Marocaine d'origine saharienne, Oum impose d'emblée son mélange impressionnant de puissance et de sensibilité. De sa voix sensuelle, elle explore la diversité des musiques marocaines qu'elle teinte de soul, de rythmes gnaouas et hassani. Inspirée par les musiques de son pays mais aussi par l'Afrique en général et par le jazz, elle révèle une personnalité émouvante, sincère, engagée et développe un univers musical léger dans lequel ses origines sahraouies trouvent écho. Son nouvel opus, Zarabi, pour lequel Oum assume pour la première fois le rôle de directrice artistique (en compagnie de Mathis Haug) et dans lequel elle retrouve deux de ses compagnons de route du disque précédent : Damian Nueva et Yacir Rami, est enregistré dans deux lieux atypiques : le domaine de la Gérarderie en Normandie et dans le désert du village de M'hamid El Ghizlane. Zarabi qui signifie tapis en dialecte darija marocain est un hommage aux tisseuses de tapis de ce même village. Ces artisanes fabriquent leurs tapis à partir de vêtements usagés fournis par les clients eux mêmes et assemblent ainsi la mémoire vestimentaire d'une famille dans une même création. Oum a ressenti une proximité profonde avec son travail de création, de composition et le tissage mémoriel des artisanes.

Quatre voix en polyphonie sur un tapis de percussions. CHET NUNETA explore la voix au travers des chants traditionnels et de la création musicale. Une langue méconnue, un dialecte en disparition, l'histoire d'un peuple, un poème populaire, autant de points de départ pour l'immersion dans un continent sans frontières. Avec Chet Nuneta nous sommes dans un domaine où il est impossible de faire la part de la tradition et de la création personnelle, de la mémoire et de l'imagination. (...) La musique de Chet Nuneta est une musique sans frontières : musique d'itinérances qui se nourrit de toutes les émotions, de toutes les découvertes et des envies d'aller voir toujours plus loin. Subtilités rythmiques et éclectisme des inspirations (komi, pygmée, moldave, séfarade, chinoise, arabe), mélancolie lyrique ou allégresse de l'improvisation, elle est portée par une énergie jubilatoire, un souffle de vitalité et de plaisir contagieux.

Arrivées par erreur sur la planète des « dimanches où on s'ennuie », Olivier, Meeki la Princesse des Lutins et Zina la Fée se retrouvent coincées ! Comme Meeki est impatiente comme un petit oiseau, qu'elle a peur comme un jeune poulain, qu'elle est stressée comme une souris, en colère comme un singe et fatiguée comme un gros chat, Zina lui propose un jeu amusant : « Si j'étais...», il s'agit de s'imaginer dans la peau d'un animal. « À quand le cancan ? » est un conte musical pour les enfants de 2 à 6 ans. L'histoire se déroule à travers 14 chansons amusantes et ludiques. Mise en paroles et arrangée aux rythmes festifs de Jacques Offenbach, c'est une belle opportunité de découvrir le monde de ce compositeur car la musique est tirée de ses opéras et opérettes. Olivier, Meeki la Princesse des Lutins et Zina la Fée partent en vacances sur la planète des lundis au soleil... mais une erreur dans la formule magique les envoie sur la planète des dimanches où l'on s'ennuie. Au cours de leur voyage, ils vont rencontrer, en faisant appel à leur imagination, des personnages tout aussi drôles qu'inattendus, attendrissants et attachants.

Est-ce l'effet du bicentenaire de sa mort récemment célébré, ou l'effet d'un trop-plein de Mozart dont le 250e anniversaire de la naissance a submergé la planète, toujours est-il que l'on assiste à une singulière éclosion d'enregistrements consacrés à Haydn, et plus particulièrement ses Sonates pour piano. A moins que les pianistes se rendent compte, de plus en plus, combien ces oeuvres restent modernes et vivantes, bien loin de l'image assez aimable de Papa Haydn. Certes, certes, il ne fut pas lui-même un grand virtuose du clavier, et sans doute cela se reflète-t-il dans son écriture, plus orientée vers la richesse du contenu musical que vers une recherche d'effets pianistiques. On aurait presque l'impression de pouvoir les jouer soi-même ? Oh que non ! Oui, les notes, il est possible de les égrener sans trop d'effort, mais quant au discours, c'est une autre paire de manches ! Haydn déroule un tapis d'une richesse infinie, hérissée de surprises et d'apparentes incongruités, qui sont autant d'obstacles pour le pianiste, voire pour l'auditeur, constamment trimballé d'un extrême à l'autre. Le choix ici opéré par Bavouzet pour ce premier volume couvre des oeuvres des années 1770 à 75 - il est souvent difficile de les dater avec précision -, d'une formidable élégance, empreintes de Sturm und Drang dès que l'on se tourne vers les tonalités mineures, en particulier la très dense Sonate n° 49 en ut dièse mineur. Des choses à découvrir donc, sous les doigts experts de Jean-Efflam Bavouzet.

Aaaah, enfin un CD d'oeuvres rares de grands compositeurs, hélas bien trop négligés - à telle enseigne que c'est, pour la Seconde de Casella, la première discographique mondiale, aussi incroyable que cela puisse paraître. C'est que l'on ne semble pas pardonner à des musiciens italiens du début du XXe d'écrire autre chose que des opéras sirupeux ou pleurnichards (mon avis personnel... par ici les quolibets et les tomates pourries !). Casella fait partie de ces résistants à la tyrannie lyrique; Martucci - un autre grand résistant - avait conseillé au jeune musicien de poursuivre son apprentissage au Conservatoire de Paris plutôt qu'en Italie. Il y côtoiera des condisciples de la trempe de Ravel et d'Enescu dans la classe de Fauré, mais ses influences ne se limiteront jamais à la seule sphère française. A l'écoute de sa Seconde symphonie, on y décèle clairement le courant russe, et - chose plus rare - la griffe de Mahler, un compositeur alors totalement ignoré en France. Lorsque Mahler rencontra son jeune collègue à Paris en 1909, il fut surpris de voir que Casella connaissait par coeur ses symphonies; et c'est d'ailleurs grâce aux efforts de ce dernier que Mahler put donner à Paris sa Seconde symphonie le 17 avril 1910 : pour la première et unique fois dans la capitale française, apparaissait comme chef et compositeur. Six jours plus tard, Casella crée sa propre Seconde à la Salle Gaveau; sans doute le parallèle entre Mahler et Casella n'est-il pas difficile à établir, mais il ne faut pas exagérer la filiation. Casella déroule ici un tapis sonore extravagant de textures orchestrales, d'explosions délirantes, de digressions passionnées, d'ostinatos trépidants, dans une écriture tout à fait personnelle, bel et bien italienne - la tarentelle formant le second mouvement en est le meilleur exemple, même si ces tarentelles-là procèdent plutôt de la Guerre des Mondes ! Le mouvement lent épouse souvent les formes lyriques à l'italienne, avec leurs longues phrases et leurs sanglots chromatiques. L'aimable lecteur l'aura compris, voilà une oeuvre à découvrir de toute urgence, en espérant que les orchestres français voudront bien se creuser un peu plus le cortex en la programmant au répertoire. Beaucoup plus aimable, Scarlattiana de 1926 est un exemple typique de néoclassicisme dans la lignée de la Boutique fantasque de Respighi d'après des thèmes de Rossini, ou naturellement de Pulcinella de Stravinski d'après un pseudo-Pergolesi. Loin de la parodie stravinskienne, Casella cherche un parfum nouveau à cette musique vieille de deux siècles; Scarlatti en est totalement transfiguré, à peine reconnaissable, d'autant que le compositeur modifie les harmonies, les dissonances, les voix intermédiaires, et rajoute un piano solo à la partition orchestrale. Il ne s'agit donc en rien d'une simple orchestration, mais bien d'une réécriture d'après des matériaux anciens. A découvrir aussi, sans tarder. © Abeille Musique 2010