Fans de la Bay Area, cet album est pour vous ! DEATH ANGEL revient en pleine forme, deux ans après Killing Season. Tout en réaffirmant leur style, les californiens bonifient de nouveau le genre Thrash-metal que savaient arborer les groupes de San Francisco des années 80. Avec Relentless Retribution, DEATH ANGEL nous montre ce qu'il sait faire de mieux, avec des musiciens qui ont encore progressé, un MARK OSEGUEDA à la voix posée et encore plus puissante. L'album bénéficie d'une production moderne et sans accrocs. De l'énergie, de la fougue, tous les éléments du Thrash bay area sont là sous leurs plus beaux atouts. Des compositions dévastatrices pour un album qui n'est pas sans rappeler, leur chef d'oeuvre ultime The Ultra Violence. Relentless Retribution est un disque qui mérite déjà pleinement son statut de chef d'oeuvre du Thrash.

Fort du succès de Soleil Noir, The Arrs est enfin de retour avec un nouvel album, Khrónos, disponible le 28 août ! Véritable retour aux sources, le disque a été produit par Francis Caste (Loudblast, Rise Of The Northstar), aux Studios Sainte-Marthe, celui-là même qui a produit les 3 premiers albums du groupe. Plus extrême musicalement, mais résolument plus positif dans les textes, Khrónos évoque la notion du temps qui passe, et la manière sont chacun peut prendre son destin en main, pour avancer encore et toujours. La hargne positive est communicative, au travers des nombreux choeurs sing-along, que le public s'empressera de scander lors des futurs concerts du groupe ! Au programme également, plusieurs featurings : avec Poun de Black Bomb A, Julien de Benighted et Alex du groupe canadien Obey The Brave. Jamais la rage de se dépasser n'aura été aussi bien exprimée, préparez-vous, « l'heure est venue », Khrónos.

Alan McGee n'est plus à présenter. En tant que manager (The Jesus & Mary Chain) ou boss de label (Creation), il a révolutionné le monde du rock indépendant non seulement au Royaume-Uni mais aussi dans le monde entier. Après quelques années en retrait du business musical, Alan McGee revient à ses premières amours avec la création d'un nouveau label appelé 359 Music en collaboration avec le très respecté label indé britannique Cherry Red Records. Et comme sortie inaugural quoi de plus fort que de présenter un premier album d'un jeune artiste porteur de tous les espoirs. JOHN LENNON MCCULLACH n'a que 15 ans mais signe déjà un premier disque d'une maturité rare. Enregistré par Alan McGee en un jour à Sheffield, North South Divide contient 12 titres qui n'ont rien à envier à ses influences (Donovan, Paul Weller, Marc Bolan, Johnny Cash et bien sur Jake Bugg).

C’est l’une des pages les plus fameuses de Schubert, Nacht & Träume (Nuit et Rêves), qui donne son nom au nouvel album de Laurence Equilbey. À la tête de l’Insula Orchestra, elle interprète avec une grande sensibilité des orchestrations des plus beaux lieder du compositeur viennois : l’occasion d’entendre sous les voix de la grande mezzo Wiebke Lehmkuhl, du brillant ténor Stanislas de Barbeyrac ou de l’excellent choeur Accentus trois siècles d’arrangements. Aussi bien Brahms, Liszt et Berlioz que Webern, Britten ou encore notre contemporain Franck Krawczyk se sont confrontés au maître du lied.). Le travail d’orchestrateur de Schubert lui-même est également représenté puisque deux extraits de sa célèbre musique de scène Rosamunde figurent dans ce merveilleux disque. Laurence Equilbey à la tête de l’Insula Orchestra et du Choeur Accentus vous emmène au coeur de la nuit pour un voyage romantique au côté de Schubert.

Découverte au côté de Philippe Jaroussky dans l'album La storia di Orfeo et plus récemment dans Orphée et Eurydice de Gluck, Emöke Barath, jeune soprano hongroise au timbre de velours sort enfin son premier album solo consacré à la musique Baroque italienne du XVII e siècle. A travers cet enregistrement, Emöke Barath, nouvelle signature du label Erato, l'ensemble Il Pomo d'Oro dirigé par Francesco Corti rendent un superbe hommage à l'oeuvre de Barbara Strozzi, l'une des premières femmes à mener une vie professionnelle en tant que compositrice et à connaître le succès auprès du public, à celle de son professeur, Francesco Cavalli et à certains de ses contemporains, comme Antonio Cesti. Un véritable enchantement ! La complice de Philippe Jaroussky à la scène comme au disque sort son 1er album solo Emöke Barath : Nouvelle artiste exclusive Erato-Warner Classics L'événement Baroque du début d'année

Après l'énorme succès de Walk Between Worlds en 2018 ( Le meilleur album de Simple Minds depuis plusieurs décennies. Album Of The Week, Sunday Times) confirmant une renaissance aussi récente que spectaculaire, tout en s'appuyant sur sa réputation comme l'un des meilleurs groupes de scène au monde, Simple Minds est parti aux états-Unis à l'automne dernier pour y débuter leur première tournée depuis plus de vingt ans. Comprenant 31 villes, les fans et les critiques sont tombés d'accord pour déclarer qu'il s'agissait de la meilleure tournée nord-américaine du groupe. Clin d'oeil à 'Live In The City Of Lights', son premier album live en 1987, ce nouveau disque retrouve Simple Minds 30 ans plus tard surfant toujours sur la vague de cette époque étourdissante, vendant toujours plus de billets année après année, tandis que chaque nouvelle génération découvre l'impact phénoménal du groupe en concert.

Après l'énorme succès de Walk Between Worlds en 2018 ( Le meilleur album de Simple Minds depuis plusieurs décennies. Album Of The Week, Sunday Times) confirmant une renaissance aussi récente que spectaculaire, tout en s'appuyant sur sa réputation comme l'un des meilleurs groupes de scène au monde, Simple Minds est parti aux états-Unis à l'automne dernier pour y débuter leur première tournée depuis plus de vingt ans. Comprenant 31 villes, les fans et les critiques sont tombés d'accord pour déclarer qu'il s'agissait de la meilleure tournée nord-américaine du groupe. Clin d'oeil à 'Live In The City Of Lights', son premier album live en 1987, ce nouveau disque retrouve Simple Minds 30 ans plus tard surfant toujours sur la vague de cette époque étourdissante, vendant toujours plus de billets année après année, tandis que chaque nouvelle génération découvre l'impact phénoménal du groupe en concert.

Robert Randolph est un musicien américain de 33 ans, maître de la pedal steel guitar et très influencé par Stevie Ray Vaughan. Le magazine Rolling Stone US l'a classé en 2003 parmi les 100 meilleurs guitaristes du monde. L'année d'après, il était apparu dans le DVD Crossroads Guitar Festival et avait ouvert pour la tournée mondiale de Clapton. Comme l'an précédente, il a participé à la tournée américaine hommage à Jimi, avec Billy Cox, Steve Vai, Jonny Lang, Living Colour...et à nouveau a été à l'affiche Crossroads Guitar Festival d'Eric Clapton. Après un album (2011) réunissant Leon Russell, Doyle Bramhall II, Jim Keltner, T Bone Burnett, Robert Randolph sort un nouvel album Live in Concert démontrant sa maîtrise de l'instrument et l'énergie qu'il dégage sur scène avec son Family Band. Le disque a été co-produit avec John McDermott et remixé par Eddie Kramer, tous deux,personnages bien connus des fans de Jimi Hendrix...

Après une tournée triomphale de 12 villes en Europe, deux voix d'exception, la soprano colorature Diana Damrau et le ténor Jonas Kaufmann ont eu la bonne idée d'enregistrer le splendide Italienisches Liederbuch d'Hugo Wolf, recueil de mélodies populaires, élégantes et raffinées, puisées dans le répertoire de la poésie vénitienne et toscane. Le timbre sombre au charme envoûtant de Jonas Kaufmann et la beauté vocale de Diana Damrau font ici merveille. Les deux stars de l'opéra ont fait appel à Helmut Deutsch, considéré aujourd'hui comme le pianiste de référence pour l'univers du Lied. Un album exceptionnel où les jeux de l'amour sont chantés avec maestria par deux artistes au sommet de leur art. Les stars Jonas Kaufmann et Diana Damrau réunies pour la première fois au disque ! Le duo idéal pour transcender les lieder d'Hugo Wolf. Le Figaro Ce cycle est défendu par deux chanteurs qui se hissent sans peine au niveau des plus grands artistes de l'histoire. Forum Opéra

Après un deuxième album explosif intitulé « Ascendancy » ayant porté l'attention de toute une génération sur ce groupe originaire de Floride et issu de la mouvance NWOAHM (New Wave of American Heavy Metal), le nouvel album de Trivium, « The Crusade », amène une nouvelle dimension au heavy metal. Energique et passionné, le groupe prend ses racines dans le thrash des années 80 et 90, rappellant la grande époque des Metallica, Megadeth, Mötley Crüe et autre Testament mais incorporant également des passages death metal mélodiques et même du rock progressif. Trivium connaît un succès phénoménal en Angleterre (disque d'or pour «Ascendancy»). Enregistré au Audiohammer Studio à Sanford en Floride avec leur producteur de toujours Jason Suecof, « The Crusade » est bien parti pour surpasser le précédent album et faire de Trivium le groupe le plus percutant de sa génération. Trivium passera la majeure partie de cette fin d'année et de l'année prochaine sur la route, notamment sur la tournée européenne d'Iron Maiden (le 28 novembre à Paris Bercy) ainsi qu'en tournée française en avril 2007.

Le contre-ténor à la voix d’ange Philippe Jaroussky, accompagné par son ensemble Artaserse, enregistre pour la première fois un disque entièrement consacré à Haendel. Grâce à son timbre à la fois délicat et généreux et à sa technique sans faille, Philippe Jaroussky nous fait revivre l’émotion des créations de Haendel à travers une collection d’arias rares enfin disponibles dans une version qui fait déjà référence. « Pour ce récital, j’ai souhaité sélectionner un bouquet d’airs extraits d’opéras moins connus du grand public, fruit de l’expérience scénique de ces dernières années et d’une réflexion plus profonde sur le répertoire des castrats. Le choix des airs tous plus merveilleux les uns que les autres donne le vertige et permet à tout chanteur de trouver ce qui convient le mieux à sa voix et à sa personnalité. J’espère que vous aurez autant de plaisir à écouter cet album que nous avons eu la joie à l’enregistrer tous ensemble. » Philippe Jaroussky (Août 2017) Les plus beaux arias de Haendel chantés par Philippe Jaroussky, le contre-ténor à la voix d’ange. L’événement Baroque de la fin d’année !

Les Ramones ont bouclé une des plus grandes années de l'histoire du punk avec leur troisième album Rocket To Russia, sorti le 4 novembre 1977. Considéré comme l’un des albums les plus populaires des Ramones, ce disque contient les classiques Sheena Is A Punk Rocker, Rockaway Beach et leurs reprises incontournables de Do You Wanna Dance? et Surfin’ Bird. Le coffret 3CD+1LP comprend deux mixes différents de l'album : une version remasterisée de l'album original et un nouveau Tracking Mix 40ème anniversaire réalisé en 2017 par Ed Stasium, l'ingénieur du son/mixeur de Rocket To Russia. Inclus de nombreux enregistrements rares et inédits et pour la première fois, un concert enregistré à Glasgow en 1977. Sous la forme d'un livre relié au format vinyle, cette édition Deluxe est limitée et numérotée. Le livre contient des textes rédigés par Seymour Stein, le fondateur de Sire Records, les notes de production sur la création de l'album par Ed Stasium et des notes de pochettes détaillées signées Jaan Uhelszki, journaliste et co-fondateur du magazine Creem. La nouvelle version remasterisée de l'album original est également disponible en CD simple.

Le premier Best of de la nouvelle star de l'Opéra ! Révélé au Grand Public français en tant que Révélation artiste étranger de l'Année des Victoires de la Musique Classique 2003, Rolando Villazón, jeune ténor mexicain, est sans aucun doute la nouvelle star de l'art lyrique. Il se produit sur les plus grandes scènes internationales dans les plus grandes productions d'opéra : Covent Garden, Berlin, Los Angeles, Paris, New York... Chacune de ses apparitions enflamment la presse et le public. Après les succès de ses récitals pour Virgin Classics - Airs d'opéras italiens, Airs Français, Opera Recital ou encore Gitano, Virgin Classics édite aujourd'hui son premier Best of : Un magnifique panorama des airs d'opéras français, italiens et russes les plus célèbres, mais également des zarzuelas avec No puede ser, le Stille Nacht de la BO Joyeux Nöel, du baroque dans le Combattimento de Monteverdi et un Inédit absolu au disque : l'air de Manon Lescaut de Puccini Donna non vidi mai. Une compilation idéale pour les fêtes de fin d'année pour tous les publics. Disponible en version deluxe avec un DVD.

Les amateurs de musique extrême l’auront attendu longtemps ce 9ème album studio de Morbid Angel. Six ans après le très controversé « Illud Divinum Insanus », le groupe fondé en 1984 par le guitariste Trey Azagthoth renoue avec ce death metal brutal qui a permis à Morbid Angel de devenir l’un des groupes majeurs du genre. Enregistré aux Mana Studios en Floride et produit en collaboration avec Erik Rutan (Morbid Angel, Cannibal Corpse, Hate Eternal, Six Feet Under, Belphegor), « Kingdoms Disdained » présente 11 compositions dévastatrices tant musicalement que vocalement. A l’image de sa pochette ce disque est un véritable carnage sonore qui illustre l’incroyable créativité d’Azagthoth et l’alchimie qui l’uni à Steve Tucker (chant / basse). Un retour en force qui ne va laisser personne indemne... L'édition limitée super deluxe boxset contient : petit livre en cuir qui contient 6 exemplaires 45tours complété par des pages avec un très bel artwork - 1CD digipack d’enregistrements demo des tracks de l’album - Adaptateur avec artwork blasphématoire - bijou en pendentif Blasphématoire - contenant en forme de cube

Précurseurs du grindcore, CARCASS a su se démarquer tout au long de sa carrière par de nombreux virages musicaux. Au départ groupe de grindcore à tendance gore, créant entièrement le goregrind, puis excellent groupe de death pour finir par sortir le tout premier album de death mélodique, CARCASS a su tout en évoluant garder un son personnel et de qualité, en laissant sa marque dans le monde de la musique extrême, créant même un genre entier... Surgical Steel pourrait être considéré comme le chainon manquant entre le troisième (Necroticism) et le quatrième album (Heartwork) Un disque à la croisée des chemins, entre un son Death technique enfanté par le Grind, magnifié par un lyrisme et une maîtrise mélodique improbable, que l'on croyait réservés au Heavy Metal. Une technique époustouflante et un art de la composition au firmament. L'exécution est parfaite, la fluidité et la maîtrise incroyables. Chaque titre passe comme dans un rêve, l'auditeur ne peut que s'incliner devant la flamboyance déployée ici, la richesse d'une musique qui dépasse les styles et les conventions. CARCASS vient de signer là un monument du Métal, tous styles confondus.

« Bach est certes le compositeur dont j'ai le plus besoin en tant que musicien, celui vers lequel je reviens toujours, que j'admire et que je révère comme un maître. Mais Schubert est celui qui est le plus proche de ma sensibilité. » David Fray Cinq ans après le succès de son album Schubert (Impromptus et Moments Musicaux) vendu à plus de 15 000 exemplaires en France, le pianiste David Fray revient à un de ses compositeurs fétiches avec Fantaisies, un album consacré à 4 chefs-d'oeuvre composés au soir de la vie de Schubert : la grande Sonate ‘Fantaisie', dernière sonate publiée de son vivant, et la Mélodie hongroise, publiée cent ans après sa disparition. Puis suivent deux oeuvres à 4 mains (composées par Schubert durant la dernière année de sa courte vie) : la célébrissime et bouleversante Fantaisie en fa mineur et le rare Allegro en la mineur ‘Lebensstürme'. Pour ces deux oeuvres, David Fray a invité son mentor et renommé professeur Jacques Rouvier à le rejoindre, faisant ainsi de cet album un vrai travail amoureux entre le professeur et son élève autour de ces deux chefs-d'oeuvre. Le jeu de David Fray est un bijou de lyrisme et de toucher, révélant la richesse mélodique unique de Schubert. Un grand disque.

VINCI Artaserse - 1re parution mondiale en DVD d'un chef d'oeuvre de l'Opéra baroque avec Philippe Jaroussky. Un spectacle et une oeuvre somptueux soutenus par 3 représentations à Versailles Leonardo VINCI ARTASERSE Livret de Pietro Metastasio Créé en 1730 à Rome Philippe Jaroussky Artaserse Max Emanuel Cencic Mandane Franco Fagioli Arbace Juan Sancho Artabano Valer Barna Sabadus Semira Yuriy Mynenko Megabise Concerto Köln / Diego Fasolis Mise en scène : Silviu Purcarete Enregistré à l'Opéra national de Lorraine le 10 novembre 2012 Réalisation TV : Louise Narboni Après près de 10 000 coffrets CD vendus en France, et de nombreuses distinctions (Diamant d'Opéra Magazine + Choc de Classica), le premier enregistrement mondial d'Artaserse de Vinci a été une découverte pour de nombreux mélomanes au disque, à l'opéra et sur Arte. Aujourd'hui, Erato édite le DVD du spectacle de Nancy, où le fabuleux trio de contre-ténors Philippe Jaroussky, Max Emanuel Cencic et Franco Fagioli ont enchanté un vaste public, dans une mise en scène qui a marqué les esprits. Enfin, Diego Fasiolis et le Concerto Köln contribuent pleinement à faire de la parution de ce DVD un événement d'ores et déjà historique.

« Une musique qui ne se satisfait pas de petits arrangements ou de compromis, il y a là un absolu, une intensité, et il faut aller jusqu'au bout avec Bach, aussi bien dans la gravité que dans la joie.car l'émotion peut tout emporter » David Fray. Souvenez-vous : novembre 2007, un pianiste inconnu, David Fray, déboule sur le marché français et se classe dans les meilleures ventes avec 25000 concertos de Bach vendus en 2 mois. Depuis, David Fray connaît une carrière internationale de premier plan, que ce soit en récital (Carnégie Hall, Vienne, Berlin, Paris, Londres.) ou en concertos, pour lesquels les plus grands chefs se l'arrachent : Salonen, Masur, Eschenbach. En 2009, Soliste instrumental de l'année aux Victoires de la Musique Classique allemandes, puis honoré de la même distinction en France en 2010, David Fray est aujourd'hui un artiste attendu et aimé, qui a su créer un lien véritable avec son public.. Après Schubert et Mozart, il revient cet hiver à JS Bach et 3 oeuvres pour clavier : 2 partitas et 1 Toccata. Un disque puissant, lyrique, qui fait sonner le piano comme un orgue, ou mieux un véritable orchestre. David Fray donne à Bach un souffle épique qui en surprendra plus d'un.

The Complete BBC Sessions Remastering supervisé par Jimmy Page Inclus des enregistrements inédits Versions CDs, vinyles et coffret Super Deluxe Il y a près de 20 ans, Led Zeppelin publiait BBC Sessions, un double album d'enregistrements live capturés lors des apparitions du groupe à la BBC entre 1969 et 1971. En 2016, Led Zeppelin publiera THE COMPLETE BBC SESSIONS, une nouvelle mise à jour de cette anthologie remasterisée par Jimmy Page et enrichie de huit enregistrements inédits de la BBC, dont trois faisant partie d'une session perdue datant de 1969. Edition Deluxe (3CD) Album original remasterisé plus un troisième disque inédit. Edition Deluxe Vinyle (5LP) Album original remasterisé en 180-grammes plus un cinquième vinyle inédit. Coffret Super Deluxe (3CD/5LP) inclus : o Album remasterisé. 2 CDs au format replica sleeve. o CD inédit dans une card sleeve individuelle. o Album remasterisé en vinyle 180-grammes. o Titres inédits en vinyle 180-grammes. o Carte de téléchargement audio HD de l'intégralité du contenu en 96kHz/24 bit. o Livre de 48 pages rempli de photos du groupe, des lieux d'enregistrement, de souvenirs de la BBC et d'informations complètes sur toutes les séances. o Tirage papier haute qualité de la pochette de l'album original (20 000 premiers exemplaires numérotés).

La violoniste norvégienne Vilde Frang, âgée de 23 ans, a étudié à Oslo puis au conservatoire de Hambourg. Elle participe actuellement au programme de la Kronberg Academy comme élève d'Ana Chumachenco (professeur très réputé), et étudie également à la Fondation Anne-Sophie Mutter. Donnant son premier concert à l'âge de seulement 10 ans avec l'Orchestre de la Radio Norvégienne, elle s'est par la suite produite avec le Philharmonique d'Oslo sous la direction de Mariss Jansons. Elle a également fait plusieurs tournées de concert en Scandinavie, Allemagne, Royaume Uni, Autriche, Etats-Unis..., et même à Singapour et Taïwan. En 2007 elle faisait ses débuts avec le London Philharmonic et a aussi joué aux côtés de Gidon Kremer, Yuri Bashmet et Martha Argerich ! Son talent exceptionnel a été remarqué par la célèbre violoniste Anne-Sophie Mutter qui l'a prise sous aile. Vilde Frang signe ici son premier disque pour EMI Classics dans le célèbre concerto de Sibelius où elle peut développer un jeu puissant et de grandes phrases lyriques, complété par le 1er concerto de Prokofiev où elle fait preuve d'une étonnante maturité et d'une grande intelligence musicale.

Dans son nouvel enregistrement, Emmanuel Pahud interprète des oeuvres pour flûte composées pour un grand monarque, le Roi Frédéric II de Prusse, dit Frédéric le Grand, qui par son amour de la musique, changea la face du monde musical en Europe. En révolte contre son père qui lui interdisait de jouer de la flûte au profit de la formation militaire, il résista et pris en secret ses cours de musique. Il pensait que la conception du pouvoir de son père était surannée et entendait devenir un souverain éclairé, philosophe et lettré. Un homme moderne dans un monde en pleine mutation. C'est ce qu'Emmanuel Pahud a voulu saisir dans cet enregistrement : les différentes influences qui régnaient à la Cour de Prusse, de J.S. Bach portant le baroque à son apogée, à son fils Carl Philipp Emanuel travaillant avec le jeune roi à de nouvelles sonorités. D'où la présence de la Sonate de l'Offrande Musicale, résultat d'un défi lancé par le Roi à Bach père. Une Sonate (très difficile) composée par le Roi, une autre par sa soeur Amalia, une oeuvre de Quantz, qui fut le professeur de Frédéric, plusieurs de Carl Philipp Emanuel Bach qui bouge déjà les lignes de la musique baroque vers ce qui deviendra le classicisme. Voici ce qui compose ce double CD passionnant, original, et présenté dans un superbe livre disque en édition limitée.

Avec sa réputation de musicien, d'artiste et d'imprésario prolifique, Perry Farrell a su rester au premier plan des institutions culturelles. En tant que membre fondateur de groupes alternatifs emblématiques comme Jane's Addiction, Porno For Pyros et Satellite Party, mais aussi avec sa carrière solo, sa musique en évolution constante a inspiré des générations de musiciens. Cofondateur du Lollapalooza, Farrell a imposé un standard de qualité pour les festivals de musique polysensorielle, ressuscitant son festival itinérant adoré pour en faire le monstre international que l'on connaît aujourd'hui. Militant engagé, il canalise sa passion pour l'environnement, la politique et la spiritualité dans de nombreuses causes, dont Axis of Justice avec Tom Morello. Pour l'enregistrement de Kind Heaven, l'icône de l'alt-rock a rassemblé une sacrée équipe d'artistes : Matt Chamberlain (Soundgarden à batterie), Chris Chaney (Jane's Addiction - basse), Matt Rohde (claviers), Nick Maybury (guitare), Etty Lau Farrell (choeurs). à eux tous, ils ont formé un nouveau projet d'aventures musicales baptisé : le Perry Farrell's Kind Heaven Orchestra. Coproduit par Tony Visconti (collaborateur de Farrell et de Bowie), le disque s'illustre par des contributions de Dhani Harrison, Elliot Easton (The Cars), Taylor Hawkins (Foo Fighters) et bien d'autres encore.

DAVID OISTRAKH : Le 30 septembre prochain verra la commémoration du 100ème anniversaire de la naissance d'un des 3 géants du violon du 20ème siècle : David Oistrakh (les 2 autres étant Yasha Heifetz et Yehudi Menuhin.) Le coeur de leurs enregistrements datant des années 50/60, avec donc un résultat sonore de qualité, cela explique en grande partie que Menuhin et Oistrakh soient restés les 2 géants violon au disque. Et c'est Oïstrakh que nous fêterons cet automne ! A cette occasion, EMI édite un somptueux coffret de 17CD regroupant l'intégrale de ses enregistrements pour EMI, qui édita l'essentiel de ses enregistrements en Europe de l'Ouest, Melodya éditant ceux réalisés en Union Soviétique. De 1953 à 1972, retrouvez ce son large et sombre allié à une virtuosité et une musicalité qui firent de l'artiste russe le roi du violon. Que ce soit en sonate, en musique de chambre ou dans le repertoire concertant, le jeu impérial de l'artiste résonne dans toutes nos mémoires. Que ce soit à travers des enregistrements de légende, comme le Triple concerto de Beethoven, vendu à plus d'un million d'exemplaires, le concerto et double concerto de Brahms avec Klemperer et Szell ou le concerto de Beethoven avec Cluytens, ses Mozart qu'il dirige également, mais aussi ses prodigieux enregistrements de chambriste, essentiellement avec ses collègues russes, c'est un Trésor absolu de l'archet que le mélomane découvrira cet automne.

Le duo rock Johnossi revient avec un premier single marquant son retour, Longer The Wait, Harder The Fall presque trois ans après leur premier single tiré de Blood Jungle, leur dernier album. Produit par Pelle Gunnerfeldt (The Hives, Viagra Boys, Yung Lean etc.), le morceau retrouve leur son rock 'n roll caractéristique qui a conquis tant de fans dans le monde. Il est incontestablement plus cru que sur le disque précédent. Accompagné de Mattias Franzén et Pelle, le groupe s'est isolé dans une immense demeure aux abords de Stockholm pendant tout le mois de septembre 2019. L'ensemble de l'album a été enregistré dans ces grands salons. Avec ce nouvel album, Johnossi perpétue sa formule gagnante : des sonorités, des ambiances et des saveurs variées jonglant entre les mélodies rock acérées et les morceaux acoustiques mid-tempo qui ne sont pas sans rappeler Foo Fighters, Weezer, Arcade Fire et de vieilles compos des Killers... RéCOMPENSES & NOMINATIONS Un Grammy suédois dans la catégorie Meilleur Groupe 7 nominations aux Grammy Award suédois Deux prix National Radio P3 Gold dans la catégorie Meilleur Groupe et un dans la catégorie Meilleure Chanson Rock (équivalent de Radio 1 au Royaume-Uni) Un prix Bandit Rock Radio 2018 pour la Chanson la Plus Jouée

Début 2010, Iron Maiden s'est retrouvé avec son fidèle producteur Kevin Caveman Shirley, aux Compass Point Studios de Nassau pour enregistrer leur nouvel album avant de se rendre à Los Angeles pour le terminer et le mixer. Le groupe connaît bien Compass Point puisqu'il y a enregistré Piece Of Mind (1983), Powerslave (1984) et Somewhere In Time (1986). Il règne exactement la même ambiance qu'en 1983 dans ce studio, rien n'a changé ! commente Bruce Dickinson. Jusqu'à ce store qui ne fonctionne plus dans le coin C'est aussi le même tapis C'en est presque effrayant. On s'est sentis à l'aise dans ce contexte familier et je pense que ça se ressent dans l'exécution et l'atmosphère du disque. Trente ans après la sortie de son premier album éponyme en avril 1980, The Final Frontier est le quinzième album studio d'Iron Maiden. En moyenne le groupe a donc publié un album tous les deux ans depuis trois décennies, écoulés à plus de 80 millions d'exemplaires. 'El Dorado' donne un avant-goût de l'album, explique le chanteur Bruce Dickinson. Nous jouerons cette chanson dans le cadre du Final Fontier World Tour, et avons estimé que ce serait super de remercier les fans en les mettant dans l'ambiance de l'album juste avant qu'il sorte et que la tournée commence.

Stevie Nicks entrera dans l'histoire en mars prochain en devenant la première artiste féminine intronisée pour la deuxième fois au Rock and Roll Hall of Fame, tout d'abord en 1998 en tant que membre de Fleetwood Mac et cette année pour son extraordinaire carrière solo étalée sur près de 40 ans. Afin de célébrer cet événement, Rhino a sélectionné les enregistrements les plus incontournables de ses albums studio et live, ses participations à des bandes originales et ses plus célèbres collaborations (avec Tom Petty & The Heartbreakers, Don Henley, Lana Del Rey, Lady Antebellum et bien d'autres...). En 1981, six ans après avoir rejoint Fleetwood Mac, Stevie Nicks a démarré sa carrière solo avec son premier album Bella Donna. Cet énorme succès s'est écoulé à plus de cinq millions d'exemplaires aux états-Unis. Il s'est installé à la première place des charts et a engendré quatre singles, dont l'hymne Edge Of Seventeen. D'autres albums de platine allaient suivre The Wild Heart (1983), Rock A Little (1985) et The Other Side Of The Mirror (1989). Des extraits de ses huit albums sont présents dans cette anthologie, des hits Stand Back et Talk To Me jusqu'à The Dealer, tiré de 24 Karat Gold : Songs From The Vault (2014). Dans STAND BACK, ces titres solo sont accompagnés de collaborations mémorables, dont Stop Draggin' My Heart Around avec Tom Petty & The Heartbreakers, Leather And Lacenavec Don Henley, You're Not The One avec Sheryl Crow et Beautiful People Beautiful Problems avec Lana Del Rey. Au-delà de ses enregistrements studio, STAND BACK explore également la carrière scénique de Stevie Nicks avec d'éblouissantes performances live, dont des extraits de la tournée 1981 Bella Donna (Dreams et Rhiannon) et de son album en public de 2009 The Soundstage Sessions (Sara et une reprise de Crash Into Me du Dave Matthews Band). Cette anthologie estcomplétée par ses contributions aux musiques de film, avec Blue Lamp, tiré de Heavy Metal et If You Ever Did Believe issu de Practical Magic.

Depuis leur premier album en 1971 le trio texan blues-rock ZZ Top a toujours su séduire un large public avec un cocktail détonant d'humour texan, de lourds riffs bluesy et des synthétiseurs ! Après plus de 30 ans de carrière et plusieurs millions d'albums vendus, ZZ Top est un des rares groupes à avoir traversé les âges avec le même line up constitué de Billy Gibbons (guitare, voix), Dusty Hill (basse) et Frank Beard (batterie). ZZ Top - The Studio Albums 1970 - 1990 est un box set de 10 CD regroupant tous les albums studio de leur période Warner Bros. de 1970 - 1990. Prévu pour une sortie au 10 juin c'est le parfait starter de leur tournée mondiale qui démarrera aux Etats Unis avant d'arriver en Europe. Ce boîtier cloche renferme chaque disque au format single vinyl replica avec la pochette originale et même double gatefold original pour les albums Tres Hombres et Tejas. Le plus important est que les masters des bandes originales sont enfin disponibles pour la première fois en CD pour les 3 albums suivants : First Album, Rio Grande Mud, et Tejas, de plus les masters originaux de Tres Hombres et Fandango sont également inclus. La qualité des mixes sorti en CD dans les années 80 ont été à l'origine de nombreuses discussions mais les masters originaux sont désormais disponibles une bonne fois pour toute dans un seul et même somptueux coffret !

Le troisième album de Van Halen réalise l’exploit d’être dans le droit fil de ses prédécesseurs (on est là pour s’amuser, et le hard rock est le véhicule idéal pour nous transporter vers des sommets de plaisir), tout en offrant une indiscutable évolution à l’inspiration, et donc à la musique (nous sommes aussi des êtres doués de raison). C’est également le disque des premières : première utilisation de claviers sophistiqués (c’est même un piano électrique, dada d’Eddie Van Halen, qui ouvre le bal, un comble). Premier répertoire uniquement constitué de compositions du groupe (avec « And The Craddle Will Rock... », seul single projeté sur le marché, « Romeo Delight », qui dans le privé peut être aussi considéré comme un sex toy, ou « Everybody Wants Some !! », standard absolu du groupe). Première incursion (et la dernière !), enfin, de la gent féminine dans une chanson de Van Halen, avec la participation de Nicolette Larson dans les choeurs de « Could This Be Magic ? ». La tension de l’album est palpable (Eddie souhaitant être reconnu comme un grand musicien et compositeur, le chanteur David Lee Roth étant juste là pour s’amuser), et c’est sans nul doute ce qui en fait la force, et le ciment, dans un projet curieux, où la musique la plus rêche jamais enregistrée par le groupe cohabite avec quelques mesures de country music, ou des ambiances totalement acoustiques. Women And Children First parviendra à la sixième position des classements de musique pop, alors que le single « And The Craddle Will Rock... » devra se contenter de la 55ème place de sa catégorie.

Formé en 1981 sur la côte-est des Etats-Unis, depuis la parution de son premier album en 1982, VIRGIN STEELE est devenu un icone du metal US... tout d'abord principalement influencé par des ouvrages de science fiction, en 1985 avec l'arrivée du guitariste Edward Pursino et la sortie du fantastique « Noble Savage », VIRGIN STEELE a alors commencé à brillamment conjuguer ses premières inspirations aux mythologies antiques. A la fois barbare et romantique, et surtout grandiose, la musique de VIRGIN STEELE tient vraiment une place à part dans l'histoire du heavy metal. Au sujet de ce nouveau chapitre de la glorieuse carrière de VIRGIN STEELE, le chanteur David DeFeis dit : « il s'agit d'un album long... près de 80 minutes... Pour être bref, ce disque se résumerait à l'inversion de toutes choses... Suite à des invasions et aux croisements de cultures, d'anciennes divinités païennes deviennent les démons d'une nouvelle religion. En fait « The Black Light Bacchanalia » reflète le renversement des frontières sexuelles sacrées. Un déesse subie la profanation finale, une descente aux enfers s'engage en contraste avec la montée de l'idée du Dieu de la montagne de feu.... l'histoire aborde aussi d'anciennes craintes comme la peur du soleil qui ne se lève pas. Au niveau des textes, c'est en quelque sorte la suite de ce que j'avais déjà abordé sur notre dernier album (« Visions of Eden, paru en 2006), mais musicalement c'est quelque chose de tout à fait différent »

MESPARROW. UNE VOIX. UNE PEDALE DE BOUCLE. UN CLAVIER. LA MAGIE. La Miss Moineau, MESPARROW, originaire de Tours s'est trouvé un nom d'artiste, ou plutôt de plume («sparrow » = « moineau »), idéal pour une chanteuse prête à s'envoler. Après les Beaux-Arts de Tours et un détour à Londres, Mesparrow peaufi ne un style singulier entre performance et musique, à l'aide d'une pédale de boucle, d'un ampli et de sa voix. Pop au sens de large, les étiquettes ne collent pas aux chansons de Mesparrow : c'est de la soul blanche, de la musique qui vient des tripes, remonte et s'affi ne le long des cordes vocales. De retour en France, elle détonne dans le milieu musical sur la foi de concerts impressionnants, seule sur scène, avec son clavier, ses boucles et sa chorale fantôme et est programmée au Printemps de Bourges, puis au Chantier des Francos. Mesparrow emballe le public et les médias sans avoir sorti un seul disque, par l'intensité magique de ses concerts uniquement ! L'album KEEP THIS MOMENT ALIVE marque un véritable tournant car il fallait de fi ger des chansons jusqu'alors construites strates par strates en live. Comme l'explique Mesparrow : « la ligne directrice de la musique est la voix en boucle. Puis, j'ai ajouté des instruments. Mais des ambiances, des textures, plutôt qu'un gros son de groupe ». Cet album, c'est autre chose que le live, mais c'est beaucoup plus qu'une cage dorée pour les chansons indomptables de Mesparrow. C'est un moment important, qu'il s'agit de garder en vie : KEEP THIS MOMENT ALIVE. L'album a été enregistré au studio Black Box avec Thomas Poli (musicien de Montgomery, Miossec ou Dominique A).

Après 75000 exemplaires vendus du CD Natalie Dessay & Michel Legrand, voici à l'approche de l'été une nouvelle escapade de Natalie Dessay, cette fois avec 3 amies actrices, chanteuses et toutes musiciennes, direction le Brésil ! Un album chaleureux aux couleurs de Rio et de ses sortilèges. 4 parisiennes amoureuses de la musique brésilienne : Natalie Dessay-Agnès Jaoui- Helena Noguerra Liat Cohen, guitare La guitare est au coeur de la musique brésilienne, classique ou populaire. Son triple héritage amérindien, européen et africain lui confère un parfum unique et savoureux. Le brésilien Villa-Lobos a puisé son inspiration aux sources profondes de l'âme de son pays et l'on peut dire qu'il est à la guitare ce que Chopin est au piano. De nombreux musiciens brésiliens ont séjourné à Paris et développé un lien fort avec la capitale française. C'est ainsi que quatre amies se sont réunies, Natalie Dessay, Agnès Jaoui, Helena Noguerra et Liat Cohen, pour construire ce pont musical en entre Rio et Paris. Des parisiennes amoureuses de la musique brésilienne rendent hommage à des compositeurs brésiliens très attachés à Paris. NATALIE DESSAY chante la Bachianas n° 5 de Villa-Lobos dans sa version avec guitare. AGNES JAOUI, artiste aux talents multiples qui a déjà consacré un superbe disque à des musiques sud-américaines vendu à plus de 100 000 exemplaires, apporte ici sa musicalité, son timbre chaud et intime. La langue maternelle d'HELENA NOGUERRA est le portugais; écoutez-la chanter Desafinado et Agua e vinho, avec ce sens inné de la langue et de son rythme. LIAT COHEN entoure les trois chanteuses des volutes de sa guitare virtuose et délicate. Toutes se retrouvent tout au long de l'album en trio ou en quatuor, notamment pour le légendaire « Les eaux de mars ». Un album événement porté par une tournée, une promotion importante et un marketing d'envergure.

Après 75000 exemplaires vendus du CD Natalie Dessay & Michel Legrand, voici à l'approche de l'été une nouvelle escapade de Natalie Dessay, cette fois avec 3 amies actrices, chanteuses et toutes musiciennes, direction le Brésil ! Un album chaleureux aux couleurs de Rio et de ses sortilèges. 4 parisiennes amoureuses de la musique brésilienne : Natalie Dessay-Agnès Jaoui- Helena Noguerra Liat Cohen, guitare La guitare est au coeur de la musique brésilienne, classique ou populaire. Son triple héritage amérindien, européen et africain lui confère un parfum unique et savoureux. Le brésilien Villa-Lobos a puisé son inspiration aux sources profondes de l'âme de son pays et l'on peut dire qu'il est à la guitare ce que Chopin est au piano. De nombreux musiciens brésiliens ont séjourné à Paris et développé un lien fort avec la capitale française. C'est ainsi que quatre amies se sont réunies, Natalie Dessay, Agnès Jaoui, Helena Noguerra et Liat Cohen, pour construire ce pont musical en entre Rio et Paris. Des parisiennes amoureuses de la musique brésilienne rendent hommage à des compositeurs brésiliens très attachés à Paris. NATALIE DESSAY chante la Bachianas n° 5 de Villa-Lobos dans sa version avec guitare. AGNES JAOUI, artiste aux talents multiples qui a déjà consacré un superbe disque à des musiques sud-américaines vendu à plus de 100 000 exemplaires, apporte ici sa musicalité, son timbre chaud et intime. La langue maternelle d'HELENA NOGUERRA est le portugais; écoutez-la chanter Desafinado et Agua e vinho, avec ce sens inné de la langue et de son rythme. LIAT COHEN entoure les trois chanteuses des volutes de sa guitare virtuose et délicate. Toutes se retrouvent tout au long de l'album en trio ou en quatuor, notamment pour le légendaire « Les eaux de mars ». Un album événement porté par une tournée, une promotion importante et un marketing d'envergure.

Quentin Tarantino n'est pas seulement un cinéphile acharné devenu l'un des réalisateurs les plus talentueux de sa génération, propre à éclater les conventions du film noir avec Reservoir Dogs, Pulp Fiction puis Jackie Brown. C'est aussi un metteur en musique d'exception, à l'égal de Stanley Kubrick pour la musique classique. Son art se peaufinant au fur et à mesure de ses rares incursions derrière la caméra, le cinéaste turbulent cache un véritable orfèvre de la mise en scène, un génie visuel et narratif qui éclate littéralement dans Kill Bill, vol.1. Un film sensationnel de bout en bout, bourré de références qu'il s'approprie pour les éparpiller à la façon d'un puzzle en apparence foutraque mais en réalité proche de la perfection. Quelle place pour un compositeur dans cet univers réglé au millimètre où la liberté absolue naît de la rigueur extrême ? Une place très aléatoire que Quentin Tarantino réserve à l'excellent RZA, qui s'était distingué avec Ghost Dog, et se tire brillamment, quasi incognito, de ce guêpier jubilatoire. La musique de Kill Bill, vol.1 à l'écran ? Géniale. La musique de Kill Bill, vol.1 sur disque ? Jouissive. Ça commence par la voix enjôleuse de Nancy Sinatra et sa berceuse meurtrière (Bang Bang), ça continue avec le funk symphonique de Isaac Hayes (Run Fay Run), ça se poursuit à moto avec la frénésie de Green Hornet, ça fait son entrée impériale avec la frime voluptueuse de Tomoyasu Hotei et Battle Without Honor or Humanity (le ralenti qui tue), ça tranche des membres sur fond de romance fleur bleue (The Flower of Carnage), ça règle ses comptes à coups de flûte de pan (The Lonely Sheperd par Zamfir)... Comble du recyclage insolent de réussite, Quentin Tarantino pousse le vice jusqu'à réutiliser des musiques de films, tels le morriconesque Grand Duel de Luis Bacalov, le sifflement mi-ange mi-démon du Twisted Nerve de Bernard Herrmann, sans parler de l'extrait perverti de L'Homme de fer de Quincy Jones. C'est dingue, osé, nonchalant et rentre-dedans, ça serait ridicule entre d'autres mains, c'est ici parfaitement irrésistible.

‘WHO CAN I BE NOW? (1974 - 1976)’, le deuxième volume d'une série de coffrets retraçant la carrière de DAVID BOWIE depuis 1969. Le successeur de ‘FIVE YEARS (1969 - 1973)’, un coffret récompensé par plusieurs prix et encensé par la critique, sera disponible le 23 septembre et proposera l'album inédit ‘THE GOUSTER’ enregistré en 1974. Disponible en éditions 12 CD, 13 vinyles et versions digitales, ‘WHO CAN I BE NOW? (1974 - 1976)’ comprend tous les titres officiels publiés par Bowie entre 1974 et 1976 lors de sa période « américaine ». Tous ces titres ont bénéficié d'un nouveau mastering. Inclus les albums ‘DIAMOND DOGS’, ‘DAVID LIVE’ (mix original et mix de 2005), ‘YOUNG AMERICANS’ et ‘STATION TO STATION’ (mix original et mix de 2010), mais aussi ‘THE GOUSTER’, ‘LIVE NASSAU COLISEUM 76’ et une nouvelle compilation intitulée ‘RE : CALL 2’ regroupant des singles et des faces-B hors-albums, dont le mix single original de ‘Rebel Rebel’ uniquement disponible depuis sa parution en 1974 dans le picture disc 40ème anniversaire sorti en 2014 et une version edit de ‘Diamond Dogs’, uniquement publiée en CD single en Australie jusqu’ici. Le single edit de la version live de ‘Rock ‘n’ Roll With Me’, distribué aux stations de radio américaines lors de la promotion de ‘DAVID LIVE’, est également disponible pour la première fois en CD. L'album inédit ‘THE GOUSTER’ est disponible exclusivement dans ce coffret. Cet album produit par Tony Visconti a été enregistré au studio Sigma Sound de Philadelphie en 1974. Le disque avait été mixé et masterisé à la veille du départ de Bowie pour New York, où il travailla avec John Lennon et Harry Maslin sur l'album qui allait devenir ‘YOUNG AMERICANS’. ‘THE GOUSTER’ contient trois mixes inédits de ‘Right’, ‘Can You Hear Me’ et ‘Somebody Up There Likes Me’. Tony Visconti a supervisé le nouveau mastering de ce coffret à partir des bandes originales et les photos d'Eric Stephen Jacobs ont été choisies pour illustrer la pochette en se basant sur une idée d'artwork imaginée à l'époque par David Bowie. Le coffret vinyle possède le même contenu que le CD et a été pressé en vinyle 180-grammes audiophile.

Après le beau succès de ses 2 premiers albums pour Virgin Classics, Teatro d'amore en 2009 et Via Crucis en 2010 (15.000 exemplaires chacun), l'Arpeggiata et Christina Pluhar fêtent leur 10 ans d'existence en célébrant le 500e anniversaire des Vespres della beata vergine, un des chefs-d'oeuvre absolus de l'histoire de la musique sacrée. En 1608, Claudio Monteverdi atteint un point culminant de sa carrière et de son oeuvre artistique. Sur le plan personnel, pourtant, il est endeuillé et physiquement épuisé. Atteint au plus profond de son âme par les décès de sa femme, de sa fille et de son élève, Monteverdi s'effondre d'épuisement et de surendettement en juillet 1608, à l'âge de 41 ans, et se réfugie dans la maison de son père à Crémone. Si aucune genèse de l'oeuvre ne nous est parvenue, il est tout à fait concevable qu'il ait pu commencer la composition des Vêpres de la Sainte Vierge durant cette période difficile de sa vie. Puis, après des années de galère, Monteverdi enlève haut la main le poste envié de maître de chapelle à Saint Marc à Venise. On peut supposer que les Vêpres ne sont pas étrangères à sa réussite. Chacun des 30 chanteurs et instrumentistes qui ont participé à cet enregistrements a une longue et profonde relation avec cette oeuvre. Cristina Pluhar a privilégié une approche intime, car l'écriture de la partition suggère non pas un choeur, comme c'est le cas dans de nombreux enregistrements, mais une voix soliste pour chaque partie. Ici, les 12 chanteurs sont tous des solistes qui apportent chacun une beauté formelle et une présence théâtrale forte. Cet effectif de 12 solistes « polyphoniques » en lieu et place d'un choeur global fait penser à Christina Pluhar qu'elle se rapproche de l'esprit des tous premiers concerts donnés à la création. Les instruments de L'Arpeggiata déploient une forte capacité d'improvisation libre, soutenue par de spectaculaires ornementations. A noter la présence du Psalterion dont le timbre permet de restituer par moments le sentiment d'une musique surgie du fond des âges. Christina Pluhar a opté pour une version « de concert », qui lui a semblé plus judicieuse dans le cadre d'un enregistrement moderne, et n'a donc pas intercalé d'antiennes entre les morceaux. L'utilisation exclusive de solistes, chanteurs et musiciens virtuoses, permet de choisir des tempos plus rapides et vise à donner une importance accrue aux inventioni virtuoses de Monteverdi sur ce thème fondateur. Pour résultat cette sublime interprétation en 1CD au lieu de 2 habituellement. La parution de cet enregistrement rare se double d'une présentation luxueuse : un livre-disque de 60 pages qui contient également un DVD de 22 min/, contenant 4 extraits des Vêpres par l'Arpeggiata, admirablement filmés.

Tony Allen et Hugh Masekela se sont rencontrés pour la première fois dans les années 70 et ont évoqué pendant des décennies de faire un album ensemble. C'est le producteur Nick Gold qui a enregistré leur collaboration lorsque l'occasion s'est présentée en 2010. Les sessions inachevées, constituées de toutes les compositions originales du couple, sont restées en archives jusqu'à la mort de Masekela en 2018. Avec la bénédiction et la participation de la succession de Hugh, Tony Allen et Nick Gold ont déterré les bandes originales et ont terminé l'enregistrement de l'album à l'été 2019 dans le même studio londonien où les sessions originales avaient eu lieu. Allen et Masekela sont accompagnés sur le disque par une nouvelle génération de musiciens de jazz très respectés, dont Tom Herbert (Acoustic Ladyland / The Invisible), Joe Armon-Jones (Ezra Collective), Mutale Chashi (Kokoroko) et Steve Williamson. ...Quand deux monstres sacrés du jazz africain se rencontrent pour un projet unique. Une idée qui émergea dans les années '70, un rendez-vous en 2010 pour commencer à planifier le travail, des rencontres et des enregistrements. Puis Hugh Masekela disparait en 2018. Et le 20 mars 2020, l'album est finalement dans les Bacs ! - par Jacques PAUPER sur Couleurs Jazz,le 27/03/2020 - Tony Allen, (comme nous !) se déclare très heureux de l'album définitif et reste flegmatique sur la durée prolongée de sa conception. Dix ans, c'est long du début à la fin d'un album, mais ma propre philosophie est que tout finit par arriver au bon moment, pour une raison... Il ajoute à propos du dernier titre de l'album, We've Landed. La chanson est dédiée à la jeunesse d'aujourd'hui. Les paroles s'adressent à des personnes de 17, 18, 19 ans, qui lentement deviennent des adultes, découvrent qui elles sont et réalisent que c'est au tour de leur génération d'agir ! Ils sont accompagnés alors par la fine fleur de la jeunesse jazz actuelle : Tom Herbert ou Mutale Chashi de Kokoroko à la basse, Elliot Galvin ou Joe Armon-Jones d'Ezra Collective, aux claviers, Steve Williamson au saxophone ténor, Lekan Bablola aux percussions, Lewis Wright au vibraphone. Une réunion de styles musicaux africains puissants, fondateurs, un dialogue jubilatoire qui swing entre Nigeria et Afrique du Sud. Les frontières sont abolies, les sources se rejoignent dans un même fleuve de rythmes et de notes envoutantes. par Jacques PAUPER sur Couleurs Jazz,le 27/03/2020 - NOTE : Tony Allen devait interpréter les chansons de Rejoice avec un groupe spécialement constitué lors de concerts et de festivals tout au long de l'année 2020, dont deux concerts intimes à Londres au Church of Sound les 12 et 13 mars et la date de clôture du Festival Banlieues Bleues le 3 avril à l'Embarcadère à Aubervilliers...Mais voilà.

Chef de file de la scène Metal tunisienne, Myrath a dévoilé en mai 2019 'Shehili', un cinquième opus très réussi qui combinait avec finesse le groove tribal de 'Tales Of The Sands' (2011) et les arrangements soignés et structures complexes du majestueux 'Legacy' (2016). 'Live in Carthage', leur dernier opus (CD + DVD) prévu pour le 22 novembre 2019, est un retour aux sources et une invitation au voyage. Pour Myrath - héritage, en arabe - le retour au théâtre antique était l'occasion de mesurer le chemin parcouru depuis leur dernier concert en Tunisie en 2013. Le théâtre antique de Carthage, c'est là où tout a commencé pour nous, raconte Elyes Bouchoucha, claviériste du groupe Myrath. En 2006, les jeunes musiciens de X-tazy, ancien nom de Myrath, jouent en première partie du concert de Robert Plant (l'ancien leader de Led Zeppelin). Un producteur remarque alors leur style, du metal progressif qui inclut déjà quelques influences de musique tunisienne. Il propose de travailler avec eux. On ne l'a pas cru. La scène s'est déroulée comme dans un film, s'étonne encore Elyes Bouchoucha. Pourtant, cet homme est aujourd'hui toujours leur producteur. Entre temps, Myrath a sorti quatre albums, et accompagné les Américains de Symphony X, l'un de leurs groupes préférés, lors d'une tournée internationale, ou encore Dream Theater. Le groupe prépare même un cinquième disque, prévu pour la fin de l'année 2017. Un show réglé au millimètre Aujourd'hui, c'est bien un groupe international, mais qui était jusqu'à maintenant peu visible en Tunisie, assure Hamdi Makhlouf, directeur des Journées Musicales de Carthage (JMC). Pour l'occasion, les organisateurs du festival ont fait ouvrir spécialement le théâtre antique de Carthage, qui d'habitude n'accueille des concerts que pendant l'été. Un pari plutôt réussi puisque que le jour J, presque tous les billets ont été vendus à une foule bon enfant de fans de metal, pour la plupart âgés d'une vingtaine d'années. Sur scène, pas de pyrotechnie ni de musiciens de l'orchestre symphonique de Tunis, qui jouaient dans leur dernier album, Legacy (2016). Pas d'improvisation non plus, car il faut coller à la musique enregistrée des violons qui ne sont pas présents avec le groupe, mais Myrath assure le show musical au millimètre. On entend 'Believer', ou encore 'Tales of the Sands', surtout des titres de leurs deux derniers disques. Des albums dans lesquels les musiciens se sont affirmés comme groupe de metal progressif oriental, ou plutôt tunisien, insiste le claviériste Elyes Bouchoucha, formé au conservatoire. Une reconnaissance tardive Puiser dans la musique tunisienne, c'est ce qui leur a permis de se démarquer à l'étranger, renchérit Karim Ben Amor, qui anime une émission de metal sur la radio publique RTCI et suit de près le groupe depuis des années. Aujourd'hui, ce concert montre qu'ils sont enfin reconnus en Tunisie par le ministère.

En novembre 2018, un nouvel album solo du chanteur de Wilco, Jeff Tweedy, a été publié avec WARM. 'WARM' a été enregistré au désormais légendaire, The Loft Studios à Chicago. Jeff a reçu l'aide des compagnons déjà connus, Glenn Kotche et Tom Schick, ainsi que de son fils Spencer Tweedy. Warmer est l'album compagnon de type amnésique du disque solo Warm de 2018 de Tweedy, enregistré lors de la même session à Chicago et sorti à un tirage limité à 5 000 copies sur vinyle pour Record Store Day. Si vous avez aimé Warm, vous aimerez Warmer. C'est Tweedy, son folk-rock ludique, décontracté, décontracté, décontracté et décontracté, avec une saveur de guitare désinvolte. Tweedy est soutenu sur l'album par son fils Spencer, dont les percussions subtiles constituent un complément de conversation agréable à tout ce que fait le leader de Wilco. Du point de vue des paroles, il s'agit de la fenêtre toujours changeante sur la psychologie épineuse d'un rockeur du Midwest qui sait lire et qui a un peu trop de temps - Mettre des mots sur la page / Patching où le coeur s'effrite, comme il chante dans la jolie dépressive Landscape. Il laisse tomber une drôle de référence Cum on the Feel the Noize sur Empty Head, crée de jolis dylanismes diagonaux sur Evergreen et atterrit quelque part entre That's the Story of My Life des 'Velvet Underground' et Workingman's Dead sur Ten Sentences. L'album se démarque sans ambiguïté avec Family Ghost, une évocation à la fois désinvolte, caustique et admirablement empathique de la façon dont les enfants des petites villes qui s'éclatent peuvent rester hantés par leurs amis et parents de droite à la maison. Je suis un dope qui souffle de la fumée sur l'écran de la télévision, chante-t-il, transformant l'apple à la grande gueule mythique de Fox News en une apparition d'Edgar Allen Poe sans ressembler en rien à un libéral cinglant des grandes villes. Il aborde un thème adjacent plus tard au cours du sombre Sick Server, chantant le chemin parcouru depuis son départ de la maison et les personnes de sa vie qui le maintiennent sain d'esprit alors qu'il voyage dans un groupe de rock à succès. Cette croyance et ce besoin envers les autres font partie de ce qui rend Tweedy si sympathique. Même quand il chante une phrase comme un coeur normal est un caddie laissé sur le bord de la route, il ne se fait jamais prétentieux ni complaisant, car il cherche toujours le lien et la consolation au lieu de se perdre dans une désillusion qui rend dingue, toujours en haussant les épaules contre la tristesse plutôt que de s'y perdre. Vous ne le chasserez jamais de votre librairie usagée, même s'il s'attardait toute la journée sans rien acheter. Le pack est disponible en format Digipak à trois volets avec un livret complet et des notes, des textes et des photos détaillés.

énergique, espiègle et turbulent, Terre Neuve est le genre d'album électrochoc traversé de grands moments d'émotion, de rage et de rire qu'on attendait pour bien commencer l'année 2020. Brigitte Fontaine s'y révèle dans son interprétation à la fois intense, sauvage et bouleversante. Le tout pour le tout, Terre neuve, mais aussi la prose d' Hermaphrodite, riche d'images fulgurantes et de sonorités inattendues, s'imposent parmi les sommets poétiques de l'oeuvre de Brigitte Fontaine. On est aussi ravi de retrouver son insolence éternellement gamine dans Vendetta (charge bouffonne contre la gente masculine) ou J'irai pas (comptine punk anti-système). La chanteuse ravive également deux textes méconnus de son répertoire : Les beaux animaux (composé par J. Higelin) et Ragilia (composé par Areski Belkacem). Réalisé par Yan Péchin (ex-guitariste de Bashung) et Jean Lamoot (Bashung, Noir Désir), 'Terre Neuve' est l'album d'une immense artiste, qui parvient encore à nous surprendre, en faisant une nouvelle fois voler en éclat les schémas traditionnels de la chanson française. La scène, c'est capital comme la peine du même nom! : en pleine tournée qui passera par l'Olympia fin mars 2020, la toujours aussi fantasque Brigitte Fontaine confie son bonheur de retrouver le public comme une chatte, ses petits. Surtout, ne donnez pas mon âge! Dois-je me mettre à genoux? Je suis incompatible avec les chiffres et l'âge, lance-t-elle. En fait, je suis incompatible avec pas mal de trucs... Disons que j'ai 20.000 ans, ou plutôt que je ne suis pas encore née. C'est plus simple! On retient souvent d'elle ses excentricités, moins sa poésie brute qui lui assure pourtant un public fidèle, s'offrant même le luxe d'attirer les dernières générations par sa liberté de ton et ses looks improbables qui l'ont transformée en artiste culte, aux collaborations fécondes notamment avec Bashung et Daho. En 1965, histoire d'installer son personnage, la chanteuse et comédienne intitule son premier album Brigitte Fontaine est... folle!. Aujourd'hui, la dernière vraie punk de France, selon Télérama, se définit comme créatrice-destructrice pas trop nihiliste, pas trop terroriste, qui aime les belles lettres et le bel canto. En 2013, l'inclassable a fêté les 50 ans d'une carrière menée tambour battant avec J'ai l'honneur d'être, un 20e album mis en musique par Areski Belkacem, son compagnon à la scène comme à la ville. Elle sera de retour le 24 janvier 2020 avec son nouvel album Terre Neuve réunissant une quinzaine de chansons inédites enregistrées avec un autre complice, le guitariste et compositeur Yan Péchin qui a collaboré aussi avec Bashung, Birkin et Higelin, le frère de coeur de Brigitte Fontaine, disparu l'an dernier. Péchin qui l'accompagne aussi sur scène. Sur ce disque, j'en chante des vertes et des pas mûres, des choses violentes, émouvantes, très rigolotes aussi, impertinentes et absolument déplacées, pourries complètement pourries, résume-t-elle. Brigitte Fontaine s'en prend notamment au Masculin assassin : La vendetta du con/C'est la mort du couillon/Qu'on empale tous les mâles/Ni pardon, ni manif, assez parlementé/A bas le sexe fort!. Le mouvement #MeToo ? J'en ai marre de cette histoire! Quand je pense qu'on veut interdire un mec génial comme Polanski, je suis dégoûtée. On ressort des choses d'il y a 45 ans. Le viol, c'est un crime, mais je suis contre les prisons et contre le viol aussi!. Avec J'irai pas, Brigitte Fontaine refuse tout : J'irai pas me coucher/J'irai pas à votre hôpital/J'irai pas à vos Facebook/J'irai pas à vos enterrements.... Côté grands sentiments, la poétesse - sa dénomination préférée -, enchaîne avec la chanson Haute sécurité : Mon coeur est un tableau sans peintre pour le peindre/Mon coeur est un logo qui n'aurait rien à vendre/Mon coeur est un cachot sans corde pour se pendre. On me dit subversive. C'est un peu ancien comme terme... Disons que je m'exprime le plus honnêtement que je peux. Je suis une anarchiste passionnée, estime Brigitte Fontaine qui ne sera jamais adulte car les adultes sont chiants. Alors qu'elle se contente d'un haussement d'épaules quand on lui demande ce qu'elle pense d'Emmanuel Macron, la chanteuse en profite aussitôt pour demander solennellement à Christiane Taubira de se présenter car c'est la seule chance pour le pays. Ne lui parlez pas de religion! Toutes les religions sont des prisons. Je ne suis pas athée, mais je crois en rien du tout : le mystère est partout!. Comme sa date de naissance, pourtant à portée de clics.