Le retour d'une des plus grandes voix de la variété internationale actuelle. Tina Arena marque après trois ans d'absence son come back avec un autre univers un nouvel album entièrement interprété en français. Notre langue réussit plutôt bien à Tina Arena (souvenez vous de aller plus haut). Les paroliers (Gategno, Veneruso, Kapler) collaborateurs habituels de C.Dion, J.Zenatti, I.Boulay ont concocté pour Tina des titres sur mesure et à succés en devenir. simple désir,aimer jusqu'à l'impossibleen sont des garanties indiscutables. un autre univers est l'album d'une nouvelle dimension et ouvre à Tina les portes de la notoriété au niveau international, à l'instar d'une certaine C.Dion il ya de celà quelques années.                                      

Dans cette nouvelle exploration de l'univers Spider-Man, très attendue des fans de super-héros, le jeune Miles Morales découvre un univers où plus d'un peut porter le masque de l'araignée! Ce petit bijou d'animation a bénéficié du travail de composition de Daniel Pemberton, l'un des compositeurs de musique pour le cinéma et la télévision les plus en vue. Deux fois nommé aux Golden Globe Awards, le britannique est derrière les bandes originales de films comme Steve Jobs de Danny Boyle, Cartel et Tout l'argent du monde de Ridley Scott, et de séries comme Black Mirror et Dirk Gently.

La figure montante du R’n’B US se nomme Bryson Tiller. Il a explosé sur la scène R’n’B avec son premier tube «Don’t» et son premier album «Trapsoul». Son deuxième album vient enfoncer le clou : encore mieux produit et écrit, il s’inscrit dans la continuité de l’univers de son premier coup de maître.

Naya est un oiseau rare. Elle n'a que 18 ans et présente son premier album Ruby, petit bijou facetté dans la magie de son univers. Deux ans après la parenthèse The Voice Kids, dont elle a été finaliste en 2014, elle sorti un premier EP Blossom salué par la critique (Elle, Les Inrocks, Madmoizelle...). Elle a depuis assuré les premières parties de Jain et de Brigitte et fait la tournée des festivals (ouverture du Printemps de Bourges, Francofolies de la Rochelle, We Love Green, Garorock, Glastonburry...). Son single Girl on the Moon (Une fille de la lune) est aujourd'hui partout en radio (Virgin, RTL2, RTL, Europe 1, Alouette, Hit West, Scoop...), et son clip diffusé sur toutes les chaines musicales (M6, W9, CStar, MTV, MCM, Virgin Radio TV...). Auteur-compositeur-interprète, Naya signe ce premier album, mixé sur les terres de ses inspirateurs en Angleterre, en coproduction avec Valentin Marceau. Naya se livre avec la précision d'un orfèvre. Ruby, en 11 titres, est un concentré de l'euphorie presque combattive ressentie pendant les concerts et aussi le témoin d'un univers parsemé d'étoiles, d'éclat, de lumière, d'étincelles. Une langue solaire, déclinée en français et en anglais. Comme une poésie universelle.

Originaire de Plaisir, Bosh commence peu à peu à imposer son univers violent dans le rap jeu. Ses morceaux incisifs et parfois plus mélodieux semblent conquérir le public français, toujours en demande de bonne trap bien lourde. Aujourd'hui, à l'occasion de la sortie de la série Validé produite par Canal+, Bosh sort une mixtape !

Dido revient avec « Safe Trip Home », son nouvel album co-produit notamment par Jon Brion (connu pour son excellent travail auprès de Fiona Apple, Kayne West, Rufus Wainwright, The Eels). Dès la première écoute, le verdict est sans appel : si le monde ces dernières années ne s'est pas franchement apaisé, Dido, elle, a enrichi son univers musical et ses pépites ouatées et rêveuses...

Paulo Furtado, alias «The Legendary Tigerman», nous présente son 6ème album, «Misfit», dans lequel il met à nouveau en avant ses talents de multi-instrumentiste. Le film «How to Become Nothing», réalisé par Paulo lui-même, nous emmène aux prémices de ce qui représente pour lui le «ground zero» de cet album. Enregistré dans le légendaire studio de Dave Catching, Paulo a avant tout défini l’univers visuel de son projet, pour lui donner une direction musicale au fil de son expérience singulière dans la Vallée de la Mort. Le premier extrait «Fix of Rock’n’roll» donne le ton de ce nouvel opus : une approche fraîche du rock et du punk qui révèle l’intemporalité du «Tigerman» et son évolution artistique à chaque nouvelle création.

Deux ans après Mélancolie Heureuse, Tim Dup nous livre un impressionnant deuxième album, incarné et concerné, arrangé en trio avec Damien Tronchot et Renaud Letang. Confirmant un talent incontestable pour les mots et un univers musical tout à fait singulier, Tim met en lumière et en musique ses inquiétudes et espérances quant à l'empreinte que laisse l'être humain dans ce monde. Avec ce même soin porté aux textes, il n'en délaisse pas pour autant les instrumentations percutantes, qui peuvent parfois surprendre. Moderne et audacieux, Qu'en restera-t-il ? est un album de poésie cinématographique, aux sonorités variées, aux textures puissantes et intimes à la fois. Un petit chef d'oeuvre de chanson française, qui invite au voyage et à l'étonnement...

C'est à l'adolescence qu'Amélie Piovoso fait ses premiers pas dans la musique. Elle collabore au sein de plusieurs groupes, cherchant à définir son style en s'essayant à tout. L'évidence d'une carrière musicale s'impose à elle lors de sa participation à ses premiers concours de chant. A l'époque, elle collectionne les premiers prix en attendant la bonne rencontre. Auteur et interprète, Amélie Piovoso se lance dans son projet d'album à la fin de cette aventure. Aux côtés de Kerredine Soltani (Zaz), elle construit son univers aux sonorités pop/rock/folk pour mettre en valeur sa voix puissante. S'inspirant d'artistes tels que Juliette Lewis, Florence & The Machine, Sia ou encore Cat Power, la jeune femme affirme son style.

Deux ans après Mélancolie Heureuse, Tim Dup nous livre un impressionnant deuxième album, incarné et concerné, arrangé en trio avec Damien Tronchot et Renaud Letang. Confirmant un talent incontestable pour les mots et un univers musical tout à fait singulier, Tim met en lumière et en musique ses inquiétudes et espérances quant à l'empreinte que laisse l'être humain dans ce monde. Avec ce même soin porté aux textes, il n'en délaisse pas pour autant les instrumentations percutantes, qui peuvent parfois surprendre. Moderne et audacieux, Qu'en restera-t-il ? est un album de poésie cinématographique, aux sonorités variées, aux textures puissantes et intimes à la fois. Un petit chef d'oeuvre de chanson française, qui invite au voyage et à l'étonnement...

Très belle année pour l'artiste originaire de Glasgow, qui sortira le 19 octobre 2018 son premier album What a Time to Be Alive . Le succès phénoménal du single Leave a Light On (titre le plus diffusé de l'année en radio en France et qui cumule près de 40 millions de streams) vient couronner les années de travail d'un musicien passionné. Tom Walker est un chanteur écossais qui a grandi à Manchester en s'abreuvant de la large collection de disques de son père, de Ray Charles à The Police en passant par Bob Marley. Il a ensuite passé des années à perfectionner ce riche univers dans une maison remplie d'artistes, avec lesquels il a continué à se confronter à de multiples influences. Ses premières compositions sont remarquables et évoquent immédiatement les plus brillants auteurs/compositeurs/interprètes anglais.

Aujourd'hui, le projet drôle et singulier de mini bandes dessinées devient du son et paraît pour la première fois dans un album! Adoubé par la communauté Métal internationale, Belzebubs est déjà un véritable phénomène de société dans le monde. La BD culte de l'auteur finlandais JP. Ahonen mêlant avec humour dessin et ambiances Black Metal dans un univers satanique et déjanté prend vie sous la forme d'un groupe bien réel! Mixé et masterisé par Dan Swanö (Dark Funeral, Dissection) + 1 Million de vues sur Youtube pour la video offcielle Blackened Call Edition limitée disponible en version Mediabook et contenant 2 titres Bonus Egalement disponible en version Vinyle + CD

Abou Tall et Dadju (The Shin Sekaï), font partie des dernières recrues du label Wati B qu’on ne présente plus, fort des succès de Sexion d’Assaut et Maitre Gims. Ensemble, ils forment le groupe The Shin Sekai. The Shin Sekai signifie « Le Nouveau Monde » en japonais et caractérise bien ces artistes appartenant à une nouvelle génération du Rap/RNB français. La particularité de The Shin Sekai vient de la fusion de deux univers : le chant et le rap. Une complémentarité musicale trouvée entre Dadju, chanteur, et Abou Tall, rappeur. Ils écrivent leurs morceaux sur des thèmes éclectiques, influencés par des musiques venues de tous horizons. Leur premier projet « The Shin Sekai /vol.1 » a eu un succès d’estime. Ils ont assuré les premières parties de la tournée phénoménale de Sexion d’Assaut durant toute l’année 2013.

Avec « Sweep me away », Fredrika Stahl, déjà forte de deux albums jazz internationalement reconnus, accède à une nouvelle plénitude musicale. Avec ce nouvel opus, qui fait suite à « Tributaries » (en 2008) et à « A fraction of you » (en 2006) vendu à plus de 15.000 ex, Fredrika Stahl s'ouvre plus encore, et installe un univers personnel, plutôt féminin et empreint de douceur. Cette jeune musicienne, auteur-compositeur, d'origine suédoise, à la voix superbe, claire et sans artifi ce propose album est riche de nouvelles sonorités, de belles mélodies, très accrocheuses et mémorables. Un bal romantique et quelquefois déglingué, où la pop se teinte de soul/ hip hop acoustique et se dévergonde avec quelques accords de piano jazz-blues ou des cuivres très hot. Fredrika Stahl installe la pop-Jazz a un niveau rarement atteint.

Internationalement reconnus comme étant désormais un des groupes majeurs en matière de metalcore mondial, les américains de San Diego As I Lay Dying sortent enfin leur très attendu premier DVD. Composé d'un set de 3 DVDs, « This Is Who We Are » tient décidément toutes ses promesses. Sur le disque 1 : un documentaire sur le groupe avec de nombreuses interviews et des scène filmés hors scène, sur le disque 2 : l'intégralité du show du Wack Open Air 2008 et du With Full Force 2007 entre autres, agrémentés de toutes leurs vidéos et de nombreux bonus, sur le disque 3, les fans sont invités à plonger dans l'univers du groupe, jusqu'à ses tous débuts, comprendre qui sont les gars du groupe et ce qui les fait vibrer. De leur salon, à leur salle de répète, du tour bus aux loges en passant par la scène bien entendu, partez en tournée avec As I Lay Dying !

The Face Of Fear est le 9ème album studio du groupe et le 3ème avec la formation actuelle. Cet opus contient 9 nouveaux titres sur 11. Artillery restent fidèles à eux même et évoquent dans leurs paroles la disparition de l'humanité et les pires scénarios-catastrophes. L'album a été enregistré aux Medley Studios avec leur producteur de longue date, Soren Andersen, qui décrit ce nouvel album de la manière suivante : Purs et bruts à la fois, certains éléments présents dans les morceaux ont été écris au début des années 80, c'est un album sans filtres qui nous a poussé à développer un style old school, un bon metal classique digne d'Artillery !. Un retour du groupe avec du contenu inédit datant du début de la formation qui plongera les fans dans l'univers Artillery.

Chantre, avec notamment le claviériste Bugge Wesseltoft, du mouvement électro-jazz (ou nu jazz) nordique qui a marqué le jazz depuis le milieu des années 90, le célèbre trompettiste norvégien Nils Petter Molvaer, publie avec ‘’Switch’’ un album dense et intense. C’est à la tête d’un sextette qu’il redéfinit cette fois-ci les contours de sa musique. On retrouve sur ‘Switch’ cette alternance d’ambiances éthérées héritées des influences conjuguées de Miles Davis et Jon Hassel - ses deux maîtres à jouer - et de déflagrations soniques qui construisent, c’est sa signature, un univers très typé et fascinant. Nils Petter Molvaer tente ici de découvrir la clarté de nouvelles structures plus orientées chanson (mais sans chanteur) et élargir une fois de plus les frontières du genre à de nouvelles limites. Une magnifique expérience sensorielle et hypnotique.

TRYO « Fête ses 10 ans »... le Spectacle 2 DVD + 1 CD : 2 DVD : le concert au Zénith, des bonus, les coulisses, les clips, des souvenirs et des surprises ! + CD : un vrai CD live de plus de 70 minutes ! « L'hiver dernier Tryo fêtait ses 10 ans avec son public au cours d'une tournée marathon de 22 concerts à guichets fermés en moins de 5 semaines. Fidèle au groupe depuis toutes ces années, ils étaient près de 200 000 à venir chanter, danser, applaudir et faire la fête. Pendant ce temps les radios célébraient eux aussi l'événement en jouant le cultissime « hymne de nos campagnes » (top 10 de l'airplay général radio et clip pendant plusieurs mois). La tournée était récompensée par une nomination aux Victoires de la Musique, ainsi que le DVD (triple platine !) de la tournée précédente. Ce DVD regroupe toute l'atmosphère de cette tournée et l'univers magique de Tryo...et bien plus encore ! » Pour l'annoncer un plan de com sans précédent et la 1ère campagne TV du groupe !

Le premier album studio de Bruce Springsteen en cinq ans transporte sa musique vers un nouvel univers inspiré des disques pop de la Californie du Sud de la fin des années 60 et du début des années 70. L'album a été enregistré principalement chez lui dans son home studio dans le New Jersey. C'est le 19e album studio de Springsteen. Ce disque est un retour aux sources, vers des enregistrements très personnels avec des chansons axées sur des personnages portés par des arrangements orchestraux cinématographiques d'envergure, dit Springsteen. C'est une boîte à bijoux. Les 13 titres de Western Stars nous font voyager en terre américaine sur les autoroutes désertiques des Etats-Unis et nous questionnent sur la solitude, l'appartenance communautaire et l'espoir. Ron Aniello a produit l'album avec Springsteen. On le retrouve aussi à la basse et au clavier. Patti Scialfa a enregistré des voix et des arrangements vocaux sur quatre titres.

DARDUST est le nouveau nom de scène du pianiste, compositeur et producteur électronique Dario Faini et de son ensemble, formé en 2014. L'ensemble est composé d'un trio de cordes, Carmelo Emanuele Patti, Simone Sitta et Simone Giorgini, et du multi-instrumentiste, producteur électronique, Vanni Casagrande. Le genre musical de l'ensamble est néoclassique / électronique, en fait Dardust est apparu sur la scène musicale nationale comme le premier projet de musique instrumentale italienne capable d'unir le monde du piano minimaliste avec l'imagerie électronique actuelle d'une matrice Nord-européenne. le nom est en fait un hommage ironique à Ziggy Stardust, le personnage extraterrestre le plus célèbre incarné par David Bowie, qui a inspiré l'imagination spatiale de l'ensemble du projet et de l'autre, un hommage au duo Dust Brothers, devenu célèbre avec le nom Chemical Brothers. L'effondrement entre le nom du fondateur Dario Faini et Dust incarne ainsi l'importance d'un monde électronique spécifique dans l'univers Dardust.

Raphael Saadiq, prince de la Soul, nous fait voyager au temps de la soul des sixties. Raphaël Saadiq nous offre enfin son troisième album solo intitulé « The Way i see it ». L'ex-membre des Tony !Toni !Toné...nous propose un voyage dans le temps, un retour à l'âge d'or de la soul music. Raphael s'est fortement inspiré de cette époque à laquelle régnait le label Motown pour créer douze titres originaux. Le chanteur n'a pas laissé de place au hasard, il s'est réellement approprié le style vocal des stars de la Soul et a gardé le grain particulier des enregistrements de l'époque. L'artiste invite Joss Stone, pour qui il a composé, à se joindre à lui sur « Just one Kiss ». Un des moments forts de cet album est la présence de Stevie Wonder sur le morceau « Never give you up », un morceau des plus Motown sur lequel l'icône du label pose quelques notes de son harmonica dépoussiéré pour l'occasion. Raphaël Saadiq retourne aux sources et nous emmène dans l'univers musical de son enfance en rendant hommage à un style qui a marqué la musique pour de longues décennies.

Van Morrison vient rejoindre la prestigieuse collection The Essential avec cette toute première compilation, la seule à couvrir absolument toute sa carrière de 5 décennies. Si vous ne devez avoir qu'un album de Van Morrison c'est celui-ci ! Artiste reconnu et révéré par ses pairs, l'univers artistique de Van Morrison a évolué au fil du temps passant du Rythmn'n Blues, au rock, au jazz, mélangeant toutes ces influences en créant ce positionnement tout à fait séminal que la presse qualifia de « Celtic Soul » et qui donna une couleur irlandaise à la soul (voir le film The Commitments qui n'aurait jamais existé sans Van Morrison !). Van Morrison c'est d'abord une voix extraordinaire, gorgée de feeling et de force. Celle d'un homme qui sait où il va et ne s'encombre pas de détours pour y arriver. Une sacré force de caractère, un artiste sans compromission. Du tube planétaire « Gloria » de son premier groupe Them en 1965 (repris comme on sait par Patti Smith qui en fit un de ses « chevaux » de bataille), à Sweet Thing, enregistrement live de 2009,ce sont 37 titres qui ont été sélectionnés par l'artiste lui-même. Inclus : Brown Eyed Girl, Astral Weeks, The Way Young Lovers Do, Moondance, Jackie Wilson Said (repris par Dexys Midnight Runners), Wild Night, Caravan, Why Must I Always Explain?, etc...

Robert Doisneau est le plus célèbre photographe en France et peut-être dans le monde. Il a su capter des instants simples et naturels, qui parlent assez fort à la sensibilité et à la culture françaises, toutes deux assez nostalgiquement connectées au passé. Les photos de Doisneau constituent l'un des très rares univers artistiques à réconcilier experts et grand public, à se trouver aussi à l'aise en galerie d'art qu'en posters, couvertures de cahiers ou d'agendas en hypermarchés... et aujourd'hui en couverture de disques classiques, dans une toute nouvelle collection chez Sony Classical. Pour arriver à sensibiliser plus largement à la musique classique, au-delà de l'affiche du grand répertoire et des artistes mythiques pour le défendre, il faut établir un premier lien de proximité affective, une attirance qui n'en passe pas forcément par des critères rationnels ou une pré-connaissance du sujet. En musique classique, l'enjeu est de passer de la curiosité respectueuse à l'envie, de la retenue un peu complexée à l'acte. C'est la mission affective assignée aux photos de Robert Doisneau, qui illustrent, évoquent ou ironisent un peu... et sont finalement très à l'aise pour défendre les chefs-d'oeuvre absolus du répertoire. Instants classiques Robert Doisneau, un événement éditorial qui célèbre également le 20e anniversaire de la disparition du photographe en 2014.

Robert Doisneau est le plus célèbre photographe en France et peut-être dans le monde. Il a su capter des instants simples et naturels, qui parlent assez fort à la sensibilité et à la culture françaises, toutes deux assez nostalgiquement connectées au passé. Les photos de Doisneau constituent l’un des très rares univers artistiques à réconcilier experts et grand public, à se trouver aussi à l’aise en galerie d’art qu’en posters, couvertures de cahiers ou d’agendas en hypermarchés... Et aujourd’hui en couvertures de disques classiques, dans une toute nouvelle collection chez Sony Classical. Pour arriver à sensibiliser plus largement à la musique classique, au-delà de l’affiche du grand répertoire et des artistes mythiques pour le défendre, il faut établir un premier lien de proximité affective, une attirance qui n’en passe pas forcément par des critères rationnels ou une pré-connaissance du sujet. En musique classique, l’enjeu est de passer de la curiosité respectueuse à l’envie, de la retenue un peu complexée à l’acte. C’est la mission affective assignée aux photos de Robert Doisneau, qui illustrent, évoquent ou ironisent un peu... et sont finalement très à l’aise pour défendre les chefs-d’oeuvre absolus du répertoire. Instants Classiques Robert Doisneau, un événement éditorial qui célèbre également le 20e anniversaire de la disparition du photographe en 2014.

Robert Doisneau est le plus célèbre photographe en France et peut-être dans le monde. Il a su capter des instants simples et naturels, qui parlent assez fort à la sensibilité et à la culture françaises, toutes deux assez nostalgiquement connectées au passé. Les photos de Doisneau constituent l'un des très rares univers artistiques à réconcilier experts et grand public, à se trouver aussi à l'aise en galerie d'art qu'en posters, couvertures de cahiers ou d'agendas en hypermarchés... Et aujourd'hui en couvertures de disques classiques, dans une toute nouvelle collection chez Sony Classical. Pour arriver à sensibiliser plus largement à la musique classique, au-delà de l'affiche du grand répertoire et des artistes mythiques pour le défendre, il faut établir un premier lien de proximité affective, une attirance qui n'en passe pas forcément par des critères rationnels ou une pré-connaissance du sujet. En musique classique, l'enjeu est de passer de la curiosité respectueuse à l'envie, de la retenue un peu complexée à l'acte. C'est la mission affective assignée aux photos de Robert Doisneau, qui illustrent, évoquent ou ironisent un peu... et sont finalement très à l'aise pour défendre les chefs-d'oeuvre absolus du répertoire. Instants Classiques Robert Doisneau, un événement éditorial qui célèbre également le 20e anniversaire de la disparition du photographe en 2014.

Robert Doisneau est le plus célèbre photographe en France et peut-être dans le monde. Il a su capter des instants simples et naturels, qui parlent assez fort à la sensibilité et à la culture françaises, toutes deux assez nostalgiquement connectées au passé. Les photos de Doisneau constituent l'un des très rares univers artistiques à réconcilier experts et grand public, à se trouver aussi à l'aise en galerie d'art qu'en posters, couvertures de cahiers ou d'agendas en hypermarchés... Et aujourd'hui en couvertures de disques classiques, dans une toute nouvelle collection chez Sony Classical. Pour arriver à sensibiliser plus largement à la musique classique, au-delà de l'affiche du grand répertoire et des artistes mythiques pour le défendre, il faut établir un premier lien de proximité affective, une attirance qui n'en passe pas forcément par des critères rationnels ou une pré-connaissance du sujet. En musique classique, l'enjeu est de passer de la curiosité respectueuse à l'envie, de la retenue un peu complexée à l'acte. C'est la mission affective assignée aux photos de Robert Doisneau, qui illustrent, évoquent ou ironisent un peu... Et sont finalement très à l'aise pour défendre les chefs-d'oeuvre absolus du répertoire. Instants classiques Robert Doisneau, un événement éditorial ! Qui célèbre également le 20e anniversaire de la disparition du photographe en 2014.

Robert Doisneau est le plus célèbre photographe en France et peut-être dans le monde. Il a su capter des instants simples et naturels, qui parlent assez fort à la sensibilité et à la culture françaises, toutes deux assez nostalgiquement connectées au passé. Les photos de Doisneau constituent l'un des très rares univers artistiques à réconcilier experts et grand public, à se trouver aussi à l'aise en galerie d'art qu'en posters, couvertures de cahiers ou d'agendas en hypermarchés... Et aujourd'hui en couvertures de disques classiques, dans une toute nouvelle collection chez Sony Classical. Pour arriver à sensibiliser plus largement à la musique classique, au-delà de l'affiche du grand répertoire et des artistes mythiques pour le défendre, il faut établir un premier lien de proximité affective, une attirance qui n'en passe pas forcément par des critères rationnels ou une pré-connaissance du sujet. En musique classique, l'enjeu est de passer de la curiosité respectueuse à l'envie, de la retenue un peu complexée à l'acte. C'est la mission affective assignée aux photos de Robert Doisneau, qui illustrent, évoquent ou ironisent un peu... Et sont finalement très à l'aise pour défendre les chefs-d'oeuvre absolus du répertoire. Instants classiques Robert Doisneau, un événement éditorial ! Qui célèbre également le 20e anniversaire de la disparition du photographe en 2014.

Requiem un mot potentiellement lourd de sens, mais qui, détaché de son acception sacrée, vous invite à pénétrer un univers musical unique, ici celui d'un groupe sur le point de tirer sa révérence. Non, cet album n'est pas une épitaphe auditive. Il est le prolongement logique d'une discographie riche et intense. Après deux décennies au service d'un rock puissant aux résonances métalliques, qui l'auront vu fouler les plus belles scènes de France, de l'Elysée-Montmartre à l'Olympia, en passant par les festivals les plus prestigieux, AqME sort son neuvième album studio. Requiem est un disque aussi cohérent que contrasté, sur lequel on retrouve tous les éléments qui ont forgé l'identité du combo. Après des débuts influencés par le rock alternatif américain, puis une évolution qui a vu le métal servir un propos plus viscéral, AqME a trouvé un nouvel équilibre incarné à travers ses deux dernières réalisations studio. Requiem est donc son point d'orgue, un véritable album de rock, à la fois instinctif et élaboré. Organique et poignant, Requiem se révèle être le plus beau cadeau d'adieu qu'AqME pouvait faire à ses fans. à la fois résumé parfait et conclusion ultime d'une carrière qui s'achève sans larmes, ni regrets, juste avec le sentiment d'avoir tout donné, sans jamais faire de concession. Tout ce qu'on demande à un vrai groupe de rock.

Artiste créatif en constante évolution et fidèle à la composition de mélodies captivantes, Conor O'Brien franchit une nouvelle étape dans sa carrière avec la sortie du 4ème album de Villagers, The Art Of Pretending To Swim. Dans la lignée des songwritters Patrick Watson, Bon Iver ou encore Kevin Morby, Villagers s'impose comme une figure emblématique de la scène folk actuelle et entraîne dès la première écoute dans un univers poétique. Après avoir composé des titres notamment pour Charlotte Gainsbourg, Villagers a signé des titres pour la bande originale de la série à succès Big Little Lies, ou participera encore à celle du film Loro, le biopic sur Berlusconi. Successeur du magnifique Darling Arithmetic, le nouvel album d'O'Brien vient renouer avec les multiples facettes de ses précédents disques, tout en y ajoutant de la soul, une nouvelle approche rythmique et une panoplie d'éléments sonores éblouissants, créant ainsi des mélodies entêtantes et accessibles. Splendide Les Inrockuptibles Un des auteurs-compositeurs-interprètes les plus doués et ambitieux de la pop internationale Le Monde La plus jolie chose qui soit arrivée à la folk irlandaise Télérama Génie pop-folk Rock & Folk C'est beau à pleurer Rolling Stone Un des songwriters les plus talentueux et élégants Glamour Tout simplement beau Marie Claire

Le Trio Joubran parcourt le monde en tournée depuis plus de 15 ans, portant leurs ouds comme s'il s'agissait de leurs propres identités, les plantant comme des drapeaux sur les myriades de scènes où ils sont invités à jouer. à ce jour ils ont sorti 5 albums avec de nombreuses collaborations, y compris la participation légendaire de leur vieil ami Mahmoud Darwish (symbole culturel du monde arabe en 2018) avec à l'Ombre des Mots, où les paroles du poète, suspendues dans le temps, rencontrent le son du Trio dans une magnifique et envoûtante union. Leur nouvel album The Long March sort le 12 octobre 2018 sur Cooking Vinyl, et c'est le fruit d'une longue gestation. Leur défi : explorer et façonner un nouvel univers musical pour un instrument traditionnel comme l'oud, trouver cet espace où le passé et l'avenir peuvent s'unir avec grâce. Un défi qui est fièrement relevé, et dont la réponse se situe dans les chansons et collaborations qui jalonnent l'album. La présence de Roger Waters plane sur plusieurs titres, notamment Supremacy sorti en mars 2018, et les mélodies envoûtantes de Samir, Wissam et Adnan Joubran sont accompagnées et mises en apesanteur par des pads, machines électroniques, compresseurs, et un orchestre live. Grâce à la production brillante de Renaud Letang, le Trio Joubran a définitivement élargi ses horizons musicaux.

Après ses deux derniers albums consacrés à Scarlatti et à Albéniz, Thibault Cauvin, le guitariste qui détient le record du monde du plus grand nombre de premier prix à moins de 20 ans (13 premiers prix !), nous offre un double album éponyme riche en classiques, surprises et découvertes. Sur le premier disque, totalement inédit, Thibault Cauvin réunit les airs de guitare les plus populaires et les transcende littéralement, dont le tube incontestable et universel La vie brève de De Falla. Il rassemble toute forme de pièces, qu'elles soient d'aujourd'hui, d'hier, écrites pour guitare, pour piano ou pour orchestre, d'Amérique du Sud, du Nord ou d'Europe. Ce récital offre non seulement une large vision des possibilités de la guitare, mais il nous invite aussi à un long voyage musical ponctué d'escales colorées. Le deuxième disque, comme un bonus, nous transporte encore plus dans son univers avec le meilleur de ses onze précédents albums, onze titres que Thibault Cauvin a rassemblés et ordonnés sans contrainte ni logique autre que musicale, que des pépites. Trente ans à peine, fan de surf, toujours sur la route (plus de 1 000 concerts dans le monde entier), seul en scène avec ses musiques dans les salles bondées des grandes métropoles autour du monde, Thibault Cauvin se construit en liberté sur les six cordes de sa guitare classique et nous offre ici certainement son album le plus abouti !

Synopsis Quatre jeunes marginaux se téléportent dans un univers alternatif et dangereux qui modifie leur forme physique de façon choquante. Après que leurs vies aient été irrémédiablement changées, la fine équipe doit apprendre à maîtriser ses nouvelles capacités et à travailler de concert pour sauver la Terre d'un ancien allié devenu leur némésis. A propos de Marco Beltrami Marco Édouard Beltrami est un compositeur de film américain surtout connu pour ses scores de films d'horreur (Mimic - 1997, The Faculty - 1998, Resident Evil - 2002, Do not Be Afraid of the Dark - 2011 et The Woman in Black 2012). Marco Beltrami a été nominé deux fois aux Oscars (meilleur score). Tout d'abord, pour 3 : 10 to Yuma, mettant en vedette Russell Crowe et Christian Bale, et peu de temps après pour son score de, The Hurt Locker. Plus récemment, le score de Marco pour Soul Surfer a remporté le Satellite 2012, prix de la meilleure musique de film de l'année. A propos de Philip Glass Philip Morris Glass est un compositeur américain. Il est considéré comme l'un des compositeurs les plus influents de la fin du 20ème siècle. Philip Glass est un compositeur prolifique. Il a écrit des oeuvres pour l'Ensemble Philip Glass qu'il a créée, des opéras, 10 symphonies, 11 concertos, des oeuvres solo, de la musique de chambre et de la musique de film. Trois de ses musiques de films ont été nominées aux Oscars.

Lors de sa sortie en 1990, People's Instinctive Travels And The Paths Of Rhythm marque un tournant pour le hip-hop. Dans cet album, Q-Tip, Phife Dawg, Ali Shaheed Muhammad et Jarobi White, quatre amis d'enfance originaires du Queens, à New York, s'affranchissent des codes traditionnels du hip-hop. À l'instar de groupes contemporains, dont De La Soul et les Jungle Brothers, qui deviendront des membres centraux du collectif Native Tongues, leurs influences, tant sur le plan musical qu'au niveau des textes, sont totalement atypiques dans l'univers du hip-hop à l'époque. Si la plupart des groupes construisent leurs morceaux autour d'airs de soul et de funk, ATCQ se démarque en s'appuyant sur le jazz et le rock des années 1970. Leurs textes, dans la conversation plutôt que la confrontation, traitent de problèmes de société avec une sincérité rafraîchissante et un humour décalé. Les critiques comme le public saluent alors le vent de changement que ATCQ fait souffler sur le monde du hip-hop : The Source attribue à l'album la note parfaite de 5 micros (une première pour le magazine !) tandis que The Village Voice le qualifie de « drogue inspirante ». Pour fêter ses 25 ans, l'album sera remasterisé à partir des bandes d'origine par Bob Power, ingénieur du son récompensé aux Grammy Awards, et réédité avec des remix exclusifs de quelques-uns des plus grands artistes de la scène hip-hop actuelle dont J.Cole,Cee Lo et Pharrell Williams, tous les 3 largement influencés par A Tribe Called Quest.

Lors de sa sortie en 1990, People's Instinctive Travels And The Paths Of Rhythm marque un tournant pour le hip-hop. Dans cet album, Q-Tip, Phife Dawg, Ali Shaheed Muhammad et Jarobi White, quatre amis d'enfance originaires du Queens, à New York, s'affranchissent des codes traditionnels du hip-hop. À l'instar de groupes contemporains, dont De La Soul et les Jungle Brothers, qui deviendront des membres centraux du collectif Native Tongues, leurs influences, tant sur le plan musical qu'au niveau des textes, sont totalement atypiques dans l'univers du hip-hop à l'époque. Si la plupart des groupes construisent leurs morceaux autour d'airs de soul et de funk, ATCQ se démarque en s'appuyant sur le jazz et le rock des années 1970. Leurs textes, dans la conversation plutôt que la confrontation, traitent de problèmes de société avec une sincérité rafraîchissante et un humour décalé. Les critiques comme le public saluent alors le vent de changement que ATCQ fait souffler sur le monde du hip-hop : The Source attribue à l'album la note parfaite de 5 micros (une première pour le magazine !) tandis que The Village Voice le qualifie de « drogue inspirante ». Pour fêter ses 25 ans, l'album sera remasterisé à partir des bandes d'origine par Bob Power, ingénieur du son récompensé aux Grammy Awards, et réédité avec des remix exclusifs de quelques-uns des plus grands artistes de la scène hip-hop actuelle dont J.Cole,Cee Lo et Pharrell Williams, tous les 3 largement influencés par A Tribe Called Quest.

Le mariage de voix exceptionnelles. De Paris à Moscou, un album magique ! Joe Dassin, l'artiste aux plus de 50 millions de disques vendus à travers le monde, a connu de nombreux succès en France et ailleurs, notamment en Finlande, en Grèce ou encore en ex-URSS où on l'aimait follement. 35 ans après sa disparition, Joe Dassin reste un artiste adoré en France tout comme à l'Est, d'où étaient originaires ses grands-parents, nés à Odessa. Joe Dassin grandira ainsi aux côtés d'une mère violoniste, qui forgera son oreille à l'univers musical classique mêlé d'influences slaves. Un lien avec ses origines qui ne s'éteindra jamais. C'est donc tout naturellement que Les Choeurs de l'Armée Rouge, dont le répertoire inclut depuis toujours l'oeuvre de l'artiste, ont souhaité lui rendre hommage. Devenu l'ensemble russe le plus populaire de la planète, Les Choeurs de l'Armée Rouge, ont quant à eux, donné ces 30 dernières années, plus de 7 000 représentations, en plusieurs langues, devant plus de 20 millions de spectateurs, et joué dans plus de 50 pays, dans les salles les plus prestigieuses du monde. De cette union de voix exceptionnelles, est né un album magique, mêlant émotion, puissance et profondeur, et dans lequel figurent les plus grands succès de l'artiste. Ainsi, les 11 titres de l'album, lient la voix chaude et grave de Joe Dassin au folklore des Choeurs de l'Armée Rouge, de Salut les amoureux, à l'Eté Indien, sans oublier Ca va pas changer le monde ou encore Dans les yeux d'Emilie. Un mariage surprenant qui sublime les tubes de Joe Dassin et nous permet de les découvrir ou redécouvrir sous un nouveau jour. En un mot : puissant.

Si une certaine timidité juvénile émane du remarquable Tom Odell, elle est tempérée par un sentiment de conscience de soi qui dément amplement ses 23 années à peine passées sur cette planète. Ce mélange envoûtant d’idéalisme (il veut que la musique parle à sa place, en sortant idéalement un album par an) et de conscience de soi (il a l’air de vivre heureux dans son propre univers musical) devient quelque peu incendiaire lorsqu’il est associé à une musique aussi magnifiquement composée que celle de son premier album à paraître. Car, si l’art de la composition semble souvent être un sujet de discussion désuet, pour ce jeune dissident de Chichester, dans le Sussex, la chanson représente tout. Auteur de ses propres oeuvres depuis l’âge de 13 ans, c’est plus tard, lorsqu’il est allé à Brighton, que son immersion dans la scène a décollé : il était tout simplement à l’aise pour entrer dans les pubs et boîtes pour demander de jouer sur place. Cependant, il a fallu un déménagement à Londres et une annonce au Goldsmith College pour enfin pousser l’auteur-compositeur adolescent à l’action. Lorsqu’il s’est entouré d’un groupe, ses chansons dégageaient une telle énergie qu’au bout de son quatrième concert londonien, il avait signé des contrats avec une société de management, un label d’édition, et ensuite avec un label de disque. Une telle accélération de la chance dépendait de la force des chansons alors foisonnantes, dont la plupart apparaissent sur le premier album de Tom Odell. Au Royaume Uni, son album entre directement en tête des charts et la success story se confirme chaque jour un peu plus avec plus de 250 000 exemplaires vendus et un album qui caracole encore dans le top 10 des ventes 6 mois après sa sortie. C’est au tour de la France d’entrer dans la Odellmania !

Avant la sortie prochaine du film évènement écrit, réalisé et interprété par Don Cheadle avec Ewan McGregor, Emayatzy Corinealdi, Lakeith Lee Stanfield & Michael Stuhlbarg découvrez la BOF consacrée au légendaire et iconique trompettiste, Miles Davis (1926 - 1991) ! Prodigieuse fiction co-écrite, interprétée et réalisée par Don Cheadle (« Hors d’atteinte », « Traffic », « Rwanda », « Ocean’s Eleven », etc.) « Miles Ahead » est une exploration à la fois vertigineuse et émouvante - où se mêle réalité et fiction - de la vie de Miles Davis. En 1975, au milieu d’une éblouissante carrière prolifique, Miles Davis toujours au premier plan de l’innovation dans l’univers du jazz moderne, disparaît subitement de la vie publique pendant cinq ans. Seul et reclus chez lui, il doit faire face à la douleur que lui provoque sa hanche abimée, à sa voix étouffée et engourdie par les médicaments, ainsi qu’aux démons de son passé. Le film se construit sur le parallèle entre Miles en 1978 pendant sa période de silence, ces cinq années durant lesquelles il n'a ni joué ni enregistré, et les 10 ans durant lesquels il vit avec Frances Taylor Davis, à l'époque l'amour de sa vie et sa muse. La bande originale du film qui suit admirablement la structure du film permet de redécouvrir quelques chefs-d’oeuvre interprétés par Miles lui-même et extraits des albums (parus entre 1956 et 1981) : « Blue Haze », Kind Of Blue », « Sketches Of Spain », « Seven Steps To Heaven », « Nefertiti », « Filles de Kilimanjaro », « Directions », « Big Fun », « On The Corner », « Agartha » et « The Man With The Horn ». C’est Robert Glasper (pianiste et compositeur de jazz le plus en vue d’aujourd’hui) qui a admirablement assuré la musique additionnelle avec, sur un des titres, la participation d’Herbie Hancock, de Wayne Shorter et de Esperanza Spaulding.

Découvrez 15 chefs-d'ouvres incontournables et autant de moments-clés de l'histoire du jazz enregistré ! Au delà du temps et des épreuves, une figure emblématique du jazz demeure, qui synthétise et cristallise l'essence même de cette musique tout en en offrant l' image la plus concrète et séduisante. En 15 disques incontournables et autant d'artistes d'exception, cette sélection propose une traversée intime et singulière de l'histoire du jazz. Elle met en valeur l'extraordinaire diversité d'expression de sa tradition vocale mais contribue également à rendre tangibles, au-delà de la profusion des styles, ces quelques traits esthétiques fondamentaux, par quoi l'amateur ou le néophyte reconnaît immanquablement la présence d'une authentique chanteuse de jazz. 1. Rose Murphy - The Chee-Chee Girl : Dans un registre gouailleur, espiègle et subtilement érotique, la pianiste et chanteuse Rose Murphy (1913-1989) incarne la variété jazzée dans ce qu'elle a de plus léger et pétillant. 2. Sarah Vaughan - After Hours (+ 4 titres par rapport à l'édition 33t originale) : Avec ces enregistrements réalisés entre 1949 et 1955, Sarah Vaughan (1924-1990), rend précisément compte de cet instant où les jungles abstraites du jazz s'acclimatent au charme raffiné et luxueux des orchestres à cordes. 3. Betty Carter - Social Club (Pour la première fois en CD) : Betty Carter (1929-1998) apparaît dans ce Social Call, enregistré entre 1955 et 1956, impressionnante de musicalité et de technicité. Elle y est accompagnée par le trio du pianiste Ray Bryant, augmenté du flûtiste Jerome Richardson mais aussi, sur certaines plages, par le big band de Gigi Gryce. 4. Rosemary Clooney & Duke Ellington & His Orchestra - Blue Rose (+ 1 titre par rapport à l'édition 33t originale) : C'est en 1956 qu'a lieu cette stupéfiante rencontre d'intelligence musicale entre la chanteuse Rose Mary Clooney (la tante du beau George), grande vedette populaire de shows télévisés, et l'orchestre de Duke Ellington. 5. Billie Holiday - Lady In Satin (+ 5 prises alternatives par rapport à l'édition 33t originale) : .Billie Holiday, la diva du jazz, la Lady du jazz, Lady Day, la Callas, la star, la voix du jazz comme l'a décrite Françoise Sagan. Pour ce Lady In Satin de 1958, l'enregistrement préféré de Billie, elle est magnifiquement accompagnée par le grand orchestre de Ray Ellis. 6. Lena Horne - Give The Lady What She Wants : Lena Horne (1917-2010) fut l'une des premières chanteuses noires à devenir la vedette de comédies musicales de Broadway puis une actrice célèbre ( Cabin in the Sky ou Stormy Weather ). Enregistrée ici en 1958, elle pose sa voix claire et naturellement swingante dans l'écrin luxueux du grand orchestre de son mari Lennie Hayton. 7. Helen Merrill - Parole e musica : 1960, accompagnée par une formation italienne, la grande dame du jazz enregistre à Rome 12 sublimes standards. Chaque chanson est précédée par sa récitation en italien. 8. Carmen McRae - Sings Lover Man and other Billie Holiday Classics (+ 2 titres par rapport à l'édition 33t originale) : Carmen McRae (1922-1994), lorsqu'elle se réinstalle définitivement sur le devant de la scène dans les années 50, s'impose aussitôt comme la disciple la plus personnelle de Billie Holiday. 9. Doris Day & André Previn - Duet : Doris Day (née en 1922), star du petit écran et actrice renommée, n'a jamais oublié qu'elle avait débuté sa carrière en tant que chanteuse et n'a cessé d'enregistrer des disques faisant naturellement le lien entre variété et jazz. Dans ce Duet, portée par le swing minimaliste et élégant du trio d'André Previn, la chanteuse y laisse s'exprimer, comme jamais, ce mélange de naturel et de sophistication qui fut toujours sa marque de fabrique. 10. Jeanne Lee and Ran Blake - The Newest Sound Around (+ 4 titres par rapport à l'édition 33t originale) : La vocaliste Jeanne Lee (1939-2000), virtuose paradoxale du chant susurré, enregistre en 1961, en compagnie du pianiste Ran Blake, ce disque entré immédiatement dans la légende du jazz vocal. 11. Aretha Franklin - Yeah!!! (+ en bonus la séance originale : 13 titres sans le mix des applaudissements) : Cet album enregistré en 1965, apparaît dans la carrière de la future diva de la soul comme l'un de ses plus ouvertement liés au jazz. 12. Ella Fitzgerald - Newport Jazz Festival, Live at Carnegie Hall, July 5, 1973 (2CDs) : Saisie sur le vif en 1973, Ella Fitzgerald (1918-1996) offre ici la quintessence de son génie. Accompagnée du Chick Webb Orchestra, mais aussi d'un quartette plein d'élégance mené par le pianiste Tommy Flanagan, 13. Etta James - Time After Time : Etta James (1938-2012) choisit de rendre ici hommage aux standards de jazz en y consacrant l'intégralité d'un album. La chanteuse est entourée de jazzmen émérites dont le pianiste Cedar Walton et le saxophoniste Eddie Harris. 14. Lisa Ekdahl - When Did You Leave heaven (+ 2 titres par rapport à l'édition CD originale) : Relevant d'une sorte de vision fantasmée de l'âge d'or des clubs, la chanteuse suédoise Lisa Ekdahl signe avec cet album, paru en 1997, un hommage mutin et décalé à l'univers des standards. D'une voix enfantine osant la synthèse entre Rose Murphy et la pop star Björk, Lisa Ekdahl, accompagnée par l'élégant trio du pianiste Peter Nordahl, y égrène une série de standards intemporels avec une sensualité et une fraîcheur incontestable. 15. Eliane Elias - Dreamer (+ 1 prise alternative et 1 titre par rapport à l'édition CD originale) : La pianiste chanteuse brésilienne a connu un beau succès avec cet album sorti en 2004 en interprétant quelques grands succès de la bossa-nova. Revisité au prisme de l'esthétique métissée du jazz fusion, Eliane Elias pose sa voix limpide et caressante sur un tapis de cordes zébrées par les contre-chants sinueux du saxophoniste Michael Brecker. Découvrez ou redécouvrez les titres qui ont marqué l'histoire du jazz avec ce coffret Jazz Vocal Les chanteuses.