Quatrième opéra londonien de Handel, composé en 1713, sur un livret de Giacomo Rossi, qui avait aussi signé celui de Rinaldo, le premier triomphe du compositeur à Londres (1711). La création aurait eu lieu durant un concert privé, au Queen’s Theatre en 1713, mais aucun document le confirme. C'est l'un des rares opéras historiques de Handel, qui met en scène la fin de la vie de Lucius Cornelius Sulla, maître de Rome, consul devenu despote absolu qui assassina ses adversaires avant de se retirer dans sa villa de campagne pour se dédier à ses loisirs. Le manque de rigueur du livret a endommagé la carrière de Silla qui contient cependant une merveilleuse musique évoquant les cantates italiennes de la jeunesse du compositeur. Fabio Biondi et l'Europa Galante s’entourent un plateau vocal éclatant : la fantastique Sonia Prina dans le rôle-titre rivalise de grâce et d'élégance avec Martina Belli, Sunhae Im, Vivica Genaux, Roberta Invernizzi, Francesca Lombardi Mazzulli et Luca Tittoto. L'ensemble de Biondi fait une fois de plus preuve de son exceptionnelle élégance dans cet enregistrement réalisé au Konzerthaus de Vienne en janvier 2017.

‘Silver Tears’ nous donne un aperçu de la vie de songwriter talentueux et de musicien versatile. Que ce soit en jouant de la guitare avec l’innovant groupe de glam rock The New York Dolls, avec les androgynes débauchés de Semi Precious Weapons, avec le groupe Neil Young-ien Alberta Cross, ou en tant que frontman du groupe de rockers intelligemment nommé Madison Square Gardeners, le musicien de Nashville Aaron Lee Tasjan se considère avant tout comme un songwriter, écrivant ses propres morceaux, folks et décalés, et ce depuis son adolescence. Alors que son premier album a donné une idée du potentiel énorme de Aaron Lee Tasjan, c’est ce second effort, ‘Silver Tears’, son premier chez New West Records, qui réalise le mieux ses ambitions artistiques et conforte sa position parmi les chanteurs-songwriters émergents les plus intrigants du moment.

En 2013, GOLDFRAPP sortait Tales Of Us, un album folk empreint de tous les codes du songwriting. Ce nouvel album, Silver Eye, marque le retour du groupe dans un autre registre, tant sa palette sonore est électronique, sombre, profonde et inspirée de l’électro underground. Après avoir passé dix jours à Dallas avec John Congleton, le producteur de St. Vincent, John Grant et Wild Beasts, récompensé par un Grammy, Alison et Will sont allés à Londres où ils ont fait équipe avec le compositeur de musique électronique Bobby Krlic, alias The Haxan Cloak. Leo Abrahams, collaborateur de Brian Eno, a ajouté des textures de guitare abstraite et l’album a été mixé par David Wrench (The xx, Fka Twigs, Caribou). Le visuel, qui constitue une analogie parfaite au drame des éléments contenu dans la musique, a été entièrement conçu et photographié par Alison sur une île volcanique des Canaries.

Miljenko Matijevic, la figure centrale du groupe Steelhart, est accompagné sur cet album par de nombreux musiciens de renom : Uros Raskovski (guitare), James Jones (basse), Sigve Sjrsen (basse), Randy Cooke (batterie), Daniel Fouché (piano)... L’intensité vocale et l’ampleur de la voix du chanteur rappellent Robert Plant et restent l’âme et le coeur du groupe. Steelheart a été connu comme un groupe de Hair Metal au début des années 90. N’en déplaise aux sceptiques, le son du groupe n’en reste pas moins musclé et contemporain, soutenu par les nuances vocales de son incroyable leader vocal. Ce dernier, auteur et producteur de ce nouvel album, a assemblé le puzzle pièce par pièce, fusionnant passé, présent et futur pour faire renaître au grand jour «L’ère contemporaine de Led Zepplin» (Mitch Lafon - BW&BK). Voici leur le 5ème album, «Through Worlds Of Stardust».

Blood Red Saints est un groupe de rock britannique formé à la fin de l’année 2014 par le chanteur Pete Godfrey et le bassiste Rob Naylor (du groupe Angels or Kings). Pour compléter le groupe, ils recrutent à la batterie un membre du groupe In Faith, Pete Newdeck, et à la guitare Lee Revill. James Martin, du groupe VEGA, a co-composé deux titres et a permis au groupe de signer avec Frontiers. Ce premier album s’inscrit dans le sillon creusé par quelques groupes emblématiques du British AOR : Dare, FM et Newman. Pete Godfrey témoigne : « notre musique est une mosaïque d’influence, de Bon Jovi, Def Leppard à Winger et FM. Notre première intention était de créer des titres très solides et ensuite de les présenter sur scène avec un show tranchant et bien mené ». Harry Hess, du groupe Harem Scarem, s’est personnellement investi dans le mastering de l’album.

Une édition indispensable qui réunit le coeur de l'oeuvre enregistrée d'Ella Fitzgerald. Ella Jane Fitzgerald est la plus célébrée des divas et domine la scène jazz depuis plus de cinquante ans : de son premier succès A-Tisket, A-Tasket en 1938 à son retrait progressif de la scène pour cause de maladie en 1989. Elle a laissé son empreinte dans tous les univers du jazz qu'elle a abordés. Les Essential Works 1956-1959 mettent en évidence son talent à interpréter les plus grands standards de Cole Porter, Irving Berlin, George Gershwin et Rodgers & Hart. The Essential Works de Masters of Jazz réunissent les créations fondatrices de la musique d'aujourd'hui. L'histoire de la musique révèle que les musiques se succèdent les unes les autres. Difficile aujourd'hui de dire la tendance dominante, tant les courants se chevauchent et s'entrecroisent. Une chose est certaine, chaque musique se construit sur les musiques qui l'ont précédée. Pas de jazz sans la musique classique ou sans le blues, pas de rock sans le jazz, pas de rap sans la soul... Les Essential Works de Masters of Jazz, mettent en évidence les créations du 20e siècle qui aujourd'hui encore influencent la majorité des musiciens - consciemment ou inconsciemment.

« Fragile et audacieux, direct et poétique, un si bel album atemporel... Entre Rosalie Sorrels et The Only Ones ! C’est ainsi que le chanteur Devendra Banhart évoque le premier album de SYLVIE SIMMONS. La notoriété de SYLVIE SIMMONS en tant que journaliste rock n’est plus à refaire : née à Londres, amoureuse des Etats-Unis et de la musique, elle rejoint LA dans les années 70 et écrit notamment les biographies de Leonard Cohen et de Serge Gainsbourg - elle a même fait l’objet d’un documentaire de la BBC, The Rock Chick. « La seule ligne directrice de ma vie est la musique », explique Sylvie. « Ecrire sur elle et la jouer en cachette... jusqu’à aujourd’hui. » Sylvie se met complètement à nu sur cet album sensuel, brut et délicat, où elle joue d’un ukulélé qui sonne comme une harpe cassée ou une guitare au coeur brisé. « Ces chansons sont vraies, c’est comme ça qu’elles me sont venues, seules dans la nuit, tristes, douces et mystérieuses ».

The Nature Of Time est le neuvième album de SECRET SPHERE, et une occasion aussi de célébrer leurs 20 années de formation et leur premier album Mistress Of The Shadowlight. Depuis toujours le groupe s’est appliqué à développer sa propre marque de fabrique, un son qui les caractérise et qui les place parmi les groupes de métal italien les plus renommés à l’heure actuelle. Depuis 2012, l’incroyable chanteur Michele Luppi (qui accompagne aussi actuellement Whitesnake au clavier et aux choeurs) a pris le leardership du groupe et a élevé le niveau de celui-ci un cran au-dessus. Dès son premier enregistrement avec eux, il leur obtient de fabuleuses critiques dans les médias. Avec ce son très particulier, l’album explore le principe de « retour à la vie » : une musique à la fois très orchestrée et très moderne, avec des performances de voix, de guitare et d’arrangements à l’ordre du jour !

L.A. Guns est l'un des plus grands groupes de hard rock américain de ces 30 dernières années. Depuis leur premier album éponyme, sorti en 1988, jusqu'à leur album de retour (2017) The Missing Peace, L.A. Guns, dirigé par Tracii Guns et Phil Lewis, a toujours livré du rock'n roll solide à ses fans. Le groupe continue dans la foulée du succès de The Missing Peace avec un nouvel album, The Devil You Know. Cet album couvre beaucoup de terrain et incorpore des influences allant de Black Sabbath à Led Zeppelin en passant par Kyuss et The Hellacaopters, le tout en sonnant clairement comme L.A. Guns. La cohésion de l'ensemble, sans parler de la voix étonnante et unique de Phil et du jeu de guitare époustouflant de Guns, sont pleinement mis en valeur ici. Un must à entendre et à écouter pour tous les fans du groupe, qu'ils soient nouveaux ou anciens !

Le nouvel opus d’Arat Kilo, machine à groove d’un éthiojazz ouvert et décapant, avec la chanteuse malienne Mamani Keita et le slammer newyorkais Mike Lad Avec ce troisième album, Arat Kilo a décidé de changer : le groupe s’épanouit là où il est le meilleur (le groove) et s’ouvre à d’autres cultures musicales. Sans jamais quitter l’Addis-Abeba des années 70, le groupe a réussi à faire aboutir une évolution réelle en accentuant le caractère dansant de ses compositions : basse, batterie, guitare, clavier et cuivres, une machine à groove bien huilée. Arat Kilo a aussi intégré avec une stupéfiante aisance deux chanteurs habitués à arpenter des horizons bien différents, la malienne Mamani Keita et l’américain Mike Ladd. POUR CEUX QUI AIMENT Fela Kuti / Mulatu Astatke / Oumou Sangaré

Madrigaux sans paroles. Toute l'attirance que Fabio Bonizzoni éprouve pour les splendeurs de la musique baroque pour voix et orchestre ne peut museler son instinct d'instrumentiste qui l'entraîne constamment à aborder les chefsd'oeuvre du répertoire pour clavier. Après avoir récemment mis sa sensibilité et sa virtuosité au service de L'Art de la Fugue de Bach, Bonizzoni affronte une autre cime, chronologiquement antérieure, du baroque : la musique de Girolamo Frescobaldi. L'importance de ce compositeur dans le domaine de la musique pour clavecin et orgue a souvent été comparée à celle de Monteverdi concernant l'art vocal et dramatique. Et en effet, le génie du Ferrarais était amplement reconnu quand il travaillait à Rome et à Florence, à l'époque où il publiait et révisait (en y incluant des canzonas et des séries de variations) les deux livres de toccatas enregistrés ici. Les toccatas de Frescobaldi permettent une grande flexibilité dans l'interprétation, en revendiquant la liberté rythmique et, bien évidemment l'expression du drame et de l'émotion. De fait, Bonizzoni, pleinement averti des nouvelles exigences de la seconda prattica à l'époque de Frescobaldi, considère les toccatas comme des madrigaux sans paroles, la poésie se lovant au coeur de ses interprétations.

Sweet & Lynch est principalement axé sur les talents du guitariste/chanteur Michael Sweet et du vigoureux et iconique guitariste d’heavy metal des Stryper : George Lynch. La solide section rythmique est elle composée du bassiste James Lomenzo (Megadeth, White Lion, KXM...) et du batteur Brian Tichy (The Dead Daisies, ex-Whitesnake). Unified est la continuité de leur premier album sorti en 2015 Only To Rise, disque acclamé par leurs fans, qui a atteint le TOP 200 du Billboard US. La combinaison de la puissante et électrisante voix de Sweet, du travail remarquable à la guitare de Lynch, et du rythme propulsif de Lomenzo et Tichy sont les composants de cette précieuse alchimie musicale. Unified est une perle que savoureront les fans des derniers projets respectifs de Michael Sweet et de George Lynch, mais aussi ceux qui ont apprécié l’excellent premier album du groupe !

Quel dommage que l'on réduise d'Indy à sa Symphonie cévenole, à son action à la Schola Cantorum et ses navrantes saillies quasi anti-tout et anti-tout-le-monde. Espérons que cette intégrale de son oeuvre symphonique, à défaut de réhabiliter le bonhomme (ce n'est d'ailleurs pas son propos), réhabilitera sa musique, un corpus étoilé de chefs-d'oeuvre d'invention et si, si !, de modernités en tout genre. Impossible de ne pas entendre le futur Roussel dans l'extraordinaire Poème des rivages, digne pendant symphonique à La Mer de Debussy : ses quatre mouvements décrivent tour à tour des lumières méditerranéennes, adriatiques ou atlantiques, avec une imagination folle et une science de l'orchestre de toute beauté. Un ouvrage de 1920, l'ultime maturité du compositeur donc, qui n'avait plus rien ni à prouver ni à craindre des nouveautés de l'Entre-deux-guerres qu'il ne suivra pas, mais dont il aura formé bien des étoiles montantes : Honegger, Milhaud, Roussel, Varèse... Quant à la Symphonie italienne, oeuvre de jeunesse achevée en 1872, elle hérite directement de Liszt, de Wagner, de Franck et... de Mendelssohn, sur qui d'Indy raconta par la suite des choses pas particulièrement intelligentes. ©Abeille Musique 2011

MKIII - Aliens in Wonderland marque le retour sur scène d'une des formations les plus talentueuses du métal progressif italien après neuf ans d'absence. Formé à Naples en 1999 par Dario De Cicco (piano) et Emanuele Colella (guitare), les deux musiciens ont voulu créer un groupe qui fusionne le son de groupes comme Dream Theater, Symphony X, Evergrey et Pain of Salvation avec une approche musicale inspirée du hard rock des années 80 et 90. Rejoint par deux nouveaux membres du groupe, le bassiste Lucio Grilli (ex-Soul Secret) et le batteur Mirko De Maio (The Flower Kings, Hangarvain), l'écriture sur ce nouvel album est plus accrocheuse et mélodique que jamais avec de grandes mélodies, un jeu instrumental tourbillonnant, et bien sûr, un chant étonnant. MK a confié le mixage et le mastering à Riccardo Piscopo, un jeune et talentueux producteur napolitain, qui a poussé le son MK à de nouveaux sommets.

Beethoven et Reicha, tous deux nés en 1770, se sont côtoyés durant de longues années, notamment dans la fosse d'orchestre de Bonn où ils se rencontrèrent, l'un à l'alto, l'autre à la flûte. à l'occasion de leurs 250 ans, Le Concert de la Loge leur rend conjointement hommage dans un disque qui réunit le Septuor, op. 20 de Beethoven et la Grande Symphonie de salon n° 1 de Reicha. oeuvres hybrides, car situées à la croisée de la musique de chambre et de la symphonie, elles reflètent le goût de l'expérimentation cher à leurs compositeurs. La sophistication des lignes instrumentales beethoveniennes, sous l'apparente galanterie du divertissement, répond, en diptyque, à la symphonie de salon de Reicha, que Berlioz saluera lors de sa nomination à la section Musique de l'Académie des Beaux-Arts, comme un véritable révolutionnaire. Julien Chauvin et les solistes du Concert de la Loge proposent un disque en forme de double portrait qui donne à entendre les parentés des esthétiques allemande et française, plongeant leurs racines chez Haydn, mais aussi leurs singularités respectives. Le charisme orchestral des deux compositeurs s'impose, jusque dans la musique de chambre, et leur rigueur d'écriture accueille l'expérimentation et la fantaisie.

« Fragile et audacieux, direct et poétique, un si bel album atemporel... Entre Rosalie Sorrels et The Only Ones ! C’est ainsi que le chanteur Devendra Banhart évoque le premier album de SYLVIE SIMMONS. La notoriété de SYLVIE SIMMONS en tant que journaliste rock n’est plus à refaire : née à Londres, amoureuse des Etats-Unis et de la musique, elle rejoint LA dans les années 70 et écrit notamment les biographies de Leonard Cohen et de Serge Gainsbourg - elle a même fait l’objet d’un documentaire de la BBC, The Rock Chick. « La seule ligne directrice de ma vie est la musique », explique Sylvie. « Ecrire sur elle et la jouer en cachette... jusqu’à aujourd’hui. » Sylvie se met complètement à nu sur cet album sensuel, brut et délicat, où elle joue d’un ukulélé qui sonne comme une harpe cassée ou une guitare au coeur brisé. « Ces chansons sont vraies, c’est comme ça qu’elles me sont venues, seules dans la nuit, tristes, douces et mystérieuses ».

Le nouvel opus d’Arat Kilo, machine à groove d’un éthiojazz ouvert et décapant, avec la chanteuse malienne Mamani Keita et le slammer newyorkais Mike Lad Avec ce troisième album, Arat Kilo a décidé de changer : le groupe s’épanouit là où il est le meilleur (le groove) et s’ouvre à d’autres cultures musicales. Sans jamais quitter l’Addis-Abeba des années 70, le groupe a réussi à faire aboutir une évolution réelle en accentuant le caractère dansant de ses compositions : basse, batterie, guitare, clavier et cuivres, une machine à groove bien huilée. Arat Kilo a aussi intégré avec une stupéfiante aisance deux chanteurs habitués à arpenter des horizons bien différents, la malienne Mamani Keita et l’américain Mike Ladd. POUR CEUX QUI AIMENT Fela Kuti / Mulatu Astatke / Oumou Sangaré

Disque 1 1. Closest Thing To Crazy - Chris Ingham   2. Stormy Weather - Chris Ingham   3. Against All Odds (Take A Look At Me Now) - Chris Ingham   4. (They Long To Be) Close To You - Chris Ingham   5. Hey Jude - Chris Ingham   6. Over The Rainbow - Chris Ingham   7. If You're Not The One - Chris Ingham   8. Moonlight Sonata - Tony Ingham   9. Wonderful Tonight - Chris Ingham 10. Air On a G String - Chris Ingham 11. Lady In Red - Chris Ingham 12. Ballade Pour Adeline - Chris Ingham 13. The Way It Is - Chris Ingham 14. The Girl With The Flaxen Hair - Jacques Rouvier 15. You Don't Bring Me Flowers - Chris Ingham Disque 2 1. Waterfalls - Chris Ingham 2. Misty - Chris Ingham 3. Someone To Watch Over Me - Chris Ingham 4. You're Beautiful - Chris Ingham 5. Let It Be - Chris Ingham 6. What a Difference A Day Makes - Chris Ingham 7. Without You - Chris Ingham 8. Imagine - Chris Ingham 9. When You Tell Me That You Love Me - Chris Ingham 10. Are You Lonesome Tonight - Chris Ingham 11. Don't Know Why - Chris Ingham 12. My Heart Will Go On - Chris Ingham 13. Clair De Lune - Tony Ingham 14. As Time Goes By - Chris Ingham 15. The Girl From Ipanema - Chris Ingham Disque 3 1. Come Away With Me - Chris Ingham 2. (Everything I Do) I Do It For You - Chris Ingham 3. You've Got A Friend - Chris Ingham 4. Theme From Love Story (Where Do I Begin) - Chris Ingham 5. As Long As He Needs Me - Chris Ingham 6. Will You Still Love Me Tomorrow - Chris Ingham 7. Crazy - Chris Ingham 8. Bridge Over Troubled Water - Chris Ingham 9. Yesterday - Chris Ingham 10. The Way We Were - Chris Ingham 11. The First Time I Ever Saw Your Face - Chris Ingham 12. Moon River - Chris Ingham 13. Chi Mai - Chris Ingham 14. Michelle - Chris Ingham 15. Unchained Melody - Chris Ingham Disque 4 1. Love Is All Around - Chris Ingham 2. Night And Day - Chris Ingham 3. Begin The Beguine - Chris Ingham 4. The Piano - Tony Ingham 5. Three Times A Lady - Chris Ingham 6. My Funny Valentine - Chris Ingham 7. Gymnopedie No. 1 - Tony Ingham 8. With You I'm Born Again - Chris Ingham 9. The Long And Winding Road - Chris Ingham 10. Send In The Clowns - Chris Ingham 11. (Everybody's Gotta Learn Sometime) I Need Your Loving - Chris Ingham 12. Angels - Chris Ingham 13. I Just Called To Say I Love You - Chris Ingham 14. When I Fall In Love - Chris Ingham 15. Love Theme From Romeo And Juliet - Chris Ingham

The End Machine, le nouveau groupe composé de trois membres de Dokken, George Lynch (guitare), Jeff Pilson (basse) et Mick Brown (batterie), ainsi que l'ancien chanteur de Lynch Mob et chanteur actuel de Warrant, Robert Mason, sortent leur premier album éponyme. Le son de The End Machine s'est développé lors de plusieurs sessions réalisées par Pilson et Lynch. La vérité c'est que George et moi avons ce partenariat d'auteur-compositeur qui dure depuis 35 ans et que nous aimons travailler ensemble, explique Jeff Pilson, bassiste et producteur de l'album. Quand on fait jouer Mick, on est à la maison, on est à l'aise et on travaille très bien ensemble. Et Mick est un atout énorme pour n'importe quel groupe, avouons-le.. Jeff Pilson a poursuivi : Notre collaboration à tous les trois sur l'écriture des morceaux a créé quelque chose qui va vraiment surprendre les gens.

L'Espagne enchantée de Fahmi Alqhai, un voyage fascinant et moderne pour cordes et percussions. Le jeune gambiste espagnol Fahmi Alqhai est une nouvelle recrue de ce groupe select d'artistes qui forment le monde de Glossa. À la tête de son ensemble, Accademia del Piacere, Alqhai s'est éloigné depuis longtemps des chemins battus pour explorer des nouvelles possibilités de présentation et d'interprétation, parmi lesquelles nous pouvons signaler sa récente et remarquable coopération avec le cantaor Arcángel. Dans son premier enregistrement pour Glossa, Rediscovering Spain - Fantasías, diferencias & glosas, Alqhai veut aller bien au-delà d'une interprétation « historiciste » usuelle qui est pour lui un concept de plus en plus vide et inauthentique. Dans cet enregistrement en studio réalisé à Séville des semaines durant, avec un son spectaculaire et un soin des plus minutieux, qui regroupe 15 instrumentistes sans compter la participation, dans trois oeuvres, de la soprano Raquel Andueza, Rediscovering Spain présente un répertoire, certes bien connu, mais dans une lumière complètement différente, avec une fraicheur et une énergie qui provoqueront, sans aucun doute, un bouleversement radical.

L'album le plus personnel et émotionnel de la carrière du guitariste de Blues-Rock Lorsque j'ai commencé à écrire cet album, j'ai tout de suite su que ce serait l'un des plus gros défis de ma carrière. Pas par manque de matériel ou d'envie, mais parce que j'ai réalisé que si cet album devait transmettre tout ce que j'avais à dire, alors j'aurais à creuser au plus profond de moi-même et à me confronter à des souvenirs et à des émotions auxquels je n'avais pas envie de faire face. Je devrais être totalement honnête dans mon écriture ou cela ne fonctionnerait pas. Mes chansons traitent de l'isolation, du désespoir, et des heures sombres, mais ce n'est pas un album lugubre pour autant : la plupart des chansons ont un ton positif, un tempo entrainant, sont chargées de guitare et doivent être écoutées fort! Je suis incroyablement fier du résultat et trouve cet album particulièrement inspiré. POUR CEUX QUI AIMENT Popa Chubby, Tommy Castro, Lucky Peterson, Joe Bonamassa

La voix stimulante du contre-ténor italien Raffaele Pe - qui a récemment captivé un public divers au concert et à l’opéra avec John Eliot Gardiner, Claudio Cavina, Christophe Coin et Paul McCreesh - peut à présent s’apprécier dans son récital pour Glossa intitulé The Medici Castrato. Pe s’inspire de Gualberto Magli, un castrat de la cour florentine des Médicis au début du XVIIe siècle : grâce à l’appui inconditionnel de son maître Giulio Caccini, il devint à son tour l’un des maîtres de la nouvelle monodie. La réputation de Magli s’établit d’une façon incontestable après son interprétation flamboyante à la création de L’Orfeo de Monteverdi dont plusieurs pages sont ici chantées par Pe. L’hommage moderne rendu aux castrati comme Gualberto Magli, par Alessandro Ciccolini et des compositeurs du Seicento, de Francesca et Giulio Caccini à Sigismondo d’India, côtoie des monodies signées par d’autres encore dans l’ombre : Girolamo Montesardo, ou bien Johann Nauwach dont les compositions résultent du travail de Magli auprès de l’électeur Brandebourg. Le monde sonore du XVIIe siècle est évoqué et recréé avec la harpiste Chiara Granata et le théorbiste David Miller.

Chandos Records est heureux de vous présenter ce nouvel enregistrement du chef d'oeuvre choral d'Elgar, l'oratorio The Dream of Geronte (Le Rêve de Géronte), couplé avec un cycle d'airs désormais très connu intitulé Sea Pictures. Le BBC Symphony Orchestra et son choeur sont dirigés par Sir Andrew Davis, un elgarien hors pair qui a reçu cette année la médaille de la prestigieuse Elgar Society en reconnaissance de sa contribution exceptionnelle à la musique du compositeur. Dans Géronte, les solistes sont Stuart Skelton, David Soar et Sarah Connolly, également présente dans Sea Pictures. L'enregistrement a été réalisé quelques jours avant l'exécution en concert, un triomphe en cette année où Stuart Skelton a été salué comme le ténor idéal pour le rôle de Géronte. The Dream of Gerontius est issu d'un poème religieux qui raconte avec force le dernier rêve d'un croyant à l'approche de la mort et le voyage de son âme. Sea Pictures est un recueil de poèmes d'auteurs différents tous écrits sur un même thème : l'amour de la nature. La musique d'Elgar y explore les résonances émotionnelles de la mer, de la sérénité des eaux calmes à la tempête au coeur de l'océan.

Le trio de Seattle DUDE YORK - Peter Richards au chant et à la guitare, Claire England à la basse et au chant, et Andrew Hall à la batterie - s’annonce comme un album inspiré par l’anxiété et la dégradation de la santé mentale en générale, sur fond de morceaux rock qui amplifient de gentilles mélodies pop avec des distorsions massives et des percussions fracassantes. Sincerely est un lourd reproche à ces moments de la vie où rien ne semble fonctionner, un testament du pouvoir de l’amitié qui regarde les problèmes droit dans les yeux. Le producteur John Goodmanson (Sleater-Kinney, Bikini Kill) et Cody Votolato de The Blood Brothers ont aidé Dude York à définir la démarche simple de Sincerely en puisant dans l’énergie du groupe en live, et en se débarrassant de toute fioriture. Pour ceux qui aiment : Cherry Glazerr, The Strokes... On dirait du Bruce Springsteen en train d’embrasser les Strokes SEATTLE WEEKLY

Le son est bien vieillot, cette fois sans honte ni remords d'avoir scrupuleusement utilisé de vieux micros et amplis, pour finalement retrouver la fraîcheur du son deep-funk actuel, mais sans cacher les influences du passé. C'est un album puissant, simple et efficace. 12 titres à la production épurée pour du pur funk-soul. Le groupe composé de cuivres, guitare, basse, batterie, orgue, percus composé de musiciens blancs de face, pure english style ! La féline vient alors apporter le mixage tant utile au funky vibes. Seul un instrumental free vibes vient faire interlude pour que la belle se repose. Le reste est pure énergie, pêche vocale, groove, sensualité. On imagine surtout tout çà en live, même si le cd est bon. C'est un son dynamique quasi live avec tous les textes en anglais.

Ce CD et DVD disponibles séparément documentent le premier concert de The Steve Hillage Band depuis vingt-cinq ans ! En novembre 2006, « The Gong Family Unconvention » se tient pendant trois jours à Amsterdam au club Melkweg, l'occasion pour tous les membres originaux du groupe culte psychédélique Gong d'être réunis et de présenter individuellement au public leurs propres compositions. Le guitariste Steve Hillage, membre éminent de la formation « classique » de Gong (1943-1975), saisit cette opportunité pour interpréter certains titres de ses albums solos des années soixante-dix. C'est ce concert qui a été filmé et enregistré, témoignage d'un événement unique et intense pour tous les fans présents. Miquette Giraudy (synthetisers), Mike Howlett (bassiste de Gong) et Chris Taylor (batteur de Gong) épaulent le guitariste tout au long d'un concert chargé en émotion et adrénaline. L'édition CD contient quatre titres bonus inédits issus des archives de Steve Hillage, avec notamment trois titres enregistrés en concert à Amsterdam le 14 décembre 1979, soit quelques jours à peine avant l'arrêt des tournées du groupe

Swing irrésistible, danses effrénées et bonnes vibrations ! Depuis près de deux décennies, le quartet Echoes of Swing réuni autour du pianiste Bernd Lhotzky et quelques-uns des plus passionnants jazzmen d'outre-Rhin autour d'un répertoire dont les maître-mots semblent être joie et bonne humeur. Avant la période d'après-guerre et l'arrivée du be-bop, le jazz signifiait danse; peu importe que la fête prît place dans la rue, un bar ou autre lieu de débauche, le swing faisait virevolter toute une génération ! Le quartet nous offre un voyage dans le temps, en passant du jazz classique des années 20 aux années 50, réussissant à le moderniser avec un enthousiasme communicatif. Les arrangements du groupe prouvent que les musiciens connaissent l’histoire du jazz et ses racines profondes. Sans tomber dans le rétro ou le néo swing, Echoes of Swing se réapproprie cet esprit festif qui a longtemps régné sur le jazz. Après vingt ans passés aux quatre coins du monde, cet ensemble nous invite sur la route du swing à travers cet album plein de style et d’élégance, de finesse, d’improvisation et d’humour. POUR CEUX QUI AIMENT Scott Joplin, Sidney Bechet, Glenn Miller, George Gershwin...

La nouvelle signature d'Anti signe un classique en puissance d'indie/pop qui rappelle The Shins ou encore Harry Nilsson. Le jeune compositeur multi-instrumentaliste saskatchewanais a fait du chemin depuis son album révélateur, ‘The Bearer of Bad News'. Applaudi par Jeff Tweedy ou encore Nick Hornby, il a été invité à faire les premières parties de la tournée US de Low. C'est maintenant à son tour de vous inviter à ‘The Party'. Pour son premier album chez ANTI, Andy Shauf propose une série de portraits présentée au fil de dix titres qu'il a soigneusement choisis. Plus mature et construit que son prédécesseur, ‘The Party' conte une histoire où entrent en collision synthés rêveurs, guitares fuzz et acoustiques, le tout drapé d'un délicat piano... sans oublier la clarinette ! Sur une base de classic pop, sa composition laisse entrevoir des reflets de Belle & Sebastian, the Shins et Grandaddy. Et ce n'est certainement pas pour rien qu'il est le premier musicien saskatchewanais à signer chez un label international depuis Joni Mitchell et Buffy Sainte-Marie... « Le jeune homme est un songwriter précieux qui raconte la vie (des autres) dans des popsongs tout en rondeurs et des rêveries folk dont la mélancolie n'éclipse jamais totalement le soleil » La Blogothèque

WILL STRATTON sort son nouvel album, Rosewood Almanac sur Bella Union. Cet arrière-petit-fils d'un prédicateur itinérant a commencé à écrire des chansons et à enregistrer au lycée avant d'étudier la philosophie et la composition musicale. Il a développé une relation intime avec la guitare après avoir découvert Nick Drake et son style, fluide, beau et sans effort. Les études de STRATTON l’ont également conduit à la musique de chambre, et aux minimalistes Steve Reich et Terry Riley, qui ont influencé son propre son à la fois complexe et direct. Son dernier album, Gray Lodge Wisdom a reçu un accueil très positif de la part du public. Simon Raymonde, le patron de Bella Union, affirme que Stratton est aussi enthousiasmant qu'Elliott Smith, Cass McCombs ou Justin Vernon. Pour les fans de : Father John Misty, The Staves, Brett Dennen, William Fitzsimmons, Foy Vance...

Les différentes périodes de la vie de George Sand illustrées à travers une alternance de lettres et des plus belles musiques pour piano de Frédéric Chopin. Sand et Chopin, Vie et Passion aujourd'hui publié en disque est le fruit d'une expérience de plus de dix années que Brigitte FOSSEY et Yves HENRY ont acquise dans l'élaboration de ce spectacle et dans leur présentation sur scène. Fil conducteur de cette représentation, la très riche et bouillonnante vie de George Sand est ici sublimée par la puissance émotionnelle de la musique de Frédéric Chopin. En deux disques, la vie et la passion qui ont habité ces êtres exceptionnels peuvent ainsi faire vibrer à leur tour les mélomanes... Le..res dites par Brigi..es Fossey : Casimir Dudevant, Aurélien de Sèze, Jules Boucoiran, Charles Meure, Charles Duvernet, Laure Decerfz, Alfred de Musset, Franz Liszt, Michel de Bourges, Albert Grzymala, Frédéric Chopin, la Comtesse Marliani, Alphonse de Lamartine, Gustave Flaubert et Maurice Sand. Musique de Frédéric Chopin jouée par Yves Henry : Mazurka de jeunesse, Ecossaise n°2, Préludes op.28 n°1, 13, 16, 11 et 9, Etudes op.10 n°11 «révolutionnaire» et op.25 n°7, Nocturne en ut mineur op.48 n°1, Impromptu n°3 op.51, Fantaisie Impromptu, Polonaise op.53 « héroïque », Etude op. posthume n°3, Barcarolle op.60, Prélude op.45 Ballade n°4 op.52

Le supergroupe ShadoParty dévoile son premier album ! ShadowParty est un groupe uni par des circonstances assez particulières. Le groupe a commencé avec la rencontre de Josh Hager et Tom Chapman à Boston. Josh est un ancien membre de The Rentals et joue actuellement de la guitare et du clavier pour Devo. Tom Chapman est l'ancien bassiste de Bad Lieutenant et New Order. Phil Cunningham, fondateur de Marion et guitariste de New Order depuis 2002, et Jeff Friedl, qui joue pour Devo, complètent le groupe. Fraichement signé chez Mute, le premier album de ShadowParty rappelle tous ces groupes mais propose quelque chose de nouveau : un album de synth-pop avec guitares et cordes ainsi que des invités comme l'incomparable vocaliste Denise Johnson (Primal Scream, A Certain Ratio) et Nick McCabe, le guitariste de The Verve. POUR CEUX QUI AIMENT New Order, Devo, A Certain Ratio

The End Machine, le nouveau groupe composé de trois membres de Dokken, George Lynch (guitare), Jeff Pilson (basse) et Mick Brown (batterie), ainsi que l'ancien chanteur de Lynch Mob et chanteur actuel de Warrant, Robert Mason, sortent leur premier album éponyme. Le son de The End Machine s'est développé lors de plusieurs sessions réalisées par Pilson et Lynch. La vérité c'est que George et moi avons ce partenariat d'auteur-compositeur qui dure depuis 35 ans et que nous aimons travailler ensemble, explique Jeff Pilson, bassiste et producteur de l'album. Quand on fait jouer Mick, on est à la maison, on est à l'aise et on travaille très bien ensemble. Et Mick est un atout énorme pour n'importe quel groupe, avouons-le.. Jeff Pilson a poursuivi : Notre collaboration à tous les trois sur l'écriture des morceaux a créé quelque chose qui va vraiment surprendre les gens.

Riccardo Muti à la tête du Chicago Symphony Orchestra pour la suite orchestrale du ballet Roméo et Juliette. Cette nouvelle production du Chicago Symphony Orchestra est consacrée à la suite pour orchestre tirée du ballet de Prokofiev, Roméo et Juliette. Sous la direction de Riccardo Muti, l’orchestre a mis cette oeuvre à son programme depuis la saison 2011- 2012. Une relation régulière, donc, avec la partition, ainsi que la connivence musicale qui unit le maestro Muti au philharmonique dans ce travail commun a permis d’aboutir à cette version singulière de la suite du Roméo et Juliette de Prokofiev. Enregistrée en concert en Octobre 2013 au Symphony Hall de Chicago, l’interprétation reproduit, avec une authentique fidélité à son compositeur, la joie, la colère puis la tristesse de l’oeuvre, le tout avec une intensité palpitante. Conçue initialement pour illustrer une chorégraphie, la performance de Riccardo Muti à la tête du Symphonique de Chicago est finalement d’avoir su lui donner une vie propre, charnelle presque, dans un enregistrement sans le ballet, bien sûr. Une nouvelle expression de la relation unique qui unit Muti aux musiciens du Symphonic Orchestra de Chicago.

WILL STRATTON sort son nouvel album, Rosewood Almanac sur Bella Union. Cet arrière-petit-fils d'un prédicateur itinérant a commencé à écrire des chansons et à enregistrer au lycée avant d'étudier la philosophie et la composition musicale. Il a développé une relation intime avec la guitare après avoir découvert Nick Drake et son style, fluide, beau et sans effort. Les études de STRATTON l’ont également conduit à la musique de chambre, et aux minimalistes Steve Reich et Terry Riley, qui ont influencé son propre son à la fois complexe et direct. Son dernier album, Gray Lodge Wisdom a reçu un accueil très positif de la part du public. Simon Raymonde, le patron de Bella Union, affirme que Stratton est aussi enthousiasmant qu'Elliott Smith, Cass McCombs ou Justin Vernon. Pour les fans de : Father John Misty, The Staves, Brett Dennen, William Fitzsimmons, Foy Vance...

Le supergroupe ShadoParty dévoile son premier album ! ShadowParty est un groupe uni par des circonstances assez particulières. Le groupe a commencé avec la rencontre de Josh Hager et Tom Chapman à Boston. Josh est un ancien membre de The Rentals et joue actuellement de la guitare et du clavier pour Devo. Tom Chapman est l'ancien bassiste de Bad Lieutenant et New Order. Phil Cunningham, fondateur de Marion et guitariste de New Order depuis 2002, et Jeff Friedl, qui joue pour Devo, complètent le groupe. Fraichement signé chez Mute, le premier album de ShadowParty rappelle tous ces groupes mais propose quelque chose de nouveau : un album de synth-pop avec guitares et cordes ainsi que des invités comme l'incomparable vocaliste Denise Johnson (Primal Scream, A Certain Ratio) et Nick McCabe, le guitariste de The Verve. POUR CEUX QUI AIMENT New Order, Devo, A Certain Ratio

Joyeux Merdier est un maxi des Bérurier Noir sorti originellement fin 1985 sur le label indépendant Bondage. à l'époque de la sortie de ce 45 tours (décembre 1985) il tombe d'importantes chutes de neige sur Paris et la ville est bloquée par une grève des transports publics. Dans ce contexte, le groupe se décide à baptiser ironiquement le disque Joyeux Merdier. Dans l'esprit du groupe ce maxi est basé sur la thématique des fêtes de Noël. Ainsi Loran (guitare/chant) explique : C'est un disque sur Noël façon Bérus, ça parle donc du Père Noël (La Mère Noël), de la fête (Vive le Feu), de la bûche de Noël (J'aime pas la soupe)... Et Salut à Toi !, c'est la bonne année ! . Le nom donné au disque (faisant référence au traditionnel Joyeux Noël) et la pochette (des flocons de neiges en guise de décors et autour des deux clowns apparaissent des branches de sapin auxquelles sont accrochées des boules) participent aussi à cette thématique de Noël.

Qui dit « compositeur norvégien » dit Grieg et... c'est tout. Il est donc grand temps d'explorer plus avant le répertoire norvégien, et le premier nom venant en second est celui de Halvorsen. Ce compositeur, violoniste et chef d'orchestre étudia à Berlin et Leipzig comme il se devait en son temps les années 1880/90, puis retourna en Norvège en 1893 pour y occuper le poste de Directeur musical de l'Orchestre de Bergen, celui-là même qui lui rend ici hommage un siècle plus tard. S'il poursuit la tradition nationaliste de Grieg (dont il épousa la nièce et les principes), il intègre également une phénoménale science de l'orchestration inspirée des romantiques français, Berlioz et Bizet en tête. Découvrez sa propre Suite Holberg, hommage voilé à Grieg, une oeuvre théâtrale destinée à illustrer une pièce du dramaturge, partition délicieuse et colorée à souhait. Mais découvrez surtout sa magnifique Seconde Symphonie Fatum de 1924, oeuvre de l'ultime maturité donc, un des évidents piliers de la musique nordique au même titre que les grandes symphonies de Sibelius et Nielsen. Comment se fait-il que ce bonhomme ait été à ce point ignoré jusqu'ici ? Son ancien orchestre s'attelle donc à lui rendre justice. ©Abeille Musique 2011

King Geedorah aka MF DOOM est sans doute la légende vivante la plus vénérée du hip-hop underground actuel. Toute une génération a grandi dans la crainte du producteur masqué et MC - il a influencé et travaillé avec J Dilla, Flying Lotus, Earl Sweatshirt, Madlib, Clams Casino, Danger Mouse, RZA, Ghostface Killah, De La Soul et plus encore. Sur un concept classique, Take Me To Your Leader, initialement sortie en 2003 sur la plateforme Big Dada (Ninja Tune) - un an avant Madvillain - Madvillainy, l'opus issu de la collaboration avec Madlib (Stones Throw) - DOOM a pris la forme d'un lézard géant à trois têtes de l'espace sur les 13 pistes toutes produites, écrites, enregistrées, arrangées, mixées et mastérisées par Metal Fingered Villain lui-même. Tout cet album est la perspective extraterrestre de Geedorah sur les humains, a déclaré DOOM en 2003. Parallèlement à ses débuts, Opération : Doomsday (Fondle 'Em), Take Me To Your Leader est, sur toute sa longueur, une production criminelle et rare du projet de MF DOOM. Un album d'idées et de battements hors temps à gogo, qui doivent beaucoup à son amour du jazz et les fantastiques et charismatiques MC invités (certains sous pseudonymes), y compris MF DOOM lui-même, Kurious, MF GRIMM (aka Jet Jaguar), ainsi que d'autres membres de NYC Monsta Island Czars.

L'album le plus personnel et émotionnel de la carrière du guitariste de Blues-Rock Lorsque j'ai commencé à écrire cet album, j'ai tout de suite su que ce serait l'un des plus gros défis de ma carrière. Pas par manque de matériel ou d'envie, mais parce que j'ai réalisé que si cet album devait transmettre tout ce que j'avais à dire, alors j'aurais à creuser au plus profond de moi-même et à me confronter à des souvenirs et à des émotions auxquels je n'avais pas envie de faire face. Je devrais être totalement honnête dans mon écriture ou cela ne fonctionnerait pas. Mes chansons traitent de l'isolation, du désespoir, et des heures sombres, mais ce n'est pas un album lugubre pour autant : la plupart des chansons ont un ton positif, un tempo entrainant, sont chargées de guitare et doivent être écoutées fort! Je suis incroyablement fier du résultat et trouve cet album particulièrement inspiré. POUR CEUX QUI AIMENT Popa Chubby, Tommy Castro, Lucky Peterson, Joe Bonamassa

Plus de trente ans (!) après leur premier disque des dernières symphonies de Mozart, Frans Brüggen et l’Orchestre du XVIIIe siècle ont décidé de publier une nouvelle version de ces oeuvres contrastées et à la fois complémentaires dans la série The Grand Tour chez Glossa. Au cours de sa longue carrière à la tête de l’Orchestre du XVIIIe siècle, le maître hollandais a assidument fréquenté la musique du génie salzbourgeois dont les symphonies ont été fréquemment programmées en concert. Rien ne prouve que ces trois symphonies - K551 Jupiter, K543 en mi bémol majeur et K550, universellement connue comme la 40e de Mozart - aient été interprétées du vivant du compositeur mais elles font partie de ses oeuvres les plus connues. Frans Brüggen les revisite avec une fraîcheur qui semble éternelle, et qui imprègne ses derniers disques, toujours réalisés en concert : les concertos pour cor, pour violon, le concerto pour clarinette et le Requiem. Ce nouvel album des trois dernières symphonies de Mozart, en deux CDs enregistrés live a Rotterdam, témoigne de l’art unique de Brüggen équilibrant l’expressivité et la spontanéité requises par ces chefs-d’oeuvre de 1788. Un essai informatif signé par Stefano Russomanno complète cette nouvelle production de Glossa.

King Geedorah aka MF DOOM est sans doute la légende vivante la plus vénérée du hip-hop underground actuel. Toute une génération a grandi dans la crainte du producteur masqué et MC - il a influencé et travaillé avec J Dilla, Flying Lotus, Earl Sweatshirt, Madlib, Clams Casino, Danger Mouse, RZA, Ghostface Killah, De La Soul et plus encore. Sur un concept classique, Take Me To Your Leader, initialement sortie en 2003 sur la plateforme Big Dada (Ninja Tune) - un an avant Madvillain - Madvillainy, l'opus issu de la collaboration avec Madlib (Stones Throw) - DOOM a pris la forme d'un lézard géant à trois têtes de l'espace sur les 13 pistes toutes produites, écrites, enregistrées, arrangées, mixées et mastérisées par Metal Fingered Villain lui-même. Tout cet album est la perspective extraterrestre de Geedorah sur les humains, a déclaré DOOM en 2003. Parallèlement à ses débuts, Opération : Doomsday (Fondle 'Em), Take Me To Your Leader est, sur toute sa longueur, une production criminelle et rare du projet de MF DOOM. Un album d'idées et de battements hors temps à gogo, qui doivent beaucoup à son amour du jazz et les fantastiques et charismatiques MC invités (certains sous pseudonymes), y compris MF DOOM lui-même, Kurious, MF GRIMM (aka Jet Jaguar), ainsi que d'autres membres de NYC Monsta Island Czars.

En produisant « Reciprocity », Olivier Le Goas réalise un rêve de longue date. Avec Kevin Hays au piano, Nir Felder à la guitare et Phil Donkin à la contrebasse, il s'entoure de musiciens internationalement connus et forme avec eux le quartet idéal pour interpréter ses compositions. Le batteur compose ses morceaux au piano, bien qu'il n'ait jusqu'à présent jamais utilisé cet instrument dans ses albums. Pour la première fois, il l'intègre donc à ses compositions à travers le jeu de Kevin Hays. A quatre, ils font de Reciprocity un album indispensable. Olivier Le Goas compose avec un véritable sens de la musicalité, du lyrisme, et un goût prononcé du détail. Il donne aux musiciens un réel espace de liberté, leur permettant de s'épanouir au fil des morceaux. Un album mélodique, dans lequel Olivier Le Goas joue délicatement avec les contrastes, entre groove, blues et folk.

Quasiment dix ans après la dissolution de « Musica Antiqua Köln » de Reinhard Goebel, l'Ensemble Diderot complète le projet d'enregistrement inachevé de cet ensemble légendaire. « Il giardino del piacere » de Johann Friedrich Meister est une impressionnante découverte du répertoire : des sonates en trio d'un sérieux insoupçonné et d'une profonde émotion, rappelant le style de Lully, Corelli, Buxtehude, Rosenmüller et Reincken. « Les auditeurs attentifs et passionnés de musique ouvriront sûrement grands leurs oreilles car Johann Friedrich Meister est un véritable génie » (Reinhard Goebel) Johannes Pramsohler appartient à la nouvelle génération de musiciens spécialistes de musique baroque sur instruments d'époque. Né dans le Tyrol du Sud, il s'est rapidement fait un nom en tant que soliste, chambriste très sollicité et violon solo (Concerto Köln, The King's Consort, Le Concert d'Astrée, Arte dei Suonatori). Depuis 2008, il a l'honneur de posséder le violon de Reinhard Goebel, un Pietro Giacomo Rogeri (Brescia, 1713). Régulièrement acclamé pour la virtuosité et la vivacité de son interprétation, l'Ensemble Diderot est sans aucun doute l'une de s formations actuelles de musique de chambre les plus brillantes et les plus originales d'Europe. Il se consacre à l'exécution et à la redécouverte du répertoire des sonates en trio baroques des XVIIe et XVIIIe siècles.

Pour son second album chez ACT, la chanteuse danoise a rassemblé une sélection d'une douzaine de reprises - ainsi qu'une composition personnelle - enregistrées avec une superbe équipe de musicien. L'album baigne dans une belle lumière classique avec un format se rapprochant de la musique de chambre, tant dans les arrangements que dans l'interprétation et expressivité de la chanteuse (il suffit d'écouter les deux titres de Leonard Cohen, méditatifs et profonds, presque spirituels). Mais le jazz n'est jamais loin. Nguyên Lê apporte sa touche toute personnelle avec ses harmonies colorées, notamment sur « Like A Rolling Stone »; le génial Leszek Modzer fait montre une nouvelle fois de sa maîtrise et connaissance de la tradition des musiques d'Europe de l'Est, avec ce sens rythmique et mélodramatique affûté, comme on l'entend sur « Black Hole Sun ». Quant à Lars Danielsson, il est tout simplement devenu au fil des années l'un des piliers du label ACT, avec ses lignes de basse toujours inventives et délicieusement mélodiques. Un enregistrement convaincant et sans frontières, et des interprétations qui insufflent un air nouveau aux grands standards modernes de Bob Dylan, John Fogerty, Paul Simon, Tom Waits, Nine Inch Nails (Caecilie s'attaque à « Hurt » après Youn Sun Nah), etc.

La muse de la musique folk américaine présente son 3e album, d'une beauté rare ! Il y a des disques rares, des albums qui semblent intemporels et éternels. Ce troisième album de l'américaine JESSICA PRATT Quiet signs semble faire parti de ceux-là. Sa voix d'ange venue des cieux semble être en apesanteur sur sa guitare folk. Elle aurait pu sortir cet album fin des années 60 ou début 70 aux côtés de VASHTI BUNYAN ou LINDA PERHACS mais c'est en 2019 qu'elle décide de prendre le contre coup de la production actuelle avec son folk dépouillé, minimaliste et sombre. Elle vous murmure à l'oreille ses complaintes et ses amours, dans la droite lignée des grandes muses de la musique folk américaine. Adulée par DEVANDRA BANHART, KURT VILE qui l'ont tous deux invitée en première partie de leurs concerts, on promet à JESSICA PRATT le même avenir qu'une certaine JOANNA NEWSOM.

Créateur d’un style qui mêle dans un unique élan des influences musicales aussi disparates que la valse musette, le jazz swing et la musique tzigane, seul européen sans doute à avoir réussi à créer un style de jazz si particulier qu’il fait encore école aujourd’hui, Django Reinhardt est sans doute le musicien qui a développé la guitare mieux que personne, qui en a élargi la technique, tant au plan harmonique que rythmique, à peu près à la même époque que Charlie Christian aux Etats-Unis voire même Eddie Lang (autre musicien blanc), mais avec un impact bien plus considérable. Ce dernier, par ses dons d’improvisateur et sans doute par son association avec le violoniste Joe Venuti, a parfois été présenté comme un précurseur de Django. Issu de la collection JAZZ CHARACTERS, ce volume reprend 20 ans d’enregistrements de Django (1934 - 1954) au travers de ses 78 titres les plus connus.

Dans la froideur d'un jour new yorkais d'avril 2004, Rusty et son ami Irwin Thomas se retrouvent au mythique Electric Lady Studios. Une batterie hystérique, un gros son de gratte et des mélodies qui résonnent dans la tête. ELECTRIC MARY était né ! Venom (batterie), Pete (guitare) et Alex (basse) viennent compléter le tableau. En Australie, concert après concert, le groupe capte l'attention du management de WHITESNAKE et le tour du monde commence... Après leurs shows en tête d'affiche et des concerts en compagnie des WHITESNAKE, GLEN HUGUES, DEEP PURPLE, JUDAS PRIEST ou ALICE COOPER en Australie, en France, en Belgique, aux Etats Unis et en Afrique du Sud, ELECTRIC MARY sort aujourd'hui son nouvel album : Electric Mary III accompagné d'un DVD live de 40 minutes d'un concert filmé en multi-caméras, son multipiste, enregistré à Sydney en Australie. ELECTRIC MARY : le rocknroll avec le goût qu'il doit avoir....

La muse de la musique folk américaine présente son 3e album, d'une beauté rare ! Il y a des disques rares, des albums qui semblent intemporels et éternels. Ce troisième album de l'américaine JESSICA PRATT Quiet signs semble faire parti de ceux-là. Sa voix d'ange venue des cieux semble être en apesanteur sur sa guitare folk. Elle aurait pu sortir cet album fin des années 60 ou début 70 aux côtés de VASHTI BUNYAN ou LINDA PERHACS mais c'est en 2019 qu'elle décide de prendre le contre coup de la production actuelle avec son folk dépouillé, minimaliste et sombre. Elle vous murmure à l'oreille ses complaintes et ses amours, dans la droite lignée des grandes muses de la musique folk américaine. Adulée par DEVANDRA BANHART, KURT VILE qui l'ont tous deux invitée en première partie de leurs concerts, on promet à JESSICA PRATT le même avenir qu'une certaine JOANNA NEWSOM.

On a beaucoup trop tendance à reléguer le basson dans le rôle de simple basse, ou encore dans celui de gentil bouffon. Et pourtant, Mozart lui-même lui a confié les moments les plus tendres de sa Flûte enchantée (bien plus qu'à la flûte elle-même), et son tout premier concerto pour vents fut destiné précisément au basson : c'est ce Concerto KV. 171 de 1774. Le second mouvement, en particulier, contient des passages qu'il réutilisera dans certains airs de la Comtesse. Rossini, lui, nous a laissé son Concerto sous forme de manuscrit (un manuscrit redécouvert en 1990 seulement) fortement annoté, de sorte que tous les musicologues n'acceptent pas sa paternité exclusive. L'oeuvre semble dater de 1845, donc de l'ultime époque lyrique du compositeur; le ton, puissamment rossinien, donne sans doute tord aux spécialistes dubitatifs. A l'auditeur de décider. L'Allemand Kreutzer et le Suédois Crusell, plus ou moins contemporains l'un de l'autre, nous proposent deux exemples bien trop rares d' uvres concertantes pour basson du premier romantisme. Au basson, la jeune et talentueuse Britannique Karen Geoghegan, déjà grande star internationale du basson, nous prouve que l'instrument n'a rien de bouffon ni de macho !

Lors de la composition de cet album, le groupe vétéran Impellitteri avait une vision artistique directrice : graver un disque qui pourrait satisfaire chaque fan de métal, de heavy-speed, et chaque musicien autour de la planète, tout en proposant un voyage sonique à travers toutes les grandes époques du rock. Un pari ambitieux, centré autour de compositions efficaces et mélodiques. Tout au long de l'enregistrement, les musiciens ont repoussé leurs limites afin de figer le meilleur de leurs compositions et de leurs performances. Les riffs de guitare sont mémorables et acérés, et la technique du guitariste lui permet d'enchaîner les moments de bravoure en alternant avec goût « shredding » et développements plus mélodiques. Les refrains portés par le chanteur résonnent longuement une fois le disque achevé et la rythmique de feu semble comme avoir été plongée dans l'acier trempé. Une belle porte d'entrée dans l'univers quelque peu délirant et fougueux d'Impellitteri !

Comme BUCK le raconte, « un jour, je regardais Austin City Limits et Dwight Yoakam était là, puis il dédia son programme à BUCK OWENS. Alors, je me suis dit, il faut que je vois ce que ce jeune a dans le ventre. Ce n’était pas longtemps après son apparition sur scène avec Dwight où il chantait ses vieux hits. BUCK a été rappelé à la musique alors qu’il avait quitté ce milieu presque dix ans plus tôt. Cet homme de Sherman, Texas - probablement connu comme le bien heureux souriant dans l’émission de variétés Hee Haw pendant tellement d’année - a entamé une révolution musicale country. Ou plus exactement, une contre-révolution. Ce qui fut appelé « The Bakersfield Sound ». Lui et son prédécesseur légendaire Merle Haggard ont produit de grandes quantités de musiques honky-tonk qui ont devancé la country-pop venant de Nashville. Quand Buck Owens and the Buckaroos ont commencé à chanter : « I’ve got a tiger by the tail, it’s plain to see... ! », des foules se sont amassées à leurs pieds sur le dancefloor. BUCK OWENS inspira ensuite nuls autres que The Beatles qui ont sorti leur chanson country, devenue un classique ‘Act Naturally’. Il a aussi inspiré le maitre de la soul, Ray Charles, qui a sorti entre autres ‘Crying Time’. » Terry Lickona (producteur d’Austin City Limits)

Le premier album solo de l'auteur-compositeur-interprète primé d'Iamthemorning Après le succès de quatre albums très remarqués avec Iamthemorning, la parolière, chanteuse et cocompositrice Marjana Semkina (aussi connue sous le nom de Mariana) sort son envoûtant premier album solo, Sleepwalking. Caractérisée par une voix unique, des lignes mélodiques complexes et des paroles poétiques avec des références littéraires, Semkina est souvent comparée avec Kate Bush. Le nouveau matériel s'inspire du paysage sonore de Iamthemorning mais parvient à s'en détacher pleinement; un mélange irrésistible de folk alternatif, de pop, de drame, de beauté et de paroles émotionnellement purificatrices. Pour l'aider à l'enregistrement de sa vision pour Sleepwalking, Marjana a invité le célèbre claviériste, batteur et bassiste, Jordan Rudess (Dream Theater), Craig Blundell et Nick Beggs (Steven Wilson), ainsi que l'Orchestre de SaintPétersbourg 1703 et son collaborateur Vlad Avy. La pochette de l'album fait référence à l'amour de Semkina pour l'art classique, réunissant la photographie avec le mouvement Vanitas du 17e siècle, un genre de peinture de nature morte qui inclut des objets symboliques, de l'inévitabilité de la mort et de la fugacité des plaisirs terrestres, exhortant le spectateur à tenir compte de sa propre mortalité.

Le premier album solo de l'auteur-compositeur-interprète primé d'Iamthemorning Après le succès de quatre albums très remarqués avec Iamthemorning, la parolière, chanteuse et cocompositrice Marjana Semkina (aussi connue sous le nom de Mariana) sort son envoûtant premier album solo, Sleepwalking. Caractérisée par une voix unique, des lignes mélodiques complexes et des paroles poétiques avec des références littéraires, Semkina est souvent comparée avec Kate Bush. Le nouveau matériel s'inspire du paysage sonore de Iamthemorning mais parvient à s'en détacher pleinement; un mélange irrésistible de folk alternatif, de pop, de drame, de beauté et de paroles émotionnellement purificatrices. Pour l'aider à l'enregistrement de sa vision pour Sleepwalking, Marjana a invité le célèbre claviériste, batteur et bassiste, Jordan Rudess (Dream Theater), Craig Blundell et Nick Beggs (Steven Wilson), ainsi que l'Orchestre de SaintPétersbourg 1703 et son collaborateur Vlad Avy. La pochette de l'album fait référence à l'amour de Semkina pour l'art classique, réunissant la photographie avec le mouvement Vanitas du 17e siècle, un genre de peinture de nature morte qui inclut des objets symboliques, de l'inévitabilité de la mort et de la fugacité des plaisirs terrestres, exhortant le spectateur à tenir compte de sa propre mortalité.

Le deuxième album de Seratones, POWER : une ode explosive au groove Basé à Shreveport, en Louisiane, Haynes et les autres membres fondateurs, le batteur Jesse Gabriel et le bassiste Adam Davis, forment ce genre de section rythmique axée sur le laser que l'on ne trouve que chez les membres de groupes qui jouent ensemble depuis leur adolescence. Les nouveaux membres Tyran Coker (piano) et Travis Stewart (guitare) apportent une nouvelle dynamique au groupe avec des paysages sonores interstellaires et des mélodies envoûtantes, tout en conservant le côté émotionnel et l'intensité de leur premier album proto-punk Get Gone. POWER illustre une véritable force dans la vulnérabilité, une vision kaléidoscopique des passions, des espoirs et des inquiétudes de Haynes : de son amour de la poésie à son plaidoyer pour la justice reproductive et l'équité raciale. Des leçons durement apprises des amants et des amis intimes. Les luttes pour s'adapter et surmonter les obstacles. POWER est autant une affirmation qu'une question, une exploration du son et de l'âme.

Le deuxième album de Seratones, POWER : une ode explosive au groove Basé à Shreveport, en Louisiane, Haynes et les autres membres fondateurs, le batteur Jesse Gabriel et le bassiste Adam Davis, forment ce genre de section rythmique axée sur le laser que l'on ne trouve que chez les membres de groupes qui jouent ensemble depuis leur adolescence. Les nouveaux membres Tyran Coker (piano) et Travis Stewart (guitare) apportent une nouvelle dynamique au groupe avec des paysages sonores interstellaires et des mélodies envoûtantes, tout en conservant le côté émotionnel et l'intensité de leur premier album proto-punk Get Gone. POWER illustre une véritable force dans la vulnérabilité, une vision kaléidoscopique des passions, des espoirs et des inquiétudes de Haynes : de son amour de la poésie à son plaidoyer pour la justice reproductive et l'équité raciale. Des leçons durement apprises des amants et des amis intimes. Les luttes pour s'adapter et surmonter les obstacles. POWER est autant une affirmation qu'une question, une exploration du son et de l'âme.

Le deuxième album de Seratones, POWER : une ode explosive au groove Basé à Shreveport, en Louisiane, Haynes et les autres membres fondateurs, le batteur Jesse Gabriel et le bassiste Adam Davis, forment ce genre de section rythmique axée sur le laser que l'on ne trouve que chez les membres de groupes qui jouent ensemble depuis leur adolescence. Les nouveaux membres Tyran Coker (piano) et Travis Stewart (guitare) apportent une nouvelle dynamique au groupe avec des paysages sonores interstellaires et des mélodies envoûtantes, tout en conservant le côté émotionnel et l'intensité de leur premier album proto-punk Get Gone. POWER illustre une véritable force dans la vulnérabilité, une vision kaléidoscopique des passions, des espoirs et des inquiétudes de Haynes : de son amour de la poésie à son plaidoyer pour la justice reproductive et l'équité raciale. Des leçons durement apprises des amants et des amis intimes. Les luttes pour s'adapter et surmonter les obstacles. POWER est autant une affirmation qu'une question, une exploration du son et de l'âme.

Le cycle lisztien des Harmonies poétiques et religieuses, inspiré de Lamartine, juxtapose les pièces angéliques, les ambiances mystiques et les fresques puissantes, telles Funérailles et Bénédiction de Dieu dans la solitude. Si les études d'exécution transcendante offrent des défis singuliers à l'instrumentiste, si les Années de pèlerinage s'inspirent des impressions laissées par des voyages, des lectures, des oeuvres d'art, les Harmonies poétiques et religieuses sont la part mystique de l'oeuvre pianistique de Franz Liszt. Visions lugubres (Pensée des morts) ou célestes (Cantique d'amour), épopée sombrement héroïque (Funérailles), noble déploration (Andante Lagrimoso) : voilà Liszt dans toute sa diversité. En son sein se distingue Bénédiction de Dieu dans la solitude, une des plus grandes pièces de son auteur, fresque d'une haute spiritualité. La pianiste Vanessa Wagner a choisi d'intercaler 3 pièces du compositeur estonien Arvo Pärt dans les extraits des Harmonies poétiques et religieuses. Elles se caractérisent par une musique épurée, d'inspiration profondément religieuse du chant grégorien et de la polyphonie ancienne. Ce couplage est réalisé en première mondiale et il est surprenant que personne n'y ait encore songé tant l'écriture des deux compositeurs est proche. L'ambiance du disque est profondément mystique avec une recherche du geste musical en suspension.

SEASICK STEVE est une légende vivante, un pur bluesman : depuis l'âge de 13 ans où il a quitté le foyer, il a parcouru les USA et le monde avec sa vieille guitare, de vagabondages en rencontres exceptionnelles (JANIS JOPLIN, KURT COBAIN, JOHN LEE HOOKER). Après avoir enregistré dans son studio des groupes tels MODEST MOUSE ou BIKINI KILL, SEASTICK STEVE sort son premier album solo en 2007, un succès critique et public immédiat loué par JACK WHITE, NICK CAVE et GRINDERMAN. Aujourd'hui il nous propose son troisième album : « You Can't Teach An Old Dog New Tricks », enregistré par THE DOG luimême et HENRY JAMES WOLD. Inspirés par des guitaristes tels R.L. BURNSIDE ou SON HOUSE, la musique de SEASICK STEVE nous emmène aux sources du blues et du folk sur les rives du Mississipi, à travers une musique dépouillée chantée par une voix rocailleuse appuyant quelques riffs de guitares accrocheurs. Un pur morceau d'Amérique par l'un des derniers dinosaures du blues.

Comme BUCK le raconte, « un jour, je regardais Austin City Limits et Dwight Yoakam était là, puis il dédia son programme à BUCK OWENS. Alors, je me suis dit, il faut que je vois ce que ce jeune a dans le ventre. Ce n’était pas longtemps après son apparition sur scène avec Dwight où il chantait ses vieux hits. BUCK a été rappelé à la musique alors qu’il avait quitté ce milieu presque dix ans plus tôt. Cet homme de Sherman, Texas - probablement connu comme le bien heureux souriant dans l’émission de variétés Hee Haw pendant tellement d’année - a entamé une révolution musicale country. Ou plus exactement, une contre-révolution. Ce qui fut appelé « The Bakersfield Sound ». Lui et son prédécesseur légendaire Merle Haggard ont produit de grandes quantités de musiques honky-tonk qui ont devancé la country-pop venant de Nashville. Quand Buck Owens and the Buckaroos ont commencé à chanter : « I’ve got a tiger by the tail, it’s plain to see... ! », des foules se sont amassées à leurs pieds sur le dancefloor. BUCK OWENS inspira ensuite nuls autres que The Beatles qui ont sorti leur chanson country, devenue un classique ‘Act Naturally’. Il a aussi inspiré le maitre de la soul, Ray Charles, qui a sorti entre autres ‘Crying Time’. » Terry Lickona (producteur d’Austin City Limits)

Des relents grunge et un chant insolent, WIVES s'annonce comme la nouvelle sensation de la scène bricolo-punk new-yorkaise! Nouvelle sensation de la scène bricolo-punk new-yorkaise LES INROCKUPTIBLES Un mini-hit. Oui, on peut l'affirmer LIBéRATION (sur Waving Past Nirvana) Tout fraîchement signé chez CITY SLANG (CARIBOU, TINDERSTICKS), le quatuor de NYC, WIVES a déjà délivré une poignée de singles dont le fameux WAVING PAST NIRVANA qualifié par Libération Un mini-hit. WIVES se place dans la lignée prestigieuse des groupes grunge New Yorkais rythmée par le punk. WIVES est le groupe d'une ville, produit de son anxiété, de son bruit de ses arts et de son énergie. Il est composé de Andrew Bailey (de DIIV à la guitare), Jay Beach (guitar, vocals), Alex Crawford (bass), Adam Sachs (drums). WIVES, c'est la dissonance de SONIC YOUTH, l'énergie des premiers PIXIES, les ricanements intelligents et cérébraux de MARK E SMITH de THE FALL.