De l’ombre à la lumière, telle est la courbe émotionnelle que dessinent les Sonates pour violon et piano de Sergeï Prokofiev, publiées dans les années 1940, intense période de création pour le musicien russe qui travaille alors à son ballet Cendrillon et sa Cinquième Symphonie. La violoniste Alexandra Conunova, lauréate du prestigieux concours Tchaïkovski en 2015, et le pianiste Michael Lifits font une lecture engagée de ces deux partitions de Prokofiev. Véritable synthèse de son style, ces sonates sont caractérisées par un classicisme formel subverti par une virtuosité flamboyante. Leur lyrisme, rongé par l’ironie savoureuse et mordante d’un langage moderne, fruit d’une vision critique du monde, n’en est que plus poignant.

La poétique légendaire du flûtiste Wilbert Hazelzet a été, des années durant, l’une des enseignes de Glossa. Avec cette double réédition d’enregistrements de J.S. Bach, nous retrouvons Hazelzet à son apogée : il ré-imagine ce que Bach aurait pu faire en combinant la Partita pour flûte avec ses propres transcriptions de trois Suites pour violoncelle (!) tout en faisant équipe avec son partenaire artistique de toute une vie, Jacques Ogg (claveciniste culte), pour nous offrir d’autres transcriptions de l’oeuvre immortelle de Bach. Voici donc un double album pour l’éternité !

ANTI réédite le génial catalogue Elektra Asylum Records de Tom Waits ! Small Change' est un chef-d'oeuvre de l'artiste et contient certains des plus grands titres de la première heure. Le Jazz classique, le Tin Pan Alley et Stephen Foster ont nuancé la vision et le génie lyrique de Tom. On peut qualifier l'album de déchirant, hilarant et toujours saisissant. On y retrouve les titres Step Right Up', Blues of Tom Traubert', I Wish I Was in New Orleans', The Piano Has Been Drinking' ou encore Invitation to the Blues', titres qui ont depuis influencé des générations d'auteurs-compositeurs. Enregistré avec un orchestre live et mettant en vedette la légende du jazz Shelly Manne à la batterie. Small Change' est l'un des enregistrements les plus populaires de Tom Waits.

ANTI réédite le génial catalogue Elektra Asylum Records de Tom Waits ! Small Change' est un chef-d'oeuvre de l'artiste et contient certains des plus grands titres de la première heure. Le Jazz classique, le Tin Pan Alley et Stephen Foster ont nuancé la vision et le génie lyrique de Tom. On peut qualifier l'album de déchirant, hilarant et toujours saisissant. On y retrouve les titres Step Right Up', Blues of Tom Traubert', I Wish I Was in New Orleans', The Piano Has Been Drinking' ou encore Invitation to the Blues', titres qui ont depuis influencé des générations d'auteurs-compositeurs. Enregistré avec un orchestre live et mettant en vedette la légende du jazz Shelly Manne à la batterie. Small Change' est l'un des enregistrements les plus populaires de Tom Waits.

Réédition d'un disque mémorable par un ensemble légendaire ! Accompagnés par un bouquet d'instrumentistes et de voix sous la direction de Claudio Cavina, les membres historiques de La Venexiana ont effectué un parcours mémorable dans cette forêt musicale qu'est la Selva morale e spirituale de Claudio Monteverdi. Au lieu de suivre l'ordre de l'édition imprimée, La Venexiana a préféré organiser son contenu en trois grands volets liturgiques ayant un caractère autonome. Les deux premiers disques incluent deux offices de vêpres, le programme du troisième disque se construit pour la plupart autour de la Messe a? 4 voix. Il en résulte une Missa solemnis grandiose !

Glossa réédite à présent, dans la collection Cabinet, l’un de ses disques les plus emblématiques et, sans l’ombre d’un doute, l’un des enregistrements les plus mémorables de l’Orchestre du XVIIIe siècle de Frans Brüggen. Après une introduction longue et d’une grande beauté où résonnent la Maurerische Trauermusik et l’Adagio pour 2 clarinettes et 3 cors de basset, Brüggen effectue une lecture saisissante du Requiem - en incluant l’Introitus, le Tractus et l’Offertorium en version de plain-chant -, qui s’est imposée comme l’une des versions de référence de l’oeuvre. En ce jour de mars 1998, le Metropolitan Art Space de Tokyo vécut un moment d’authentique magie, parfaitement recueilli par les micros de la NHK Télévision y que nous pouvons à présent expérimenter avec délice.

L'oeuvre pour piano fascinante d'Antoine Reicha revisitée par Ivan Ilic Ivan Ilic se penche sur un aspect crucial de la musique d'Antoine Reicha : la manière dont la musique contrapuntique de Bach a inspiré l'esprit éclectique et fertile de Reicha. Si la plupart des études se composent d'un prélude couplé à une fugue, leur variété offre à l'album une grande diversité, et dévoile le génie compositionnel d'Antoine Reicha. Les humeurs et textures inattendues cohabitent avec des canons sophistiqués, des chaconnes et des menuets... Les interprétations uniques d'Ilic sont soutenues par des notes de livret éclairantes, écrites par le pianiste lui-même, mettant en lumière les moments importants de la vie du compositeur.

SONATE POUR PIANO & VIOLON N°1 SZ75 - SONATE POUR PIANO & VIOLON N°2 SZ76

Le projet VOLTS du Quatuor Tana est un état des lieux de la musique pour quatuor à cordes et électronique : innovant et créatif Les diverses techniques de cette rencontre de musique mixte sont présentées ici, de la bande préenregistrée (Romitelli), en passant par le temps réel et improvisé (Nouno), pour arriver enfin aux Tana Instruments (Arroyo, Canedo, Havel), nouvelle génération d'instruments hybrides permettant la diffusion de l'électronique via leur caisse de résonance et non plus via des enceintes externes. Le Quatuor Tana livre ici un disque sans concession, pluriel, inscrivant d’ores et déjà cette musique dans la tradition du quatuor à cordes moderne.

ANTI réédite le génial catalogue Elektra Asylum Records de Tom Waits ! ‘Small Change’ est un chef-d'oeuvre de l’artiste et contient certains des plus grands titres de la première heure. Le Jazz classique, le Tin Pan Alley et Stephen Foster ont nuancé la vision et le génie lyrique de Tom. On peut qualifier l’album de déchirant, hilarant et toujours saisissant. On y retrouve les titres ‘Step Right Up’, ‘Blues of Tom Traubert’, ‘I Wish I Was in New Orleans’, ‘The Piano Has Been Drinking’ ou encore ‘Invitation to the Blues’, titres qui ont depuis influencé des générations d'auteurs-compositeurs. Enregistré avec un orchestre live et mettant en vedette la légende du jazz Shelly Manne à la batterie. ‘Small Change’ est l'un des enregistrements les plus populaires de Tom Waits.

Enfants du rock noise, sombre et poisseux du vieux continent, de MY BLOODY VALENTINE à THE JESUS & MARY CHAIN, et du rock garage « arty » et psychédélique US de leurs parents, des STOOGES au VELEVET UNDERGROUD, BRMC officie depuis maintenant une douzaine d'année au cours desquelles ils sont passés du statut de révélation du début des années 2000 à celui de groupe culte au début des années 2010. Specter at the Feast est le nouvel album d'une discographie déjà riche de 5 LP studio. On y retrouve la même moiteur et la même odeur de cuir qui ont fait le succès de BRMC et surtout leur incroyable écriture. Déjà un classique.

Fox est né de la rencontre de deux talents du jazz français, Pierre Perchaud (ex ONJ Yvinec) et Nicolas Moreaux (Grand Prix de l’Académie Charles Cros 2013), avec un musicien entré dans l’Histoire, Jorge Rossy, connu comme le batteur qui a redéfini l’art du trio aux côtés du pianiste Brad Mehldau à la fin des années 1990. Marqué par une reprise de la chanson « And I Love Her » des Beatles, le répertoire de Fox réunit des compositions de Perchaud et Moreaux dont les couleurs renvoient selon les endroits au rock, au blues aussi bien qu'à la pop ou la sphère classique. Lesté de la poésie de ses interprètes, Fox dévoile un univers contrasté aux paysages évocatoires, qui invitent l'âme à vagabonder et à se laisser emporter vers un ailleurs aux contours oniriques.

Monteverdi et la seconda prattica Enregistrée à la Cité de la Musique dans le cadre de l'intégrale des madrigaux de Monteverdi réalisée en partenariat avec la Philharmonie de Paris et le Théâtre de Caen, le dernier volume de notre trilogie recèle sans aucun doute les plus célèbres joyaux d'un compositeur devenu maître de chapelle à Saint-Marc de Venise, puis prêtre. Au-delà des grands opéras qui nous sont parvenus de cette période, les derniers madrigaux explorent méthodiquement les multiples possibilités offertes par un continuo en plein développement et des voix solistes sollicitées comme jamais auparavant. A cet égard, le célébrissime Combat de Tancrède et de Clorinde achève cette aventure montéverdienne en apothéose !

Entreprise en 2008, la trilogie Jean Gilles réalisée par l'orchestre baroque Les Passions et le choeur de chambre les éléments s'achève cette année avec la publication du coffret regroupant les trois volumes reprenant l'essentiel de l'oeuvre du compositeur toulousain Jean Gilles (1668-1705). Justement remarquée par la critique musicale et soutenue depuis le début par le Festival de La Chaise-Dieu, cette audacieuse anthologie compte désormais comme l'une des versions de référence du célèbre Requiem ou du fastueux Te Deum. OEuvres enregistrées : Requiem - Lamentations - Messe en ré - Te Deum Motets : 'Cantate Jordanis Incolae' - 'Diligam te Domine'

Héritières d’une longue tradition musicale (l’ombre de Bach plane, comme retentissent les échos de l’école de luth anglaise de Dowland), les Suites pour violoncelle seul de Benjamin Britten sont incontestablement un monument de la littérature pour violoncelle. Elève de Mark Drobinsky, lui-même disciple de Mstistlav Rostropovitch, qui fut l’inspirateur et le dédicataire des trois Suites, Guillaume Martigné rend ici hommage à ses illustres prédécesseurs. Lauréat de nombreux concours internationaux, membre du Quatuor Psophos depuis 2010, Guillaume Martigné se produit dans le monde entier. Il joue un superbe violoncelle Rogeri de 1690. « Un artiste extraordinaire. » Mischa Maïsky

Wails est un album incontournable du guitariste, compositeur et chanteur de blues B. B. King. Les sessions de cet album ont été enregistrées en Californie avec un petit orchestre. La guitare piquante et la voix puissante de King sont merveilleusement accompagnées par Johnny Board (saxophone ténor), Lawrence Burdine (saxophone alto), Kenny Sands (trompette), Ralph Hamilton (basse), Millard Lee (piano) et Ted Curry (batterie). Ce disque collector contient 2 titres bonus : Mean Ole Frisco et Sugar Mama.

Skip James, une légende du delta blues en LP ! Skip James était une énigme du delta blues dont la guitare envoûtante et la voix d'outre-tombe ont créé des chefs d'oeuvre inoubliables du genre. Cette sélection de titres enregistrés dans les années 30 démontre qu'à elles seules ces perles du blues acoustique de Skip James ont eu une influence indéniable sur un Robert Johnson puis sur le blues anglais d'un John Mayall ou d'un Eric Clapton.

LES SKATALITES ont été initiateurs de la musique Jamaïcaine dans le monde. Parmi les membres les plus reconnus du groupe, DON DRUMMOND, TOMMY MCCOOK, JACKIE MITTOO, JOHNNY MOORE, LLOYD KNIBBS et d’autres ont définitivement étaient des artistes représentatifs de l’indépendance de leur pays. Durant leur formation de 1963 à 1965, THE SKATALITES a enregistré plus de 100 chansons originales qui font parties des sorties les plus prestigieuses du label SOULJAZZ. Ils apportent au jazz classique des touches exotiques, latines, rhythm'n'blues et pro-rastafari, ce qui permet leur permet de communiquer une énergie et une intensité peu commune. Auparavant édition limitée du Disquaire Day, l’album est maintenant disponible sous versions CD et 2LP auxquelles ont été ajoutées 10 chansons bonus.

Cet enregistrement est splendide. Diapason Ces deux chefs-d'oeuvre, très prisés tout au long du XVIIIe siècle, sont parmi les aboutissements de la synthèse musicale de la religion, des arts de la danse et du théâtre. Les effets spectaculaires côtoient les moments de pur recueillement. Autant dire que la mise en place et l'interprétation de la Chapelle Royale sont ici superlatives. Répertoire Les solistes appartiennent tous à la fine fleur actuelle du chant baroque et assurent la totale réussite de cette gravure. Une nouvelle réussite de Philippe Herreweghe participant à la redécouverte de l'oeuvre de Gilles, l'un des fleurons de la musique liturgique de la fin du Grand Siècle. Compact Ce titre est paru pour la première fois en 1990.

Une cristalline simplicité Au tournant des années 70, frappé d'une crise mystique et d'inspiration, l'estonien Arvo Pärt se tourne vers la tradition chorale du Moyen âge et de la Renaissance. De cette période de recherche foisonnante naîtront des chefs-d'oeuvre, inaugurant un univers sonore inédit, intemporel, tintinabulant jusqu'à l'épure. Le présent disque explore ce langage musical avec 5 oeuvres chorales qui s'étendent sur une vingtaine d'années, complétées par deux oeuvres majeures du XXIe siècle qui présentent des traits communs avec l'incomparable monde sonore de Pärt. Une écriture en suspension dont l'interprétation tout en spiritualité de Graham Ross et du Clare College nous mettrait presque à genoux...

L'exquise musique pour violon de Mozart par le London Symphony Orchestra dirigé par Nikolaj Znaider Nikolaj Znaider, qui assume les rôles de chef d'orchestre et de violon solo, conclut sa série Mozart sur LSO Live avec les trois premiers concertos pour violon du grand compositeur. Bien qu'ils aient été écrits avant même qu'il n'atteigne l'adolescence, la musique des concertos pour violon de Mozart est aussi élégante et exaltante que tout ce qu'il écrira par la suite. Znaider fait ressortir l'esprit et le charme de ces délicieuses pièces, en dirigeant les virtuoses de l'Orchestre symphonique de Londres comme Mozart l'aurait fait, du violon...

L'intégrale des oeuvres pour orgue de Gaston Litaize par Marie-Ange Leurent et Eric Lebrun. Ce projet discographique rend hommage, à l'occasion du centenaire de sa naissance, à l'un des plus grands organistes du XXème siècle. Illustre virtuose aveugle, compositeur tôt reconnu par ses pairs (il a remporté le Grand Prix de Rome de composition musicale), responsable des émissions religieuses de l'ORTF durant plusieurs décennies, Gaston Litaize occupe une place de choix dans l'histoire de la musique sacrée. Les excellents organistes M.A. Leurent et E. Lebrun, ses anciens élèves, rendent hommage à l'un des plus grands organistes du XXème siècle avec cet enregistrement de l'ensemble de ses oeuvres.

Le pianiste Barry Douglas parcoure l’oeuvre pour piano seul de Schubert, en voyageur poétique et sensible Voici le troisième volume consacré à la musique pour piano seul de Franz Schubert par le pianiste britannique Barry Douglas. Dans cette série d’enregistrements, l’interprète a mis un soin particulier dans le choix des pièces : ici on retrouve en couplage les tardifs Sonate D958 et Six Moments Musicaux. Puis le programme se clôture avec deux transcriptions de lieder du maître, dues à son ami Franz Liszt, dont Barry Douglas donne le meilleur de l’expressivité poétique et sensuelle.

Ce disque constitue le troisième enregistrement harmonia mundi consacré à Thierry Pécou, dont la Symphonie du Jaguar avait déjà obtenu un Diapason d'or remarqué en 2010. Le compositeur d'ascendance caribéenne n'a eu de cesse d'élargir ses sources d'inspiration vers l'Amérique latine, notamment en direction du Mexique dont on entend les échos dans L'Arbre aux fleurs ou dans Soleil-Tigre. Mais c'est bel et bien le Brésil qui est à l'origine du concerto carnaval Tremendum, oeuvre phare du programme présentée ici dans une nouvelle version réalisée spécialement par Pécou pour les Percussions Claviers de Lyon.

Un siècle de musique française pour violoncelle, c’est le défi généreux et parfaitement maîtrisé de jeune violoncelliste Leonard Eischenbroich. Un siècle de musique française pour violoncelle, de l’orchestre au duo, c’est le parcours fascinant choisi par le violoncelliste Leonard Eischenbroich. Ce disque qui marquera la carrière du jeune virtuose pour son originalité, sa personalité musicale très singulière, son énergie et, pour chaque oeuvre, sa joie de jouer ! Aussi intense et précis sur ce répertoire très exigeant, le pianiste Alexei Grynyuk signe lui aussi une prestation remarquable dans les moments en duo et le BBC Scottish Symphony dirigé par John Wilson également pour les parties orchestrales.

La musique médiévale portée par une jubilation du jeu instrumental, c'est la promesse du duo Anne-Suse Enßle et Philipp Lamprecht Le Duo Enßle-Lamprecht présente une mosaïque d’oeuvres médiévales profanes et sacrées et les fait revivre avec pour notre ouïe contemporaine. Avec des sonorités intrumentales captivantes et une vraie richesse de timbre, ils emportent l’auditeur dans un autre monde. Ce qui anime le duo Anne-Suse Enßle (flûte à bec) et Philipp Lamprecht (percussions) c’est avant tout un véritable plaisir de jouer. Avec une pléthore d’instruments, regroupant les flûtes et les instruments de percussion les plus variés, ils retissent la trame de nos habitudes auditives, entre musique médiévale et musique expérimentale.

Le rayonnement universel de Corelli Au cours de sa carrière, Fabio Biondi a développé une empathie remarquable pour la musique italienne à travers les siècles et, en particulier, la sonate pour violon du début de la période baroque. L'un des talents de Biondi consiste en l'art de concevoir des programmes passionnants. Ainsi, ce nouvel album dédié au violon du XVIIIe naissant illustre l'influence de Corelli sur ses collègues compositeurs de Dresde, Venise, Padoue, Londres ou Amsterdam. Soutenu par le continuo de son Europa Galante, Biondi interprète des sonates de Vivaldi, Corelli, Geminiani, Tartini et Locatelli. Il nous restitue avec délice le parfum enivrant de cette musique italienne du XVIIIe siècle.

La musique néo-grégorienne d'Arvo Pärt subtilement interprétée par Viktoria Mullova Consacré à la musique pour violon d'Arvo Pärt, le nouvel album de Viktoria Mullova explore les oeuvres issues de l'étude de la musique médiévale sacrée. Ces pièces sont qualifiées par Pärt lui-même de style tintinnabuli; concept qu'il a développé dans les années 1970 et qui fait référence aux trois notes d'une triade qui résonnent telles des cloches. Le compositeur minimaliste ne travaille qu'avec peu d'éléments : une ou deux voix, une tonalité spécifique, des battements silencieux... Devenues des pièces emblématiques du répertoire contemporain, les oeuvres de Pärt présentes sur cet album ont été enregistrées en présence du compositeur.

La guitare express du Grand Nord ! Véritable phénomène musical, Bjorn Berge est l'un des plus grands bluesmen européens Il est possible d'être né dans le pays des fjords et de laisser son empreinte sur le blues. Découvert aux Transmusicales de Rennes en 2004, Bjorn Berge nous propose ici son 13ème album, Who Else ? Créateur unique il a choisi pour la première fois de s'entourer d'un groupe : c'est le célèbre power trio norvégien Vamp qui l'accompagne dans cette nouvelle aventure, celle d'un bluesman original qui a conquis le monde.

Trois oeuvres majeures de Ralph Vaughan Williams par l'Orchestre Philharmonique de Bergen dirigé par Sir Andrew Davis Commencé il y a 25 ans par le chef Richard Hickox, la série intégrale sur Vaughan Williams se poursuit sous la direction musicale de Sir Andrew Davis à la tête du Bergen Philharmonic Orchestra. Ce volume très attendu ouvre sur la majestueuse Sinfonia Antartica puis le Concerto pour deux Pianos, interprété par l’infatigable duo Hélène Mercier / Louis Lortie. Suit une incroyable interprétation par le baryton Roderick Wiliams et la soprano Mari Eriksmoen du cycle des Last Four Songs. Le disque est enregistré en SACD pour un son surround particulièrement adapté aux oeuvres interprétées ici.

Le disque officiel de la Folle Journée de Nantes est une rencontre au sommet sur les chants d’exil de Schubert Balade musicale en compagnie de la pianiste Claire-Marie Le Guay et du violoncelliste François Salque qui rendent hommage à Schubert. Sur le thème du cheminement de l’exil, la paire chambriste met en oeuvre toutes ses qualités d’expression pour donner à des lieds de Schubert, dont le célèbre Wanderer, une lecture instrumentale dans laquelle le violoncelle prend la place de la voix humaine. Avec un choix très raffiné du répertoire, des mélodies éternelles, un romantisme jamais surjoué et une science du son, le duo Marie- Claire Le Guay et François Salque nous livrent le meilleur de Schubert, en partition et en esprit.

LES SKATALITES ont été initiateurs de la musique Jamaïcaine dans le monde. Parmi les membres les plus reconnus du groupe, DON DRUMMOND, TOMMY MCCOOK, JACKIE MITTOO, JOHNNY MOORE, LLOYD KNIBBS et d’autres ont définitivement étaient des artistes représentatifs de l’indépendance de leur pays. Durant leur formation de 1963 à 1965, THE SKATALITES a enregistré plus de 100 chansons originales qui font parties des sorties les plus prestigieuses du label SOULJAZZ. Ils apportent au jazz classique des touches exotiques, latines, rhythm'n'blues et pro-rastafari, ce qui permet leur permet de communiquer une énergie et une intensité peu commune. Auparavant édition limitée du Disquaire Day, l’album est maintenant disponible sous versions CD et 2LP auxquelles ont été ajoutées 10 chansons bonus.

Un seul regard sur le trio de Schubert - et toute la misère de la condition humaine disparaît, le monde est comme neuf, écrit Robert Schumann en 1836 du Trio D898 de Schubert. Il témoigne la même admiration pour l'autre grand trio du compositeur viennois, D929, et notamment son Andante con moto à l'allure de marche funèbre, qui devait accéder plus tard à la célébrité cinématographique grâce au Barry Lyndon de Kubrick - pour Schumann, un soupir qui s'amplifie jusqu'au cri d'angoisse. Ici, trois interprètes hors pair mettent en lumière chaque nuance de ces oeuvres infiniment fascinantes à l'aide d'un instrumentarium d'époque, dont la réplique d'un splendide pianoforte viennois de 1827.

On associe volontiers au nom des deux illustres pianistes du XIXe siècle, Charles-Valentin Alkan et Franz Liszt, un style fondé sur la virtuosité transcendante. Pourtant, le caractère funèbre et élégiaque des oeuvres tardives de Liszt, tout comme la splendide Sonate pour piano et violoncelle op.47 écrite par Alkan au milieu du siècle, reflètent un idéal commun d’expression épuré, ainsi qu’une vision poétique de la musique instrumentale. Le terrain de la musique de chambre s’impose comme domaine privilégié où se manifestent les tendances méditatives, spirituelles et expérimentales chez les deux créateurs, nourris d’une haute culture littéraire, musicale et religieuse.

L’éclatante soprano Roberta Invernizzi ressuscite pour Glossa le compositeur baroque italien Francesco Gasparini : un récital lyrique de haut niveau Francesco Gasparini a écrit 60 opéras et de nombreux oratorios et cantates à la fin du XVIIème siècle en Italie. Autant dire un trésor d’airs et pièces vocales dans lequel le directeur de l’Ensemble Auser Musici, Carlo Ipata, s’est plongé pour en extraire un répertoire sur mesure destiné à la soprano Roberta Invernizzi. A l’image d’un récital lyrique qui aurait pu avoir lieu dans les théâtres vénitiens de l’époque, qui se conclut avec un brillant concerto pour flûte du même compositeur.

Cet enregistrement réunit à nouveau les deux artistes les plus importants du label Chandos, Tasmin Little au violon et Edward Gardner à la tête du BBC Philharmonic. Les deux Concertos pour Violon de Karol Szymanowski (1882-1937) et celui de Mieczyslaw Karlowitz (1876- 1909) sont au programme, pour continuer, comme avec le disque précédent, à pratiquer ce répertoire peu joué du XXeme siècle. Le premier des concertos, celui de Karlowicz développe la tradition des grands concertos romantiques de Mendelssohn ou Tchaikovsky. Pour les deux suivants, le premier de Szymanowski, intègre déjà toutes les avancées harmoniques de Debussy et le second s'imprègne de l'exotisme méditerranéen de l'époque et de la culture des mélodies traditionnelles adaptées.

Neeme Järvi et l'Orchestre Symphonique de Göteborg présente le volume 2 des Symphonies d'Atterberg. Cette série fait partie d'un projet plus large consacré à la musique scandinave, commencé avec les compositeurs Halvorsen et Svendsen, avec l'Orchestre Philharmonique de Bergen. Kurt Atterberg fut l'un compositeurs suédois les plus renommés, ainsi qu'un chef d'orchestre, critique et administrateur réputé. Son corpus qui contient neuf symphonies fait entendre des structures claires et de brillantes mélodies. Ce volume présente la Symphonie n°2 (1911), ancrée dans la tradition et le folklore suédois, et la Symphonie n°8 (1944), pièce vigoureuse et légère créée en 1945 et saluée en son temps par Sibelius.

Le LSO Chamber Ensemble célèbre le centenaire de L'histoire du Soldat de Stravinsky, avec Malcom Sinclair en narrateur Nous célébrons cette année le 100ème anniversaire de la création de l'oeuvre théâtrale et musicale de Stravinsky L'Histoire du Soldat : à cette occasion, Roman Simovic, le premier violon du LSO, a choisi de reprendre l'oeuvre en intégrant, aux côtés du LSO Chamber Ensemble, l'acteur britannique à la réputation internationale, Malcom Sinclair. Issue d'un conte traditionnel russe, L'histoire du Soldat raconte les mésaventures d'un soldat qui vend son violon au diable contre de l'argent à volonté : l'oeuvre est captivante et met en scène trois acteurs, un septette de cordes et vents et des danseurs.

Le corpus des mélodies de Francis Poulenc est l'un des plus généreux et des plus aboutis du répertoire français. Ami de poètes comme Apollinaire, Éluard, Aragon ou Louise de Vilmorin, Poulenc est à l'écoute de leurs imaginaires et de leur mystère. La nonchalance voluptueuse ou nostalgique, la douceur mélancolique ou la légèreté impertinente de ses mélodies, qui n'ont jamais l'air de se prendre au sérieux, relèvent toujours du grand art. Francis Poulenc's corpus of songs is one of the most generous and accomplished in the French repertoire. A friend of poets like Apollinaire, Éluard, Aragon, and Louise de Vilmorin, he was constantly alert to their imaginative worlds and their mystery. The voluptuous or nostalgic nonchalance, the gentle melancholy or the impertinent flippancy of his mélodies, which never appear to take themselves seriously, invariably represent the highest art.

Musique sacrée d’aujourd’hui, l’Ensemble Mikrokosmos prête ses voix à la polyphonie raffinée de Patrick Burgan. Le cahier des charges imposé par le commanditaire de cette oeuvre, Alain Lyet, était clair et stimulant : un « cri primal ». Autrement dit un surgissement de l’énergie primaire devant les peurs éternelles avec un effectif instrumental hétéroclite porté vers un projet dont on sait au départ qu’il sera très loin d’une fresque conventionnelle. Patrick Burgan aime les défis, ils l’aiguillonnent : ses oeuvres vocales profanes constituent de magistrales exégèses de poèmes choisis en fin lecteur, ses compositions religieuses ne sont pas en reste puisqu’elles déploient des polyphonies fouillées (Nativités) ou de prenantes atmosphères (Audi Coelum, Tristis).

Ali Akbar Khan au sarod dans l'art subtil des ragas indiens Fils du légendaire Allaudin Khan, Ali Akbar Khan a joué avec le sarod un rôle important, tout comme Ravi Shankar au sitar, dans la popularisation de la musique classique indienne en Occident. Il fait partie de cette génération d'artistes à laquelle la musique enregistrée a donné, par rapport à ses aînés, une audience mondiale. Ce Rough Guide met en valeur son talent et sa maîtrise intuitive de la mélodie et du rythme qui ont conduit la légende du violon Yehudi Menuhin à le qualifier de meilleur musicien du monde. POUR CEUX QUI AIMENT Ravi Shankar, Hariprasad Chairasia, Shivkumar Sharma

Elégance, perfection du phrasé mozartien et équilibre font de Jean Efflam Bavouzet un grand interprète de Mozart. Le pianiste Jean Efflam Bavouzet signe ici le troisième et dernier volume d'une série pour le label Chandos consacrée aux six concertos que le jeune Mozart de 28 ans a écrit dans le courant de la seule année 1784. Avec l'orchestre de chambre la Manchester Camerata, placé sous la direction du jeune chef hongrois Gabor Takacs-Nagy. Ici ce sont les concertos N° 15 (KV450) et 16 (KV451), avec le quintette pour piano et vents (KV452) qui forment les dernières compositions de la fameuse année 1784, un sommet créatif du compositeur.

Le gambiste Fahmi Alqhai prête son originalité et un son chaleureux à des transcriptions de chefs d'oeuvre de Bach : une réussite saisissante ! Le gambiste Fahmi Alqhai est en permanence à la recherche d'un répertoire solo exigeant. Devant la rareté des oeuvres il a choisi le recours, plus que légitime dans son cas, à la transcription : c'est le tour de force de ce Bach Album où le musicien interprète quatre de ses propres adaptations de chefs d'oeuvre de Bach. Sonates pour violon, Suites pour violoncelle, Partita pour Flûte et la Chaconne : voilà les oeuvres proposées au son généreux, au tempérament musical chaleureux et coloré de Fahmi Alqhai : le résultat est saisissant et l'on y découvre une façon inspirée de célébrer le génie de J. S. Bach.

Les Concertos pour piano n°23 et 24 de Mozart, contemporains des Noces de Figaro, sont composés durant la saison 1785-1786, une époque faste pour le musicien. Brillant et éloquent mais aussi tendre et frivole, le piano résonne avec plénitude dans ces deux partitions, en particulier dans le poignant et célébrissime Andante du concerto n°23. Auréolé du prestigieux Prix Mozart du concours international de Cleveland, François Chaplin nous propose une version délicate de ces deux partitions. Son jeu perlé s’épanouit dans l’écrin généreux de l’Orchestre Victor Hugo, placé sous la baguette du chef Jean-François Verdier, et livre l’évidence de la beauté mozartienne.

S'il y bien un groupe qui peut revendiquer le statut de « culte », c'est bien DIRTY THREE, le trio (comme son nom l'indique) australien est en activité depuis près de 20 ans. DIRTY THREE est composé de MICK TURNER à la guitare, JIM WHITE à la batterie (vu chez CAT POWER, PALACE BROTHERS.), et WARREN ELLIS, violoniste et membre honoraire des BAD SEEDS et du GRINDERMAN de NICK CAVE. Toward the Low Sun, leur 8ème album studio, est à nouveau entièrement instrumental. Il déborde de l'énergie brute et de la frénésie des débuts et lorgne vers le jazz et l'art-punk. Une renaissance en somme.

A l’occasion des hommages à William Shakespeare, les meilleurs jeunes chanteurs britanniques du moment interprètent un compositeur incontournable de l’Angleterre lyrique de la seconde moitié du 19ème, Sir Arthur Sullivan. Sir Arthur Sullivan est très connu des amateurs de musique lyrique anglais : il fut le compositeur de plusieurs opéras et opérettes entre 1860 et 1900. Pour cet enregistrement Chandos, les plus talentueux des jeunes chanteurs lyriques d’aujourd’hui ont choisi des airs d’Arthur Sullivan, dont certains sont des musiques posées par le compositeur sur des poèmes de Shakespeare. La soprano Mary Bevan, le ténor Ben Johnson, le baryton / basse Ashley Riches, sont accompagnés au piano par l’excellent David Owen Morris.

Deux monuments incontournables pour le CD-catalogue 2017. À propos de l’Opus 100 D'une parfaite maîtrise technique, la version des Wanderer possède une beauté instrumentale (et prise de son) superlative, qui se caractérise par la rondeur de la sonorité. Classica Les Wanderer ont l'attaque franche, le son plein, rond et chaleureux, clair et puissant, le rythme précis et souple. Maîtrise et passion vont de pair dans leur discours, qui ne sollicite jamais l'émo..on mais va droit au coeur tant il est naturel et généreux. Quelle fougue, et quelle tendresse ! Quelle poésie aussi ! (Michel Parouty, Les Échos) Trois français à la lecture jeune et inven..ve, et un CD Schubert rafraîchissant. Indépendance et liberté sont les vertus du trio selon les Wanderer. (Libération)

La pianiste britannique Imogen Cooper dans Liszt et Wagner, entre compositions et transcriptions intimes Après les succès remportés autour des cycles Brahms et Schumann déjà parus chez Chandos, la pianiste britannique Imogen Cooper consacre ce programme à deux autres grands romantiques, Liszt et Wagner. Le choix des pièces est original, fait de compositions et de transcriptions intimes. Extraites des mouvements les plus poétiques des Années de Pèlersnage pour Liszt et pour Wagner la transcription du prélude passionné Tristan et Iseult, Imogen Cooper trouve tout de suite le ton juste, un romantisme sans mélodrame et une virtuosité sans emphase.

Même si l'on doit à Beethoven les premières danses écossaises ayant atteint l'immortalité de la musique 'sérieuse', arrêtez-vous quelques minutes pour admirer la mer à l'assaut de la Chaussée des Géants en Ulster avant de rejoindre en Ecosse un endroit beaucoup plus secret, à Rannoch Moor, le Loch Ossian. David Oistrakh, accompagné par une harpiste aussi convaincante que restée anonyme, vous fera pénétrer l'âme de cette Calédonie ancestrale, avant d'y partir en voyage avec Lenny Bernstein pour une suite ininterrompue de découvertes faites dans les meilleures conditions, avec tout le confort moderne, comme dirait Debussy saluant le luxe descriptif offert par l'orchestre moderne

EMIKA, qui compte parmi des meilleures recrues du label électro Ninja Tune, signe aujourd'hui son grand retour avec DVA, son très attendu deuxième album. Nous offrant un sublime dub pop, ce nouvel opus porte le travail de production de EMIKA à des sommets qu'elle n'avait jamais atteints jusque-là. On retrouve notamment une superbe reprise de 'Wicked Game', le classique de CHRIS ISAAK auquel peu d'artistes ont osé se mesurer. L'atmosphère que EMIKA parvient ici à créer à l'aide de textures deep dub, de percussions fragiles et de voix perdus dans l'écho, est particulièrement poignante. Véritable retour à ses racines musicales en forme de réflexion sur la liberté et l'oppresion, qu'elles soient politiques, sexuelles ou artistiques, DVA est à savourer sans modération.

EMIKA, qui compte parmi des meilleures recrues du label électro Ninja Tune, signe aujourd'hui son grand retour avec DVA, son très attendu deuxième album. Nous offrant un sublime dub pop, ce nouvel opus porte le travail de production de EMIKA à des sommets qu'elle n'avait jamais atteints jusque-là. On retrouve notamment une superbe reprise de 'Wicked Game', le classique de CHRIS ISAAK auquel peu d'artistes ont osé se mesurer. L'atmosphère que EMIKA parvient ici à créer à l'aide de textures deep dub, de percussions fragiles et de voix perdus dans l'écho, est particulièrement poignante. Véritable retour à ses racines musicales en forme de réflexion sur la liberté et l'oppresion, qu'elles soient politiques, sexuelles ou artistiques, DVA est à savourer sans modération.

L'oeuvre, majestueuse et puissante, est destinée à toute l'humanité et ses thèmes centraux, pleins de mélancolie et de réconfort, sont universels. Le Requiem ne suit pas la forme liturgique habituelle et c'est finalement sa liberté par rapport au dogme qui en fait une oeuvre sacrée dédiée à l'esprit : la version captée ici par Veléry Gergiev et le LSO met en lumière cette spiritualité ouverte et sa couleur mystique, presque contemplative, sans occulter les grandes mélodies romantiques qui ont fait la gloire de Brahms. Porté par les voix solistes de la soprano Sally Matthews et du baryton Christopher Maltman, ce Requiem de Brahms nous permet de comprendre, à nouveau, pourquoi cette oeuvre est si populaire et continue d'être interprétée par des chorales partout dans le monde.

Edward Gardner et le BBC Symphony Orchestra poursuivent leur exploration du répertoire polonais avec le deuxième volume des oeuvres orchestrales de Szymanowski. Le vigoureux ballet pantomime Harnasie (1927-31) est typique du style tardif de Szymanowski, dans sa façon d'agencer un thème folklorique dans une forme symphonique, pour un orchestre massif avec ténor et choeur. Le Stabat Mater est un Requiem Paysan, associant un matériau musical polonais modal au texte liturgique, une oeuvre particulièrement expressive et poignante. La jeune et charismatique soprano Lucy Crowe est finement accompagnée de la mezzo Pamela Helen Stephen, du baryton Gabor Bretz et du ténor Robert Murray.

Les trois symphonies de Borodine rassemblées sur un seul disque, avec trois orchestres irréprochables et trois chefs russes historiques Voici rassemblées sur un seul disque les trois symphonies d’Alexandre Borodine et pour lesquelles ses collègues du Groupe des Cinq eurent toute licence d’exprimer leurs avis. D’abord Balakirev pour celle en mi bémol qui lui est dédiée, puis celle en si mineur, la plus connue et immédiatement saluée grâce à la baguette d’Eduard Napravnik. Celle en la mineur avec ces deux seuls mouvements achevés qui ont été orchestrés par Glazounov sous la supervision de RimskyKorsakov qui n’était pas de pure forme. Une nouvelle ‘inachevée’ à vraiment faire connaître.

Pour son premier album, le Quatuor Ellipse rejoint le label Ad Vitam pour un album consacré à Saint-Saëns, Debussy et Lekeu. Le Quatuor Ellipse est composé de quatre musiciens membres de l’Orchestre National de France. Cet album est leur premier enregistrement. Il réunit trois oeuvres aux esthétiques diverses mais témoignant ensemble du renouveau de la musique instrumentale en France au tournant des xixe et xxe siècles. Le programme du disque se décline comme suit : Un premier chef d’oeuvre fondateur d’un style : Debussy. Un témoignage vénérable souriant au passé : Saint-Saëns. Une fulgurance adolescente ô combien prometteuse : Lekeu.

Quintette pour ombres et violoncelle Grands défenseurs de la musique contemporaine, le Quatuor Béla et Noémi Boutin s'associent pour créer Sur vestiges du compositeur franco-argentin Daniel D'Adamo. Le Quintette à deux violoncelles a été pensé comme un préambule au crépusculaire Quintette en ut de Schubert, au lyrisme si puissant. Autour du thème tragique de la jeune fille et de l'eau, Daniel D'Adamo a voulu composer comme celui qui ramasse les vestiges d'une oeuvre oubliée, les observe et les recycle avec les contraintes de son époque. Le Quatuor Béla figure l'eau dormante, miroir de la beauté de la jeune femme qui s'enivre de son propre reflet, incarnée par le violoncelle de Noémi Boutin.

Passion est un nouveau groupe créé par l'ancien chanteur de Night By Night, Daniel Rossall aka Lion Ravarez. Inspiré par les géants du hard rock des années 80 et 90, l'idée de former un nouveau groupe lui vient à l'esprit lorsqu'il collabore à une chanson en 2017 avec d'autres anciens membres de Night By Night. La chanson qui en résulte, qui peut être décrite comme une fusion du hard rock classique du début des années 90 avec l'AOR des années 80, est si encourageante qu'elle pousse Rossall à composer un album entier. Il a décidé d'envoyer certaines des démos sur lesquelles il travaillait à Frontiers et celles-ci ont immédiatement suscité l'intérêt du label qui a signé avec empressement Passion !

CAN, sort une toute nouvelle collection de tous les singles du groupe, sobrement intitulée « The Singles » en CD et triple vinyle sur Mute. Cette compilation unique montre l'ampleur de la carrière de CAN, de titres phares comme « Halleluwah », « Vitamine C » et « I Want More » à des singles plus obscurs tels que « Silent Night » et « Turtles Have Short Legs ». Fondé en 1967, CAN a sorti son premier album « Monster Movie » en 1969, proposant un son mélangeant de la musique classique expérimentale, jazz et moderne. C’est à Irmin Schmidt, le leader, qui a lui-même commencé sa carrière musicale en tant qu'élève de Stockhausen et Ligeti et ses influences allant de Jimi Hendrix à Frank Zappa que CAN doit ce véritable éclectisme musical. Pour les fans de : The Velvet Underground // Kraftwerk // King Crimson // John Cale

Grammy de la meilleure prestation soliste, Gloria Cheng (« inestimable porte-drapeau de la musique moderne » - THE NEW YORK TIMES) déploie une exquise palette de touchers dans ce programme réunissant les premières oeuvres de maturité d'Olivier Messiaen et l'obscure clarté de la musique de Kaija Saariaho. (Cette dernière a d'ailleurs assisté au premier enregistrement mondial de Ballade et Prélude). Le Quatuor Calder se joint à Gloria Cheng pour le trio Je sens un deuxième coeur (2003) de K. Saariaho et Pièce pour piano et quatuor à cordes de Messiaen.Une de nos meilleures interprètes de Messiaen (.) son phrasé chaleureux faisait résonner le piano d'une manière qui rendait Messiaen irrésistible. (THE LOS ANGELES TIMES)

Le Quatuor Morphing joue ses transcriptions pour saxophones des quatuors à cordes de Ravel et Mendelssohn : une réussite étonnante ! Tout l’enjeu pour le Quatuor Morphing autour de la transcription de quatuors à cordes est contenu dans ces quelques mots d’Adolphe Sax, extraits de son brevet d’invention du saxophone : « J’ai voulu créer un instrument qui, par le caractère de sa voix, pût se rapprocher des instruments à cordes, mais qui possédât plus de force et d’intensité que ces derniers. » Le Quatuor Morphing, formé au Conservatoire National de Paris et aux nombreux concours internationaux et concerts où il s’est affirmé, a progressivement construit son identité artistique autour de ces transcriptions de quatuors à cordes, propices à tous les défis saxophonistiques. Verdict : vive les cordes au saxophone !