La vie des Tchèques est dans la musique ! Cet aphorisme signé Smetana pourrait illustrer à merveille l'oeuvre toute entière de son compatriote Dvorak. Il s'applique tout particulièrement au Quatuor op.34, composé dans la foulée de sa découverte du folklore slave (1877) et directement relié à la fondation à Prague de la société de la musique de chambre. Dix ans plus tard, le Quintette avec piano op.81 témoignera magistralement du bénéfice tiré de son repli créatif au coeur de la campagne bohème...

Le NOUVEL album d'Amipagaille est enlevé comme un cheval au galop. la vie ! Revoilà notre duo ultra créatif avec une écriture moderne qui (une fois n'est pas coutume) sort des sentiers battus et fait voyager l'Imaginaire A travers chants ! Avec une énergie communicative, l'écriture musicale de ce nouvel album est réjouissante. Harmonica, guitares, mandoline, accordéon, batterie, claviers donnent envie de bouger et chanter (bien mieux qu'une cure de vitamines); La très belle voix d'Elsa Ferrier vient caresser nos oreilles sur des ballades d'une grande poésie ! Un album plein de vie pour enfants du 21e siècle !

EDITORS CONTINUE DE FASCINER Editors annonce la sortie de The Blanck Mass Sessions une version alternative infusée d'éléctro de leur dernier album largement acclamé, Violence. Ce nouveau projet présente les version originelles de l'album Violence du producteur Benjamin John Power, aka Blanck Mass. The Blanck Mass Sessions offre une nouvelle vision des chansons ainsi qu'un aperçu fascinant du processus créatif. Le projet de huit titres comprend également un tout nouveau single 'Barricades'.

La contrebassiste Rosa Brunello nous offre un post bop contemporain et personnel avec son groupe Los Fermentos Rosa Brunello est une contrebassiste italienne réceptive à tous les courants du jazz, de ses influences mingussiennes au contemporain le plus créatif. Avec son groupe Los Fermentos, elle est le leader naturel et idéal d’un quartet de musiciens porté vers un jazz méditerranéen ouvert, collectif, libre et malgré tout sous contrôle, avec contrebasse, trompette, trombone et batterie. POUR CEUX QUI AIMENT Charlie Mingus, Chet Baker

La musique de Thelonious Monk est un comme un poème où l’on retrouve en rime son imagination décalée, son humour mélancolique et sa virtuosité cachée Pour présenter Thelonious Monk il faut dire son génie créatif, sa virtuosité discrète, le sens mélodique naturel de ses compositions, son amour des dissonnances élégantes et des rhythmiques asymétriques, sa technique plus que personnelle, unique. Cette sélection contient tout ça, à travers ses plus grandes compositions qui portent sur sa décennie la plus créative, celle qui va de la fin des années 40 à la fin des années 50. POUR CEUX QUI AIMENT Miles Davis, John Coltrane, Charles Mingus

La musique de Thelonious Monk est un comme un poème où l'on retrouve en rime son imagination décalée, son humour mélancolique et sa virtuosité cachée Pour présenter Thelonious Monk il faut dire son génie créatif unique, sa virtuosité discrète, le sens mélodique naturel de ses compositions, son amour des dissonances élégantes et des rhythmiques asymétriques, sa technique plus que personnelle, unique. Cette sélection contient tout ça, à travers ses plus grandes compositions qui portent sur sa décennie la plus créative, celle qui va de la fin des années 40 à la fin des années 50. POUR CEUX QUI AIMENT Miles Davis, John Coltrane, Charlie Mingus

C'est leur première collaboration pour harmonia mundi France : Sébastien Daucé et ses musiciens nous proposent une interprétation somptueuse des motets à six parties composés par Marc-Antoine Charpentier pour la maison de Guise. Miserere en tête, ces oeuvres constituent une parenthèse inattendue dans la musique du Grand Siècle. Le génie créatif, l'intériorité et l'intense ferveur d'un compositeur entouré de sa troupe fidèle de chanteurs et musiciens nous paraissent d'autant plus familiers que Charpentier s'y avère copiste (les partitions qui nous sont parvenues sont de sa main) et interprète - il tenait la partie de haute-contre.

Pour son premier album sur Anti, DR DOG n'a pas fait les choses à moitié. S'évadant de son home studio pour enregistrer Shame Shame dans l'état d'esprit de ses lives, le combo s'est adjoint les services de ROB SCHNAPF (BECK, ELIOTT SMITH) dont la production a su capturer toute l'énergie et la beauté. Libérés de toute la pression qu'ils s'infligeaient dans leur processus créatif, les Américains nous offrent ici 11 titres dont les textes sombres sont contrebalancés par une composition et des harmonies lumineuses et revigorantes. Un bel ouvrage pour ceux qui sont partis en tournée avec des groupes aussi exemplaires que WILCO, THE STROKES ou THE RACONTEURS !

Capté à Munich en Juillet 2009, voici une étonnante représentation de l'exigent opéra de Hans Pfitzner, Palestrina. 38 solistes, un grand choeur et l'orchestre philarmonique de Bavière pour une mise en scène ambitieuse de Christian Stuckl, cet opéra qui s'inscrit dans la fin du romantisme raconte l'histoire fictive de Giovanni Pierluigi da Palestrina, l'un des plus importants compositeurs de musique sacrée de la Renaissance italienne, qui, dans ce livret, craint de voir disparaître son pouvoir créatif d'artiste et sa place dans la société de l'époque. Un tourment existentiel parfaitement interprété par l'imposant Chistopher Ventris dans le rôle de Palestrina et la convaincante mise en scène résolument «pop art» de Christian Stuckl.

Le projet VOLTS du Quatuor Tana est un état des lieux de la musique pour quatuor à cordes et électronique : innovant et créatif Les diverses techniques de cette rencontre de musique mixte sont présentées ici, de la bande préenregistrée (Romitelli), en passant par le temps réel et improvisé (Nouno), pour arriver enfin aux Tana Instruments (Arroyo, Canedo, Havel), nouvelle génération d'instruments hybrides permettant la diffusion de l'électronique via leur caisse de résonance et non plus via des enceintes externes. Le Quatuor Tana livre ici un disque sans concession, pluriel, inscrivant d’ores et déjà cette musique dans la tradition du quatuor à cordes moderne.

DECOUVREZ LE PROJET DE RACHEL GOSWELL (SLOWDIVE) ET STEVE CLARKE The Soft Cavalry, composé de Steve Clarke et de sa femme Rachel Goswell (Slowdive), présente leur premier projet éponyme. Enregistré avec la participation du pianiste Jesse Chandler (Mercury Rev, Midlake), du guitariste Tom Livermore, du batteur Stuart Wilkinson et du producteur/frère de Steve Michael, l'album oscille entre introspection amoureuse et exercice de création grâce au talent de Steve catalysé par Rachel. Entre Pink Floyd, Talk Talk et R.E.M., l'album est une balade émouvante et mélancolique qui forme pour les deux artistes un aboutissement créatif.

DECOUVREZ LE PROJET DE RACHEL GOSWELL (SLOWDIVE) ET STEVE CLARKE The Soft Cavalry, composé de Steve Clarke et de sa femme Rachel Goswell (Slowdive), présente leur premier projet éponyme. Enregistré avec la participation du pianiste Jesse Chandler (Mercury Rev, Midlake), du guitariste Tom Livermore, du batteur Stuart Wilkinson et du producteur/frère de Steve Michael, l'album oscille entre introspection amoureuse et exercice de création grâce au talent de Steve catalysé par Rachel. Entre Pink Floyd, Talk Talk et R.E.M., l'album est une balade émouvante et mélancolique qui forme pour les deux artistes un aboutissement créatif.

Elégance, perfection du phrasé mozartien et équilibre font de Jean Efflam Bavouzet un grand interprète de Mozart. Le pianiste Jean Efflam Bavouzet signe ici le troisième et dernier volume d'une série pour le label Chandos consacrée aux six concertos que le jeune Mozart de 28 ans a écrit dans le courant de la seule année 1784. Avec l'orchestre de chambre la Manchester Camerata, placé sous la direction du jeune chef hongrois Gabor Takacs-Nagy. Ici ce sont les concertos N° 15 (KV450) et 16 (KV451), avec le quintette pour piano et vents (KV452) qui forment les dernières compositions de la fameuse année 1784, un sommet créatif du compositeur.

The New Reality est le troisième et le dernier chapitre de la trilogie musicale du chanteur iconique Geoff Tate. Un peu plus d’une année après le second chapitre « Resurrection », et deux ans après le premier « The Key ». Operation : Mindcrime est un concept créatif qui suit les pas de l’album historique éponyme, multipliant des projets tous grandioses, entrelaçant l’intensité du chanteur de Queensryche avec son état d’esprit provocant qui l’a aidé à être l’un des meilleurs leaders. Rejoins par un casting de musiciens hors pair : Kelly Gray, John Moyer, Simon Wright, Scott Mercado, Scott Moughton, Brian Tichy et Mike Ferguson, dont le talent et l’expérience montrent la qualité de la musicalité de l’album, « The New Reality » est une autre sortie de rock/métal progressif de Geoff Tate.

Figure de proue d'un revival country aux accents pop totalement assumés - Rolling Stone Le Géorgien d'Atlanta Honey Harper présente son premier album, Starmaker : une magnifique célébration de ses origines et de son chemin parcouru depuis l'EP Universal Country sorti en 2017. Les paroles, véritales confessions, se construisent autour des monologues profonds du chanteur country cosmique à propos de sa peur de l'échec, son désir de succès, et les conclusions que lui ont apporté son voyage créatif. Cumulant des collaborations multiples telles que Sébastien Tellier, Austra et John Kirby, Honey Harper se place comme véritable étendard d'une musique country revitalisée et définitivement moderne. Un mélange de synthétiseurs flottants et éthérés, combinés à un son country plus classique et portés par une voix unique, pour un mariage mélangeant à la fois Apollo, Brian Eno et une compilation best of de George Jones.

Figure de proue d'un revival country aux accents pop totalement assumés - Rolling Stone Le Géorgien d'Atlanta Honey Harper présente son premier album, Starmaker : une magnifique célébration de ses origines et de son chemin parcouru depuis l'EP Universal Country sorti en 2017. Les paroles, véritales confessions, se construisent autour des monologues profonds du chanteur country cosmique à propos de sa peur de l'échec, son désir de succès, et les conclusions que lui ont apporté son voyage créatif. Cumulant des collaborations multiples telles que Sébastien Tellier, Austra et John Kirby, Honey Harper se place comme véritable étendard d'une musique country revitalisée et définitivement moderne. Un mélange de synthétiseurs flottants et éthérés, combinés à un son country plus classique et portés par une voix unique, pour un mariage mélangeant à la fois Apollo, Brian Eno et une compilation best of de George Jones.

Après l'accueil enthousiaste de leur 1er album, un des disques les plus créatif de Rock and Roll jamais sorti en France, le cap du 2ème album semblait difficile, pourtant CHEVEU continue à surprendre et a su se renouveler avec « Mille », un album extrêmement dense. CHEVEU défend toujours ce son électro primitif, où garage punk crasseux et machines en souffrance forniquent dans un terrifiant chaos. De nombreux arrangements surprenants, des cordes enregistrées à Tel Aviv viennent ainsi élargir le spectre d'exploration du groupe comme sur Quattro Stagioni ou Birds. Le chant plus assuré permet des incursions Hip Hop comme ce pied de nez en forme de satyre au Ice Ice baby de VANILLA ICE passé à la moulinette de la machine CHEVEU, ou ce tubesque Like A Dear In The Headlights. Enfin, par l'originalité de leurs prestations et leur sens de l'improvisation, CHEVEU fait de chacun de ses concerts un événement unique !

Julian et Roman Wasserfuhr offrent un jazz au style raffiné et rempli d'émotions La musique est inspirée, façonnée et développée par les lieux où elle est. Et c'est là que réside le stimulant créatif que le producteur Siggi Loch donne à Julian et Roman Wasserfuhr : sa recherche continuelle de nouveaux contextes pour leur jeu leur ouvre des perspectives musicales jusqu'alors inimaginables. Après leur voyage musical en Suède en 2009, à Brooklyn en 2017, les frères se sont rendus sur la côte ouest de l'Irlande et au Lettercollum Studio de John Fitzgerald à Cork. Et pour la première fois, ils sont rejoints par le violoncelliste Jörg. Relaxin' in Ireland est un aperçu très personnel de l'île d'émeraude à travers le langage de la musique, il raconte comment les environs de West Cork ont ensorcelé le trio au moment de leur création musicale.

Pour faire suite à leur enregistrement des sonates de Franck et Strauss sur Onyx, Augustin Dumay et Louis Lortie se tournent maintenant vers Brahms. Les trois Sonates pour violon et piano forment le corpus le plus important de la musique écrite pour cette combinaison d'instruments, après les 10 sonates de Beethoven. De la mélancolie et de la réflexion dans la sonate en sol majeur, du soleil radieux et un travail grandiose et passionné dans la sonate en ré mineur, le génie créatif de Brahms pousse l'écriture pour violon et piano dans un nouveau territoire et révèlent un compositeur en pleine possession de ses moyens. Quel que soit le répertoire, la musique partagée par Augustin Dumay et Louis Lortie est authentique dans son interprétation, parfaitement exécutée et unique grâce à une complicité à toute épreuve.

Julian et Roman Wasserfuhr offrent un jazz au style raffiné et rempli d'émotions La musique est inspirée, façonnée et développée par les lieux où elle est. Et c'est là que réside le stimulant créatif que le producteur Siggi Loch donne à Julian et Roman Wasserfuhr : sa recherche continuelle de nouveaux contextes pour leur jeu leur ouvre des perspectives musicales jusqu'alors inimaginables. Après leur voyage musical en Suède en 2009, à Brooklyn en 2017, les frères se sont rendus sur la côte ouest de l'Irlande et au Lettercollum Studio de John Fitzgerald à Cork. Et pour la première fois, ils sont rejoints par le violoncelliste Jörg. Relaxin' in Ireland est un aperçu très personnel de l'île d'émeraude à travers le langage de la musique, il raconte comment les environs de West Cork ont ensorcelé le trio au moment de leur création musicale.

Un neuvième album mature, confiant et plein de promesses, par le songwriter d'exception Cass McCombs ! McCombs n'a jamais fait deux albums qui se ressemblent. Ce nouvel album, Tip of the Sphere, est particulièrement unique. Tip of the Sphere est le neuvième album studio de Cass McCombs. Alors que plusieurs de ses albums ont été composés de morceaux enregistrés dans différents studios et rassemblés au fil du temps, celui-ci a été enregistré très vite dans un seul endroit, avec un seul objectif, fort : faire de cet enregistrement son album le plus cohérent à ce jour. Cette approche offre une immédiateté brute à ces morceaux, qui sont pour certains ses meilleurs, car il a réussi à trouver l'équilibre parfait entre la compassion et l'expérimentation. Les morceaux rock sont encore plus rock, les balades sont plus belles, les expériences plus confiantes; avec un son jazz et de musique latine rampants à proximité. C'est un artiste essayant de donner du sens à travers un implacable processus créatif.

Un neuvième album mature, confiant et plein de promesses, par le songwriter d'exception Cass McCombs ! McCombs n'a jamais fait deux albums qui se ressemblent. Ce nouvel album, Tip of the Sphere, est particulièrement unique. Tip of the Sphere est le neuvième album studio de Cass McCombs. Alors que plusieurs de ses albums ont été composés de morceaux enregistrés dans différents studios et rassemblés au fil du temps, celui-ci a été enregistré très vite dans un seul endroit, avec un seul objectif, fort : faire de cet enregistrement son album le plus cohérent à ce jour. Cette approche offre une immédiateté brute à ces morceaux, qui sont pour certains ses meilleurs, car il a réussi à trouver l'équilibre parfait entre la compassion et l'expérimentation. Les morceaux rock sont encore plus rock, les balades sont plus belles, les expériences plus confiantes; avec un son jazz et de musique latine rampants à proximité. C'est un artiste essayant de donner du sens à travers un implacable processus créatif.

Le nouvel album de Yves Jarvis, anciennement Un Blonde : une pop expérimentale fascinante ! Yves Jarvis est le nom de scène de Jean-Sébastien Audet, prolifique chanteur, auteur-compositeur-interprète et multi-instrumentiste montréalais, dont les chansons pop expérimentales combinent des éléments disparates de soul, psycho, folk, post-punk et lo-fi indé. C'est à travers le premier nom de Un Blonde que Audet a été acclamé par la critique pour son album indépendant Good Will Come to You, sorti en 2016, avant de changer de nom pour Yves Jarvis. Audet a commencé à enregistrer de la musique à l'adolescence et s'est essayé à diverses facettes de sa personnalité artistique sous différents noms. à partir de 2012 environ, il a commencé à produire de la musique sous les noms de Faux Fur et Darren Wantz, mais Un Blonde est finalement devenu le véhicule créatif qui a uni sa myriade d'influence. Aujourd'hui Jarvis, Audet continue de créer une musique à la fois chaleureuse, envoûtante et peu familière tout en restant singulièrement invitante et chaleureuse, un mélange qui reflète à la fois le confort et son contraire.

Le nouvel album de Yves Jarvis, anciennement Un Blonde : une pop expérimentale fascinante ! Yves Jarvis est le nom de scène de Jean-Sébastien Audet, prolifique chanteur, auteur-compositeur-interprète et multi-instrumentiste montréalais, dont les chansons pop expérimentales combinent des éléments disparates de soul, psycho, folk, post-punk et lo-fi indé. C'est à travers le premier nom de Un Blonde que Audet a été acclamé par la critique pour son album indépendant Good Will Come to You, sorti en 2016, avant de changer de nom pour Yves Jarvis. Audet a commencé à enregistrer de la musique à l'adolescence et s'est essayé à diverses facettes de sa personnalité artistique sous différents noms. à partir de 2012 environ, il a commencé à produire de la musique sous les noms de Faux Fur et Darren Wantz, mais Un Blonde est finalement devenu le véhicule créatif qui a uni sa myriade d'influence. Aujourd'hui Jarvis, Audet continue de créer une musique à la fois chaleureuse, envoûtante et peu familière tout en restant singulièrement invitante et chaleureuse, un mélange qui reflète à la fois le confort et son contraire.

Depuis 1996, le collectif protéiforme ARCHIVE a su se réinventer et est obstinément resté maître de son univers créatif. Réunis autour de Darius Keeler et de Dan Griffiths, les deux membres fondateurs, plusieurs artistes sont depuis venus apporter leur pierre au succès toujours grandissant d'ARCHIVE. Après l'engouement occasionné par With Us until You're Dead en 2012 puis celui d'Axiom deux ans plus tard, l'accueil de Restriction au début de l'année n'a fait qu'assoir la popularité du collectif. Toujours sorti via Dangervisit, leur label, les membres d'ARCHIVE présentent le 4 décembre Unrestricted, une édition entièrement revue de leur dernier album. David Show, Clarence Clarity ou encore Skalpel se succèdent entre autres pour donner une deuxième lecture aux 12 titres de Restriction. Un « nouvel » album envoûtant tant il permet aux différents invités de transcender les compositions du groupe, en leur offrant de nouvelles ambiances plus électro, où les singularités de chacun prennent magnifiquement place dans l'univers d'Archive.

MEW, le groupe originaire de Copenhague, présente Visuals, un sommet de l’oeuvre de ce groupe, l’un des plus ambitieux et inventifs du rock, sur Play It Again Sam. Jonas tjerre, le chanteur de MEW qui a l’habitude de travailler sur le visuel d’un album dès lors qu’il est terminé, a décidé, pour ce septième disque, de renverser l’ordre des choses, imaginant d’abord des visuels et voyant ensuite comment ils pouvaient influencer la musique. Totalement autoproduit, la genèse de l’album a commencée lors de la tournée de l’album +-, en 2015, dans leurs bus et dans leurs chambres d’hôtels et s’est poursuivie à Copenhague pour la mise en forme des démos. Le trio souhaitait faire un album spontané, conservant l’énergie qu’il avait acquis sur scène. Entre le groove festif de « Learn Our Crystals », le rock atmosphérique de « Ay Ay Ay », le balancement soul au feeling R’n’B de « Shoulders » et la merveilleuse glissade de « In A Better Place », le groupe atteint avec Visuals un sommet créatif. Après vingt ans de carrière, MEW possède l’irrépressible exubérance d’un groupe sur son premier album. Visuals voit MEW à son niveau le plus compact et à l’alchimie interne plus puissante que jamais. Pour les fans de : tloc Party, Sigur Rós, Kashmir, The Raveonettes

MEW, le groupe originaire de Copenhague, présente Visuals, un sommet de l’oeuvre de ce groupe, l’un des plus ambitieux et inventifs du rock, sur Play It Again Sam. Jonas tjerre, le chanteur de MEW qui a l’habitude de travailler sur le visuel d’un album dès lors qu’il est terminé, a décidé, pour ce septième disque, de renverser l’ordre des choses, imaginant d’abord des visuels et voyant ensuite comment ils pouvaient influencer la musique. Totalement autoproduit, la genèse de l’album a commencée lors de la tournée de l’album +-, en 2015, dans leurs bus et dans leurs chambres d’hôtels et s’est poursuivie à Copenhague pour la mise en forme des démos. Le trio souhaitait faire un album spontané, conservant l’énergie qu’il avait acquis sur scène. Entre le groove festif de « Learn Our Crystals », le rock atmosphérique de « Ay Ay Ay », le balancement soul au feeling R’n’B de « Shoulders » et la merveilleuse glissade de « In A Better Place », le groupe atteint avec Visuals un sommet créatif. Après vingt ans de carrière, MEW possède l’irrépressible exubérance d’un groupe sur son premier album. Visuals voit MEW à son niveau le plus compact et à l’alchimie interne plus puissante que jamais. Pour les fans de : tloc Party, Sigur Rós, Kashmir, The Raveonettes

Un son unique et de très haute qualité, Telarc : A Spectacular Sound Experience met en lumière des enregistrements légendaires de musique symphonique et de films avec les plus grands orchestres américains de musique classique tel que l'Orchestre Prince of Pops de Cincinnati Pops Telarc ou la philosophie de l'enregistrement créatif et la qualité sonore par excellence. Telarc a été lancé en 1977 en tant que label purement de musique classique. Fondé par les musiciens Jack Renner et Robert Woods qui se sont rapidement fait connaître par leurs enregistrements de haute qualité et le son Telarc, pionnier du son spatialisé (SACD, Surround 5.1). Au fil du temps, l'entreprise a accumulé plus de 50 Grammy Awards grâce à ses prises de sons spectaculaires. Telarc a entretenu de longues relations avec le 'Prince of Pops' Orchestra de Cincinnatti dirigé par Erich Kunzel, le Atlanta Symphony Orchestra dirigé par Robert Shaw et le St. Louis Symphony Orchestra sous la direction de Leonard Slatkin. De nombreux enregistrements légendaires sont issus de ces collaborations. Telarc : A Spectacular Sound Experience met en lumière certains de ces enregistrements extraordinaires.

Ce pianiste a travaillé avec les plus grands, il sort de l'ombre pour nous faire partager sa passion du jazz, entouré d'un casting de haut vol Randy Waldman - pianiste, arrangeur, compositeur et chef d'orchestre - a été le pianiste et chef d'orchestre de Barbara Streisand pendant plus de 30 ans. Il a également travaillé avec de nombreux artistes dont George Benson, Beyoncé, Ray Charles, Whitney Houston, Michael Jackson, Paul McCartney, Frank Sinatra, Stevie Wonder parmi d'autres. Il compte à son actif de nombreux films et émissions de télévision tels que Mission Impossible, Beetlejuice ou encore Forrest Gump. Mais ce que Randy Waldman aime le plus, c'est être pianiste jazz. L'enregistrement de SuperHeroes est le résultat de cinq années de travail. Cet album se compose des meilleurs thèmes de super-héros arrangés dans un jazz créatif et surexcité, avec un who's-who's de légendaires super-héros du jazz dont George Benson, Randy Brecker, Arturo Sandoval et le supergroupe vocal Take 6. De plus, trois chansons mettent en vedette deux batteurs légendaires, Vinnie Colaiuta et Steve Gadd.

Joachim Kühn, ténor du piano jazz, au jeu à nul autre pareil poursuit depuis déjà quatre albums son chemin musical avec deux musiciens dont les différences rendent la rencontre exceptionnelle. Trois hommes habités par la musique nous invite une nouvelle fois à partager leur conversation musicale, amicale, chaleureuse, dans laquelle chacun apporte ses fondamentaux. L'association entre le jeu fougueux du pianiste improvisateur et les mélodies marocaines et radieuses de Majid Bekkas est une vraie réussite. Le guembri, merveilleux instrument à cordes traditionnel qui remplace ici la contrebasse, s'intègre parfaitement au coeur d'un projet de jazz créatif. Ramon Lopez, l'homme batterie, dont le sang espagnol coule dans les veines, fait corps avec son instrument et contribue à l'énergie fusionnelle qui circule tout au long de l'album. Don musical, don de soi : les trois s'amusent, jouent au sens premier du terme; alternance des notes qui se télescopent, s'entrechoquent, se bousculent, modulations de la voix ou bien solo de guembri de Majid Bekkas : l'espace s'emplit d'une respiration naturelle. Un moment d'une grande intensité, renforcé par la présence d'Archie Shepp sur trois titres.

Studio One dévoile ses pépites musicales du mouvement Rastafari ! Voici le nouveau volet de la collection Rastafari de Soul Jazz Records, où l'on retrouve des morceaux classiques des légendaires artistes roots The Gladiators, Horace Andy, Freddie McGregor, Sugar Minott et The Wailing Souls, aux côtés d'une superbe sélection de raretés tout droit sortie de l'empire musical de Sir Coxsone : composée d'artistes Rastafaris uniques et pratiquement inconnus qui ont enregistré sur une myriade de labels dérivés de Studio One dans les années 1970 - The Manchesters, Mellodies, The Nightingales et d'autres. Dans les années 1960, c'est Sir Coxsone qui a identifié le potentiel créatif des Wailers, Toots and The Maytals, Heptones, Burning Spear et bien plus encore. Dans les années 1970, Studio One a sorti une sélection incroyable des meilleurs styles allant du reggae au deejay, en passant par le dub puis au dancehall. Black Man's Pride explique les liens entre l'idéologie de Clément Dodd au Studio One et le mouvement Rastafari qui a commencé dans les années 1930. Ces titres classiques et rares de Studio One sont accompagnés d'un livret contenant des notes complètes sur chacun des morceaux, rédigées par Rob Chapman, auteur des célèbres livres Downbeat Special et Never Grow Old Studio One.

LE RETOUR DE LA REINE DU FOLK ANGLAIS DANS UNE ODE À LA FÉMINITÉ FAITE DE 9 PÉPITES À LA BEAUTÉ EXTRAORDINAIRE A 27 ans seulement, la stngwriter anglaise Laura Marling strt stn sixième album, Semper Femina sur stn prtpre label More Alarming Records, via Kobalt/ [PIAS]. Ptur cet album, Laura Marling a fait appel à Blake Mills, guitariste de Band Of Horses et prtducteur de Alabama Shakes. Semper Femina dtnne ftrme aux inspiratitns lyriques de Laura, au gré de ses réflexitns sur la féminité. Ce nmest pas un album-ctncept en sti, mais lmoeuvre et stn thème se dépltient, smentremêlent et interpellent au fil de lméctute. Les deux premiers singles, ‘Wild Firem, « perle folk low-tempo et envoûtante » (FIP) et ‘Soothingm, dtnt le clip vtluptueux révèle les talents de réalisatrice de Laura, tnt recueilli des critiques plus que favtrables et tnt valu à lmalbum une place dans les ‘40 albums les plus excitants de l’année 2017’ des INROCKS. Lmanntnce de Semper Femina fait suite au succès de la série de ptdcasts de Laura, ‘Reversal of the Muse’ qui sminterrtgeait sur lminfluence de la présence féminine dans le prtcessus créatif, en échangeant avec diverses invitées dtnt HAIM tu Dolly Parton. Semper Femina est un album riche et enrichissant, une prtductitn mature et brute, par lmune des musiciennes les plus talentueuses et prtlifiques de sa génératitn. Pour ceux qui aiment : Alela Diane, Lisa Hannigan, Iron & Wine, Mumford & Sons, Joni Mitchell...

LE RETOUR DE LA REINE DU FOLK ANGLAIS DANS UNE ODE À LA FÉMINITÉ FAITE DE 9 PÉPITES À LA BEAUTÉ EXTRAORDINAIRE A 27 ans seulement, la stngwriter anglaise Laura Marling strt stn sixième album, Semper Femina sur stn prtpre label More Alarming Records, via Kobalt/ [PIAS]. Ptur cet album, Laura Marling a fait appel à Blake Mills, guitariste de Band Of Horses et prtducteur de Alabama Shakes. Semper Femina dtnne ftrme aux inspiratitns lyriques de Laura, au gré de ses réflexitns sur la féminité. Ce nmest pas un album-ctncept en sti, mais lmoeuvre et stn thème se dépltient, smentremêlent et interpellent au fil de lméctute. Les deux premiers singles, ‘Wild Firem, « perle folk low-tempo et envoûtante » (FIP) et ‘Soothingm, dtnt le clip vtluptueux révèle les talents de réalisatrice de Laura, tnt recueilli des critiques plus que favtrables et tnt valu à lmalbum une place dans les ‘40 albums les plus excitants de l’année 2017’ des INROCKS. Lmanntnce de Semper Femina fait suite au succès de la série de ptdcasts de Laura, ‘Reversal of the Muse’ qui sminterrtgeait sur lminfluence de la présence féminine dans le prtcessus créatif, en échangeant avec diverses invitées dtnt HAIM tu Dolly Parton. Semper Femina est un album riche et enrichissant, une prtductitn mature et brute, par lmune des musiciennes les plus talentueuses et prtlifiques de sa génératitn. Pour ceux qui aiment : Alela Diane, Lisa Hannigan, Iron & Wine, Mumford & Sons, Joni Mitchell...

Après Epoch nominé aux Grammy Awards en 2016, Tycho revient avec Weather : un nouvel album audacieux qui marque un tournant dans la carrière du groupe En 2016, l'album Epoch de Tycho, nominé aux Grammy Awards et arrivé au sommet du classement Billboard, offrit un énorme succès au groupe basé à San Francisco. A présent, le projet de musique électronique - dirigé par le compositeur principal Scott Hansen - dévoile une toute nouvelle approche de son son avec la sortie de leur cinquième album studio. Ce projet marque un pas en avant audacieux pour Tycho avec l'introduction d'une série de titres chantés. Il associe ainsi les bases d'un paysage sonore distinctif propre à Hansen aux chants délicats, planants et veloutés de Hannah Cottrell (Saint Sinner), pour donner naissance à un alliage somptueux. à bien des égards, Weather est le point culminant de la carrière de Tycho - chaque étape antérieure étant franchie avec l'intention d'atterrir sur ce nouveau terrain créatif. Au cours des 13 dernières années, Tycho a évolué, partant du projet solo à temps partiel d'un graphiste à un groupe extrêmement couronné de succès et en tournée mondiale. La musique a également suivi cette trajectoire abrupte et nous apporte de nouveaux éléments, un côté plus humain de la musique, s'étendant toujours plus loin sur des horizons soniques inédits.

Après Epoch nominé aux Grammy Awards en 2016, Tycho revient avec Weather : un nouvel album audacieux qui marque un tournant dans la carrière du groupe En 2016, l'album Epoch de Tycho, nominé aux Grammy Awards et arrivé au sommet du classement Billboard, offrit un énorme succès au groupe basé à San Francisco. A présent, le projet de musique électronique - dirigé par le compositeur principal Scott Hansen - dévoile une toute nouvelle approche de son son avec la sortie de leur cinquième album studio. Ce projet marque un pas en avant audacieux pour Tycho avec l'introduction d'une série de titres chantés. Il associe ainsi les bases d'un paysage sonore distinctif propre à Hansen aux chants délicats, planants et veloutés de Hannah Cottrell (Saint Sinner), pour donner naissance à un alliage somptueux. à bien des égards, Weather est le point culminant de la carrière de Tycho - chaque étape antérieure étant franchie avec l'intention d'atterrir sur ce nouveau terrain créatif. Au cours des 13 dernières années, Tycho a évolué, partant du projet solo à temps partiel d'un graphiste à un groupe extrêmement couronné de succès et en tournée mondiale. La musique a également suivi cette trajectoire abrupte et nous apporte de nouveaux éléments, un côté plus humain de la musique, s'étendant toujours plus loin sur des horizons soniques inédits.

Aujourd'hui sort le 3ème opus de HK ET LES SALTIMBANKS, Rallumeurs d'étoiles, dont le titre est inspiré d'un vers d'Apollinaire : « Il est grand temps de rallumer les étoiles », une référence à une époque sombre, propices aux obscurantismes de toute forme entre fanatismes et xénophobies. Cet album se conçoit à la fois comme un hommage et une utopie. Une ode à tous les « rallumeurs d'étoiles » anonymes qui, chaque jour, à leur petite échelle, par un geste, un engagement, une parole, une création, entretiennent une lueur. Des chansons pour aujourd'hui et pour demain, comme Rallumeurs d'étoiles dont le refrain est chanté par les enfants du groupe, Dounia, en duo avec le chanteur malien Aboubacar Kouyaté ou encore Para cuando la vida ? Un véritable tube dans lequel HK se joint au chanteur chilien Leon Pena Casanova pour interroger nos sociétés « déshumanisantes ». Des chansons d'amour aussi comme Si un jour je tombe et Je te dis non. Amour, musique, voyage... alors, adieu HK le chanteur engagé ? Certainement pas, mais peut-être que cet engagement se fait aujourd'hui plus subtil, plus mûr. Un engagement résolument artistique et créatif : « sans haine, sans armes et sans violence ». Tout ça, tout ce qu'il est, tout ce qu'il combat, tout ce qu'il défend, HK l'explique dans la chanson A nous d'jouer, revenant sur son parcours : 20 ans d'écriture et de musique, du bas des tours HLM de son quartier jusqu'aux plus grands festivals; 20 ans de combats contre toutes formes de préjugés, d'étiquettes et d'à priori. 20 années qui, espère-t-il, en appelle 20 autres.

Emile Parisien (33 ans), collectionne depuis quelques années trophées et récompenses. En 2009, année de son « décollage », il est Talent Jazz Sacem, Lauréat Jazz Migration Afijma et Jazz Primeur du Ministère de la Culture; en 2012 il obtient le Prix Django Reinhardt de l'Académie du Jazz et enfin, en 2014 il décroche une Victoire du Jazz? Palmarès impressionnant. Très sollicité sur la scène hexagonale comme sur la scène européenne, il jongle, difficilement, avec un agenda surbooké pour trouver des « créneaux » compatibles avec ses engagements multiformes. En octobre 2014 à Toulouse, Emile rencontre Joachim Kühn et le courant passe immédiatement. Lorsqu'il propose au pianiste de participer à la résidence marciacaise la réponse est tout de suite positive. « Cette rencontre est une suite logique de mon travail avec Daniel Humair et Jean-Paul Célea. Ils ont tous deux fait de nombreux concerts avec Kühn dont ils gardent des souvenirs éblouissants. Kühn enregistre sur le même label que moi et il m'a dit avoir écouté et apprécié mon disque chez ACT. Avec Daniel nous jouons souvent des thèmes de Kühn. Quand nous avons travaillé le projet Yes Ornette avec Celea il m'a rappelé que Kühn est le seul pianiste qui a joué avec Ornette? Cela m'a donné l'idée de lui proposer cette résidence car nos esthétiques sont voisines. Une sorte de post-free, canalisé, organisé, avec beaucoup d'énergie. » Pour compléter le groupe, dans une démarche de type « trans-générationnelle » (Kühn a 71 ans? et une vitalité incroyable), Emile a choisi Manu Codjia (40 ans) un des baby-boomers de Daniel Humair (il fut son élève dans la classe jazz du CNSM) qui est lui aussi sollicité de toutes parts pour participer à des nombreux groupes et projets. Plus un tandem rythmique inédit : le contrebassiste Simon Tailleu (32 ans), diplômé lui aussi du CNSM, choisi pour sa solidité et son groove et le « petit jeune », quasi-inédit en France, Mario Costa (29 ans) batteur portugais avec lequel Emile a joué et enregistré au Portugal (CD Particula 2012 avec Dominique Pifarély). En 4 jours de répétitions intenses et chaleureuses ce surprenant casting a généré un groupe créatif, enthousiaste, joyeux et soudé. Chaque composition génère une grande variété de climats avec de belles alternances entre écritures et improvisations. Parisien impressionne non seulement par sa virtuosité technique, mais aussi par une qualité de sonorité pas si fréquente chez les sopranistes : ample, généreuse, chaleureuse, avec quelques bruitages et autres harmoniques agencés avec pertinence. Le quintet offre une belle illustration du concept Humairien de « liberté contrôlée ». Ardonceau Pierre-Henri (blog Jazz Magazine).