Deux ans après The Road To Escondido enregistré avec Eric Clapton, le principal artisan du Tulsa Sound sort de sa tanière et publie ce Roll On un peu jazzy aux entournures. Un seizième album solo qu'il sort presque négligemment, tout en sachant qu'il vaut son pesant d'Americana. Ne cherchez pas l'erreur : si Who Knew, qui ouvre le nouveau disque du créateur de Cocaine et After Midnight, sonne comme s'il avait été enregistré dans une cabane au fond d'un jardin, c'est exprès. Depuis longtemps, Cale est un habitué des arrangements poussiéreux, des cordes rouillées. Cette particularité contribue amplement à la légende de ce songwriter décollé des réalités qui ne s'est jamais adressé aux masses mais a toujours séduit assez d'amateurs de blues, de folk et de rock pour avancer au rythme particulier qui est le sien. Roll On lorgne vers le côté jazz de sa force, mais fait également la part belle au blues comme dans la chanson-titre que l'ami Clapton, simple guest cette fois, saupoudre de riffs vintage bien sentis.
En mars 2009, la nouvelle de sa mort avait pris des airs de coups de massue. Quand les gens partent, on les enrubanne de superlatifs censés faciliter le voyage. Alain fut donc qualifié, à longueur de nécro, de « dernier des grands ». Un an et demi plus tard et à l'écoute d'Osez Bashung, il apparaît que cette expression n'était pas galvaudée. Sur le premier CD on se balade au coeur de ses classiques : De « La nuit je mens » à « Gaby », de « Joséphine » à « Bijou », de « Ma petite entreprise » à « Madame rêve », on se replonge dans ces titres, qui à un moment ou un autre, furent les bandes originales de nos vies. On se retrouve fasciné par la puissance d'évocation intacte de chacun des textes, de chacune des mélodies. Sur la deuxième rondelle, on confronte l'histoire de Bashung à celle de la musique. Alain durant toute sa vie s'est frotté à ses héros, croisant le fer avec Gainsbourg, Ferré, Hendrix, Brel, Christophe, Dylan, Trénet. sur des reprises qu'il a rhabillées de pied en cape. Drôle de parcours qui de « L'homme à tête de chou » (pour la première fois en CD) à « Everybody's talkin' » lève un coin de rideau sur l'intimité d'un Bashung boulimique de musique.
Le guitariste John Abercrombie, qui enregistre en tant que leader chez ECM depuis 1974, revient avec un second album de son quartet, avec Marc Copland au piano, au côté de ses partenaires rythmiques de longue date Drew Gress et Joey Baron. 39 Steps, le précèdent album du groupe fut encensé par le Financial Times : L'emphase est mise sur la subtile intrigue, le lyrisme coulant et l'interaction entre la guitare chaleureuse et proprement articulée du leader et le piano de Copland... avec le bassiste Gress et le batteur Baron pour compagnons aussi souples que nerveux. Ces mêmes caractéristiques se retrouvent dans Up and Coming, bien qu'avec encore plus d'attention accordée aux valeurs immuables de la chanson. Le phrasé liquide et le ton lumineux d'Abercrombie - permis par le jeu au pouce qu'il a parfait depuis son abandon du médiator ces dernières années - animent ses 5 compositions originales, les deux de Copland ainsi que le standard de Miles Davis Nardis, joué dans l'esprit de Bill Evans. Up and Coming a une atmosphère crépusculaire, dont la mélodie est la lumière directrice.
En 1973 Frank Zappa a fait une série de spectacles au Roxy de Los Angeles. 5 shows en 3 jours, qui sont aujourd'hui devenus légendaires. Ces représentations sont un des sommets de la carrière de Frank Zappa et de son groupe les Mothers of Invention. Comme il en avait l'habitude, Zappa à tout enregistré, et filmé. Voici pour la première fois réuni l'enregistrement intégral des concerts des 9 et 10 décembre, le sound check du 8 décembre, et de nombreux bonus dont des répétitions, et des titres inédits. Le son a été mixé à partir des bandes multipistes en haute définition. Filmées en 16 mm, les images de ces concerts dormaient depuis dans les coffres de Frank Zappa. Aujourd'hui, après une restauration complète en haute-définition dirigée par la famille de l'artiste, ce concert est enfin disponible en vidéo. Format : DVD Musical NTSC - Région 0 - Ratio Ecran : 16/9 6 Son : DTS Surround Sound, Dolby Digital 5.1, Dolby Digital Stéréo - Durée : 116 minutes. Format : Blu-Ray musical - Ratio Ecran : 16/9 - Son : DTS-HD Master Audio, LPCM Stéréo - Durée : 116 minutes
En 1973 Frank Zappa a fait une série de spectacles au Roxy de Los Angeles. 5 shows en 3 jours, qui sont aujourd'hui devenus légendaires. Ces représentations sont un des sommets de la carrière de Frank Zappa et de son groupe les Mothers of Invention. Comme il en avait l'habitude, Zappa à tout enregistré, et filmé. Voici pour la première fois réuni l'enregistrement intégral des concerts des 9 et 10 décembre, le sound check du 8 décembre, et de nombreux bonus dont des répétitions, et des titres inédits. Le son a été mixé à partir des bandes multipistes en haute définition. Filmées en 16 mm, les images de ces concerts dormaient depuis dans les coffres de Frank Zappa. Aujourd'hui, après une restauration complète en haute-définition dirigée par la famille de l'artiste, ce concert est enfin disponible en vidéo. Format : DVD Musical NTSC - Région 0 - Ratio Ecran : 16/9 6 Son : DTS Surround Sound, Dolby Digital 5.1, Dolby Digital Stéréo - Durée : 116 minutes. Format : Blu-Ray musical - Ratio Ecran : 16/9 - Son : DTS-HD Master Audio, LPCM Stéréo - Durée : 116 minutes
En mars 2009, la nouvelle de sa mort avait pris des airs de coups de massue. Quand les gens partent, on les enrubanne de superlatifs censés faciliter le voyage. Alain fut donc qualifié, à longueur de nécro, de dernier des grands. Un an et demi plus tard et à l'écoute d'Osez Bashung, il apparaît que cette expression n'était pas galvaudée. Sur le premier CD on se balade au coeur de ses classiques : De La nuit je mens à Gaby, de Joséphine à Bijou, de Ma petite entreprise à Madame rêve, on se replonge dans ces titres, qui à un moment ou un autre, furent les bandes originales de nos vies. On se retrouve fasciné par la puissance d'évocation intacte de chacun des textes, de chacune des mélodies. Sur la deuxième rondelle, on confronte l'histoire de Bashung à celle de la musique. Alain durant toute sa vie s'est frotté à ses héros, croisant le fer avec Gainsbourg, Ferré, Hendrix, Brel, Christophe, Dylan, Trénet. sur des reprises qu'il a rhabillées de pied en cape. Drôle de parcours qui de L'homme à tête de chou (pour la première fois en CD) à Everybody's talkin' lève un coin de rideau sur l'intimité d'un Bashung boulimique de musique.
Jeune Femme', le premier long-métrage de Léonor Serraille, avec Laetitia Dosch, récompensé à Cannes par la Caméra d’Or, dans la catégorie 'Un Certain Regard', ainsi que le prix d’Ornano Valenti au Festival de Deauville 2017. Une musique originale de Julie Roué, jeune compositrice française très prometteuse, entendue notamment dans 'Le Parc'. La sortie du film est prévue pour le 1er novembre 2017. Un chat sous le bras, des portes closes, rien dans les poches, voici Paula, de retour à Paris après une longue absence. Au fil des rencontres, la jeune femme est bien décidée à prendre un nouveau départ. Avec panache. La musique du film Jeune Femme est variée, offrant entre rock, pop, chanson et électro, un panel émotionnel large qui porte à merveille l’errance du personnage haut en couleur de Paula. Julie Roué réussit le tour de force de composer, dans divers styles, des mélodies prenantes et sublimes. L’album contient également les titres de Koudlam, Gil Evans ou encore Leon Birdman.
Véritable phénomène au Danemark depuis plusieurs années, VOLBEAT est en passe d'exploser sur la scène hard rock internationale. Après avoir raflé toutes les récompenses danoises avec leur premier album studio « The Strength / The Sound / The Songs », gratifié d'un 10/10 dans le Rock Hard, le groupe a enchaîné concerts sur concerts, partageant la scène avec des noms pour le moins célèbres, dont Metallica et Megadeth. A mi-chemin entre le métal et le rock'n'roll des sixties, la musique de VOLBEAT détone dans le paysage hard rock actuel. Parfois surnommé « Elvis Metal », VOLBEAT fait l'unanimité tant sur album que lors de leurs impressionnantes prestations live. A noter que Rock The Rebel / Metal The Devil, sorti en février 2007 a été disque de Platine au Danemark et Suède. Leur opus « Beyond hell / Above heaven » a été un énorme succès international puisqu'il s'est classé dans le top 10 de 7 pays européens. Il est donc logique de voir apparaitre un live de la tournée triomphale du groupe.
Le troisième volet de la série à succès 50 Greatest Tracks, rendant hommages aux plus grandes voix de l'histoire du label Decca Classics, honore la carrière de l'immense ténor José Carreras en présentant ses 50 plus grands triomphes. Ce double album se veut également être un recueil compréhensif destiné aux amateurs d'opéra et offre aux auditeurs les plus célèbres airs de Verdi, Puccini, Donizetti, Bellini et Tosti, ainsi que Tonight, de la comédie West Side Story, dans des versions de référence, sublimées par le timbre étincelant de la vigoureuse voix de Carreras. L'album paraîtra pour accompagner sa dernière tournée internationale, clôturant une immense carrière de 50 ans jalonnée de nombreuses distinctions dont notamment 2 Gramophone Awards et marquée par ses concerts avec les Trois Ténors, aux côtés de Luciano Pavarotti et Placido Domingo. Voici un hommage sensationnel à l'un des plus grands chanteurs lyriques du XXème siècle, à travers un programme qui satisfera les passionnés d'opéras aussi bien que les novices désireux de découvrir les grands airs du vérisme et du bel canto.
Pierrick Pédron est l’un des meilleurs saxophonistes alto du jazz français et un compositeur de talent toujours en quête de singularités musicales. En plus de 15 ans de carrière, Pierrick Pédron a joué dans de multiples formations, fait des propositions artistiques toujours plus audacieuses flirtant parfois avec le rock, la pop, le funk mais aussi le psyché... et collaboré avec un grand nombre de musiciens à travers le monde. Aujourd’hui, cette acteur incontournable de la scène jazz française revient avec un neuvième album puissant et synesthésique, donnant à entendre un paysage musical particulièrement inspiré. Pour donner vie aux huit compositions originales et à la reprise du groupe Depeche Mode, que comprend cet album, Pierrick Pedron a initié un nouveau quartet comprenant son ami de toujours le contrebassiste Thomas Bramerie, le talentueux et non moins célèbre batteur New-Yorkais Greg Hutchinson et le brillant jeune pianiste français Carl-Henri Morisset. Cet album de près de 50 minutes, situé quelque part entre le post-bop et le pre-free, a été entièrement réalisé par le méticuleux pianiste Laurent De Wilde.
Véritable phénomène au Danemark depuis plusieurs années, VOLBEAT est en passe d'exploser sur la scène hard rock internationale. Après avoir raflé toutes les récompenses danoises avec leur premier album studio « The Strength / The Sound / The Songs », gratifié d'un 10/10 dans le Rock Hard, le groupe a enchaîné concerts sur concerts, partageant la scène avec des noms pour le moins célèbres, dont Metallica et Megadeth. A mi-chemin entre le métal et le rock'n'roll des sixties, la musique de VOLBEAT détone dans le paysage hard rock actuel. Parfois surnommé « Elvis Metal », VOLBEAT fait l'unanimité tant sur album que lors de leurs impressionnantes prestations live. A noter que Rock The Rebel / Metal The Devil, sorti en février 2007 a été disque de Platine au Danemark et Suède. Leur opus « Beyond hell / Above heaven » a été un énorme succès international puisqu'il s'est classé dans le top 10 de 7 pays européens. Il est donc logique de voir apparaitre un live de la tournée triomphale du groupe.
Monument de la musique des années 70 et précurseurs, Roxy Music sera LE groupe qui annoncera le mieux les 80’s. Avec ce groupe le duo de génie, Ferry / Eno va dynamiter la Pop et devenir la valeur sure de la scène rock international. Afin de célébrer le 45ème anniversaire de la sortie du premier album de Roxy Music, celui-ci est réédité en format Super deluxe. Roxy Music, mené par Bryan Ferry fut le premier groupe pop post-modern mélangeant élégamment la culture, l'art, le cinéma et la musique, posant même les bases du Glam Rock. Ce premier opus connu un succès immédiat, et rentra 10ème des charts anglais. À l'occasion de cette réédition les membres du groupe ont pour la première fois ouvert leurs archives personnelles, afin de proposer du matériel rare et inédit avec des démos, des out-takes, et des prestations Live audio et vidéo. Contenu de l'éditions Super Deluxe : CD 1 : Album remasterisé CD 2 : Demos & Out-Takes CD 3 : The BBC Sessions DVD : Live / Prestations TV / Mix de l'album en 5.1 Contenu de l'éditions Deluxe CD 1 : Album remasterisé CD 2 : The BBC Sessions
Monument de la musique des années 70 et précurseurs, Roxy Music sera LE groupe qui annoncera le mieux les 80’s. Avec ce groupe le duo de génie, Ferry / Eno va dynamiter la Pop et devenir la valeur sure de la scène rock international. Afin de célébrer le 45ème anniversaire de la sortie du premier album de Roxy Music, celui-ci est réédité en format Super deluxe. Roxy Music, mené par Bryan Ferry fut le premier groupe pop post-modern mélangeant élégamment la culture, l'art, le cinéma et la musique, posant même les bases du Glam Rock. Ce premier opus connu un succès immédiat, et rentra 10ème des charts anglais. À l'occasion de cette réédition les membres du groupe ont pour la première fois ouvert leurs archives personnelles, afin de proposer du matériel rare et inédit avec des démos, des out-takes, et des prestations Live audio et vidéo. Contenu de l'éditions Super Deluxe : CD 1 : Album remasterisé CD 2 : Demos & Out-Takes CD 3 : The BBC Sessions DVD : Live / Prestations TV / Mix de l'album en 5.1 Contenu de l'éditions Deluxe CD 1 : Album remasterisé CD 2 : The BBC Sessions
Pour la tournée Little Italy, passée dans toute la France en 2013, Roberto Alagna a puisé son inspiration dans la culture des immigrés italiens venus s'installer à Little Italy, quartier mythique de New York, avec dans leurs bagages, une tradition musicale riche. Dans ce nouveau tour de chants, le ténor présente sa petite Italie et rend hommage aux grands compositeurs italo-américains qui ont façonné la musique du XXe siècle : Dean Martin, Franck Sinatra, Mario Lanza ou Louis Prima. et étend son hommage aux artistes français comme Nino Ferrer, Yves Montand ou Serge Reggiani, qui ont contribué à étendre la culture musicale italienne à travers le monde. Sous la direction musicale de Frédéric Manoukian, dont le Big Band swinguant réunit une vingtaine de musiciens sur scène. S'inspirant des couleurs d'origines des premières formations italo-américaines, le chef d'orchestre réussit un époustouflant tour de force à travers des arrangements musicaux dynamiques et novateurs, épousant idéalement les inflexions lyriques de la puissante voix du chanteur d'opéra.
Blondie est un groupe de rock américain, originaire de New York. Il est formé en 1974 par Deborah Harry et Chris Stein. Pionnier de la scène pop punk des années 1970, le groupe devient célèbre pour son mélange électrique de styles musicaux intégrant des éléments disco, pop, rap, reggae tout en conservant une base new wave. Blondie se sépare après la sortie de son sixième album studio, The Hunter en 1982. Debbie Harry continue en solo avec plus ou moins de succès. Le groupe se reforme en 1997, avec un single à succès, Maria qui devient premier au Royaume-Uni en 1999. Le groupe effectue des tournées à travers le monde durant les années suivantes. Blondie compte plus de 40 millions d'albums dans le monde, et continue d'en vendre encore aujourd'hui avec la sortie de son onzième album, Pollinator. Parmi leurs plus grands succès, on peut notamment citer Heart of Glass, Call Me, The Tide Is High, One Way or Another, Atomic ou encore Maria. Ce live date des suites de leur reformation et il fut enregistré en 1999 aux Etats-Unis.
Le succès de The Head On the Door a donné une grande liberté artistique au groupe de Robert Smith qui en profite en enregistrant ce double album, ambitieux, réussi et (une fois de plus) immensément populaire. Plaire avec le même disque aux esthètes européen et au grand public américain (n°35 du classement du Billboard) : que rêver de mieux ? The Cure est alors sur un nuage, tout ce qu'il touche se transforme en or. Ce « nouveau » groupe en est vraiment un : ses membres cosignent pour la première fois toutes les musiques (Smith se réserve toujours les textes), ils s'amusent ensemble et ça s'entend. Cet album de 18 titres, riche et chatoyant, enregistré en France dans une certaine sérénité, est une réussite artistique et commerciale (n°6 en Angleterre), à l'image de ses singles les plus connus, « Why Can't I Be You ? » et « Just Like Heaven » (le premier du groupe à se classer dans le fameux Top 40 du Billboard, à la 40ème position). Ce dernier titre magnifique, réussissant l'exploit pop ultime d'être à la fois triste et entraînant, est l'un des plus populaires du groupe en France, puisque sa version instrumentale (enregistrée un an avant l'album) était à l'époque l'indicatif du générique de la fameuse émission télévisée Les Enfants du rock.
Blechacz a été immergé dans l'univers bachien dès son enfance. Il cultive depuis une éloquence naturelle dans ses interprétations de Bach, déjà matures malgré son jeune âge (31 ans). Rafal Blechacz exprime une fois de plus son talent à travers ce nouvel opus consacré à Jean-Sébastien Bach. Lauréat du Concours international de piano Frédéric Chopin en 2005, il est unanimement salué par la critique comme étant un artiste rare, de la trempe de ceux qui n'apparaissent que quelques fois par siècle. Ce premier disque consacré à Bach à paraître chez DG s'ouvre sur l'un de ses morceaux caractéristiques, le Concerto italien BWV 971. Il comprend également d'autres oeuvres tout aussi célèbres telles que la Partita n ° 1 et Wohl mir, daß ich Jesum habe . On peut sentir la profondeur de ses réflexions d'un bout à l'autre de l'album. Les mouvements lents donnent la clé pour comprendre la conception spirituelle et philosophique du compositeur, estime Rafal, dont le jeu juste découle de son expérience formative en tant qu‘organiste dans l'église de son village natal. Cet album démontre pleinement la versatilité et la profonde connaissance qu'a Blechacz de l'oeuvre de Bach.
Les plus grands classiques Disney revisités par les artistes de la scène française. Après les succès des albums WE LOVE DISNEY 1 et 2, voici le meilleur des 2 volumes réuni sur un CD1 Best Of ainsi que les versions originales de vos titres préférés sur un CD2. Sur le CD1, le best of WE LOVE DISNEY offre les plus grands tubes de Disney par Elodie Frégé, Alizée, Nolwenn Leroy, Ben l'Oncle Soul, Olivia Ruiz, Thomas Dutronc et Laura Smet, Arielle Dombasle, Jenifer, Emmanuel Moire, Kendji Girac, Carmen Maria Vega, Jeanne Cherhal, Et un titre inédit à découvrir : Les Nuits d'Arabie interprété par Hiba Tiwaji ! Chaque artiste interprète ces chansons éternelles en leur insufflant sa touche personnelle qui fait toute l'originalité de l'album. Sur le CD2, vous retrouvez les titres du CD1 dans leurs versions originales issues des dessins animés Disney. Toute la famille pourra (re)découvrir ces versions qui continuent de faire rêver plusieurs générations ! Inspirés par l'univers Disney, tous ces artistes français font revivre plus de 75 ans d'histoire musicale. WE LOVE DISNEY BEST OF est l'album idéal pour les petits et les grands.
Ben rend hommage au légendaire crooner, Frank Sinatra. Un projet plein d'audace qui nous propulse dans une autre dimension, là où la Soul, le Blues, le Reggae et le Jazz se rencontrent. Le Soulman français reprend quelques-uns des grands standards de Jazz popularisés par Sinatra dans une soul moderne et ensoleillée. En collaboration avec Matthieu Joly (Neïmo) et Benjamin Waxx Heikimian (Naosol & The Waxx Blend), l'artiste d'origine caribéenne nous livre des versions sucrées-salées étonnantes. Fidèle à lui-même, l'oncle Ben conserve cette chaleur dans sa voix, des émotions à fleur de peau qui nous transportent entre Paris et New York. Ce qui m'a touché le plus dans l'oeuvre de Sinatra, ce sont les textes, explique-t- il. J'ai voulu offrir à ces bijoux un nouvel écrin, créer des ponts entre les genres et les époques. S'il se détache totalement de l'interprétation originelle, Ben raccroche chaque mot, chaque message, à son âme et son vécu, des chansons qui lui collent dorénavant à la peau. Les arrangements ont été soigneusement travaillés pour créer une recomposition complète des décors, des atmosphères et des ambiances de chaque titre.
Every Day Should Be A Holiday, Bohemian Like You, We Used To Be Friends... & 2 nouvelles chansons : My Lovely Girl et I Am Free Boys Better, Every Day Should Be A Holiday, Not If You Were The Last Junkie On Earth... C'est avec ces hits rock teintés de psychédélisme que les Dandy Warhol se sont imposés dans les années 90 parmi les meilleures formations US. Avec la morgue de leur leader Courtney Taylor-Taylor et la générosité de leur guitariste Pete Holmström, le groupe possédait déjà alors une très forte identité, mais il séduisit véritablement toute la planète quand, en 2000, leur troisième album enfonça le clou, riche du hit Get Off et surtout de l'inusable Bohemian Like You. Propulsé au sommet de l'Olympe Rock'n'Roll, les Dandy Warhols dégainèrent ensuite les tueries We Used To Be Friends, Scientist ou Smoke It, ce qui consolida encore leur aura de groupe culte. Regroupant tous ces titres, cette compilation est donc d'une puissance peu commune et a également le mérite de proposer deux chansons inédites composées pour l'occasion, My Lovely Girl et I Am Free. La preuve que ces musiciens ont toujours su allier le mot exigence à un certain sens du cool.
DEUTSCHE GRAMMOPHON REUNIT LES 2 ARTISTES RUSSES LES PLUS BRILLANTS DE LEUR GENERATION. Après le succès de ses deux précédents albums de concertos (Beethoven et Brahms) chez Deutsche Grammophon, Vadim Repin se tourne vers la forme plus intimiste de la sonate. Accompagné de son compatriote et complice Nikolai Lugansky au piano, il a choisi de réunir sur un même album trois sonates romantiques, toutes extrêmement différentes. L'oeuvre centrale de ce disque est la célébrissime Sonate en La majeur de Franck, que Repin et Lugansky ont jouée de nombreuses fois en concert. Grandiose et intense, elle est encadrée par la Sonate n°2 en Ut majeur de Grieg, que Vadim Repin compare à une oeuvre de Mozart, pour son côté naïf et ravissant; et de la plus introspective et tourmentée Sonate de Janacek. L'idée était d'enregistrer un disque dont le programme se rapprocherait de celui d'un concert : « rien n'était planifié, tout était incroyablement spontané ». Un défi qui n'aurait pas été possible sans la confiance et l'admiration mutuelles que se vouent les deux artistes, ainsi que la parfaite complémentarité de leur jeu. UN ALBUM TOUT EN CONTRASTES ET EN EMOTION !
C'est dans le brassage que l'on fait les choses les plus vivantes. Les chansons de Gaëtan Roussel nous rappellent cette évidence à l'apparence si simple mais dont le processus demande pourtant du temps, de l'ouverture, des voyages, des échanges et une joie vraie de partager, mélanger. Entre Paris et Los Angeles, l'artiste, meneur de voix et guitare de Louise attaque, a trafiqué son terrain de jeu. Il a rencontré de l'autre côté de l'atlantique des alter-ego auteurs, compositeurs, producteurs avec lesquels il a partagé la création de ses prochaines chansons. Ensemble, ils ont construit un son, une musique née de cet alliage franco-américain inédit que l'artiste s'est employé à créer, chercher, mêlant ses mots aux leurs, sa sensibilité au groove particulier de ses pairs anglo-saxons. Ceux qui ont travaillé avec Rihanna, Beck et même Prince (ils s'appellent Justin Stanley, Jonas Myrin) ont conjugué leur rêve avec celui de Gaëtan, aidés pour la réalisation de producteurs d'ici comme Dimmi, Antoine Gaillet ou Gaëtan lui-même. Le résultat est un album néo pop inclassable, addictif, d'une vibrante intimité. C'est le troisième album solo de Gaëtan Roussel.
31 décembre 2015, Mötley Crüe prenaient d’assaut la scène du Staples Center dans leur ville natale de Los Angeles, pour le dernier concert de leur carrière ! C’était l’apothéose d’une tournée d’adieux qui avait débuté en juillet 2014 et qui les avait emmenés autour du monde, traversant l’Amérique du Nord et du Sud, le Japon, la Nouvelle Zélande, l’Europe et le Moyen-Orient. Les membres ayant signé un contrat leur interdisant de se produire sur scène au-delà de 2015 sous le nom de Mötley Crüe, ce concert était véritablement le concert ultime du groupe ! Mais ils tirèrent leur révérence avec style, grâce à une scénographie et des effets pyrotechniques spectaculaires, l’incroyable solo de Tommy Lee et sa batterie montée sur rollercoaster, et bien sûr tous les grands-classiques de leur carrière. Ils quittent la scène mais on ne les oubliera pas de sitôt ! Bonus Interviews avec Motley Crue, la basse lance-flammes de Nikki, et la batterie de Tommy. Formation Vince Neil (chant), Nikki Sixx (basse), Tommy Lee (batterie), Mick Mars (guitares)
31 décembre 2015, Mötley Crüe prenaient d'assaut la scène du Staples Center dans leur ville natale de Los Angeles, pour le dernier concert de leur carrière ! C'était l'apothéose d'une tournée d'adieux qui avait débuté en juillet 2014 et qui les avait emmenés autour du monde, traversant l'Amérique du Nord et du Sud, le Japon, la Nouvelle Zélande, l'Europe et le Moyen-Orient. Les membres ayant signé un contrat leur interdisant de se produire sur scène au-delà de 2015 sous le nom de Mötley Crüe, ce concert était véritablement le concert ultime du groupe ! Mais ils tirèrent leur révérence avec style, grâce à une scénographie et des effets pyrotechniques spectaculaires, l'incroyable solo de Tommy Lee et sa batterie montée sur rollercoaster, et bien sûr tous les grands-classiques de leur carrière. Ils quittent la scène mais on ne les oubliera pas de sitôt ! Bonus Interviews avec Motley Crue, la basse lance-flammes de Nikki, et la batterie de Tommy. Formation Vince Neil (chant), Nikki Sixx (basse), Tommy Lee (batterie), Mick Mars (guitares)
Voici le second volet de la série de documentaires présentant la vie du Roi de la valse dans une intimité nouvelle. Welcome to my World part 2 lève le voile sur André Rieu et offre une immersion profonde au coeur du personnage à travers des images backstage, des performances live ainsi que de touchantes interviews encore inédites à ce jour. Cette série suit l'artiste et ses invités dans leur préparation pour une tournée mondiale qui les emmènera depuis l'Australie jusqu'en Argentine en passant par Mexico et Maastricht. Les spectateurs pourront ainsi rejoindre André Rieu et son célèbre orchestre Johann Strauss dans un voyage célébrant la musique, la valse et le fantastique jeu de scène du violoniste. Chaque épisode documente une parcelle de la vie du maestro et offre de nouvelles captations de concert ainsi que des interviews exclusives des fils d'André Rieu, Marc et Pierre, des membres de longue date de l'orchestre Johann Strauss, de ses solistes Carla Maffioletti, Carmen Monarcha et Mirusia Louwerse et de bien d'autres figures marquantes. Ce deuxième épisode emmènera les nombreux fans d'André Rieu à Vienne, à Maastricht et au Mexique.
La série Télé Violetta est une série télévisée argentine. Elle est diffusée avec succès en Argentine et en Italie depuis le 14 mai 2012. Elle est diffusée en France depuis début octobre 2012 du lundi au vendredi à 18H45. Le synopsis de la série Violetta raconte l'histoire d'une adolescente très talentueuse qui, après avoir vécu de nombreuses années à Madrid, est retournée avec son père à Buenos Aires, sa ville natale. Elle entrera dans un studio de musique, mais suscitera la jalousie de Ludmila, une élève du studio, talentueuse, sûre d'elle et manipulatrice. Après avoir découvert que Violetta plaît à Leon, le petit ami de Ludmila (qui la quittera pour tenter de sortir avec Violetta), ainsi qu'à Tomas, livreur de son état, Ludmila tentera par tous les moyens d'éloigner Violetta des deux garçons. L'histoire est aussi centrée sur des secrets de famille, notamment concernant la mère de Violetta, chanteuse décédée quelques années auparavant. German, le père multimillionnaire de Violetta, refuse catégoriquement de parler de son ex-femme et laisse sa fille dans une grande confusion.
Le 1er Juillet 2011, Montreux était le théâtre de la rencontre de deux maîtres de la guitare, Carlos Santana et John McLaughlin, pour leur concert Invitation to Illumination. Depuis des années, ces deux musiciens sont des habitués du fameux festival helvétique mais c'était la première fois qu'ils s'y produisaient ensemble lors d'un même concert. Le spectacle contient la plupart des titres de leur célèbre album de 1973 Love Devotion Surrender, mélangés à leurs grands classiques. Cette soirée est un symbole de virtuosité musicale et de spiritualité, deux traits qui résument parfaitement l'approche de ces deux géants de la musique. Formation Carlos Santana (Lead guitare & chant); John McLaughlin (Lead guitare lead & chant); Cindy Blackman Santana (Batterie); Dennis Chambers (Batterie); David K. Mathews (Claviers); Tommy Anthony (Guitare & chant); Raul Rekow (Congas, Percussions & Chant); Etienne M'Bappé (Basse); Benny Rietveld (Basse); Tony Lindsay (Chant); Andy Vargas (Chant).
Un film de Stephen Kijak. Au printemps 1971, les Rolling Stones quittaient l'Angleterre pour s'exiler en France afin d'échapper au fisc. Keith Richards s'installait à la villa Nellcôte de Villefranche-sur-Mer où allait s'enregistrer une grande partie du chef-d'oeuvre du groupe Exile On Main Street. Dans Stones In Exile les membres du groupe racontent eux-mêmes cette période et, grâce à de nombreuses images d'archives, la création de ce double album extraordinaire. Avec 90 minutes de bonus : extraits de Cocksucker Blues resynchronisés avec les multipistes d'origine. Nombreuses images additionnelles dont des interviews de tous les membres du groupe. Mick Jagger et Charlie Watts retournent aux studios Olympic à Londres et à Stargroves (maison familiale de Jagger) où l'enregistrement avait commencé. Interviews des fans d'Exile : Martin Scorsese, Jack White, Don Was, Caleb Followill (Kings Of Leon), Benicio Del Toro, Will.I.Am (Black Eyed Peas), Sheryl Crow, Anita Pallenberg, Ronnie Wood, le producteur Jimmy Miller, l'ingénieur du son Andy Johns, le photographe Dominique Tarlé et le saxophoniste Bobby Keys.
Largement amorcés avec les singles compilés sur Japanese Whispers, la guérison du Cure dépressif et le renouvellement de sa musique dans des ambiances nettement moins pesantes prend effet sur album avec The Top en 1984. Ce qui en fait un de leurs disques les plus controversés des années 80. Les uns le voient comme un chef-d'oeuvre de neo-psychédélisme, les autres se sentent trahis et déplorent son côté outrageusement baroque à l'image d'une pochette nauséeuse. Il est vrai que sans complètement tourner le dos à la noirceur, Robert Smith grave dans ses sillons des sonorités latines, orientales, des parties de saxo (le terrifiant Give Me It), de flûtes, de pianos, de tambours... Bref, il se fait plaisir. Au-delà de ce débat, si certaines compositions sont sans doute plus faibles que d'habitude, d'autres tirent parfaitement leur épingle du jeu : le rageur Shake Dog Shake constituera pendant longtemps une parfaite ouverture pour les concerts du groupe, The Wailing Wall rappelle les grandes heures de Pornography en un peu plus folklorique, Piggy In The Mirror fait son nid dans vos oreilles et le single The Caterpillar montre les premiers signes d'un succès de masse dont l'album The Head On The Door se fera plus solidement l'écho.
La France les a découverts dans les stades en 1ère partie d'AC/DC et de Guns N'Roses, puis dans les clubs parisiens (La Boule Noire, Le Divan du Monde) où ils ont littéralement mis le feu! Sorte de carte de visite, leur EP The Wayside (sortie en 2015) a valu à Tyler Bryant & The Shakedown les honneurs de la presse spécialisée. Rock Hard, Guitar Part, Guitar Xtreme, La Grosse Radio, Oui FM ne tarissent pas d'éloges sur les talents de ce jeune guitariste / chanteur et de sa troupe. Flanqué de ses insaisissables Shakedown - Caleb Crosby (batterie), Graham Whitford (guitare), Noah Denney (basse) - ce texan exilé à Nashville nous offre enfin un véritable nouvel album. Un disque de blues rock tonique et moderne dominé par des guitares classieuses et précises. Sa voix n'est pas en reste puisqu'elle imprime une personnalité décapante à l'ensemble des compositions, qui, sans pour autant sonner vintage respectent tout de même la tradition. Un exploit que peu de groupes réussissent à réaliser de nos jours. Pas étonnant que le petit Tyler soit adoubé par Jeff Beck, Robben Ford et quelques-unes des meilleures gâchettes du genre.
Pour Voyager son quatrième album studio, Vitalic se souvient avoir d'abord désiré composer un disque quasiment pas dansant, inspiré par la musique électronique des années 70's. Depuis maintenant une bonne quinzaine d'années, le français Vitalic (Pascal ARBEZ-NICOLAS de son vrai nom) s'est employé à redéfinir la notion d'électro à la sauce française, imposant sa patte inimitable et mélodique. Vitalic a, d'une certaine manière, ouvert la voie avec majesté au concept de banger et de french touch 2.0, remettant avec élégance la France sur la carte des machines à danser. Voyager est ainsi un disque qui se souvient de tout l'héritage de la disco cosmique des années 80. Une musique dominée par les synthétiseurs, profondément énergique et orgasmique, dont les influences sont à chercher chez les pionniers du genre comme Moroder, Cerrone, Patrick Cowley, Lime, Spacer, Carpenter, ou Gino Soccio. Il réunit parfaitement les trois éléments qui ont toujours fait la force de Vitalic : un brin de folie expérimentale, des mélodies imparables et de l'énergie à revendre. Une recette magique qui fait de Voyager le disque idéal à écouter les pieds sur le dancefloor et la tête dans les étoiles. Ou le contraire.
Un film de Stephen Kijak. Au printemps 1971, les Rolling Stones quittaient l'Angleterre pour s'exiler en France afin d'échapper au fisc. Keith Richards s'installait à la villa Nellcôte de Villefranche-sur-Mer où allait s'enregistrer une grande partie du chef-d'oeuvre du groupe Exile On Main Street. Dans Stones In Exile les membres du groupe racontent eux-mêmes cette période et, grâce à de nombreuses images d'archives, la création de ce double album extraordinaire. Avec 90 minutes de bonus : extraits de Cocksucker Blues resynchronisés avec les multipistes d'origine. Nombreuses images additionnelles dont des interviews de tous les membres du groupe. Mick Jagger et Charlie Watts retournent aux studios Olympic à Londres et à Stargroves (maison familiale de Jagger) où l'enregistrement avait commencé. Interviews des fans d'Exile : Martin Scorsese, Jack White, Don Was, Caleb Followill (Kings Of Leon), Benicio Del Toro, Will.I.Am (Black Eyed Peas), Sheryl Crow, Anita Pallenberg, Ronnie Wood, le producteur Jimmy Miller, l'ingénieur du son Andy Johns, le photographe Dominique Tarlé et le saxophoniste Bobby Keys.
La musique de Souvenance, pleine de grâce et de mystère, tour à tour hypnotique, austère et d'une grande force dramatique, a été enregistrée en 2014 six ans après le dernier album sur ECM du grand maître de l'oud Anouar Brahem Ça m'a pris beaucoup de temps d'écrire ce répertoire reconnaît Anouar Brahem, précisant avoir senti son monde intérieur et émotionnel entièrement monopolisé par les bouleversements politiques survenant au tournant de l'année 2011 d'abord en Tunisie puis dans ses pays voisins. Des vagues extraordinaires de changement, avec leur cortège d'espoirs et de peurs incommensurables. Je ne prétends pas qu'il y ait un lien direct entre les compositions et les événements qui se sont déroulés en Tunisie, explique Anouar Brahem, mais j'ai été profondément marqué par ce qui s'est passé. Les nouvelles directions prises par Anouar Brahem pour sa musique permettent de réintroduire François Couturier au sein du groupe, fréquemment engagé dans un dialogue subtil avec un orchestre à cordes. Les cordes, d'une grâce extrême et tout en transparences miroitantes, apportent à ce répertoire des effets de textures et de couleurs chatoyantes sur quoi les quatre solistes et avant tout le jeu d'oud unique d'Anouar Brahem se détachent, comme en relief.
En complément de l’édition symphonique parue en 2014, Deutsche Grammophon présente aujourd’hui l’édition opéra réunissant l’intégralité des enregistrements d’opéras de Claudio Abbado pour Deutsche Grammophon et Decca, comprenant 20 intégrales d’opéra, des recueils d’arias et d’ouvertures ainsi que deux récitals gala. On l’y retrouvera à la tête d’orchestres avec lesquels il est le plus étroitement associé : Orchestra Mozart, Chamber Orchestra of Europe, London Symphony Orchestra, Berliner Philharmoniker, Wiener Philharmoniker, Mahler Chamber Orchestra et l’Orchestre du Festival de Lucerne. L’édition opéra de Claudio Abbado témoigne d’un héritage opératique extraordinaire et rend hommage à un grand maestro Au cours de sa collaboration avec Deutsche Grammophon durant plus de quarante ans, Claudio Abbado réalisa d’innombrables enregistrements, des interprétations inégalées devenues des grands classiques, résistant à l’épreuve du temps. Abbado fut aussi bien un homme de théâtre comme il fut l’un des plus grands chefs d’orchestre symphonique du 20e siècle. L’opéra était au centre de toutes ses fonctions de chef d’orchestre, avec trois grands compositeurs constituant les piliers principaux de son legs discographique : Mozart, Rossini et Verdi.
Roberto Alagna revient avec un nouvel album aux couleurs chaudes de l'Amérique latine, PASIÓN ! On y retrouve : De grands classiques tels que Besame mucho, Quizás, Quizás, Quizás ou Cielito Lindo - Une sublime reprise de Piensa en mi, immortalisée par Luz Casal dans la bande originale de Talons Aiguilles - Mais aussi un très beau duo sur Historia de un amor, (monument de la musique sud-américaine) avec la chanteuse mexicaine Lila Downs, connue pour son interprétation de la bande originale de Frida en 2002. Roberto nous propose une extraordinaire promenade dans le boléro cubain, la ranchera mexicaine et le tango argentin et pas question de dénaturer ces chansons auxquelles il est très attaché car ces chansons ont toujours fait partie de ma vie. En préservant l'authenticité de ses morceaux, notamment grâce à des arrangements qualifiés d'« ethniques » par Yvan Cassar (à la direction musicale), mais sans hésiter à secouer des standards comme La Cumparsita, Roberto Alagna explore un nouveau répertoire avec lequel il a une proximité instinctive. Après tout, les Alagna sont arrivés de Sicile en venant d'Espagne vers 1870. Et j'ai une grand-mère qui est née à Buenos-Aires.
En 2002, Superbus débarquait comme un ovni sur la scène rock française, décidé à imposer un univers musical et visuel unique en France. Pari réussi en seulement quatre ans avec 2 albums studio, 230 000 albums vendus dont 150 000 de leur dernier opus « Pop'n'Gum » certifié disque d'or, une nomination aux Victoires de la musique, une victoire aux MTV Europe Awards pour le « Meilleur groupe français » et une crédibilité acquise sur scène avec des tournées sold out dans toute la France (environ 100 dates/an). Avec leur 3ème opus « WOW » qu'ils ont co-réalisé, Superbus confirme et signe. Entre disco rock enivrant aux accents new wave et dirty pop aux riffs imparables, l'album se révèle surprenant et aventureux, surfant sur les influences 60's et 80's du groupe. Auteur-compositrice de l'ensemble des titres, la charismatique et pétillante Jennifer Ayache s'impose à 22 ans comme l'une des artistes féminines les plus prometteuses de la scène hexagonale, véritable icône d'une nouvelle génération. Avant de retrouver le groupe sur les routes à partir de janvier, un lancement événementiel & live à Paris et en province permettra au public de découvrir le nouvel album en partant à la recherche du bus Superbus itinérant et en assistant aux concerts privés.
Pour son second album sur le label ECM le fabuleux saxophoniste britannique Andy Sheppard nous présente un nouveau trio. Le batteur Sebastian Rochford (qui a joué avec Patti Smith, Herbie Hancock, David Byrne/Brian Eno entre autres...) fait partie de ces jeunes musiciens qui ont modifié en profondeur le paysage jazzistique britannique ces dernières années avec des groupes comme Polar Bear et Acoustic Ladyland. Le contrebassiste français Michel Benita, qui cite Charlie Haden et Scott LaFaro comme ses principales influences, a joué avec multitude de musiciens de tous bords dont Dewey Redman, Lee Konitz, Joe Lovano, Peter Erskine, Aldo Romano, Daniel Humair. Leur répertoire réunit des compositions de Sheppard, Benita et Rochford, des improvisations collectives et le standard I'm Always Chasing Rainbows. Les trois musiciens partagent la même ouverture d'esprit stylistique, à la fois lyrique et libre. Quel que soit le contexte, le degré d'interaction dont font preuves les trois hommes est d'une grande force créative, Benita et Rochford répondant avec perspicacité aux inventions mélodiques et rythmiques de Sheppard.
Avec « Songs of Ascension », Meredith Monk signe une oeuvre majeure dans sa riche carrière. Composée en 2008 et enregistrée en 2009, elle se présente comme une pièce d'un seul tenant, rompant ainsi avec son travail récent qui avait tendance à privilégier des formes fragmentaires et des principes de collage. Depuis quelques années, Meredith s'intéresse aux collaborations avec orchestre et quatuor à cordes. Songs of Ascension est un projet ambitieux, puisqu'à son groupe vocal habituel, elle a rajouté un quatuor à cordes, des instruments, et deux autres groupes vocaux. Ici, les voix et les instruments s'assemblent et s'opposent comme rarement dans son travail. L'inspiration provient de diverses sources : de chants de l'Ascension, groupe de psaumes chantés lors de pèlerinages d'une part, et par ailleurs d'une collaboration avec l'artiste conceptuelle Ann Hamilton pour concevoir l'occupation sonore d'une tour de 8 étages. De cette oeuvre le New Yorker disait qu'«Elle parvient à transmettre des qualités fondamentales comme l'humanité et l'humilité, qui sont rares dans le champ de la musique nouvelle. C'est une artiste pleine d'intelligence mais jamais cérébrale».
Après COUP DE GUEULE sorti en 2004 (vendu à 140 000 ex) TIKEN JAH FAKOLY s'entoure des producteurs KEVIN BACON et JONATHAN QUARMBY (ayant travaillé avec ZIGGY MARLEY...) pour l'enregistrement de son nouvel album L'AFRICAIN. Sortie le 24 septembre et rentré #4 dans les charts album, l'album se tient 3 semaines dans le Top10. L'AFRICAIN a été enregistré dans le studio que Tiken a ouvert à Bamako (Mali). C'est aussi la première fois que sont réunis en studio les musiciens qui l'accompagnent habituellement en tournée. De Bamako à Londres en passant par Paris, les producteurs donnent à l'ensemble du disque cette étonnante touche roots futuriste faisant de L'AFRICAIN à la fois l'album le plus traditionnel et le plus contemporain de Tiken à ce jour. A noter les participations d'AKON, BETA SIMON (première signature du label de Tiken) à cet album ainsi que l'écriture de MAGYD CHERFI sur le premier single OUVREZ LES FRONTIERES featuring SOPRANO (PSY4 DE LA RIME). Le CD bonus inclus les duos avec les plus grands artistes crédibles de la scène world du moment (AMADOU & MARIAM, BERNARD LAVILLIERS, AWADI...) ainsi que 2 inédits et un extrait de son premier album CAMÉLÉON sorti en Afrique uniquement en 2001.
Third Round est le troisième album ECM du batteur Manu Katché, après Neighbourhood et Playground, deux disques qui figurent parmi les meilleures ventes récentes du label. Third Round présente une formation renouvelée tout en demeurant fidèle aux principes esthétiques des précédents opus qu'un critique avait défini comme la synthèse entre «une thématique jazz et des grooves magnifiquement métamorphosés»... Le bassiste Pino Palladino, qu'une vraie complicité unit à Katché pour avoir assuré en sa compagnie la rythmique de nombreuses sessions, renforce avec nonchalance le caractère groovy de la musique. Le pianiste Jason Rebello possède un toucher délicat et une énergie bouillonnante tandis que le saxophoniste Tore Brunborg s'empare des mélodies de Katché avec un lyrisme passionné et contrôlé. En Invités : le guitariste Jacob Young qui apporte de nouvelles couleurs sur 3 titres et Kami Lyle sa voix innocente sur le morceau « Stay With You». Third Round qui paraît à la veille d'une grande tournée européenne se présente d'ores et déjà comme l'un des événements majeurs de la saison. A noter : Manu Katché qui anime maintenant l'émission hebdomadaire «One Shot Not» sur Arte bénéficie actuellement d'une exposition médiatique très importante.
L.O.A.S sort aujourd’hui son deuxième long format : Tout Me Fait Rire, un projet dense d'où se détachent les mélodies de sa voix entre déséquilibre et élégance Quand j'étais petit, des moines bouddhistes sont venus voir mes parents pour leur dire que j'étais un tulku, la réincarnation d'un maître. Et en un sens, ça m'a profondément marqué. Depuis le sud de la France, après une enfance isolée, une adolescence agitée, entre débrouille et découvertes, de Londres à Sydney en passant par l'Inde, les raves et les initiations mystiques, la personnalité explosive du rappeur L.O.A.S s'est développée au travers d'errances et de coups d'éclat, un chemin non-conventionnel empreint de spiritualité et de folie. Une singularité que l’on retrouve dans la musique qu’il propose depuis ses débuts en 2012, en solo ou au sein du collectif DFHDGB aux côtés du rappeur Hyacinthe et du producteur Krampf. L'album est habité de sons froids et électroniques qui tissent une toile solide entre le meilleur du rap américain contemporain et l’électronique pointue aux notes pop accrocheuses. L’écouter d’une traite fait sombrer dans la réalité, selon ses propres mots. Soumis à la gravité, Tout Me Fait Rire est une mixture hétérogène, jamais figée, qui semble évoluer à chaque écoute.
Très bien accueilli en France avec leur 1er album : Tell 'Em What Your Name Is; Black Joe Lewis & the Honeybears ont déjà joué deux fois à Paris : Nouveau Casino et Café de la Danse sans parler d'une participation à L'album de la semaine (Canal +), Le fou du roi (France Inter) coup de coeur de Libération et d'un bon nombre de médias en France. Ils ont été programmés au Printemps de Bourges et ont joué dans quelques villes françaises. Le chanteur leader Joe Lewis nous a avoué être un grand fan de foot et se passionner pour la révolution française ! Puisse ce nouvel album les établir en France et permettre au leader d'assister à un match du Ligue 1 ! Leur nouvel album nommé à juste titre Scandalous - produit une fois encore par Jim Eno, en plus de son boulot de batteur dans le groupe Spoon - est un cocktail détonnant de rock & roll, de blues et de funk, entrecoupé de pure musique punk. La plus grosse surprise de l'album, c'est incontestablement You Been Lyin', exercice torride, politiquement engagé, dans la plus pure tradition des Parliament- Funkadelic et des Temptations de la fin des années 60. Invités surprise de ce morceau, les choristes des Relatives, groupe « gospel funk » de Dallas qui a produit, il y a quelque trente ans, des enregistrements passés honteusement inaperçus
Mettre en musique des poèmes écrits essentiellement par des enfants issus de classes primaires, tel est l'argument de 'Jours de fête' son nouveau projet... qui entraînera une tournée en 2018. Dès son plus jeune âge, Nicole Rieu chante. A l'âge de 13 ans, elle reçoit une guitare et commence à s'accompagner sur les chansons qu'elle aime de Jean Ferrat à Françoise Hardy... Elle enregistre en 1969 son premier 45 tours chez AZ avec aux arrangements un tout jeune musicien... Jean Musy. Suivent alors quelques années-succès et médiatisées avec bien sûr son passage à l'Eurovision en 1975 où elle finit 4ème avec la chanson 'Et Bonjour à toi l'Artiste', puis 'Ma maison au bord de l'eau', 'Je m'envole', 'En courant', 'La vie ça danse' qui obtient au M.I.D.E.M. le prix de l'Hexagone d'Or décerné par le public à la plus belle chanson de l'année.On la retrouve également dans le rôle-titre de la comédie musicale 'Marie Madeleine', mise en scène par Michaël Lonsdale, puis, plusieurs années de suite au Festival d'Avignon avec Camargue Rouge, mise en scène par Gérard Vantaggioli pour le théâtre du Chien qui Fume. A l'affiche de la célèbre tournée 'âge tendre et tête de bois', en 2012 et 2013 elle renoue avec le grand public populaire qui ne l'a pas oubliée.
Anouar Brahem : oud - Klaus Gesing : clarinette basse - Björn Meyer : basse - Khaled Yassine : percussions Ce sont trois fragments esquissés qui composent le coeur du nouveau projet d'Anouar Brahem. «J'ai soudain eu l'impression qu'il y avait quelque chose de nouveau, quelque chose qui s'ouvrait vers des espaces encore inexplorés». Le répertoire de The Astounding Eyes of Rita s'inspire de la tradition arabe et s'appuie fortement sur la mélodie. On remarquera l'utilisation de certaines couleurs sonores entendues sur le projet Thimar, des dialogues instrumentaux qui se croisent et se décroisent surtout dans un registre médium, et une rythmique vibrante. Le groupe a été formé avec la participation du producteur Manfred Eicher. Le clarinettiste Klaus Gesing, un improvisateur au phrasé étonnement fluide, a une affinité naturelle pour l'univers sonore de Brahem. Le timbre de la basse électrique de Björn Meyer se mêle sans efforts à celui de l'oud et lui procure une fondation subtile et souple. Enfin, le jeune libanais Khaled Yassine apporte au darbouka une pulsation vitale à cette musique de chambre transculturelle dans laquelle rigueur et liberté, passé et présent se répondent mutuellement.
Disque 1 : 1 Ma Mère L'oye : Prélude 2 Ma Mère L'oye : Tableau Danse Du Rouet Et Scène 3 Ma Mère L'oye : Tableau 2. Pavane De La Belle Au Bois Dormant 4 Ma Mère L'oye : Tableau 3. Les Entretiens De La Belle Et De La Bête 5 Ma Mère L'oye : Tableau 4. Petit Poucet 6 Ma Mère L'oye : Interlude 7 Ma Mère L'oye : Tableau 5. Laideronnette, Impératrice Des Pagodes 8 Ma Mère L'oye : Apothéose. Le Jardin Féerique 9 Une Barque Sur L'océan 10 Alborada Del Gracioso 11 Rapsodie Espagnole : I. Prélude à La Nuit 12 Rapsodie Espagnole : Ii. Malagueña 13 Rapsodie Espagnole : Iii. Habanera 14 Rapsodie Espagnole : Iv. Feria 15 Boléro Disque 2 : 1 Daphnis Et Chloé, 1ère Partie, Introduction, Lent, Très Modéré 2 Daphnis Et Chloé, 1ère Partie, Danse Religieuse, Modéré 3 Daphnis Et Chloé, 1ère Partie, Danse Des Jeunes Filles, Vif 4 Daphnis Et Chloé, 1ère Partie, Danse Grotesque De Dorcon, Vif, Plus Modéré, T... 5 Daphnis Et Chloé, 1ère Partie, Danse Légère Et Gracieuse De Daphnis, Assez Le... 6 Daphnis Et Chloé, 1ère Partie, Lycénion Entre, Lent, Moins Lent, Très Libre 7 Daphnis Et Chloé, 1ère Partie, Nocturne 8 Daphnis Et Chloé, 2ème Partie, Interlude 9 Daphnis Et Chloé, 2ème Partie, Danse Guerrière 10 Daphnis Et Chloé, 2ème Partie, Danse Suppliante De Chloé 11 Daphnis Et Chloé, 3ème Partie, Lever Du Jour 12 Daphnis Et Chloé, 3ème Partie, Pantomime 13 Daphnis Et Chloé, 3ème Partie, Danse Générale 14 La Valse
La chanteuse et musicienne franco-brésilienne Dom La Nena revient deux ans après son premier album acclamé ‘’Ela’’, paru début 2013 sur Six Degrees, et un an après son featuring avec Rosemary Standley (Moriarty) pour le très beau projet ‘’Birds On Wire’’, avec son nouvel album ‘’Soyo’’, sortant le 29 juin 2015. Dans la lignée du précédent, l’artiste nous livre une pop fragile et aérienne dans le sillon de son collaborateur Piers Faccini. ‘’Soyo’’ a été entièrement composé par la musicienne, avec l’aide de son alter ego Marcelo Camelo (ex Los Hernanos). Les chansons de l’album sont ressorties avec un éclat nouveau, qui doit notamment beaucoup aux touches apportées par Camelo. Apposant de fines couches de percussions et de batterie, le musicien a contribué à donner une âme et une respiration plus brésiliennes à la musique de Dom La Nena. Avec ‘’Soyo’’, Dom La Nena affirme son identité musicale. Endossant chacune des parties vocales et instrumentales, elle a enrobé le corps de ses chansons de choeurs aériens et d’arrangements déposés à fines touches. Fidèle au violoncelle, avec lequel elle a un peu relâché le lien sans le rompre, et au piano, elle a aussi invité dans sa danse intime de petites percussions et – fait nouveau – des guitares électriques.
Cet album de Sting est traversé de bourrasques. Certaines glacent par leur intensité, d'autres rassurent par leur tranquillité apaisante. Never Coming Home par exemple semble balayer tout sur son passage, sans violence pure, mais avec un tempo redoutable. Par bonheur, la partie de piano finale permet de souffler. à coté, les chansons comme Inside apportent la plénitude aérée du style de Sting. Car ce Sacred Love pourrait bien être un classique du musicien. Il y apporte tout le désenchantement que provoqua chez lui cette matinée du 11 septembre 2001. Et au fil des chansons (Dead Man's Rope et ses arpèges limpides, et puis la guitare espagnole de Vicente Amigo sur la première version de Send Your Love), il diffuse sa vision et son message. Il paraît évident que Sting est habité plus que jamais par la volonté de produire un album qui durera. Pour cela, il multiplie les strates, joue sur des rythmiques complexes (Like A Beautiful Smile), s'entoure des meilleures instrumentistes, et n'hésite pas à souffler le chaud (This War) et le froid (bien que le mot ne s'adapte pas exactement à des ballades aussi sensuelles que Whenever I Say Your Nam, en duo avec Mary J. Blige). Sting techno-dance (la version Dave Audé Remix de Send Your Love), mais surtout Sting tel qu'en lui- même : en artiste exigeant.
Première compilation retraçant les 18 ans de carrière de la chanteuse / compositrice, incluant ses titres les plus connus sortis sur le label Rounder mais également ceux présents chez Atlantic et Decca/Emarcy. De plus, ce double album comprend un titre inédit - une reprise de Warren Zevon Keep Me in Your Heart, qui est apparu dans le film indépendant de 2011 Union Square, ainsi qu’une extended version de Desperadoes Under the Eaves qui n’est apparu que sur l’édition deluxe limitée de The Blue Room. Des notes de l’ancien directeur artistique d’Atlantic Records Yves Beauvais complètent l’ensemble. Madeleine Peyroux, dont la voix est souvent comparée à celle de Billie Holiday, a été découverte à tout juste vingt ans, quand Yves Beauvais l’a remarquée dans un club Newyorkais. Il l’a signée sur Atlantic Record et a co-produit son premier album Dreamland en 1996. La voix rauque de Madeleine Peyroux a enchanté le public et la critique, mais ce fut son deuxième album Careless Love sorti en 2004 qui marqua une étape importante pour l’artiste, et gagna la reconnaissance du grand public. S’en suivit le début d’une collaboration de quatre albums avec le producteur Larry Klein (Joni Mitchell, Tracy Chapman, Herbie Hancock).
Le troisième album de cocoon a été enregistré entre Bordeaux, Berlin et Richmond en Virginie. Il succède à deux premiers disques certifiés platine. Ce disque porte la marque de Matthew E white, une des figures les plus respectées de l'indé américain. Dans ses studios de Spacebomb, il a enregistré tous les arrangements du disque (choeurs, cordes et cuivres) dans une tradition à la Willie Mitchell. Marc, l'auteur compositeur interprète du groupe, a composé douze titres dans une veine plus soul que les deux albums précédents. Morgane qui assurait les harmonies vocales sur ces disques ayant décidé de se consacrer à des projets plus personnels, Marc a confié le soin d'exécuter ces parties vocales à plusieurs intervenants. Un choeur soul Natalie Prass, et Matthew E White. L'imagerie de l'album est exécutée par une artiste californienne Esther Pearl Watson. Elle illustrera chacune des chansons par un tableau ayant pour thème, l'abri, la maison Ces oeuvres seront animées et serviront de clip au premier single et donneront lieu à une expo parisienne autour de la sortie de l'album. Le premier single I can't wait a une version remixée par Freddy Verano (un collaborateur de Felix Jaehn) présente en bonus de l'album et est travaillée en radio.
Le Brésil à Paris...Un mardi, une terrasse de café de Ménilmontant...Un de ces jours où le timide soleil parisien caresse la foule cosmopolite agglutinée, où une douce brise parvient à éclipser le grondement du métro. Un lendemain de concert pour Fernando Cavaco, Sergio Krakowski et Ricardo Herz. Cette (ré)union, c'est ici Paris, Rio, Sao Paulo assises à la même table, le son terriblement urbain de Terça Feira Trio. Si leur musique puise son intemporalité dans le répertoire du choro, les trois zigues se nourrissent à Paris du jazz, des musiques d'ici ou d'ailleurs et en écument les scènes - et ce, quel que soit le jour de la semaine, au final. Un cavaquinho sensible et audacieux qui défie les mélopées du violon, sur un canevas percussif soigneusement brodé par les sonnailles du pandeiro. Le public n'a d'autre choix que de se laisser emporter dans ce voyage musical, jusqu'à ce que se révèle, qui sait, l'ineffable. Le son de Terça Feira Trio se glisse donc dans les interstices des rythmes traditionnels brésiliens et se dévoile dans un métissage actuel. Entre musique populaire et érudite, matisses samba, teintes forró flirtent ici impunément avec le jazz. Nous vous proposons ici leur lecture de la musique, ce trait d'union transatlantique, à leur image : moderne, espiègle et virtuose.
Anna Netrebko. Placido Domingo. Rolando Villazon - Orchester der deutschen oper Berlin / Marco Armiliato - The Berlin Concert. Live from the « Waldbühne» Souvenez-vous, c'était le 7 juillet, deux jours avant la Coupe du Monde. France 2 retransmettait en direct de Berlin un concert événement réunissant trois superstars du chant classique : Placido Domingo, Anna Netrebko, et Rolando Villazon. Le ténor d'origine mexicaine forme avec la soprano Anna Netrebko le nouveau couple en vogue de la musique classique. Leur interprétation magistrale de la Traviata, qui les réunissait pour la première fois sur scène lors du dernier Festival de Salzbourg, fut un succès, en CD et en DVD. Quant au ténor Placido Domingo, on ne le présente plus. ! Avec plus de cent vingt rôles à son actif et des milliers de représentations, c'est une légende vivante du chant, et l'un des ténors les plus célèbres au monde. Diffusé en Allemagne, en Autriche, en Norvège, en Italie, au Mexique, en Inde, en France, ce programme a été vu par plus de 8 millions de téléspectateurs. C'est l'événement classique télévisé le plus important depuis les Concerts des Trois Ténors ! Le DVD de ce programme paraît aujourd'hui sur le label Deutsche Grammophon. Programme festif, voix sublimes. C'est incontestablement l'une des plus belles sorties vidéo de cette fin d'année.
Sur l'infini des routes (Anthologie) Disque 1 : 1 Vieille terre 2 C'est un rital 3 Maria Szusanna 4 Nomade 5 Boyeaux de Paris 6 Des femmes tombent 7 Saint Nazaire 8 Noire nounou 9 Qui a volé les mots 10 Sous les niaoulis 11 Sur ma cheminée 12 Madame Tiou 13 Le mouton dans la baignoire 14 La môme formica 15 Au chinois 16 Depuis combien de temps marchons-nous 17 Où qu'on aille 18 Nous les baleines Disque 2 : 1 Je t'aime 2 Une fois qu'on s'est tout dit 3 Frangin frangine 4 Maintenant ou jamais 5 Ne ferme pas les yeux 6 Pont suspendu 7 Cerise et potiron 8 Canal de jonage 9 Amour qui s'enfuit 10 Nos amours sont des fêtes foraines 11 Ma copine 12 Quand vous me rendrez visite 13 Hôtel des enfants de boheme 14 La vierge noire 15 Comme par hasard 16 C'est pour une môme 17 Tutsi hutu 18 Aimons nous, amis Disque 3 : 1 Alors c'est fini 2 Les petits cailloux 3 Quatre-vingt beaux chevaux 4 L'usine à chagrins 5 Au cimetière de Levallois 6 Le nez en l'air 7 Sur ces routes grises 8 La vieille chèvre 9 Ma grand mère Olympe 10 La dame pipi 11 Les vieux les enfants 12 L'eldorado 13 J'ai retrouvé le rideau de fer 14 Un drapeau de rien du tout 15 V. Maiakovski 16 Les appartements vides 17 Fleur de cacahuète 18 Pleurez pas 19 La veine bleue 20 Dans une tête de linotte 21 Le bar du grand désir
Racine carrée C'est la plus belle des histoires belges. L'histoire d'un gamin, qui, dans sa chambre, écrit et compose Cheese, un premier album écoulé à plus de 200 000 exemplaires dans le monde - platine en France. L'histoire de l'auteur de morceaux emblématiques comme Te Quiero ou Alors On Danse, vendu à plus de 3 millions d'exemplaires, or et platine dans 15 pays. L'histoire d'un artiste hors normes et d'un performer live hors-pair. Aujourd'hui, l'histoire s'enrichit d'un nouveau chapitre. Les leçons Humain à l'eau et Tous les Mêmes ont donné l'alerte : stromae est de retour. Depuis le buzz n'a cessé de s'amplifier pour atteindre des dimensions stratosphériques : Formidable affole le web en atteignant le score de 4 millions de vues en 4 jours, Papaoutai s'impose comme le 'tube de l'été'. Ces titres apparaitront sur le tracklisting d'un nouvel album actuel, nomade et universel, écrit et composé aux quatre coins du monde sur un ordinateur portable. Stromae y applique mieux que jamais sa recette singulière : poser des mots forts sur des beats irrésistibles.Stromae est sorti de sa chambre. Qui a dit que les histoires les plus courtes étaient les meilleures..? Disque 1 : 1 ta fête 2 Papaoutai 3 bâtard 4 ave cesaria 5 tous les mêmes 6 Formidable 7 moules frites 8 carmen 9 humain à l'eau 10 quand c'est ? 11 sommeil 12 merci 13 avf
Le jeune groupe de Nîmes VSO formé il y a tout juste 4 ans se fait connaître de la scène indépendante du sud de la France en remportant à plusieurs reprises des tremplins locaux et nationaux comme le Buzz Booster (qui notamment avait fait émerger Némir en 2011). Leur originalité naît de leur spontanéité et de leur sincérité, leur rap intrigue et séduit par le choix de prods hors ADN pur rap : ils n’hésitent pas à intégrer de la batterie des guitares et des basses qu’ils s’amusent à jouer eux même dans leurs morceaux. Le trio VSO (Vincent, Rémi & Sylvain), amis de longue date avec Maxenss, comédien / humoriste / YouTubeur le plus prisé du moment qui lui aussi est originaire de Nîmes (collaborations multiples avec Squeezie, Seb La Frite, il intègre le cercle de l’application 'Vertigo' comme créateur de contenu) enregistrent et tournent ensemble fin 2016 le titre clippé de 'Hello haters'. Conscients du potentiel de ce titre, ils attendent mai 2017 pour le rendre public et poussent leur collaboration sur la création d’un 1er EP de 9 titres intitulé « Southcoaster ». Le clip disponible sur les chaines Youtube de Maxenss et de VSO qui eux démarraient de 0 abonné, cumule aujourd’hui plus de 1 070 000 vues. En attendant la sortie de leur premier EP le 27 octobre, le groupe a de la ressource et décide de mettre en image les dessous de leur collaboration à 4 en publiant une web-série en 4 épisodes appelée 'Warm up - les chroniques de Southcoaster'.
Ce coffret réunit la totalité des enregistrements studio et live : 21CD et plus de 310 titres. Pour la toute première fois, un son haute définition 24/96 ! Mastering HD réalisé à partir des bandes originales de production. 13 albums originaux de 1955 à 1977 - Jacques Brel et ses chansons - Quand on n'a que l'amour - Au printemps - La valse à mille temps - Marieke - Les bourgeois - Les bonbons - Ces gens-là - Brel 67 - J'arrive - L'homme de la Mancha - Jacques Brel - Ne me quitte pas - nouveaux enregistrements de 1972 - Les Marquises 7 albums live dont 3 concerts inédits - Brel au Trois Baudets 1957 - Inédit - Jacques Brel guitare & voix / François Rauber piano - Les adieux à l'Olympia 1966 - Inédit - enregistrement différent de celui du DVD - Roubaix 1967 - Inédit - le dernier concert de Jacques Brel - Olympia 61 - Jacques Brel à Knokke - Olympia 64 - Brel en scènes enregistrements inédits (CD sorti en 1988) 1 album : Les enregistrements radio de 1953 12 versions alternatives : L'air de la bêtise, Je ne sais pas, Marieke, Vivre debout, Les singes, Ces gens-là, La.la.la., Regarde bien, petit, La quête, Ne me quitte pas (guitares classiques), Ne me quitte pas (version tam-tam), Ne me quitte pas (version tabla) 3 titres inédits en CD : La toison d'or, Place de la Contrescarpe (INA), Le docteur Universal se réserve le droit d'apporter des modifications au contenu définitif de ce coffret.
Une nouvelle sélection, mise à jour, des musiques des films de Woody Allen, à l'occasion de la sortie de son nouveau film, L'homme Irrationnel le 14 octobre Woody Allen appartient à cette famille de réalisateurs qui accordent une place centrale à la bande originale de leurs films. Plus encore, musicien lui-même, Woody Allen, sait intégrer l'intime de ses goûts musicaux éclectiques à la substance de ses scénarios. C'est ce qui explique, en partie, l'ambiance inimitable de ses films, leur « petite chanson » si particulière. Ce double CD retrace la carrière du réalisateur à travers les meilleurs extraits de ses BO, depuis Manhattan (1979) jusqu'à Magic In the Moonlight (2014), en passant par La rose pourpre du Caire ou Match Point. Cette quinzaine de films offre une palette musicale exceptionnelle. Aussi, bien plus qu'une compilation, ce collector constitue un vademecum musical de l'honnête homme contemporain. De Verdi à Philip Glass, des ténors du jazz américain à ceux des rythmes latinos, il reflète ce cosmopolitisme que le cinéma n'a cessé d'exalter. Billie Holiday y répond à Caruso, Fred Astaire à Joséphine Baker, Gerswhin à Armstrong et Giulia y los Tellarini à Carmen Miranda. De Manhattan à Barcelone, en passant par Londres et Paris, un merveilleux cheek to cheek musical, une Rhapsodie in Blue pour le monde.
En 1991, R.E.M. propulsait la musique alternative sur le devant de la scène mondiale avec la sortie d' Out of Time . Un quart de siècle plus tard, Concord Music Group réédite leur chef d'œuvre dans une édition spéciale 25ème Anniversaire truffée d'inédits et raretés. Disponible en trois formats (2CD, 3LP et 3CD+1BluRay), ces rééditions toutes, contiennent outre l'album d'origine entièrement remasterisé, des maquettes de chaque titre du disque, plus les maquettes de deux titres voués à des faces B (et ne figurant pas sur l'album) ainsi qu'une chanson inédite. Le coffret 3LP propose les versions vinyles de l'album d'origine et des maquettes. L'édition Deluxe présente, en plus du matériel précédemment cité, des enregistrements réalisés lors d'un concert à Mountain Stage en 1991 - une rareté, le groupe n'ayant effectué aucune tournée de promotion pour la sortie de l'album -, un disque Blu-Ray en audio Haute Résolution avec des versions de 'Out Of Time' en Surround Sound 5.1, tous les clips vidéos tirés de l'album, Time Piece, la video promotionnelle de 1991 avec des séquences tournées en studio et quelques bonus exclusifs. Toutes ces versions sont accompagnées d'un livret complet signé Annie Zaleski, avec des interviews des quatre membres du groupe, ainsi que des producteurs Scott Litt et John Keane.
En 1991, R.E.M. propulsait la musique alternative sur le devant de la scène mondiale avec la sortie d' Out of Time . Un quart de siècle plus tard, Concord Music Group réédite leur chef d'œuvre dans une édition spéciale 25ème Anniversaire truffée d'inédits et raretés. Disponible en trois formats (2CD, 3LP et 3CD+1BluRay), ces rééditions toutes, contiennent outre l'album d'origine entièrement remasterisé, des maquettes de chaque titre du disque, plus les maquettes de deux titres voués à des faces B (et ne figurant pas sur l'album) ainsi qu'une chanson inédite. Le coffret 3LP propose les versions vinyles de l'album d'origine et des maquettes. L'édition Deluxe présente, en plus du matériel précédemment cité, des enregistrements réalisés lors d'un concert à Mountain Stage en 1991 - une rareté, le groupe n'ayant effectué aucune tournée de promotion pour la sortie de l'album -, un disque Blu-Ray en audio Haute Résolution avec des versions de 'Out Of Time' en Surround Sound 5.1, tous les clips vidéos tirés de l'album, Time Piece, la video promotionnelle de 1991 avec des séquences tournées en studio et quelques bonus exclusifs. Toutes ces versions sont accompagnées d'un livret complet signé Annie Zaleski, avec des interviews des quatre membres du groupe, ainsi que des producteurs Scott Litt et John Keane.
David Garrett fut le plus jeune violoniste à être signé sur Deutsche Grammophon, il mène désormais de front sa carrière classique avec les plus grands orchestres du monde, et une carrière plus « crossover ». Il est rare de mener deux carrières, les réussir est un fait exceptionnel. Découvrez les plus grands tubes de rock (U2, Metallica, Nirvana, Aerosmith et. Beethoven !) interprétés par un des violonistes les plus talentueux de sa génération ! Son nouvel album « Rock symphonies » est une véritable BOMBE ! Un succès sans précédent pour un album du genre ! Au top des charts en Allemagne, Autriche, aux Etats-Unis, il s'apprête désormais à conquérir les charts français ! Qu'il joue dans une salle intime devant une audience classique, ou dans un stade à guichets fermés avec son groupe, chaque performance de David Garrett étonne le public. Le violoniste virtuose est devenu un entertainer parmi les plus impressionnants du monde musical. Depuis sa première apparition en public - à l'âge de 10 ans avec l'Orchestre Philharmonique d'Hambourg et une apparition remarquée sur scène avec Yehudi Menuhin alors qu'il n'a que 12 ans, David a fait son chemin. Son talent est reconnu par de nombreuses icônes de la musique, dont l'illustre chef d'orchestre Zubin Mehta, qui prévoit que David «aura certainement une présence retentissante dans le monde de la musique au 21ème siècle.»
We Love Disney 2 Contient : 1937 - BLANCHE NEIGE - Heigh-Ho! – Instrumental 1942 - BAMBI – Je chante pour toi - Zaho 1950 - CENDRILLON – Tendre Rêve - Alizée 1955 - LA BELLE ET LE CLOCHARD – Belle Nuit - Kendji Girac 1957 - ZORRO – Zorro – Thomas Dutronc 1959 - LA BELLE AU BOIS DORMANT – J'en ai rêvé – Nolwenn Leroy 1963 - Le Monde est Petit– Coralie Clément & Zoé Félix 1964 - MARY POPPINS – Chem Cheminée - Jeanne Cherhal 1967 - LE LIVRE DE LA JUNGLE – Aie Confiance - Carmen Maria Vega 1970 - LES ARISTOCHATS – Les aristocats – Olivia Ruiz 1970 - LES ARISTOCHATS – Thomas O'Malley – Renan Luce 1970 - LES ARISTOCHATS – Des gammes et des arpèges – Arielle Dombasle 1989 - LA PETITE SIRENE – Sous l'océan – Henri Salvador & Elie Semoun 1989 - LA PETITE SIRENE – Partir là-bas – Louane 1997 - HERCULE – Le Monde qui est le mien – Jean Baptiste Maunier 1999 - TARZAN – Je veux savoir – Olympe 2013 - LA REINE DES NEIGES – Le Renouveau– Anais Delva & Emmylou Homs Vous aurez la surprise de découvrir à reception de la commande le motif de la pochette. Choix non possible en fonction des arrivages (aléatoire).