, Anoushka commence à explorer un mélange 'crossover' extrêmement fertile en fusionnant des styles entre Inde et Occident. Elle participe également aux albums de Sting, Nitin Sawhney, Herbie Hancock. En mai 2011 Anoushka Shankar signe un accord d'exclusivité avec le label Deutsche Grammophon. Le premier enregistrement qui naît de cette nouvelle association est Traveller, disque qui explore le pont d'évolution qui relie le Flamenco à la musique de l'Inde. L'album est produit par Javier Limon guitariste flmenco reconnu, on y retrouve invite Buika, Pepe Habichuela et, Duquende en invités spéciaux. Avec cet album Anoushka explore les formes de la musique indienne classique et du flamenco mais aussi chercher des thèmes et des émotions.

LISA BATIASHVILI EXPLORE LES LIENS MYSTERIEUX ENTRE JOHANNES BRAHMS ET CLARA SCHUMANN Après un premier album consacré au répertoire de la Russie soviétique, la jeune violoniste Georgienne Lisa Batiashvili se tourne vers l'Allemagne Romantique avec le Concerto pour violon en ré majeur de Johannes Brahms et les Trois Romances pour violon et piano de Clara Schumann. A travers leur musique, Lisa Batiashvili cherche à dévoiler le lien intime qui unissait Johannes Brahms à Clara Schumann. « On ne connaît pas le détail de leur relation, et c'est peut-être ce qui en fait tout le charme : nous ne pouvons que formuler des hypothèses et nous devons utiliser la musique pour découvrir leur univers sentimental », déclare-t-elle. Aux côtés de la Staatskapelle de Dresde dirigée par Christian Thielemann, le jeu intense et gracieux de Lisa Batiashvili fait des merveilles dans ce monument qu'est le Concerto pour violon de Johannes Brahms, réputé d'une extrême et implacable difficulté. Le deuxième mouvement notamment « nécessite un effort psychique et physique intense ». Quant aux Romances de Clara Schumann, Lisa Batiashvili et la jeune pianiste Alice Sara Ott les interprètent pour la première fois ensemble, avec une délicatesse rare. COMPLICITE ET EMOTION SONT LES MAÎTRES MOTS DU DEUXIEME ALBUM DE LISA BATIASHVILI.

Après avoir écumé les pubs et autres salles de concert des alentours de Dublin, Phil Lynott et ses acolytes sont remarqués par le label DECCA en 1970. Les Irlandais de Belfast sortent leur premier opus en 1971 et commencent une carrière qui sera jalonnée de succès, de séparations douloureuses et de drames. La mort de Phil Lynott en 1986 va enterrer toutes possibilités de reformation d'un groupe que le leader emblématique avait dissout en 1984. Une tentative de reformation du groupe aura été tentée en 1996, mais sans Phil Lynott la tache paraissait bien trop ardue tant il incarnait se groupe avec force et détermination. Les hits Jailbreak, Boys are Back In town ou Dancing In The Moonlight et Wiskey In The Jar résonnent encore comme autant de bons souvenirs d'un groupe dont l'ADN restera l'authenticité et la puissance. Retrouvez à travers cette réédition le premier album de ce groupe phare du Rock Irlandais. Sortie en 1971, 'Thin Lizzy' est le premier opus du groupe. Il montre la virtuosité d'éric Bell (guitare) et la prodigieuse capacité que Phil Lynott à faire sonner sa basse et à pousser sa voix comme un chanteur de Rythm'n'blues Staxien dans une impressionnante facilité. Entre Blues, Rock et Pop, Thin Lizzy impose rapidement la patte du groupe dans un univers musical qui à l'époque cherche un nouveau souffle à travers les balbutiements d'un Hard Rock en devenir.

Grâce à l'édition de ce nouveau coffret de 3CD dans la collection Old & New Masters regroupant des enregistrements de John Abercrombie parus entre 1978 et 1980, plusieurs disques importants font un retour bienvenu au catalogue ECM, parus à l'origine sous les titres Arcade, Abercrombie Quartet et M. A la tête d'un quartet composé de Richie Beirach, George Mraz et Peter Donald historiquement le premier groupe entièrement conçu et dirigé par Abercrombie le guitariste entreprit de donner une nouvelle orientation à sa musique, se dégageant progressivement d'un style marqué par le jazz-rock pour s'engager dans un univers plus impressionniste et original, caractérisé par un rapport nouveau à l'espace et au timbre. Abercrombie et le pianiste Richie Beirach, qui avaient déjà donné de nombreuses preuves de leurs affinités musicales en tant qu'improvisateurs, composèrent la quasi-totalité du répertoire du groupe. Le contrebassiste George Mraz et le batteur Peter Donald apportèrent au projet leur créativité et leur savoir-faire. A l'occasion de cette édition, les enregistrements réalisés à Oslo et Ludwigsburg sous la direction artistique de Manfred Eicher – ont été remasterisés à partir des sources analogiques d'origine. Première parution en CD de ces disques dans la plupart des pays du globe (Arcade a été un temps très bref disponible au Japon), elle vient répondre à la demande pressante des fans d'Abercrombie et de Beirach mais aussi de nombreux collectionneurs du label ECM.

Après le disque de diamant de l'album Vieillir avec toi composé par Calogero et un détour par Cuba avec Habana, l'album Le présent d'abord est un nouveau virage spectaculaire comme Florent Pagny les aime depuis toujours - Partir dans de nouvelles aventures, c'est ma spécialité, avoue-t-il. Le présent d'abord mêle les générations et les univers : Florent Pagny a confié la réalisation de son album à Dany Synthé (Sapés comme jamais de Maître Gims, les tubes de MHD, Black M...). Ce mélange de générations et de cultures musicales est le prototype de cet album, pour lequel Florent Pagny chante des titres de Maître Gims, Slimane, Lionel Florence, Nazim (Amir, Claudio Capéo, Kendji Girac, Alma...), Antoine Essertier (Vianney, Daran, June The Girl...) et de toute une génération de jeunes auteurs et compositeurs. Un album introspectif et serein dans lequel Florent Pagny y chante sur des mélodies imparables le présent, ses bonheurs, ses combats, ses amours, la puissance du rêve et de l'imagination. Un nouvel album à la fois intime et universel, aux émotions puissantes. Heureux et grave, souriant et réfléchi, il prend à bras-le-corps des sujets plus graves et n'oublie pas les drames donnant ainsi une éclatante leçon de vie. Mais Florent Pagny refuse d'être un maître à penser, il clame au contraire La beauté du doute : Ne me demande pas / Où se trouve le droit chemin / Même si chacun a le sien / Personne ne connaît sa route / Et c'est la beauté du doute . L'album l'Everest est déjà triple disque de platine, et la tournée L'Everest tour s'est vendue à travers toute la France à plus de 500 000 billets. Nouvelle version collector de l'album disponible le 03 novembre.

Richard GALLIANO est le maître incontesté de l'accordéon dans le monde de la musique. Créateur de la New-Musette, il offre grâce à ce nouveau style une deuxième vie à l'accordéon. Audacieux, il introduit cet instrument dans le monde du jazz, oubliant les salles de danse et imposant ainsi son propre univers musical. Partageant la scène avec les plus grands, de Michel Portal à Toots Thielmans, de Chet Baker à Michel Petrucciani, Richard Galliano donne des concerts dans le monde entier : 200 jours par an et cela dans des lieux aussi divers ! Il a expérimenté des scènes aussi variées que celles des plus grands festivals de Jazz tout comme la prestigieuse Scala de Milan. Le 6 août 2006, Richard Galliano investit la scène du Festival Jazz in Marciac. Richard Galliano a choisi de scinder en trois parties sa prestation. C'est donc le quintette Tangaria qui ouvre la soirée avec le Tango Pour Claude composé en hommage à Claude Nougaro. Suivront d'autres pièces de Richard Galliano mais aussi d'Hermeto Pascual et d'Astor Piazzolla avec le fameux Libertango. L'accordéoniste, magnifiquement secondé par le jeune violoniste Alexis Cardenas, fait preuve de sa générosité coutumière et le public lui réserve un accueil chaleureux et enthousiaste. Pour la deuxième partie, l'ensemble instrumental du CNR de Toulouse sous la baguette de Jean-Pierre Peyrebelle apporte son concours pour interpréter des originaux signés Galliano et des morceaux de Piazzolla et du pianiste Ivan Paduart. Beauté des arrangements, cohésion et musicalité des cordes déroulant des tapis multicolores pour les improvisations de l'accordéon, toute la séduction de la milonga et du tango se trouvent ici conjuguées. Jubilatoire ! Des musiciens de talent l'accompagnent : Alexis Cardenas, Hamilton de Holanda, Rafael Mejias, Philippe Aerts.

L'auteur-compositeur Melody Gardot a 22 ans mais elle sait déjà à quel point la subtilité et la litote peuvent avoir de la valeur. Son premier album 'Worrisome Heart' paraît à la fois familier et totalement surprenant. La présence lyrique et musicale de Melody Gardot n'est pas de son âge bien que son introduction à l'univers de la musique ne date que de quelques années : elle n'a que 16 ans quand elle commence à jouer dans des bars pour gagner un peu d'argent. Un chemin qui semble tout tracé entreprend un virage violent lorsque Gardot reçoit de multiples fractures - bassin, colonne, tête - quand son vélo est heurté par une voiture. Elle en garde encore des séquelles : elle marche à l'aide d'une canne et porte des lunettes teintées contre la lumière. Un jour, lors d'un contrôle médical, son médecin lui suggère d'essayer une thérapie musicale. Avant même de pouvoir marcher de nouveau, Melody commence à composer et enregistre ses chansons sur un magnétophone installé à son chevet. Les chansons qu'elle écrit pendant sa convalescence voient le jour sur un mini album de six titres intitulé 'Some Lessons : The Bedroom Sessions'. Après écoute, un critique fait cette remarque : C'est un tour d'alchimie quand la douleur et l'incertitude font naître une musique aussi frappante et audacieuse. Une nouvelle version du titre éponyme de 'Some Lessons' fait une apparition sur 'Worrisome Heart' à côté de nouvelles chansons qui témoignent de son évolution rapide en tant que compositrice. Ce qui lui donne raison, c'est que personne ne sait avec certitude comment définir sa musique. On la compare avec Norah Jones ou Diana Krall, et récemment Herbie Hancock l'a invité à une émission télévisée pour chanter 'Edith And The Kingpin' de Joni Mitchell. Mais ses performances pourraient également évoquer Peggy Lee ou Tom Waits...

Les grands classiques Disney revisités pour la 1ère fois au monde par des artistes de la scène française contemporaine. La magie de l'univers Disney va résonner pour Noël ! Elodie Frégé propose de redécouvrir Un Jour Mon Prince Viendra dans une version aux sonorités voluptueuses et contemporaines; Thomas Dutronc revisite le mythique Tout Le Monde Veut Devenir Un Cat, accompagné par la voix suave de Laura Smet ou Ben l'Oncle Soul met toute son énergie dans être Un Homme Comme Vous. Vous aurez l'impression de découvrir ces titres pour la 1ère fois. Le CD propose 2 visuels de jacquette différents (choix non possible) et contient : 1. Blanche-Neige : Un jour, mon prince viendra (1937) – élodie Frégé 2. Pinocchio : Quand on prie la bonne étoile (1940) – Nolwenn Leroy 3. Mary Poppins : Supercalifragilistic (1964) – Al. Hy et Arié Elmaleh 4. Le livre de la jungle : être un homme comme vous (1967) – Ben L'Oncle Soul 5. Les Aristochats : Tout le monde veut devenir un cat (1970) – T. Dutronc et Laura Smet 6. La Belle et la Bête : La Belle et la Bête (1991) – Garou et Camille Lou 7. Aladdin : Prince Ali (1992) – Alex Beaupain 8. Aladdin : Ce rêve bleu (1992) – Olympe et Joyce Jonathan 9. Aladdin : Je suis ton meilleur ami (1992) – Arié Elmaleh 10. Le Roi Lion : L'histoire de la vie (1994) – Zaho 11. Le Roi Lion : L'amour brille sous les étoiles (1994) – Christophe Willem 12. Le Roi Lion : Hakuna Matata (1994) – Collégiale 13. Pocahontas : L'air du vent (1995) – Jenifer 14. Le Bossu de Notre-Dame : Rien qu'un jour (1996) – Emmanuel Moire 15. La princesse et la grenouille : Au bout du rêve (2009) – Rose 16. La reine des neiges : Libérée, délivrée (2013) – Anaïs Delva

Une oeuvre déroutante, obsessionnelle, complexe, provocatrice et cynique. Un pavé dans l'amer qui semble dire qu'il vaut mieux rire de nos vies moroses et éphémères, plutôt que de s'attrister sur nos sorts. Un disque pas si concept que l'on a voulu nous faire croire, tant il laisse entrevoir aux initiés la face sombre de l'artiste. Contrairement à ses albums précédents, Philippe Katerine n'a pas travaillé avec le groupe Recyclers, mais s'est entouré du DJ Gonzales et de Renaud Letang. Le style s'en ressent avec une nette orientation vers les musiques électroniques minimalistes et une production beaucoup plus soignée. Son titre est un clin d'oeil au Human After All de Daft Punk, car, selon Katerine faire partie d'un groupe où tout le monde se ressemble est une idée atroce. L'humain est robot et le robot est humain d'une certaine façon. Le moins que l'on puisse dire est que ce disque marque ainsi un véritable virage chez l'artiste. Exit les ambiances sophistiquées et les collages audio, Gonzales réalise ici une musique fine et efficace, mêlant groove et esprit vintage, au profit d'un univers faussement naïf et surréaliste. Mi-enfant, mi-provocateur, le Katerine de Robots Après Tout s'est vite révélé au grand public grâce à des pépites étudiées pour le dancefloor. Les boîtes à rythmes remplacent ici les cordes habituelles. Chaque événement de la vie quotidienne du chanteur est narré de façon fantasque et cauchemardesque (l'histoire vraie avec Marie Le Pen). Le ton est lancé. Katerine se moque de tout et ne respecte rien. Pas même ce qu'il est. Mais, hormis les singles déjantés et disco-house 100% VIP, Louxor j'adore et Bordeline, que tout le monde reprend en choeur, y compris à la télévision, une part plus mélancolique est visible à travers Numéros ou 78.2008. Tout s'organise autour d'un axe théâtral, sublimé sur scène par un véritable second souffle rock. Et ceux qui auront l'oreille attentive relèveront sans mal la détresse et l'angoisse qui caractérisent l'ensemble de la discographie de l'artiste. L'Homme y est exposé face à une société consumériste et obsédée par les chiffres ou les numéros. Des âmes solitaires en prise avec les absurdités contemporaines. Une sorte de névrose universelle sur le stress, la paranoïa, les artifices et l'inconscient collectif.