Avec un prix avoisinant 1000$ sur le marché de l'occasion, Live Without Fear est un fabuleux album de spiritual jazz sorti initialement en 1979. Grâce à la bénédiction du compositeur Soji Ade et de son collègue Kahil El Zabar, nous sommes ravis de pouvoir enfin partager ce disque avec vous, 40 ans après son enregistrement. Version entièrement remasterisée sur double LP (le pressage original était un LP avec plus de 30 minutes par face, ce qui altérait la qualité audio) avec ajout de linear notes par le musicologue Steven Emmerman. Leur message d'amour et d'unicité peut désormais être partagé et révélé au monde. 2LP comprenant insert avec photos et liner notes avec carte de téléchargement incluse.

La dernière sortie du label DEEWEE, géré par David et Stephen Dewaele de Soulwax / 2manydjs, est signée Phillipi & Rodrigo. Paciencia est le premier album du duo brésilien composé de 9 pistes. Il a été enregistré, produit et mixé au Studio DEEWEE à Gand. La musique est décrite par 2 Many DJs comme Stereolab chantant en portugais pendant qu'un groupe de Batucada se produit à une soirée techno se tenant sur une plage brésilienne”. Mélancolique et très rythmé, le maxi fait suite à une précédente sorti acclamée par Lauren Laverne sur BBC6 Music, Dazed & Confused, Mixmag, DJ Mag, Rinse France, Acid Stag et de nombreux DJ, dont me, Mano Le Tough, Disclosure, Applescal, Elliot Adamson, nd_baumecker, Tiga, Joe Goddard, Citizenn, DJ T., Black Coffee, Carl Craig...

Trente ans après sa sortie originale à Berlin-Ouest, Tresor Records est heureux de présenter une version remasterisée du premier album légendaire de TV Victor, Moondance. TV Victor est l'un des artistes phares de Tresor depuis les premières heures du label. C'est le pseudonyme d'Udo Heitfeld. En 1989, TV Victor a lancé son premier projet solo sous la forme de Moondance. Il a ensuite composé des productions légendaires d'ambient et de transe, notamment Trance Garden 1-3, Trancecology Chapter 1, Timeless Deccelaration ou encore The Ways Of The Bodies. TV Victor a collaboré avec d'autres artistes de renom tels que Moritz von Oswald (Basic Channel, Rhythm & Sound...), Thomas Fehlmann, Max Loderbauer, Paul Browse ou Tobias Freund parmi beaucoup d'autres.

Premier album du groupe de rock psychédélique Noise Birds formé par des membres de Numinous Eye (USA) ainsi que Suishou No Fune (Japon), accompagnés par Mason Jones et le batteur Mike Shoun, qui a notamment joué avec Thee Oh Sees et Peacers. The Noise Birds est un trio de guitares soutenu par une puissante batterie. Leur jam improvisé psychédélique aux accents noise et drone est le fruit d'une collaboration intense et d'une rencontre lors de sessions à San Francisco. The Noise Birds : Pirako (Guitare), Kageo (Guitare), Mason Jones (Guitare), Mike Shoun (Batterie). Pour les fans de : Suishou no Fune, Bardo Pond, Carlton Melton, Les Rallizes Denudes...

United, le premier album de UCC Harlo est le projet d'Annie Gårlid, musicienne de formation classique. Elle y distille une musique éthérée, cristalline faite de collages expérimentaux, d'atmosphères célestes et de voix hantée. Créant et découvrant des liens entre l'ancien et le nouveau, Gårlid opère indifféremment dans les domaines de l'expérimentation, de la dance-musique et de l'avant-garde. Elle est membre du Holly Herndon Ensemble et du groupe Songs, a collaboré avec Caterina Barbieri, Bill Kouligas (PAN Recordings) et Emptyset, et a joué avec Claire Tolan, artiste de l'ASMR. Elle collabore régulièrement avec de nombreux compositeurs et artistes et se produit en tant qu'alto et chanteur tant en Europe qu'aux états-Unis.

Ecrit et composé par le guitariste des Maccabees, Felix White, The Edge révèle l'intensité impitoyable du monde du cricket, illustrant l'ascension et la chute de la plus grande équipe d'Angleterre et son impact extrême sur la santé mentale des joueurs. Entre 2009 et 2013, l'équipe anglaise de cricket est sortie du fond du classement pour devenir la première et la seule équipe anglaise à atteindre le numéro 1 mondial. The Edge raconte l'histoire de la montée en flèche de cette bande spéciale de frères et de son énorme bilan. Impressionnant, amusant et émotionnel, The Edge est une partie de cricket comme vous ne l'avez jamais vu auparavant. L'album contient des récits de joueurs de cricket de renommée mondiale tels que Jimmy Anderson, Matt Prior, Toby Jones et d'autres...

Réédition d'un classique de library music. Mais pourquoi s'appelle-t-il Tea With Holger? Holger est bien sûr Holger Czukay et l'ensemble du disque est dédié au temps passé avec lui et Ursa Major au célèbre studio Inner Space de Can, à Weilerswist, près de Cologne. Quand ils n'enregistrent pas, il semble que Smith & Mudd aient passé beaucoup de temps assis à se divertir des histoires de Holger et à boire de nombreuses tasses de thé. L'album a été enregistré pendant plusieurs années à Londres. Mike Piggott, qui jouait avec Bert Jansch, jouait du violon tandis que Sam Creer prêtait son travail de violoncelle virtuose. Ils voulaient capturer des moments d'improvisation en direct. Tea With Holger se présente dans une pochette classique en vert KPM avec des notes de Smith et Mudd eux-mêmes.

Thylacine nous revient avec un nouveau voyage Roads Vol.1, toujours aussi passionnant. C'est en Argentine que le jeune premier de la scène électro française a décidé d'enregistrer son deuxième album. Pour donner suite à Transsiberrian, son premier et brillant essai enregistré en 2015 à bord du train qui relie Moscou à Vladivostock, William Rezé alias Thylacine s'est offert une caravane datée de 1972, la fameuse Airstream tout en aluminium. Une fois magnifiquement transformée par ses soins en studio d'enregistrement, il a embarqué sa belle américaine sur un cargo pour la récupérer un mois plus tard à Buenos Aires. Direction la Cordillère des Andes. Après dix étapes au coeur de nulle part, il revient avec dix titres qui conjuguent à merveille les mélodies aériennes de Moderat, la touche solaire d'un Nicola Cruz, et la puissance techno d'un Paul Kalkbrenner. Une électronica parfois gorgée de saxophone, son instrument de prédilection appris dès l'âge de six ans au conservatoire, à laquelle s'ajoutent des voix, comme celles de Julia Minkin (de Kid Francescoli), de Clara Trucco, membre du trio Femina ou de Juana Molina considérée comme la Björk argentine, précise Thylacine. J'ai eu envie de retourner à une musique aux sonorités plus acoustiques . Mission accomplie : les nappes vaporeuses du jeune Angevin se teintent de charango, instrument local, ou de mélodies inspirées de chants traditionnels. Et les morceaux s'enchaînent, racontant son extraordinaire odyssée : l'hypnotisant The Road témoigne des kilomètres de lignes droites parcourus, la ritournelle entêtante de Santa Barbara évoque les liens étroits tissés avec les habitants d'un minuscule village des Andes, tandis que la rythmique de 4500 m, entrecoupée du flow du rappeur américain J. Medeiros, rappelle l'altitude du désert où Thylacine resta dormir, bloqué par des orages d'une rare intensité. Trois mois plus tard et dix mille kilomètres plus loin, ce concept-album est prêt; il s'appelle Roads vol. 1. Premier épisode d'une collection que Thylacine, du haut de ses vingt-six ans, compte bien enrichir au gré de ses voyages. Son studio itinérant astucieusement équipé de panneaux solaires l'emmènera, on l'espère, très loin.

Deuxième album d'une énergie frénétique, faisant un détour par les avenues les plus spacieuses de l'imaginaire collectif du groupe originaire de Dublin. Le trio, composé de Neil Crowley, Elis Czerniak et Barry O'Halpin, s'inspire du post-rock, de la musique électronique et du jazz contemporain : fondements sur lesquels ils construisent avec beaucoup de liberté et d'aventure. Embrassant la collision de percussions frénétiques, de guitares retentissantes et de synthés vaporeux, ils absorbent un univers rétro-futuriste. Cette communauté de musique irlandaise soudée et ouverte d'esprit s'est révélée être un environnement stimulant pour Alarmist, qui a pu nouer des liens, créer des idées et former une identité unique en tant que jeune groupe. Le succès de leurs premières sorties, qui sont toutes à l'échelle des charts rock et math-rock expérimentaux a révélé des opportunités inespérés...

The Way I Dream est le premier album de la talentueuse Kizzy Crawford, multi-instrumentiste, chanteuse, actrice et auteur-compositrice galloise âgée de 22 ans. Ayant un palais musical très large et éclectique, Kizzy s'inspire de la soul, du folk, du jazz et de la pop et insuffle à sa musique les meilleurs éléments qui soient. Le groove néo-soul slinky est agrémenté de touches de synthé rétro, tandis que les choeurs magnifiquement travaillés fournissent un fond luxuriant à sa ligne mélodique magnifiquement conçue. L'héritage gallois de Kizzy est très important pour elle, de même que la langue, quelque chose qu'elle décrit comme étant très musical dans son ton et son inflexion. Elle est aussi à l'aise en chantant en gallois qu'en anglais. Pour les fans de Corinne Bailey Rae, Lianne La Havas et Laura Mvula...

Musique Pour La Danse est fier de présenter la bande originale réalisée par Coil, le mythique groupe anglais de musique expérimentale et industrielle, pour le documentaire d'éducation sexuelle The Gay Man's Guide To Safer Sex, sorti uniquement en VHS en 1992. Cette B.O. très recherchée sort pour la première fois en vinyle et en CD. La musique est décrite par John Balance, fondateur du groupe, comme légèrement new age, un genre de house progressive dans une interview pour Compulsion Online. On peut aussi l'identifier à une collection de beats balearic, de jazz brumeux assez proche du travail de Badalamenti pour David Lynch par exemple. L'album contient un edit du titre principal, découvert dans les masters originaux, et deux bonus, Nasa-Arab et Omlagus Garfungiloops, qui proviennent du CD Stolen And Contaminated Songs.

Premier album de l'artiste, compositrice, et arrangeur Natalie Greffel. Natalie est née dans le Mozambique post-colonial et a grandi au Danemark. Après avoir déménagé à Berlin en 2010 pour étudier au conservatoire de musique, elle s'est engagée dans divers projets - RADIO CITIZEN, KARL HECTOR & THE MALCOUNS, ONOM AGEMO & THE DISCO JUMPERS - qui ont exercé sa flexibilité stylistique. Elle a été présentée au pianiste de la star brésilienne Ed Motta; il l'a encouragée à enregistrer une démo. Inspirée à nouveau par les structures harmoniques d'Antonio Carlos Jobim, Hermeto Pascoal, Noel Rosa, Nelson Cavaquinho, Milton Nascimento, Elza Soares, Elis Regina, Gilberto Gil et Chico Buarque - architectes de la musique brésilienne - Natalie a commencé à interpréter ces plans dans son propre style unique et au champ lexical enchanteur.

The Fantasy Orchestra est un projet communautaire dirigé par Jesse D Vernon de This Is The Kit. Basé à Bristol et à Paris, la devise de l'orchestre est plus c'est plus. Il rassemble plus de 40 musiciens, professionnels et amateurs, pour créer une brigade symphonique kaléidoscopique. Les spectacles en direct peuvent inclure plus de 80 artistes. Ils ont commencé leur carrière en tant que groupe de reprises d'Ennio Morricone et ont depuis développé leur répertoire avec des reprises de David Bowie, Leonard Cohen, Jimi Hendrix et, plus récemment Radiohead. Ils ont plus de deux cents chansons dans leur répertoire. Ils se rencontrent chaque semaine et partent en balade à vélo chaque été. La liste des titres représente un mélange de reprises de compositeurs connus et moins connus tels que les guitaristes de Bristol Paul Bradley et Jamie Harrison, dont la chanson, The Bear, donne à l'album son titre.

Premier album de l'artiste, compositrice, et arrangeur Natalie Greffel. Natalie est née dans le Mozambique post-colonial et a grandi au Danemark. Après avoir déménagé à Berlin en 2010 pour étudier au conservatoire de musique, elle s'est engagée dans divers projets - RADIO CITIZEN, KARL HECTOR & THE MALCOUNS, ONOM AGEMO & THE DISCO JUMPERS - qui ont exercé sa flexibilité stylistique. Elle a été présentée au pianiste de la star brésilienne Ed Motta; il l'a encouragée à enregistrer une démo. Inspirée à nouveau par les structures harmoniques d'Antonio Carlos Jobim, Hermeto Pascoal, Noel Rosa, Nelson Cavaquinho, Milton Nascimento, Elza Soares, Elis Regina, Gilberto Gil et Chico Buarque - architectes de la musique brésilienne - Natalie a commencé à interpréter ces plans dans son propre style unique et au champ lexical enchanteur.

La trilogie des albums de Blueboy (If Wishes Were Horses, 1993; Unisexe, 1994; La Banque d'Angleterre, 1998) est entrée sur l'orbite du label Australien A Colorful Storm près de vingt ans après les faits. Il est difficile de croire qu'il ya seulement quelques années, à l'été 2015, Bayu nous présentait une musique si profonde et vivifiante qu'elle changerait complètement notre trajectoire musicale. Aujourd'hui, il est difficile d'imaginer l'existence du label sans la présence de Blueboy, un groupe dont la sincérité et une tendresse sans fioritures résumaient une joie, une tristesse, des sensations fortes et une exaltation que nous avions presque laissées derrière nous. Unisexe n'est pas unique dans le contexte de tout ce qui a été publié par Sarah Records; c'est unique dans le contexte de la musique pop dans son ensemble. Sur le plan musical et lyrique, il n'y a pas d'autre album qui lui ressemble.

Le groupe culte suisse 16-17 est de retour après plus de 20 ans de pause avec un nouvel album sur le label Trost ! Fondé en 1983 à Bâle par le saxophoniste Alex Buess et l'ancien batteur Knut Remond, ils ont façonné une nouvelle zone sonore, jouant un mélange abrasif et distordu de dub, hardcore et free jazz avec différents musiciens reconnus (Kevin Martin (The Bug, Techno Animal) ou G.C. Green (Godflesh)). Après avoir effectué de nombreuses tournées européennes, le groupe s'est séparé officiellement en 2000. La base du nouveau LP Phantom Limb a été enregistrée en 1995 par un nouveau line-up avec Alex Buess, Damian Bennett (Techno Animal) et Michael Wertmuller (Full Blast, Nohome, Alboth). En outre, le chanteur et écrivain Eugene S. Robinson (Oxbow) et Kasia Meow ont contribué à l'enrichissement de ce projet.

Ce groupe inclassable et totalement hors norme de l'histoire du rock déviant, fut au punk ce que le velvet fut aux sixties la déconnade en plus! Et ces morceaux ne démentent pas le mythe. Pour la première fois, ces morceaux sortent officiellement en vinyle, inclus 6 titres bonus jamais entendus auparavant ainsi que plusieurs clips audio additionnels. L'album est disponible en édition couleur limitée 4LP (4x140G) + mini CD + codes de téléchargement + grand poster double face + notes par Jerry Casale de DEVO. Il existe 3 versions, avec chacune un package différent : 1. la version couleur Petri Dish : vinyles transparents bleu et blanc 2. la version couleur Emergency Codes : chaque vinyle est d'une couleur différente (verte, bleu, orange et rouge) 3. la version couleur Molecular Mutation : vinyle jaune, teinté de blanc, bleu et rouge.

Près de deux ans se sont écoulés depuis que Niklas Paschburg a présenté son premier album Oceanic. Les idées musicales de Niklas se sont cristallisées et sont devenues convaincantes grâce à une combinaison de performances live étendues. L'utilisation du piano par Niklas, l'électronique (synthé et ordinateur) et l'accordéon de son grand-père lui permettent de communiquer via un certain nombre de traditions musicales et de langues. Cette polyvalence lui a permis de travailler sur une variété de projets allant d'une réinterprétation inspirée des Préludes en do mineur de Bach, à des remix pour des artistes pop tels que RY X et Asgeir. Une fois que Niklas eut fini d'écrire, il a apporté ces compositions à Andy Barlow de Lamb. à Brighton, ils ont travaillé ensemble et Andy l'a enregistré, produit et mixé. Svalbard équilibre une vision turbulente. Une relation inspirée de l'archipel norvégien, un endroit où le changement climatique - un problème cher au compositeur allemand et à sa génération - est le plus évident.

McFarlane Reality Guest est le nom collectif du trio dirigé par McFarlane. En tant que membre du groupe Twerps, McFarlane traverse depuis quelques années une musique pop mélodique centrée sur la guitare tout en respectant un langage musical unique et très personnel. Ta Da est son premier album solo, sorti à l'origine dans son Australie natale sur Hobbies Galore. Synthétiseur et saxophone, la déclaration vocale de McFarlane est une déclaration accentuée, simple et factuelle. Alors que le précédent travail de McFarlane dans Twerp faisait référence à une guitare pop anglaise des années 80, Ta Da présente différentes influences, plongées dans la musique psychédélique et les synthés. C'est un mélange brillant et habile nageant dans le minimalisme de Young Marble Giants imbibé de pop dénudée et semblable à celui de Kevin Ayers qui donne un sens à la créative banlieue de Melbourne aux visages à moitié reconnus sous un soleil aveuglant.

McFarlane Reality Guest est le nom collectif du trio dirigé par McFarlane. En tant que membre du groupe Twerps, McFarlane traverse depuis quelques années une musique pop mélodique centrée sur la guitare tout en respectant un langage musical unique et très personnel. Ta Da est son premier album solo, sorti à l'origine dans son Australie natale sur Hobbies Galore. Synthétiseur et saxophone, la déclaration vocale de McFarlane est une déclaration accentuée, simple et factuelle. Alors que le précédent travail de McFarlane dans Twerp faisait référence à une guitare pop anglaise des années 80, Ta Da présente différentes influences, plongées dans la musique psychédélique et les synthés. C'est un mélange brillant et habile nageant dans le minimalisme de Young Marble Giants imbibé de pop dénudée et semblable à celui de Kevin Ayers qui donne un sens à la créative banlieue de Melbourne aux visages à moitié reconnus sous un soleil aveuglant.

Fable est un petit label indépendant créé à Austin, au Texas, au début des années 1970 par un jeune tromboniste du nom de Michael Mordecai. à l'automne 1975, il présente pour la première fois un trio d'albums sur Fable des groupes : 47 Times, Steam Heat et Starcrost. Avec seulement 1000 exemplaires pressés, chacun portant une emphase différente sur la soul, le funk ou le jazz, tous les trois sont devenus très recherchés par les collectionneurs et les DJ du monde entier. Lors de la rencontre entre Michael de Fable et Jazzman, il explique les hauts et les bas de la gestion de Fable Records, avec autant de succès que de tragédies. Il raconte l'histoire des 3 groupes, des anecdotes passionnantes sur les années sauvages des 70's au moment de la création de leurs disques... Il a également amené des coupures de presse, des affiches, des dépliants publiés dans chaque album. Une véritable saveur des Etats-Unis pendant les 70's.

Total Refreshment Center est fier de présenter un tout nouveau mini-album de Neue Grafik Ensemble. Le producteur, instrumentiste et DJ français, Neue Grafik, s'est forgé une solide réputation au cours des dernières années en publiant des disques sur des labels tels que Rhythm Section, 22a, CoOp Presents et Wolf Music. Son son est un hybride de jazz, de house et de hip-hop, avec des saveurs géographiques uniques d'ethnie africaine, des racines parisiennes et un amour pour Londres qui ressemble à un beat & un grim cassé. Conçu comme un voyage de Deptford à Dalston, en passant par Peckham, pendant une période de transition, la musique est à la croisée de toutes ses influences, prenant le temps de partager et d'expérimenter avec un groupe - plus que cela, un ensemble. L'idée est d'incorporer des musiciens dotés de leur propre sensibilité et de collaborer en tant que reflet de notre société; irréel et rebelle, mais avec des moments magiques et plein d'espoir.

Après Strictly Raw Vol. 1 en 2015, et son grand retour en 2016 avec l'album MAYDAY, BOYS NOIZE présente Strictly Raw Vol. 2, une collection de 9 nouveaux titres composés dans son studio, allant de la techno à l'acid en passant par la house, tout analogique : Strictly Raw! Playlisté par Disclosure, Annie Mac, Tiga, Jackmaster, Crookers, Tensnake, Steve Angelo, Joachim Garraud, Brodinski, Dj Snake etc. le producteur et DJ techno BOYS NOIZE a désormais plus de 15 ans de carrière, remixant les plus grands : Depeche Mode, Daft Punk, David Lynch, Feist, collaborant avec Snoop Dogg, Erol Alkan, Jarvis Cocker & Mark Ronson. Il a déjà joué dans tous les plus grands festivals du monde (Coachella, Lollapalooza, Eaux Claires - le festival organisé par Bon Iver et bien d'autres). Beatport l'a élu 3 fois d'affilée Meilleur artist Electronique de l'année et Rolling Stone l'a inclus dans les 10 DJ's les plus influents au monde.

à moins que vous n'ayez vécu dans une grotte ces derniers mois, XXXTENTACION est un artiste qu'on ne présente plus. Tragiquement assassiné en juin 2018 il a marqué la scène hip-hop internationale par sa démarche à la fois rebelle et avant-gardiste. Ses albums marquent encore les esprits et SKINS aura été son dernier opus enregistré juste avant sa mort. L'album qui a reçu le soutien des plus grands noms du rap US, de Kendrick Lamar à Kanye West (en featuring sur le morceau One Minute), se présente sous la forme de dix pistes avec des chansons qui plongent dans les profondeurs de l'esprit complexe de XXXTENTACION. Dont en tête le single BAD! qui a engrangé plus de 52 millions de streams en moins d'une semaine et un merchandising qui s'est écoulé en quelques minutes. Disponible uniquement en digital, il est évident que la fanbase de XXXTENTACION est prête pour la sortie inédite des formats physiques de SKINS. Digisleeve 3 volets avec livret 12 pages. Vinyle marbré bleu et noir. Inclus insert et carte de téléchargement.

à 23 ans, WILLIAM REZE a déjà vécu plusieurs vies artistiques, qui semblent aujourd'hui se confondre dans un seul et même projet : THYLACINE. L'enfance à Angers, le saxophone appris dès l'âge de 6 ans, la formation classique au Conservatoire puis l'apprentissage du jazz, les groupes au lycée. Après le bac, ce musicien accompli rentre aux Beaux-Arts, où il décide d'e xplorer davantage un travail personnel de composition. Rien ne le lie à l'univers électro mais, de fil en aiguille, ce mélange savant entre pop et expérimental s'impose. Tout comme son nom : le THYLACINE était un renard tigré qui vivait jadis en Tasmanie. William a souhaité offrir une seconde vie à un nom qui, malgré son esthétique sonore, était voué à disparaître, comme l'animal. Après avoir sorti trois maxis (Intuitive, Blend, Exil) et une poignée de singles sur son propre label Intuitive Records, le voici avec un premier album baptisé Transsiberian, du nom de son récent périple à l'autre bout du monde.

Kate Davis a ramassé un violon à cinq ans, une basse à treize ans. Elle entre au Portland Youth Philharmonic avant la puberté, au Grammy Jazz Ensemble avant l'adolescence. Au moment où elle a obtenu son diplôme d'études secondaires, Kate a remporté le Presidential Scholar in the Arts Award et un tour complet à la Manhattan School of Music. En tant que jeune adulte, la virtuose a revendiqué les enthousiasmes de NPR, MTV, PBS et BBC ainsi que des invitations convoitées à la scène de Herbie Hancock, Ben Folds, Alison Krauss... Toutefois, Kate considère son premier album de rock indépendant comme sa récompense la plus méritée à ce jour. Kate a grandi comme une chérie du jazz, mais elle est devenue quelque chose de beaucoup plus dynamique. Les jours passés à pratiquer et à jouer sont devenus des nuits passées à écrire du rock indie cathartique - musique simultanément réfutée de sa formation d'origine - et en séances d'écoute de Beach House, Elliot Smith et TV On The Radio.

Kate Davis a ramassé un violon à cinq ans, une basse à treize ans. Elle entre au Portland Youth Philharmonic avant la puberté, au Grammy Jazz Ensemble avant l'adolescence. Au moment où elle a obtenu son diplôme d'études secondaires, Kate a remporté le Presidential Scholar in the Arts Award et un tour complet à la Manhattan School of Music. En tant que jeune adulte, la virtuose a revendiqué les enthousiasmes de NPR, MTV, PBS et BBC ainsi que des invitations convoitées à la scène de Herbie Hancock, Ben Folds, Alison Krauss... Toutefois, Kate considère son premier album de rock indépendant comme sa récompense la plus méritée à ce jour. Kate a grandi comme une chérie du jazz, mais elle est devenue quelque chose de beaucoup plus dynamique. Les jours passés à pratiquer et à jouer sont devenus des nuits passées à écrire du rock indie cathartique - musique simultanément réfutée de sa formation d'origine - et en séances d'écoute de Beach House, Elliot Smith et TV On The Radio.

Nouvel album de la reine deep soul, R&B, Northern.. qu'est GEMMA AND THE TRAVELLERS. Il y a dans Gemma & the Travellers l'esprit de la Motown et Stax, le son brut et groove des débuts du label. A l'évidence, Gemma c'est aussi une voix, puissante et limpide qui semble sortir tout droit de la cave en terre battue de Detroit. Le duo anglais écrit et compose tous les chansons qui repose sur la basse, batterie, sax et guitare. Sur scène, le groupe est une vrai machine a groover, avec de nombreuses tournées en Europe, ils sont tous au service de Gemma dont la voix est à la fois belle et sans équivalent Ce songrwiritng unique apporte un twist unique, et s'éloigne d'un simple pastiche de cette scène depuis toujours idéalisé. Inspirés par Dusty Spingfields, Etta James ou encore Aretha Franklin, sa voix est comme toutes ces chanteuses, incomparable. Soutenu aussi bien en Angleterre par la BBC qu'en France par FIP, ils ont ouvert pour Lee Fields & The Expressions sur leur précédente tournée.

Sur son premier album Travesseiro Feliz, Richardo Richaid mélange son héritage tropical avec son amour pour la musique psychédélique, le jazz et le rock. Il s'inspire également des grands noms brésiliens - Caetano Veloso, Arthur Verocai, Hermeto Pascoal et Azymuth (pour n'en citer que quelques-uns) - avec lesquels il a travaillé comme ingénieur, assistant et producteur, dans l'ancien studio RCA de Rio, Cia dos Tecnicos. Décrivant son univers comme Tropical Industriel, la musique de Richaid est sans aucun doute un produit de son environnement. A l'instar de Rio de Janeiro, elle est chaude, brumeuse et ifique; mais tout comme l'atmosphère actuelle qui règne dans son pays, un sinistre smog se dessine parmi ses charmes. Déplorant la crise politique, économique et écologique qu'il voit engloutir le Brésil, les paroles obscures et poétiques de Richaid évoquent la drogue, les drones et les ténèbres, soulignant l'importance de l'art pour apporter la lumière en ces temps troublés.

Ouverture du prochain album d'Aufgang «Istiklaliya», le titre «Kyrie» sonne comme un appel à la révolte. Explosif, ce morceau illustre la singulière énergie du trio. Côté remixes, STIMMING, figure de proue du label hambourgeois Diynamic, revisite « Kyrie » avec brio. De subtiles sonorités enrobent une rythmique élégante, travaillée, permettant à votre pied droit d'accompagner les kicks de l'allemand. Le second remix par NETIK, dj le plus titré de France, casse la baraque et élargit le spectre du label InFiné via un dubstep incisif et enragé. L'américain SLEEPER WORK calme ensuite la fougue du maxi sur une atmosphère tout aussi ambigüe qu'idyllique. Une belle fusion entre rythme martial et mélodie romantique. TORB, déjà remarqué sur Cassius Records, appuie son interprétation tel un prisonnier en cavale, à la recherche de repères et sensations perdues pour compléter un EP sans compromis. Aufgang sait être militant sans paroles.

Mister Modo et Ugly Mac Beer, ont été découverts par le public mainstream en 2009 grâce à leur morceau enivrant Not Afraid, voici leur second album MODONUT 2. En contrôle, les deux beatmakers, les diggers compulsifs et les vrais architectes musicaux nous apportent ce deuxième opus, toujours aussi cinématographique. Offrant une palette de sons toujours plus large, cet enregistrement nous emmène du Brésil au coeur de Paris en un saut. Ils mettent à profit leur savoir-faire et leurs mélodies avec des morceaux personnalisés pour leurs invités prestigieux. Jessica Fitoussi, vraie diva contemporaine et la chanteuse danoise Astrid Engberg. Du côté du rap, les productions et les MCs rappellent le meilleur du hip hop des années 90 avec Psycho Les des légendaires Beatnuts, Craig G, F. Stokes et Mike Ladd. Plus qu'une révélation, Modonut 2 est le couronnement de deux des producteurs les plus talentueux de leur génération. Une vingtaine de pistes réputées d'une précision musicale et d'un groove incomparable.

Au printemps 1985, le groupe de post-punk Trisomie 21 retourna en studio pour enregistrer un nouveau lot de chansons. La notoriété de Trisomie 21 s'est accrue après deux concerts en Belgique et le label bruxellois Play It Again Sam a décidé de les signer. En septembre 1985, le mini-album Wait & Dance de 5 chansons est publié par le sous-label PIAS Scarface. Il contenait les premières voix féminines du groupe sur deux des morceaux. Malheureusement, certaines chansons avaient des problèmes de phase et provoquaient l'annulation partielle de la lecture monophonique. Le groupe a donc remixé les chansons et les a rééditées sur CD uniquement en 1987. Nous avons ajouté les 5 remixes sous forme de morceaux bonus présentés ici pour la première fois sur vinyle.. Toutes les chansons ont été remasterisées pour vinyle par George Horn aux studios Fantasy à Berkeley. Le disque est logé dans une réplique de la sleeve originale avec une illustration de Sourdeval et comprend une carte postale avec des paroles et des notes.

L'album de 2017 Sammlung, compilé par Stefan Schneider, a présenté pour la première fois une sélection jusque-là peu connue de la musique électronique de Dusseldorf des années 1980 à un public stupéfait. Un autre exemple remarquable de la sortie de la bande souterraine de Dusseldorf, le Singende Draehte des années 1986, initialement diffusé dans une édition minuscule parmi les aficionados, est enfin disponible en réédition CD et vinyle. DBB était le nom du projet d'avant-pop de Stefan Schneider qui, parallèlement à ses études de photographie à la Kunstakademie de Dusseldorf, avait commencé ses explorations musicales au début des années 1980, ce qui l'a également conduit à cofonder les groupes Kreidler (1994) et To Rococo Rot (1995). Singende Draehte présente certains de ses premiers travaux dans le domaine. Le caractère quelque peu sommaire et abstrait de ces 14 titres, Draehte (fils) rappelle un peu l'esthétique d'étiquettes contemporaines comme Les Disques du Crépuscule ou le début de 4AD. Pourtant, ils semblent étonnamment modernes, même 30 ans après leur première sortie.

L'album de 2017 Sammlung, compilé par Stefan Schneider, a présenté pour la première fois une sélection jusque-là peu connue de la musique électronique de Dusseldorf des années 1980 à un public stupéfait. Un autre exemple remarquable de la sortie de la bande souterraine de Dusseldorf, le Singende Draehte des années 1986, initialement diffusé dans une édition minuscule parmi les aficionados, est enfin disponible en réédition CD et vinyle. DBB était le nom du projet d'avant-pop de Stefan Schneider qui, parallèlement à ses études de photographie à la Kunstakademie de Dusseldorf, avait commencé ses explorations musicales au début des années 1980, ce qui l'a également conduit à cofonder les groupes Kreidler (1994) et To Rococo Rot (1995). Singende Draehte présente certains de ses premiers travaux dans le domaine. Le caractère quelque peu sommaire et abstrait de ces 14 titres, Draehte (fils) rappelle un peu l'esthétique d'étiquettes contemporaines comme Les Disques du Crépuscule ou le début de 4AD. Pourtant, ils semblent étonnamment modernes, même 30 ans après leur première sortie.

Après un premier album faisant passer le groupe d'une électro-pop lo-fi composée autour de quelques pédales de guitare et d'un sampler à une musique synthétique s'ouvrant au grand tout psychédélique, avec Super Flumina Babylonis, Mont Analogue pousse encore plus loin leur explorations. Disque réalisé au pied des montagnes, en novembre et décembre 2018, dans le calme de l'hiver alpin, il porte les traces des collaborations du groupe ces dernières années (avec le dramaturge Bruno Geslin ou le guitariste gourou Jean-François Pauvros). Neuf titres sont sortis de ces sessions. Naviguant entre nappes ambient, psychédéliques, kraut, la musique du groupe prend parfois la liberté de rythmiques house ou hip hop lo-fi passées au filtre d'une production intemporelle. En guest star, sur le titre La Ville, Mont Analogue a invité une légende de la musique New Age, en la personne d'Ariel Kalma. Le musicien français exilé au bord d'une plage australienne depuis une vingtaine d'années rehausse le morceau de sa belle voix profonde.

Le guitariste et producteur londonien Leo Abrahams et le maître musicien de NYC (et patron des disques de figureight) Shahzad Ismaily s'unissent pour une imagination unique de la guitare. OEuvre de deux musiciens hautement qualifiés, cet album marque une collection de musique curieuse, mystérieuse et étrange, offrant une interprétation du jeu de guitare qui serpente et entre en collision avec des tournants inattendus. Il encourage - exige même - une expérience d'écoute profonde, chaque discordance équilibrée avec l'harmonie, chaque obscurité équilibrée avec la lumière; il est éloquent et subtil dans une égale mesure. Influencés par les itérations cellulaires méditatives et subtilement changeantes de Morton Feldman et l'austérité sonore du début de Roy Montgomery, ces pièces minimalistes et anti-virtuoses ne sont pas facilement catégorisées. Leo Abrahams est diplômé de la Royal Academy, il a collaboré avec Brian Eno, Imogen Heap, Jarvis Cocker, Jon Hopkins... Shahzad Ismaily est membre du groupe Ceramic Dog de Marc Ribot ainsi que Secret Chiefs 3 et Ex Eye (avec Colin Stetson et Greg Fox). Il a collaboré avec Lou Reed, Oren Ambarchi, Laurie Anderson...

En provenance de Chicago, The Devonns est le dernier ajout de la famille Record Kicks, dont le premier album éponyme est un assortiment de influences nous ramenant à l'âge d'or de la soul. Avec des influences tels que The Dramatics, The Isley Brothers et Leroy Hutson, tout en apportant leur propre touche moderne unique, influencée par des artistes tels que Jamie Lidell et Raphael Saadiq; le chanteur Mat Ajjarapu explique comment, involontairement, le riche héritage de l'histoire de Chicago avec la musique soul l'a influencé. Le groupe a commencé en 2016 après que le multi-instrumentiste et auteur-compositeur Mathew Ajjarapu ait abandonné ses études de médecine et se soit retrouvé au chômage. à l'écoute constante de la musique à l'époque, il a trouvé l'inspiration pour monter un groupe et créer sa propre musique. Associé à certains des meilleurs musiciens que Chicago a à offrir, il fonde The Devonns. à l'origine, il voulait se concentrer sur le doo-wop de style années 50, semblable à The Flamingos; riche en réverbération et harmonies vocales, mais lors de la première pratique initiale, il était évident que le groupe avait cliqué sur leur amour de la musique soul des années 70.

En provenance de Chicago, The Devonns est le dernier ajout de la famille Record Kicks, dont le premier album éponyme est un assortiment de influences nous ramenant à l'âge d'or de la soul. Avec des influences tels que The Dramatics, The Isley Brothers et Leroy Hutson, tout en apportant leur propre touche moderne unique, influencée par des artistes tels que Jamie Lidell et Raphael Saadiq; le chanteur Mat Ajjarapu explique comment, involontairement, le riche héritage de l'histoire de Chicago avec la musique soul l'a influencé. Le groupe a commencé en 2016 après que le multi-instrumentiste et auteur-compositeur Mathew Ajjarapu ait abandonné ses études de médecine et se soit retrouvé au chômage. à l'écoute constante de la musique à l'époque, il a trouvé l'inspiration pour monter un groupe et créer sa propre musique. Associé à certains des meilleurs musiciens que Chicago a à offrir, il fonde The Devonns. à l'origine, il voulait se concentrer sur le doo-wop de style années 50, semblable à The Flamingos; riche en réverbération et harmonies vocales, mais lors de la première pratique initiale, il était évident que le groupe avait cliqué sur leur amour de la musique soul des années 70.

Une nouvelle et imposante compilation du label Brownswood éclaire le jazz underground indépendant de Melbourne, où une collection d'artistes très unie s'est inspirée de la soul, du jazz et de la culture de clubs pour créer un nouveau son melbournian . Composé de neuf groupes différents, dont beaucoup partagent des membres ou des studios, le disque retrace les contours musicaux de cette scène bouillonnante, battant le rythme, la samba, le p-funk et la soul. Enregistré pendant une semaine à The Grove, une fabuleuse maison-studio située dans la banlieue nord de Melbourne, à Coburg, qui abrite l'ingénieur Nick Herrera, et deux membres de Hiatus Kaiyote. Silentjay fut le directeur musical, multi-instrumentiste et producteur affilié à la section Rhythm (qui jouait avec Joey Bada$$ et Flying Lotus) réunissant les différents acteurs de l'album, dont beaucoup faisaient partie des influents collectifs 30/70 et Mandarin Dreams. Sunny Side Up est un portrait coloré du potentiel de la scène australienne, explorant l'histoire de cette période florissante et mettant en lumière certaines de ses figures les plus fascinantes. Trailer à visionner ici.

LEON NEWARS, c'est l'anagramme de NEW-ORLEANS, la ville dont Vincent Pollet-Villard, leader du projet, a été résident pendant 2 ans et d'où il a puisé son inspiration, à l'écoute de groupes comme The Neville Brothers, Galactic, Papa Grows Funk ou encore Jon Cleary. 4 ans d'existence et des prestations incendiaires en 1ère partie (entre autres) de Electro Deluxe, Trombone Shorty, Alice Russel, Fred Wesley, Lenny Kravitz, Tony Green & Malted Milk. Des programmations aux festivals Bains de Blues, Cognac Blues Passions, Blues sur Seine, Relache, DARC, Scènes d'été en Gironde, St Emilion Jazz Festival, Jazz in Marciac, Festival BAR, Blues in Bezannes, Les Révélations Musicales, Nuits Romanes, Festival Histoires d'Avenir. Le prix 2014 du festival Cognac Blues Passions Révélation française de l'année”. Le groupe annonce la sortie de son 3ème album UNBOXABLE, véritable déclaration d'amour au Groove, dont le mixage a été confié au producteur suédois Carl Granberg, authentique sorcier du son, dont les mixes ciselés ont fait le bonheur d'artistes tels Tingsek, Allen Stone, Bernhoft. Soutenu par FIP, Ferarock, Rolling Stones, Soulbag.

LEON NEWARS, c'est l'anagramme de NEW-ORLEANS, la ville dont Vincent Pollet-Villard, leader du projet, a été résident pendant 2 ans et d'où il a puisé son inspiration, à l'écoute de groupes comme The Neville Brothers, Galactic, Papa Grows Funk ou encore Jon Cleary. 4 ans d'existence et des prestations incendiaires en 1ère partie (entre autres) de Electro Deluxe, Trombone Shorty, Alice Russel, Fred Wesley, Lenny Kravitz, Tony Green & Malted Milk. Des programmations aux festivals Bains de Blues, Cognac Blues Passions, Blues sur Seine, Relache, DARC, Scènes d'été en Gironde, St Emilion Jazz Festival, Jazz in Marciac, Festival BAR, Blues in Bezannes, Les Révélations Musicales, Nuits Romanes, Festival Histoires d'Avenir. Le prix 2014 du festival Cognac Blues Passions Révélation française de l'année”. Le groupe annonce la sortie de son 3ème album UNBOXABLE, véritable déclaration d'amour au Groove, dont le mixage a été confié au producteur suédois Carl Granberg, authentique sorcier du son, dont les mixes ciselés ont fait le bonheur d'artistes tels Tingsek, Allen Stone, Bernhoft. Soutenu par FIP, Ferarock, Rolling Stones, Soulbag.

Le compositeur, dramaturge, artiste, Frieder Butzmann a commencé à explorer la musique expérimentale à la fin des années 1960. Pionnier de la musique industrielle allemande et membre du mouvement Geniale Dilettanten, Butzmann a collaboré avec des artistes tels que Genesis P-Orridge, Blixa Bargeld et Santrra Oxyd, et a publié de nombreuses oeuvres solo. Frieder Butzmann s'est associé à l'auteur et artiste Thomas Kapielski au début des années 1980. La plupart de leurs compositions sont des morceaux minimalistes entrecoupés de bruits quotidiens et de fragments de discours, comme on peut l'entendre sur leur album WAR PUR WAR, sorti pour la première fois sur Zensor en 1987. Cette oeuvre tout à fait unique est un mélange idiosyncrasique d'électro-pop excentrique et de sons étranges collages et est devenu un objet recherché. Maintenant remasterisé avec des illustrations rafraîchies et deux titres bonus, WAR PUR WAR est réédité avec des photos, des notes inédites de Frieder Butzmann. WAR PUR WAR a été créé dans mon petit studio au 11-13 Erkelenzdamm, au même étage que l'Institut Unzeit, où était également basé le Freunde Guter Musik. Le disque rassemble un assortiment incroyablement diversifié de courtes pièces avec différentes histoires.

Le compositeur, dramaturge, artiste, Frieder Butzmann a commencé à explorer la musique expérimentale à la fin des années 1960. Pionnier de la musique industrielle allemande et membre du mouvement Geniale Dilettanten, Butzmann a collaboré avec des artistes tels que Genesis P-Orridge, Blixa Bargeld et Santrra Oxyd, et a publié de nombreuses oeuvres solo. Frieder Butzmann s'est associé à l'auteur et artiste Thomas Kapielski au début des années 1980. La plupart de leurs compositions sont des morceaux minimalistes entrecoupés de bruits quotidiens et de fragments de discours, comme on peut l'entendre sur leur album WAR PUR WAR, sorti pour la première fois sur Zensor en 1987. Cette oeuvre tout à fait unique est un mélange idiosyncrasique d'électro-pop excentrique et de sons étranges collages et est devenu un objet recherché. Maintenant remasterisé avec des illustrations rafraîchies et deux titres bonus, WAR PUR WAR est réédité avec des photos, des notes inédites de Frieder Butzmann. WAR PUR WAR a été créé dans mon petit studio au 11-13 Erkelenzdamm, au même étage que l'Institut Unzeit, où était également basé le Freunde Guter Musik. Le disque rassemble un assortiment incroyablement diversifié de courtes pièces avec différentes histoires.

Deux Filles étaient Simon Fisher Turner, ancien enfant star / idole adolescent et futur compositeur de bandes sonores, et son ami Colin Lloyd Tucker. Turner et Tucker ont quitté une première incarnation de The The en 1981 pour poursuivre une autre direction musicale. Turner affirme que l'idée de Deux Filles lui est venue dans un rêve, et lui et Tucker ont strictement maintenu la fiction tout au long de la carrière du duo. Non seulement ils ont posé en drag pour les couvertures d'album, mais le duo a même joué en direct sans que le public réalise que les tragiques filles françaises sur scène étaient en fait un type du sud de Londres. Deux Filles ont publié deux albums sur le label Turner et Tucker's Papier Mache, Silence & Wisdom en 1982 et Double Happiness en 1983. Les deux albums sont inclus ici et mélangent piano aquatique, voix parfois fantomatiques, partitions de synthétiseurs, guitares fortement traitées et le plus petit minimum de percussions. Dérivant et nostalgique, il s'agit d'une paire de joyaux ambiants perdus datant d'une époque où le genre n'était pas encore arrivé à maturité, un excellent exemple de musique ambiante post-Eno, pré-Orb.

Nouvel album sur Perlon. Au début des années 90, alors que la dance music prenait racine au Japon, Tanaka commençait sa carrière de DJ à Osaka. à 21 ans, il a lancé Torema Records et a commencé à publier sa propre musique, qui était rude mais qui avait l'énergie nécessaire pour faire bouger les foules. Il a également commencé à travailler avec de grands labels au Japon, ce qui, avec son charisme, en a fait l'un des personnages clés responsables de la culture club locale. Parallèlement à sa carrière techno, il a démarré plusieurs projets parallèles qui exploraient une approche plus polyvalente et intuitive de la musique. L'un d'eux est le pseudonyme Karafuto, sous lequel il aborde différents styles, de la techno minimale à la house venteuse à l'ambient. Au milieu des années 2000, Tanaka s'associe au musicien et réalisateur Yoshihiro Hanno pour lancer le label op.disc, qui propose des productions techno et house minimale de producteurs japonais. Vers la même époque, il lance Sundance et commence à publier son propre travail, ainsi que des collaborations avec Ricardo Villalobos et Thomas Melchior. Sa musique sur Perlon peut être décrite comme une interprétation organique de la minimale avec un groove housey.

Nouvel album sur Perlon. Au début des années 90, alors que la dance music prenait racine au Japon, Tanaka commençait sa carrière de DJ à Osaka. à 21 ans, il a lancé Torema Records et a commencé à publier sa propre musique, qui était rude mais qui avait l'énergie nécessaire pour faire bouger les foules. Il a également commencé à travailler avec de grands labels au Japon, ce qui, avec son charisme, en a fait l'un des personnages clés responsables de la culture club locale. Parallèlement à sa carrière techno, il a démarré plusieurs projets parallèles qui exploraient une approche plus polyvalente et intuitive de la musique. L'un d'eux est le pseudonyme Karafuto, sous lequel il aborde différents styles, de la techno minimale à la house venteuse à l'ambient. Au milieu des années 2000, Tanaka s'associe au musicien et réalisateur Yoshihiro Hanno pour lancer le label op.disc, qui propose des productions techno et house minimale de producteurs japonais. Vers la même époque, il lance Sundance et commence à publier son propre travail, ainsi que des collaborations avec Ricardo Villalobos et Thomas Melchior. Sa musique sur Perlon peut être décrite comme une interprétation organique de la minimale avec un groove housey.

Avec le début des années 1990 et la fin de The Weather Prophets, Pete Astor était prêt pour une régénération artistique. à cette fin, il a recruté un nouveau groupe de musiciens et d'amis, formant The Holy Road. Le groupe était composé des anciens guitaristes de Felt et de Everything But The Girl, Neil Scott, du bassiste Chris Clarke (qui allait bientôt devenir un membre clé des Rockingbirds), et du batteur Russell Lax. Astor a maintenu son engagement envers sa version d'une tradition de la chanson anglaise. En tant que tel, il a été adopté par un nouveau public, français, se fondant autour du magazine influent Les Inrockuptibles, qui a mis en valeur l'oeuvre d'Astor - qu'il s'agisse de Why Does The Rain, le demi-hymne de The Weather Prophets, ou son travail solo plus récent sur Submarine et Zoo. Et c'est ainsi que Paradise est arrivé, devenant pour beaucoup l'album dans lequel Astor, avec The Holy Road, exprimait à la perfection son indéniable facilité en tant que chanteur et compositeur. Toutes ses références musicales permanentes - de la guitare pop britannique classique au punk new-yorkais en passant par le blues et même le jazz - semblent se fondre dans une vision complètement façonnée, qui envisage une sorte d'Amérique mythique tout en s'attachant à l'Europe, et plus spécifiquement au Royaume-Uni, les racines.

Avec le début des années 1990 et la fin de The Weather Prophets, Pete Astor était prêt pour une régénération artistique. à cette fin, il a recruté un nouveau groupe de musiciens et d'amis, formant The Holy Road. Le groupe était composé des anciens guitaristes de Felt et de Everything But The Girl, Neil Scott, du bassiste Chris Clarke (qui allait bientôt devenir un membre clé des Rockingbirds), et du batteur Russell Lax. Astor a maintenu son engagement envers sa version d'une tradition de la chanson anglaise. En tant que tel, il a été adopté par un nouveau public, français, se fondant autour du magazine influent Les Inrockuptibles, qui a mis en valeur l'oeuvre d'Astor - qu'il s'agisse de Why Does The Rain, le demi-hymne de The Weather Prophets, ou son travail solo plus récent sur Submarine et Zoo. Et c'est ainsi que Paradise est arrivé, devenant pour beaucoup l'album dans lequel Astor, avec The Holy Road, exprimait à la perfection son indéniable facilité en tant que chanteur et compositeur. Toutes ses références musicales permanentes - de la guitare pop britannique classique au punk new-yorkais en passant par le blues et même le jazz - semblent se fondre dans une vision complètement façonnée, qui envisage une sorte d'Amérique mythique tout en s'attachant à l'Europe, et plus spécifiquement au Royaume-Uni, les racines.

PAROV STELAR a su s'imposer comme La référence mondiale incontestée du genre électro-swing, en samplant avec élégance, des perles musicales issues de la longue Histoire de la musique, pour savamment relier les décennies et confectionner des titres mêlant swing, jazz, hip-hop et électro. Aujourd'hui chéri par ses fans pour cette créativité rendant son style unique et adoré pour ses lives enflammés, il se produit aussi régulièrement avec le PAROV STELAR BAND et le PAROV STELAR TRIO, sur les plus grandes scènes et festivals dans le monde entier. Sur son nouvel album The Burning Spider, qui sortira dès le 21 avril prochain sur son label Etage Noir Recordings, PAROV STELAR décide de dévoiler des côtés inattendus de sa musique et d'écrire un nouveau chapitre dans sa recherche sonore, s'orientant cette fois vers des pépites du blues, pour leur redonner une nouvelle vie. MUDDY WATERS, JOHN LEE HOOKER et LIGHTNIN 'HOPKINS, apportent ici leurs contributions vocales, au même titre que le chanteuse ANDUZE, collaboratrice de longue date et qui occupe notamment une place de véritable pierre angulaire sur ce nouvel LP grâce au remarquable titre Beauty Mark. L'artiste n'en délaisse pas pour autant son passé Swing, que nous retrouverons ici sur 3 titres. Disponible en CD et 2LP.

Premier album des Australiens de U-Bahn avec un collage de glam-pop et de new wave. Décrivant leur musique comme une nostalgie d'avenir qui ne s'est jamais réalisée et l'ennui des banlieues et les dystopies sexuelles, le 5 membres de Melbourne raviront le public avec leur premier LP, fourmillant d'art punk futuriste. Issu des enregistrements de la chambre du chanteur Lachlan Kenny, une rencontre fortuite entre lui et Zoe Monk à propos de l'achat d'une boîte à rythmes vintage, puis du recrutement de Leland Buckle, Jordan Oakley et Mitch Campleman, le groupe a rapidement peaufiné ses productions. De leur concert fortement esthétisé aux hommages joyeux et troublants à Kubrick présents dans le clip de Beta Boyz - U-Bahn veut que vous sachiez : Nous prenons les choses très au sérieux, dans la musique et dans le monde entier. Cependant, nous ne voulons pas que le surréalisme, ou le marxisme, gêne l'expérience du public. Nous ne limiterons pas notre effusion créative en nous étiquetant comme autre chose que des mélomanes névrosés. Laissez le public tirer ses propres conclusions. Cette méthodologie, alliée à leur vif amour pour l'art, Devo et R. Stevie Moore, le mirage aristocratique de Brian Eno combiné à la robotique glacée de Kraftwerk, la course folle des genres et d'idées qui définissent le style de U-Bahn est ancrée dans un héritage de mavericks étranges et inoubliables de la musique.

Nouvelle sortie sur WONDERFULSOUND. Les origines de ce projet sont profondément ancrées dans l'homme qui a rassemblé The Hi-Fires, l'incroyable batteur Rupert Brown. Sa carrière de percussionniste lui a permis de travailler parmi des icônes telles que Roy Ayers... Avec The Hi-Fires, son interprétation du hip-hop est libre, mais ses productions et ses arrangements entraînent chaque morceau à travers les continents de ses expériences. Le disque est établi dans un monde exotique de Kung Fu français''. C'est comme s'il crée la bande son d'un film à petit budget tourné à La Havane, Cuba. Il existe une instrumentation de cuivres exotiques inspirée du jazz et du hip-hop, mélangée avec des sonorités africaines. La musique de l'album est diverse : la scène de Bristol des années 90, un featuring avec Tallulah Smith, actrice et chef de choeur, ainsi que la chanteuse Séverine Mouletin se mêlent à des rythmes plus étouffés... On retrouve l'influence indéniable de Stereolab, sans les penchants plus obscurs. L'attitude est légère. Peut-être qu'elle s'explique par le calibre des musiciens impliqués. Joueur de sax et flûte de Terry Callier depuis 25 ans, Gary Plumley est ici au saxophone, flûtes, clarinette baryton (il est co-conspirateur, co-producteur et auteur de la moitié du disque) et partage une grande partie de la section des vents avec Andrew Norman, qui lui joue de la trompette. Le formidable et généreux fournisseur de basses fréquences, Rafe Spencer, ancre les rythmes avec sa contrebasse.

Non content de définir le son de la techno dans les années 90, Robert Hood a récemment peaufiné sa propre interprétation gospel du genre. Il se présente sous son alias Floorplan, dont on dit que la genèse lui est venue lorsqu'il fut réveillé par une vision nocturne. Depuis 2016, il s'agit d'un duo collaboratif entre Hood et sa fille Lyric Hood. Avec des racines dans la scène techno de Detroit dans laquelle Hood a émergé pour la première fois, le son de Floorplan est orné d'émotions sincères et des passions débridées de la house music de Chicago. Cet album est lourd et analogique et plein de vigueur grâce au sens toujours croissant d'euphorie qui émane des synthés bien sculptés. En 2006, Lyric, la fille de Hood, a officiellement rejoint le projet. Depuis lors, ils ont amené Floorplan dans des clubs et festivals prestigieux, de New York à Ibiza, de Londres à Amsterdam. Une partie du succès de Floorplan réside dans la combinaison de l'excellence de la vieille école de Robert et de l'innovation de Lyric : leur musique, avec ses grands accords et des échantillons vocaux encore plus volumineux, pourrait avoir 30 ans ou être fraîchement créée. Il est rare de faire de la musique aussi dépouillée et riche en émotions comme Floorplan, mais cette paire le fait avec facilité et en se concentrant fermement sur des grooves durables. Fonctionnel mais plein de formes, tendu mais atmosphérique, en boucle mais en constante évolution, Floorplan transcende véritablement le spectre de la dance music.