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Le nouvel album pop-folk des britanniques s’annonce comme la bande originale du printemps. Issu de la même vague néo-folk chaloupée et transgressive que Fleet Foxes, Grizzly Bear Et Bon Iver, THE LEISURE SOCIETY sort enfin son quatrième album, The Fine Art Of Hanging On. Durant la période d’écriture, Nick Hemming, le chanteur-compositeur du groupe, côtoyait un de ses amis proches se battant contre le cancer. Il lui a permis de participer au projet en partageant ces idées et en tenant compte de ses retours sur les démos. Tous les deux ont noués des liens très proches. On retrouve ainsi au fil de l’album des thèmes récurrents comme les relations sentimentales ou amicales. Plus généralement, il aborde explicitement les problèmes de la vie et de la mort. Au départ, ce n’était pas un album intentionnel. Et pourtant l’harmonie qu’il dégage est omniprésente. Avec ce quatrième album, THE LEISURE SOCIETY nous confie probablement leur meilleure musique en termes de cohésion. Encore une fois, ils n’ont pas mis de côté la pochette, que le jeune Owen Davey, un collaborateur de longue date, a designé pour eux. A l’image de la cover, les onze morceaux de « The Fine Art Of Hanging On», nous plongent en apesanteur dans l’univers incroyable de THE LEISURE SOCIETY.
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Coffret 3 CD - Simply Sacha Distel Label : Union Square Collection : Simply Tins Genre : Variétés Françaises Disque 1 : 1. Scoubidou 2. Calin Calinette 3. Guitare Et Copains 4. Monsieur Le Baron 5. Minor Swing 6. Dis Moi Barman 7. Allez! Va! (My Heart Is An Open Book) 8. Les Filles Moi J'aime ça 9. Le Boogie Du Bébé 10. Bonjour Chérie 11. Trois Fois La France 12. Desafinado 13. Ouah, Ouah, Ouah, Ouah 14. Daphné 15. Rien Dans La Nuit 16. Ting-Toung 17. Brigitte 18. Caterina 19. Ce Serait Dommage 20. A Cause De Toi (I Don't Know Why) Disque 2 : 1. Tout Bas 2. Bag's Groove 3. C'était Plus Fort Que Tout 4. Oui Et Non 5. Quand On S'est Connu 6. C'est Tout, C'est Tout 7. Que C'est Bon 8. Maladie D'amour 9. Nuages [1ère Partie] 10. Nuages [2ème Partie] 11. Sans Toi 12. Fascination 13. Dis O Dis 14. Les Célibataires 15. Garde ça Pour Toi 16. Drôle De Rêve 17. Bon Vent Ma Jolie 18. Rose D'or 19. Scotch Bop 20. Oh! Quelle Nuit Disque 3 : 1. Mon Beau Chapeau 2. Oui, Devant Dieu (La Novia) 3. Madam, Madam 4. Cheveux Dans Le Vent 5. Les Cariocas 6. Swing 4 7. Que Reste-T-Il De Nos Amours 8. Quand Tu Es Partie 9. Personnalités 10. Eso Beso 11. J'ai Un Rendez-Vous 12. Paillasse 13. Swing 3 14. Insensiblement 15. Le Mur 16. Epi Blues 17. Oui, Oui, Oui, Oui 18. Dear Old Stockholm 19. Bye Bye Baby 20. Parlez-Moi D'amour
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Un bijoux indie pop aux accent DIY mené de main de maître par Greta Kline ! Le 30 mars, le groupe originaire de New York, Frankie Cosmos, sortira son premier album chez Sub Pop, ‘VESSEL’. L’album de 18 titres présente la voix si distincte de la chanteuse Greta Kline enrichie par la sensibilité de ses membres - bassiste / chanteur David Maine, claviériste / chanteuse Lauren Martin et le batteur Luke Pyenson, qui ont chacun joué un rôle fort dans les compositions de ce nouveau disque. Vessel constitue un énorme bond en avant dans la carrière du groupe. La sensibilité unique de l'album, ses récits ésotériques et son énergie révélatrice, lui permettent d'exister comme un chapitre distinctif dans l'autobiographie musicale de Kline. Avec Vessel, Kline fournit aux auditeurs un éventail d'anecdotes, d'observations et d'affirmations puis les charge d'organiser les morceaux de façon à ce qu'ils puissent avoir leur propre sens. Malgré l'attention portée à son public, Kline et le reste de Frankie Cosmos ont écrit Vessel avec passion et sans peur aucune de ne pas répondre aux attentes de quiconque et c’est aussi ce qui fait se force. POUR CEUX QUI AIMENT Porches, Courtney Barnett, Girlpool
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Un bijoux indie pop aux accent DIY mené de main de maître par Greta Kline ! Le 30 mars, le groupe originaire de New York, Frankie Cosmos, sortira son premier album chez Sub Pop, ‘VESSEL’. L’album de 18 titres présente la voix si distincte de la chanteuse Greta Kline enrichie par la sensibilité de ses membres - bassiste / chanteur David Maine, claviériste / chanteuse Lauren Martin et le batteur Luke Pyenson, qui ont chacun joué un rôle fort dans les compositions de ce nouveau disque. Vessel constitue un énorme bond en avant dans la carrière du groupe. La sensibilité unique de l'album, ses récits ésotériques et son énergie révélatrice, lui permettent d'exister comme un chapitre distinctif dans l'autobiographie musicale de Kline. Avec Vessel, Kline fournit aux auditeurs un éventail d'anecdotes, d'observations et d'affirmations puis les charge d'organiser les morceaux de façon à ce qu'ils puissent avoir leur propre sens. Malgré l'attention portée à son public, Kline et le reste de Frankie Cosmos ont écrit Vessel avec passion et sans peur aucune de ne pas répondre aux attentes de quiconque et c’est aussi ce qui fait se force. POUR CEUX QUI AIMENT Porches, Courtney Barnett, Girlpool
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Disque 1 1. Closest Thing To Crazy - Chris Ingham 2. Stormy Weather - Chris Ingham 3. Against All Odds (Take A Look At Me Now) - Chris Ingham 4. (They Long To Be) Close To You - Chris Ingham 5. Hey Jude - Chris Ingham 6. Over The Rainbow - Chris Ingham 7. If You're Not The One - Chris Ingham 8. Moonlight Sonata - Tony Ingham 9. Wonderful Tonight - Chris Ingham 10. Air On a G String - Chris Ingham 11. Lady In Red - Chris Ingham 12. Ballade Pour Adeline - Chris Ingham 13. The Way It Is - Chris Ingham 14. The Girl With The Flaxen Hair - Jacques Rouvier 15. You Don't Bring Me Flowers - Chris Ingham Disque 2 1. Waterfalls - Chris Ingham 2. Misty - Chris Ingham 3. Someone To Watch Over Me - Chris Ingham 4. You're Beautiful - Chris Ingham 5. Let It Be - Chris Ingham 6. What a Difference A Day Makes - Chris Ingham 7. Without You - Chris Ingham 8. Imagine - Chris Ingham 9. When You Tell Me That You Love Me - Chris Ingham 10. Are You Lonesome Tonight - Chris Ingham 11. Don't Know Why - Chris Ingham 12. My Heart Will Go On - Chris Ingham 13. Clair De Lune - Tony Ingham 14. As Time Goes By - Chris Ingham 15. The Girl From Ipanema - Chris Ingham Disque 3 1. Come Away With Me - Chris Ingham 2. (Everything I Do) I Do It For You - Chris Ingham 3. You've Got A Friend - Chris Ingham 4. Theme From Love Story (Where Do I Begin) - Chris Ingham 5. As Long As He Needs Me - Chris Ingham 6. Will You Still Love Me Tomorrow - Chris Ingham 7. Crazy - Chris Ingham 8. Bridge Over Troubled Water - Chris Ingham 9. Yesterday - Chris Ingham 10. The Way We Were - Chris Ingham 11. The First Time I Ever Saw Your Face - Chris Ingham 12. Moon River - Chris Ingham 13. Chi Mai - Chris Ingham 14. Michelle - Chris Ingham 15. Unchained Melody - Chris Ingham Disque 4 1. Love Is All Around - Chris Ingham 2. Night And Day - Chris Ingham 3. Begin The Beguine - Chris Ingham 4. The Piano - Tony Ingham 5. Three Times A Lady - Chris Ingham 6. My Funny Valentine - Chris Ingham 7. Gymnopedie No. 1 - Tony Ingham 8. With You I'm Born Again - Chris Ingham 9. The Long And Winding Road - Chris Ingham 10. Send In The Clowns - Chris Ingham 11. (Everybody's Gotta Learn Sometime) I Need Your Loving - Chris Ingham 12. Angels - Chris Ingham 13. I Just Called To Say I Love You - Chris Ingham 14. When I Fall In Love - Chris Ingham 15. Love Theme From Romeo And Juliet - Chris Ingham
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« Lorsqu’il débarqua sur la scène de l’Austin City Limits à Austin en octobre 1988, DWIGHT YOAKAM était littéralement la nouvelle sensation de la scène country. Mais même à ce moment et comme toujours, il faisait les choses à sa manière. DWIGHT était né dans une petite ville du Kentucky et a grandi en écoutant la musique bluegrass. A la différence de la plupart des crooners mainstream country-pop des années 80, DWIGHT YOAKAM a ressuscité presque à lui seul le son rockabilly, honky-tonk et hillbilly qui étaient les pierres angulaires de la musique country des années précédentes. Il découvrit également le son de Bakersfield dans les années 60 et créa alors le sien, dans la tradition des légendes country Merle Haggard et Buck Owens. Buck, en fait, était à la fois son ami et son héros. Quand DWIGHT jouait à Bakersfield, il s’était arrêté au bureau de Buck et a réussi à l’amadouer pour qu’il joue quelques chansons avec lui sur scène le soir. En résulta une longue amitié et leur duo historique, ‘Streets Of Bakersfield’. Tout comme ses héros, DWIGHT a été fidèle à ses racines et a imposé son style unique pendant près de 20 ans. » Terry Lickona (producteur d’Austin City Limits)
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Motéma relève le challenge d'une sortie pop... sans pour autant renoncer à son ADN Jazz. Avec cet album élégant produit par Mitchell Froom (Crowded House, Paul McCartney) et enregistré avec Davey Faragher et Pete Thomas du groupe The Imposters d'Elvis Costello, le chanteur Jon Regen nous offre un album qui s'inscrit dans le sillon creusé par les grands ainés de la pop américaine tels que Billy Joel, Randy Newman ou James Taylor. C'est un véritable plaisir que de découvrir ces belles mélodies et compositions d'excellente facture. Une fois encore, le célèbre label de Harlem Motéma produit un jazz pas comme les autres. Après de nombreuses et fructueuses incursions ici dans le hip-hop, là au sein de la communauté latino-hispanique ou brésilienne, après de nombreux albums de jazz aux parfums d'orient, ou d'Afrique, voici un pur produit de la culture US comme les connaisseurs de l'hexagone sauront apprécier à sa juste valeur. Valeur qui réside autant dans la qualité de ses compositions mêlant avec justesse les racines anglo-saxonnes et afro-américaines de la culture US, que dans une forme sobre et élégante faisant la part belle au piano et à des arrangements raffinés.
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Au carrefour de la folk, du blues et du rock, Mathis Haug creuse un sillon musical toujours plus profond et fertile Métissage, le maître mot d’un album qui est né, a grandi et s’est épanoui dans la rencontre. Mathis Haug a réuni chez lui une bande très hétéroclite; l'auteurcompositeur Sal Bernardi (Rickie Lee Jones), l'accordéoniste malgache Régis Gizavo, Nick Vaughan le troubadour et violoniste gallois et d'autres complices de longue date. Cette capacité à fédérer est la marque de fabrique d’un artiste dont l’originalité se lit à l’aune du melting-pot musical qui le caractérise. Une créolisation post-moderne de blues, de folk, de country, de gospel et de rock rustique. En restant fidèle à l’esprit de spontanéité et d’intuition propre à une forme d’Art brut poétique héritée de Bob Dylan, Tom Waits ou John Cougar Mellencamp, Mathis Haug se lance avec ce projet dans une démarche novatrice qui réconcilie son héritage premier, celui des musiques premières américaines, avec l’esprit d’une société en plein questionnement. La musique de Mathis ne ressemble à aucune autre, elle se contente de puiser brillamment dans le patrimoine de la note bleue pour imaginer un prolongement sensible à l’émotion originelle du blues.
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La voix stimulante du contre-ténor italien Raffaele Pe - qui a récemment captivé un public divers au concert et à l’opéra avec John Eliot Gardiner, Claudio Cavina, Christophe Coin et Paul McCreesh - peut à présent s’apprécier dans son récital pour Glossa intitulé The Medici Castrato. Pe s’inspire de Gualberto Magli, un castrat de la cour florentine des Médicis au début du XVIIe siècle : grâce à l’appui inconditionnel de son maître Giulio Caccini, il devint à son tour l’un des maîtres de la nouvelle monodie. La réputation de Magli s’établit d’une façon incontestable après son interprétation flamboyante à la création de L’Orfeo de Monteverdi dont plusieurs pages sont ici chantées par Pe. L’hommage moderne rendu aux castrati comme Gualberto Magli, par Alessandro Ciccolini et des compositeurs du Seicento, de Francesca et Giulio Caccini à Sigismondo d’India, côtoie des monodies signées par d’autres encore dans l’ombre : Girolamo Montesardo, ou bien Johann Nauwach dont les compositions résultent du travail de Magli auprès de l’électeur Brandebourg. Le monde sonore du XVIIe siècle est évoqué et recréé avec la harpiste Chiara Granata et le théorbiste David Miller.
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Après une longue attente de six années, les rockers canadiens d'Harem Scarem sont de retour avec leur treizième album tout simplement intitulé Thirteen ! Après la parution en 2013 de Mood Swings II - une réinterprétation moderne de leur meilleur album Mood Swings paru en 1993 - le groupe s'est embarqué dans une tournée internationale afin de se reconnecter avec leurs fans. Surpris par la présence en nombre de ces derniers ainsi que pour leurs nombreuses marques d'intérêt, le groupe a décidé d'aller de l'avant. Six ans ont passé depuis notre dernier album studio et nous avons enregistré avec enthousiasme et excitation. L'inspiration était au rendez-vous et nous trépignons de présenter ces nouveaux titres aux fans du groupe s'exclame Harry Hess. Effectivement l'écoute de Thirteen révèle que leur treizième album leur a porté chance : les riffs de guitare sont acérés et saignants, les refrains sont inoubliables et le son d'ensemble rappelle les grands moments du groupe lors de leur irruption couronnée de succès sur la scène rock il y a vingt ans. Un retour en grande forme par ces champions du hard rock mélodique !
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Chandos Records est heureux de vous présenter ce nouvel enregistrement du chef d'oeuvre choral d'Elgar, l'oratorio The Dream of Geronte (Le Rêve de Géronte), couplé avec un cycle d'airs désormais très connu intitulé Sea Pictures. Le BBC Symphony Orchestra et son choeur sont dirigés par Sir Andrew Davis, un elgarien hors pair qui a reçu cette année la médaille de la prestigieuse Elgar Society en reconnaissance de sa contribution exceptionnelle à la musique du compositeur. Dans Géronte, les solistes sont Stuart Skelton, David Soar et Sarah Connolly, également présente dans Sea Pictures. L'enregistrement a été réalisé quelques jours avant l'exécution en concert, un triomphe en cette année où Stuart Skelton a été salué comme le ténor idéal pour le rôle de Géronte. The Dream of Gerontius est issu d'un poème religieux qui raconte avec force le dernier rêve d'un croyant à l'approche de la mort et le voyage de son âme. Sea Pictures est un recueil de poèmes d'auteurs différents tous écrits sur un même thème : l'amour de la nature. La musique d'Elgar y explore les résonances émotionnelles de la mer, de la sérénité des eaux calmes à la tempête au coeur de l'océan.
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« Le titre de l’album est Tackle Box. Pourquoi ? Car c’est une belle métaphore pour décrire l’anxiété et la claustrophobie que beaucoup ressentent dans nos sociétés actuelles. Vous l’avez ? « Tackle » comme le football et la boxe : des sports agressifs comme la période dans laquelle nous vivons. Est-ce spécifique à la Maison Blanche et aux relations tendues qu’a le président / dictateur Trump avec les gens autour de lui ? Sa femme, ses associés, les leaders d’état des autres pays, son staff, les médias ? Oui, mais... Peut-être qu’il est temps de se débarrasser de cette oppression ? (…) Je suis vraiment heureux de faire ce que je fais dans cette vie - écrire ces chansons et avoir la chance de jouer devant des publics qui sont réceptifs à travers le monde. Il ne faut jamais se laisser dire que les rêves ne se réalisent pas ! Et j’apprécie vraiment tous les aspects de ma vie : écrire, voyager, enregistrer, répéter et jouer sur scène. Mais cet album en particulier - qui a été enregistré simplement par moi-même dans mon studio isolé ressemblant à un bunker - me semble très personnel. C’est une approche avec de l’humour en ces temps politiques sombres. Je me suis beaucoup amusé en le faisant. J’espère que vous éprouverez la même chose ! », Ed Hammell
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James Dean et Marlon Brando irradiaient de leur présence les écrans du cinéma des années 50 et devenaient les héros d’une jeunesse en quête de nouveaux modèles. Une nouvelle façon de vivre et d’envisager son existence se diffusait rapidement aux Etats-Unis. Au niveau musical, la naissance du « cool jazz » était simultanée et la musique de Miles Davis, John Lewis et le Modern Jazz Quartet, Dave Brubeck et Chet Baker devenait la bande-son mélodieuse et décontractée d’une nouvelle génération.Wolfgang Haffner, que l’on pourrait trivialement surnommer le « Manu Katché allemand » (il a joué sur plus de 400 albums de tous les styles musicaux), a réuni une équipe de fines gâchettes pour un hommage moderne à ce mouvement musical. Il a sélectionné des standards incontournables tels « So What » de Miles Davis, « Django » du MJQ, « Autum Leaves », « My Funny Valentine », « Piano Man »,etc., et inclut trois composions personnelles. « L’intérêt n’est pas du tout d’essayer de copier la façon de jouer de ces illustres artistes » déclare le batteur, « mais plutôt de réarranger les titres en irrigant la musique des nouveaux grooves et interventions de musiciens exceptionnels à mes côtés ».Un bel hommage moderne et sobre à ce courant musical qui a marqué l’histoire du jazz.
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Swing irrésistible, danses effrénées et bonnes vibrations ! Depuis près de deux décennies, le quartet Echoes of Swing réuni autour du pianiste Bernd Lhotzky et quelques-uns des plus passionnants jazzmen d'outre-Rhin autour d'un répertoire dont les maître-mots semblent être joie et bonne humeur. Avant la période d'après-guerre et l'arrivée du be-bop, le jazz signifiait danse; peu importe que la fête prît place dans la rue, un bar ou autre lieu de débauche, le swing faisait virevolter toute une génération ! Le quartet nous offre un voyage dans le temps, en passant du jazz classique des années 20 aux années 50, réussissant à le moderniser avec un enthousiasme communicatif. Les arrangements du groupe prouvent que les musiciens connaissent l’histoire du jazz et ses racines profondes. Sans tomber dans le rétro ou le néo swing, Echoes of Swing se réapproprie cet esprit festif qui a longtemps régné sur le jazz. Après vingt ans passés aux quatre coins du monde, cet ensemble nous invite sur la route du swing à travers cet album plein de style et d’élégance, de finesse, d’improvisation et d’humour. POUR CEUX QUI AIMENT Scott Joplin, Sidney Bechet, Glenn Miller, George Gershwin...
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20,99 €
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Le 24 juin 2008 s'éteignait l'un des plus talentueux jeunes pianistes de jazz, Esbjörn Svensson. Le talent de compositeur du Suédois, son humilité, sa décontraction et sa grande proximité avec le public avaient permis au trio e.s.t. (Esbjörn Svensson Trio) de conquérir le monde entier. Multipliant les disques d'or jazz, s'attirant les louanges des médias (premiers artistes européens à faire la couverture de la bible jazz américaine Downbeat !) et des plus grands artistes actuels (Pat Metheny, Brad Mehldau, K.D. Lang, Jamie Cullum, Radiohead, etc.), électrisant les publics par une entente télépathique, le trio e.s.t. a marqué d'une empreinte indélébile le monde du jazz. Cette anthologie regroupe les titres les plus emblématiques gravés par les trois musiciens au cours de leur carrière. Le titre « From Gagarin's Point Of View », littéralement en apesanteur, ouvre magnifiquement l'album. Les hits du trio se succèdent : l'imparable « Dodge The Dodo », d'une incroyable densité sonore, fait place aux classiques « Behind The Yashmak » (l'un des sommets du groupe en concert), « Viaticum », « Seven Days Of Falling » ou « Goldwrap ». Sens inné de la dramaturgie, humour, inspiration, balades nostalgiques, grands espaces, expérimentation énergisante, souffle épique : Treize titres pour découvrir la magie unique d'e.s.t.
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LE DUO MONTRÉALAIS EST DE RETOUR AVEC UN ALBUM D’ELECTRO POP PRIMITIF ET HYPNOTIQUE Audrey Ann et Kyle Jukka, les deux montréalais qui forment She-Devils, aime s’amuser à explorer le monde sensoriel, à remettre au gout du jour une esthétique liée au fantastique et également à provoquer de nouvelles sensations chez l’auditeur. Grâce à un electro primitif, à d’hypnotiques vocalises et à un ‘parc d’attraction sonore’ comme ils aiment le définir, l’album du duo se construit autour d’un monde joliment chaotique. Leur influence musicale allant aussi bien d’Iggy Pup à Madunna en passant par T-Rex et Can, qu’à l’esthétique yéyé des années 60, prouve toute l’étendue de leur univers. Quand je chante sur un loop, je n’ai pas l’impression de controler ce que je fais et d’être investit cérébralement dans le processus, c’est plus comme si mon subconscient prenait le pas sur mon esprit et que tout venait directement de mes rêves’, raconte la chanteuse Audrey Ann. Il suffit d’écouter l’album une fois pour comprendre ce que cette dernière veut dire par là. Le titre ‘How Do You Feel’ est une fantaisie tourbillonante sur l’amour adolescent, ‘You Don’t Know’, un hit jungle pop et ‘The World Laughs’, une ode au rock psyché. C’est la connection entre les deux amis, leurs tensions, harmonies et oppositions, qui rendent ce nouvel album si personnel et extatique.
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Le 1er album disponible en France de l'étoile Pop-Folk venue de l'Arctique La chanteuse inuit canadienne Elisapie Isaac sort son troisième album (mais premier distribué de ce côté-ci de l'Atlantique), le très beau The Ballad of the Runaway Girl. Son folk pastoral s'inspire des musiques traditionnelles Inuit et d'un blues aride. La réalisatrice, chanteuse et activiste a elle aussi compris qu'une bonne chanson ne peut s'écrire qu'avec les tripes. Cet album nous hisse donc à des sommets émotionnels à l'écoute du bouleversant Don't Make Me Blue, nous plonge dans des abysses de désespoir avec The Ballad of the Runaway Girl ou Rodeo, jusqu'à apercevoir à nouveau la lumière grâce à Una ou au sublime Darkness Bring the Light (composé avec Joseph Yarmush, le guitariste des excellents Suuns). Mais Elisapie sait aussi montrer les crocs. Le bouillonnant Arnaq et ses guitares grondantes rappellent aux hommes que les femmes constituent la moitié de l'humanité, et le nerveux Call Of The Moose refuse d'oublier les désastres provoqués par l'oppression des hommes blancs sur la communauté Inuit. POUR CEUX QUI AIMENT Valérie June, Alela Diane, Mirel Wagner...
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Les différentes périodes de la vie de George Sand illustrées à travers une alternance de lettres et des plus belles musiques pour piano de Frédéric Chopin. Sand et Chopin, Vie et Passion aujourd'hui publié en disque est le fruit d'une expérience de plus de dix années que Brigitte FOSSEY et Yves HENRY ont acquise dans l'élaboration de ce spectacle et dans leur présentation sur scène. Fil conducteur de cette représentation, la très riche et bouillonnante vie de George Sand est ici sublimée par la puissance émotionnelle de la musique de Frédéric Chopin. En deux disques, la vie et la passion qui ont habité ces êtres exceptionnels peuvent ainsi faire vibrer à leur tour les mélomanes... Le..res dites par Brigi..es Fossey : Casimir Dudevant, Aurélien de Sèze, Jules Boucoiran, Charles Meure, Charles Duvernet, Laure Decerfz, Alfred de Musset, Franz Liszt, Michel de Bourges, Albert Grzymala, Frédéric Chopin, la Comtesse Marliani, Alphonse de Lamartine, Gustave Flaubert et Maurice Sand. Musique de Frédéric Chopin jouée par Yves Henry : Mazurka de jeunesse, Ecossaise n°2, Préludes op.28 n°1, 13, 16, 11 et 9, Etudes op.10 n°11 «révolutionnaire» et op.25 n°7, Nocturne en ut mineur op.48 n°1, Impromptu n°3 op.51, Fantaisie Impromptu, Polonaise op.53 « héroïque », Etude op. posthume n°3, Barcarolle op.60, Prélude op.45 Ballade n°4 op.52
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« Le titre de l’album est Tackle Box. Pourquoi ? Car c’est une belle métaphore pour décrire l’anxiété et la claustrophobie que beaucoup ressentent dans nos sociétés actuelles. Vous l’avez ? « Tackle » comme le football et la boxe : des sports agressifs comme la période dans laquelle nous vivons. Est-ce spécifique à la Maison Blanche et aux relations tendues qu’a le président / dictateur Trump avec les gens autour de lui ? Sa femme, ses associés, les leaders d’état des autres pays, son staff, les médias ? Oui, mais... Peut-être qu’il est temps de se débarrasser de cette oppression ? (…) Je suis vraiment heureux de faire ce que je fais dans cette vie - écrire ces chansons et avoir la chance de jouer devant des publics qui sont réceptifs à travers le monde. Il ne faut jamais se laisser dire que les rêves ne se réalisent pas ! Et j’apprécie vraiment tous les aspects de ma vie : écrire, voyager, enregistrer, répéter et jouer sur scène. Mais cet album en particulier - qui a été enregistré simplement par moi-même dans mon studio isolé ressemblant à un bunker - me semble très personnel. C’est une approche avec de l’humour en ces temps politiques sombres. Je me suis beaucoup amusé en le faisant. J’espère que vous éprouverez la même chose ! », Ed Hammell
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Une indie pop aérienne et revigorante La chanteuse de Détroit ANNA BURCH présente son premier album Quit The Curse à paraître le 02 février sur Heavenly. Mélodies aériennes sur fond de guitares douces, le travail de la songwriter américaine est un véritable clin d’oeil aux sons des girlsband des années 60 avec des références pop classiques comme ‘Crimson and Clover’. Après avoir appris les rouages du live et de l'enregistrement studio grâce à de nombreux concerts au cours des dernières années, ANNA BURCH s'est retrouvée à accumuler une quantité importante de créations personnelles. Ces chansons, d’une sincérité et d’une profondeur rares, sont arrivées jusqu’aux oreilles de Collin Dupuis (Angel Olsen, The Black Keys) qui l’a aidé à développer ce qui allait devenir son premier album. Pitchfork décrit le travail d’ANNA BURCH comme « très semblable à l’énergie décousue de l’indie-pop des années 1990, rappelant Rose Melberg (Tiger Trap, The Softies), mais avec des contours plus marqués. Son écriture est particulièrement vivante, peignant avec une clarté saisissante les caprices des relations humaines. » POUR CEUX QUI AIMENT Angel Olsen, Aldous Harding, Julia Jacklin, Nathalie Prass
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Clement « Sir Coxsone » Dodd, fondateur du lamel Studio One, restera à jamais parmi les producteurs de musiques Jamaïcains les plus talentueux qui soit. De ses Downmeat prophétiques qui auront influencé jusqu’à nos générations, puis à la création de Studio One au démut des années 60, Coxsone aura fait décoller la carrière de nommreux artistes : Bob Marley & The Wailers, Ken Boothe, Toots And The Maytals, The Skatalites. A la fin des années 70 il va trouver la nouvelle signature musicale de la Jamaïque : Le Dancehall. Ses origines remontent au démut de la décennie avec des DJs comme Dillinger et Prince Jazzbo, qui adaptent de grands classiques à de nouvelles sonorités musicales. Ainsi, la nouvelle vague d’artistes qui arrivent chez Studio One (Sugar Minott, Michigan and Smiley, Willie Williams et Lone Ranger) va permettre au studio de garder la tête du classement. Grâce aux nouvelles technologies des années 70 que ces artistes arrivent à mixer le dum, le deejaying, le discomix et les synthés pour créer le son du futur. Hors ses nouvelles signatures, Clement Dodd continue toujours à améliorer et faire évoluer les musiques de ses artistes d’origine vers une tendance plus actuelle (Alton Ellis, Horace Andy, Freddie McGregor et Johnny Osbourne).
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« Le Trio Arc, avec piano, nous emporte dans un voyage musical dans le temps grâce à un programme minutieusement préparé, avec un engagement égal, loin de toute démonstration » Voici le premier enregistrement du Trio Arc (avec Irina Chkourindina au piano, Ardina et Jan Nehring aux cordes). Comme nous, vous apprécierez leur engagement, éloigné de toute démonstration, la sincérité de musiciens qui ne forcent pas, et ne tombent dans aucun excès facile. Leur interprétation sobre, sans bavardage, très précise et toujours musicale. Le programme de cet enregistrement, très généreux, a été habilement pensé : il s’ouvre avec le célébre Trio des Esprits de Ludwig van Beethoven, qui date de la période classique, pour terminer par un très romantique Deuxième Trio de Johannes Brahms, probablement le moins joué de tous ses trios. Au milieu, ce Trio sur des mélodies populaires irlandaises de Frank Martin (1890 - 1974), très peu enregistré, possède plusieurs niveaux d'écoute : extrêmement plaisant au premier abord, il laisse apparaitre peu à peu la profondeur et l'originalité d'un compositeur moderne qui mériterait d'être beaucoup plus souvent défendu.
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Avec sa nouvelle Société des Arpenteurs, Denis Colin apparaît autant à l'aise sur des titres groovy que sur des pièces plus sombres, souvent envoûtantes. Ce qui saute aux oreilles immédiatement à l'écoute de cet enregistrement vivant, c'est une fougueuse homogénéité entre les musiciens, une énergie contrôlée. Et l'Afrique. Omniprésente. Musicale. Celle de la blaxploitation ou des rythmes afro-cubains. Celle des bars enfumés de la grosse pomme ou teinté de blues. Denis Colin a su réunir de bonnes pointures dans cette Société Des Arpenteurs : Benjamin Moussay au Fender Rhodes (redoutable pour ciseler le décor sonore), Julien Omé et ses nappes de guitare sous acide, une formidable section de cuivres. La rythmique est puissante, dense et entêtante; cohésion de l'ensemble, plaisir évident du partage, la Société puise dans le groove de la « great black music » et nous propose des compositions qui soufflent un vent diablement entraînant sur le jazz français. Ça improvise, ça rebondi, ça dialogue... D'un style à l'autre, on sent la musique de Denis Colin portée par de vraies mélodies et une belle unité orchestrale. Un projet fédérateur dont on retrouve sur cet album en concert toute l'énergie et l'exubérance.
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Qui dit « compositeur norvégien » dit Grieg et... c'est tout. Il est donc grand temps d'explorer plus avant le répertoire norvégien, et le premier nom venant en second est celui de Halvorsen. Ce compositeur, violoniste et chef d'orchestre étudia à Berlin et Leipzig comme il se devait en son temps les années 1880/90, puis retourna en Norvège en 1893 pour y occuper le poste de Directeur musical de l'Orchestre de Bergen, celui-là même qui lui rend ici hommage un siècle plus tard. S'il poursuit la tradition nationaliste de Grieg (dont il épousa la nièce et les principes), il intègre également une phénoménale science de l'orchestration inspirée des romantiques français, Berlioz et Bizet en tête. Découvrez sa propre Suite Holberg, hommage voilé à Grieg, une oeuvre théâtrale destinée à illustrer une pièce du dramaturge, partition délicieuse et colorée à souhait. Mais découvrez surtout sa magnifique Seconde Symphonie Fatum de 1924, oeuvre de l'ultime maturité donc, un des évidents piliers de la musique nordique au même titre que les grandes symphonies de Sibelius et Nielsen. Comment se fait-il que ce bonhomme ait été à ce point ignoré jusqu'ici ? Son ancien orchestre s'attelle donc à lui rendre justice. ©Abeille Musique 2011
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Considéré comme l'un des plus grands musiciens de rock progressif (Prog) au monde, Neal Morse est une artiste prolifique et son désir de faire bouger les gens à travers sa musique est plus vif que jamais. Jesus Christ the Exorcist est un projet monumental dans la discographie déjà impressionnante de Neal Morse : c'est un opéra de rock progressif qu'il a écrit et produit en l'espace de 10 ans. Il rassemble les performances de Neal et un panel de chanteurs et de musiciens incroyables comme Ted Leonard, Eric Gillette, Nick D'Virgilio, Randy George, Bill Hubauer, Matt Smith, et d'autres. Jesus Christ the Exorcist propose environ deux heures de musique qui couvrent tous les spectres et tous les genres pour lesquels Neal Morse est connu et qui, bien sûr, raconteront l'Histoire de toutes les histoires. Cet opéra rock progressif est un événement marquant dans l'histoire de la musique prog. JESUS CHRIST THE EXORCIST, a été joué en avantpremière mondiale en 2018 par un ensemble de musiciens Prog Rock composé de Neal Morse (piano, guitare), Paul Bielatowicz (guitare), Bill Hubauer (piano), Randy George (basse) et Eric Gillette (batterie).
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Depuis son origine, la salsa a été l'un des domaines de la musique latine le plus dominé par les hommes. Et personne ne niera que c'est encore le cas aujourd'hui... Au début de la salsa, les femmes jouaient un rôle important dans l'interprétation de cette musique tropicale faite pour danser. A Cuba, Maria Teresa Vera, Rita Montaner, Olga Guillot, Celia Cruz, etc, faisaient toutes de belles carrières dans un environnement dominé par les hommes. Cette compilation vise à braquer le projecteur sur quelques artistes des années 70, mais également sur quelques chanteuses contemporaines. Pas de stars des grands labels, mais plutôt des artistes fières et bien assaisonnées, aux voix d'une grande présence. En un mot, une sélection de choix parmi les Divas Latinas, qui en fera voir de toutes les couleurs aux machos ! Avec Celia Cruz, Omara Portuondo, La Lupe, Graciela And Mario Bauzá, Noraida Y Los Moré, Cortijo Y Su Nuevo Combo, Myrta Silva Con Joe Quijano Y Su Conjunto, Cachana, Choco Orta, etc. En bonus : l'album d'une « salsera » étonnante, la japonaise Yoko Mimata, établit à New York, diplômée en espagnol, et qui chante avec authenticité, puissance et maestria une salsa revigorante et haute en couleur.
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Artiste pluridisciplinaire, Lido Pimienta présente son style unique : une pop satanique, mélangeant beat électroniques, synthés analogiques, et rythmes afro-colombiens. écriture puissante et mélodies engagées, Lido Pimienta est une artiste complète, qui définit elle-même sa musique de Pop Satanico. Une pop satanique faite pour interroger et réveiller les esprits et les consciences. Lido Pimienta est une musicienne et artiste multidisciplinaire née en Colombie et basé à Toronto. Elle a tourné dans le monde entier depuis 2002, explorant les politiques de genre et de race, la maternité, l'identité et la construction du paysage canadien dans la diaspora latino-américaine. Son nouvel album Miss Colombia porte son hybridation extatique à un nouveau niveau, en s'appuyant sur l'intersection de l'electronica et de la cumbia, établi par son album La Papessa, lauréat du prix Polaris 2016, comme album canadien de l'année. La voix et la musique aux textures multiples et à l'esprit tordu de Lido Pimienta projettent ce que le Globe and Mail canadien a appelé son personnage audacieux, impétueux et polarisant, qui confronte constamment les pouvoirs en place. Produit avec Matt Smith, a/k/a Prince Nifty, Miss Colombia déborde d'un génie discret à qui l'on promet une extraordinaire réussite.
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Artiste pluridisciplinaire, Lido Pimienta présente son style unique : une pop satanique, mélangeant beat électroniques, synthés analogiques, et rythmes afro-colombiens. écriture puissante et mélodies engagées, Lido Pimienta est une artiste complète, qui définit elle-même sa musique de Pop Satanico. Une pop satanique faite pour interroger et réveiller les esprits et les consciences. Lido Pimienta est une musicienne et artiste multidisciplinaire née en Colombie et basé à Toronto. Elle a tourné dans le monde entier depuis 2002, explorant les politiques de genre et de race, la maternité, l'identité et la construction du paysage canadien dans la diaspora latino-américaine. Son nouvel album Miss Colombia porte son hybridation extatique à un nouveau niveau, en s'appuyant sur l'intersection de l'electronica et de la cumbia, établi par son album La Papessa, lauréat du prix Polaris 2016, comme album canadien de l'année. La voix et la musique aux textures multiples et à l'esprit tordu de Lido Pimienta projettent ce que le Globe and Mail canadien a appelé son personnage audacieux, impétueux et polarisant, qui confronte constamment les pouvoirs en place. Produit avec Matt Smith, a/k/a Prince Nifty, Miss Colombia déborde d'un génie discret à qui l'on promet une extraordinaire réussite.
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Le nouvel album de la légende vivante de la soul music, écrit et produit par Ben Harper Mavis Staples revient avec un nouvel album studio produit et écrit par Ben Harper. We Get By rassemble 11 magnifiques chansons qui traitent de la nostalgie, de la force et de la spiritualité, des titres forts présentés avec une superbe simplicité. Parmi ces morceaux, on pense notamment à Anytime, Change, et l'incroyable titre éponyme, en duo avec Ben Harper. Ces chansons délivrent un message si fort, dit Staples. Elle considère le formidable morceau d'ouverture Change comme un exemple de la force des mots qu'elle met en avant. Nous devons vraiment faire un changement si nous voulons que ce monde soit meilleur. Cette collaboration avec Ben Harper s'inscrit dans une tendance plus large dans le travail de la chanteuse. Intronisée au Blues et Rock and Roll Hall of Fame, Staples a collaboré avec Prince, Bob Dylan, The Band, Curtis Mayfield, Nick Cave, Neko Case, Arcade Fire, Hozier et Jeff Tweedy de Wilco, pour ne nommer que ceux-là. Cette année, Mavis Staples fêtera son 80e anniversaire et sa carrière exemplaire lors de trois spectacles de célébration Mavis & Friends, entourée d'invités spéciaux.
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Le nouvel album de la légende vivante de la soul music, écrit et produit par Ben Harper Mavis Staples revient avec un nouvel album studio produit et écrit par Ben Harper. We Get By rassemble 11 magnifiques chansons qui traitent de la nostalgie, de la force et de la spiritualité, des titres forts présentés avec une superbe simplicité. Parmi ces morceaux, on pense notamment à Anytime, Change, et l'incroyable titre éponyme, en duo avec Ben Harper. Ces chansons délivrent un message si fort, dit Staples. Elle considère le formidable morceau d'ouverture Change comme un exemple de la force des mots qu'elle met en avant. Nous devons vraiment faire un changement si nous voulons que ce monde soit meilleur. Cette collaboration avec Ben Harper s'inscrit dans une tendance plus large dans le travail de la chanteuse. Intronisée au Blues et Rock and Roll Hall of Fame, Staples a collaboré avec Prince, Bob Dylan, The Band, Curtis Mayfield, Nick Cave, Neko Case, Arcade Fire, Hozier et Jeff Tweedy de Wilco, pour ne nommer que ceux-là. Cette année, Mavis Staples fêtera son 80e anniversaire et sa carrière exemplaire lors de trois spectacles de célébration Mavis & Friends, entourée d'invités spéciaux.
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Porté par le puissant single 'A TON OF LOVE' sur lequel plane l'influence de Bono, THE WEIGHT OF YOUR LOVE, le quatrième album studio d'EDITORS et le premier enregistré avec ses nouveaux membres Justin Lockey et Elliott Williams est, selon le chanteur-compositeur Tom Smith, «un disque de groupe, un disque rock avec un pied dans le monde altrock/ americana». Enregistré à Nashville au Blackbird Studio avec le célèbre producteur Jacquire King (Tom Waits, Norah Jones, Kings of Leon, etc.) et mixé par Craig Silvey (Arctic Monkeys, The Horrors, Arcade Fire, Bon Iver), cet album représente à bien des égards un nouveau départ pour le groupe. Le troisième album du groupe, In This Light And On This Evening, sorti en 2009 est entré directement à la première place des charts anglais, tout comme son prédécesseur, An End Has A Start. En six ans, depuis son premier album certifié multi-platine, The Back Room, la formation a vu bon nombre de ses contemporains disparaître pendant qu'elle-même devenait l'un des plus grands groupes européens. Inspiré entre autre par le travail de Scott Litt avec REM et basé sur une approche live de l'enregistrement, THE WEIGHT OF YOUR LOVE contient les chansons d'EDITORS les plus véhémentes et les plus directes à ce jour.
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Porté par le puissant single 'A TON OF LOVE' sur lequel plane l'influence de Bono, THE WEIGHT OF YOUR LOVE, le quatrième album studio d'EDITORS et le premier enregistré avec ses nouveaux membres Justin Lockey et Elliott Williams est, selon le chanteur-compositeur Tom Smith, «un disque de groupe, un disque rock avec un pied dans le monde altrock/ americana». Enregistré à Nashville au Blackbird Studio avec le célèbre producteur Jacquire King (Tom Waits, Norah Jones, Kings of Leon, etc.) et mixé par Craig Silvey (Arctic Monkeys, The Horrors, Arcade Fire, Bon Iver), cet album représente à bien des égards un nouveau départ pour le groupe. Le troisième album du groupe, In This Light And On This Evening, sorti en 2009 est entré directement à la première place des charts anglais, tout comme son prédécesseur, An End Has A Start. En six ans, depuis son premier album certifié multi-platine, The Back Room, la formation a vu bon nombre de ses contemporains disparaître pendant qu'elle-même devenait l'un des plus grands groupes européens. Inspiré entre autre par le travail de Scott Litt avec REM et basé sur une approche live de l'enregistrement, THE WEIGHT OF YOUR LOVE contient les chansons d'EDITORS les plus véhémentes et les plus directes à ce jour.
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La sortie en 2014 de « The Dance Of Reality » a marqué le retour triomphant, après un hiatus de 23 ans, d'ALEJANDRO JODOROWSKY, le cinéaste chilien visionnaire, géniteur des classiques « El Topo » et « The Holy Mountain ». Dans ce film autobiographique, le jeune JODOROWSKY (joué par son fils, Brontis) est confronté à une multitude de personnages fascinants qui contribuent à l’éclosion de sa conscience surréaliste. Le film a été filmé à Tocopilla, une ville côtière au bord du désert chilien, où le cinéaste est né en 1929. En mélangeant son histoire personnelle avec la métaphore, la mythologie et la poésie, « The Dance Of Reality » reflète la philosophie du cinéaste dont la réalité n'est pas objective, mais plutôt une danse créée par nos propres imaginations. Les films de JODOROWSKY ont toujours mis un accent particulier sur la musique. Ses compositions se classent parmi les plus audacieuses et fascinantes dans l'histoire du cinéma. Pour « The Dance Of Reality », JODOROWSKY a enregistré son propre fils Adan Jodorowsky (aka Adanowsky), dont le travail comme compositeur et interprète (avec Devendra Banhart entre autres) lui a permis de séduire un public international. Les soundtracks d’Adanowsky sont alternativement luxuriante et comique, mêlant des passages de cordes avec des répétitions hypnotiques de piano qui créent une ambiance anxieuse, parfois mélancolique et surréaliste.
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Quasiment dix ans après la dissolution de « Musica Antiqua Köln » de Reinhard Goebel, l'Ensemble Diderot complète le projet d'enregistrement inachevé de cet ensemble légendaire. « Il giardino del piacere » de Johann Friedrich Meister est une impressionnante découverte du répertoire : des sonates en trio d'un sérieux insoupçonné et d'une profonde émotion, rappelant le style de Lully, Corelli, Buxtehude, Rosenmüller et Reincken. « Les auditeurs attentifs et passionnés de musique ouvriront sûrement grands leurs oreilles car Johann Friedrich Meister est un véritable génie » (Reinhard Goebel) Johannes Pramsohler appartient à la nouvelle génération de musiciens spécialistes de musique baroque sur instruments d'époque. Né dans le Tyrol du Sud, il s'est rapidement fait un nom en tant que soliste, chambriste très sollicité et violon solo (Concerto Köln, The King's Consort, Le Concert d'Astrée, Arte dei Suonatori). Depuis 2008, il a l'honneur de posséder le violon de Reinhard Goebel, un Pietro Giacomo Rogeri (Brescia, 1713). Régulièrement acclamé pour la virtuosité et la vivacité de son interprétation, l'Ensemble Diderot est sans aucun doute l'une de s formations actuelles de musique de chambre les plus brillantes et les plus originales d'Europe. Il se consacre à l'exécution et à la redécouverte du répertoire des sonates en trio baroques des XVIIe et XVIIIe siècles.
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Pour son second album chez ACT, la chanteuse danoise a rassemblé une sélection d'une douzaine de reprises - ainsi qu'une composition personnelle - enregistrées avec une superbe équipe de musicien. L'album baigne dans une belle lumière classique avec un format se rapprochant de la musique de chambre, tant dans les arrangements que dans l'interprétation et expressivité de la chanteuse (il suffit d'écouter les deux titres de Leonard Cohen, méditatifs et profonds, presque spirituels). Mais le jazz n'est jamais loin. Nguyên Lê apporte sa touche toute personnelle avec ses harmonies colorées, notamment sur « Like A Rolling Stone »; le génial Leszek Modzer fait montre une nouvelle fois de sa maîtrise et connaissance de la tradition des musiques d'Europe de l'Est, avec ce sens rythmique et mélodramatique affûté, comme on l'entend sur « Black Hole Sun ». Quant à Lars Danielsson, il est tout simplement devenu au fil des années l'un des piliers du label ACT, avec ses lignes de basse toujours inventives et délicieusement mélodiques. Un enregistrement convaincant et sans frontières, et des interprétations qui insufflent un air nouveau aux grands standards modernes de Bob Dylan, John Fogerty, Paul Simon, Tom Waits, Nine Inch Nails (Caecilie s'attaque à « Hurt » après Youn Sun Nah), etc.
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Un accord de basse et un choeur d'hommes ouvrent la danse, suivis de youyous, de cris et de clappements de mains. Puis une voix féminine, puissante, s'élève en volutes sous le dôme des Bouffes du Nord. Le samedi 13 décembre 2014, à Paris, TINARIWEN conviait la chanteuse Lalla Badi, référence pour les Touaregs dans les années 70, à bien plus qu'un simple concert. Ce soir-là, sous les auspices de cette grande dame de la culture tamasheq, le groupe malien invitait le public à célébrer les noces électriques et hypnotiques de la guitare et du tindé. Une soirée unique, réservée en temps normal à la sphère de l'intime, autour d'un feu dans le désert du sud algérien ou dans la cour d'une maison vers le nord du Mali. La culture touareg revêtait ses plus beaux atours au coeur de Paris au nom de la communion, l'émotion, la danse et la transe. Résultat de cette soirée particulière, l'album Live In Paris, Oukis N'Asuf, sortira le 20 Novembre via Wedge. L'enregistrement, en plus de donner une nouvelle dimension aux titres d'Emmaar, leur précédent album, deux inédits s'entremêlent aux « Tamiditin Tan Ufrawan », « Imidiwan » ou « Tamatan Tilay », morceaux phares de TINARIWEN. De quoi prolonger la magie des bluesmen du désert.
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Un accord de basse et un choeur d'hommes ouvrent la danse, suivis de youyous, de cris et de clappements de mains. Puis une voix féminine, puissante, s'élève en volutes sous le dôme des Bouffes du Nord. Le samedi 13 décembre 2014, à Paris, TINARIWEN conviait la chanteuse Lalla Badi, référence pour les Touaregs dans les années 70, à bien plus qu'un simple concert. Ce soir-là, sous les auspices de cette grande dame de la culture tamasheq, le groupe malien invitait le public à célébrer les noces électriques et hypnotiques de la guitare et du tindé. Une soirée unique, réservée en temps normal à la sphère de l'intime, autour d'un feu dans le désert du sud algérien ou dans la cour d'une maison vers le nord du Mali. La culture touareg revêtait ses plus beaux atours au coeur de Paris au nom de la communion, l'émotion, la danse et la transe. Résultat de cette soirée particulière, l'album Live In Paris, Oukis N'Asuf, sortira le 20 Novembre via Wedge. L'enregistrement, en plus de donner une nouvelle dimension aux titres d'Emmaar, leur précédent album, deux inédits s'entremêlent aux « Tamiditin Tan Ufrawan », « Imidiwan » ou « Tamatan Tilay », morceaux phares de TINARIWEN. De quoi prolonger la magie des bluesmen du désert.
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Ghostpoet fait peau neuve avec son troisième album. Après la sortie du cathartique et salvateur Some Say I So I Say Light paru en 2013, Obaro Ejimiwe a.k.a. GHOSTPOET va de l'avant avec un nouvel album qui sonne comme un retour aux sources, mais aussi un nouveau départ. À bien des égards, Shedding Skin évoque le premier album de GHOSTPOET sorti en 2011 et nommé au Mercury Prize, Peanut Butter Blues & Melancholy Jam. Cependant il diffère de ce dernier en ce qu'il a été enregistré très vite, avec le groupe qui accompagne GHOSTPOET sur scène : Joe Newman à la guitare, John Blease à la batterie et John Calvert à la basse, qui a également coproduit l'album au côté de Ejimiwe. A ceux-ci viennent s'ajouter de nombreuses collaborations qui colorent l'album, parmi lesquelles celles des chanteurs Lucy Ross, Etta Bond (magnifique sur Yes, I Helped You Pack), Nadine Shah, Melanie de Biasio, et Paul Smith, chanteur de Maxïmo Park. En abordant des thèmes qui le touchent personnellement, GHOSTPOET a voulu les traduire d'un point de vue universel avec pour but de transmettre ce message : quelque soient les difficultés de la vie, rien n'est impossible à qui souhaite accomplir de grandes choses. C'est en tout cas ce qu'il a appliqué avec Shedding Skin en réalisant un album cohérent et émouvant.
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Cette édition contient l'un des meilleurs albums du maître de la chanson Hoagy Carmichael (1899-1981), Hoagy Sings Carmichael sorti en 1956. Le chanteur/compositeur est appuyé par des jazzmen modernes comme Harry Edison, Art Pepper et Jimmy Rowles, et les magnifiques arrangements sont réalisés par Johnny Mandel. Le compositeur et auteur américain Alec Wilder a décrit Hoagy Carmichael comme le plus talentueux, inventif, sophistiqué et orienté jazz de tous les grands artistes des chansons pop de la première moitié du XXe siècle. Hoagy Carmichael est l'un des auteurs-compositeurs les plus célèbres de la Tin Pan Alley des années 1930 et a été parmi les premiers auteurs-interprètes de l'ère des médias à utiliser les nouvelles technologies de communication (télévision, utilisation des microphones électroniques et des enregistrements sonores). Il a composé plusieurs centaines de chansons, dont une cinquantaine qui ont obtenu le statut de hit record. Il est surtout connu pour avoir composé les titres Stardust, Georgia on My Mind, The Nearness of You et Heart and Soul (en collaboration avec le parolier Frank Loesser), quatre des chansons américaines les plus enregistrées de tous les temps. Ole Buttermilk Sky a été nommé aux Academy Awards en 1946 et In the Cool, Cool, Cool of the Evening (paroles de Mercer), a remporté le Academy Award de la Best Original Song en 1951.
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« Wandering ». Le verbe anglais évoque le fait de se déplacer sans but désigné, sans plan apparent. Le choix de ce titre pourrait étonner venant d'Enrico Pieranunzi, un musicien en pleine maturité, qui a trouvé sa voie personnelle. Il est pourtant parfaitement adapté à ce nouvel enregistrement qui nous dit très précisément la démarche musicale du pianiste : faire entendre sa voix singulière, parfaitement identifiable, que ce soit à partir d'une composition sur laquelle il improvise ou en se fiant à son intuition de l'instant et à la sûreté de son jeu pour improviser en toute liberté. Beaucoup de ceux qui suivent avec attention la carrière d'Enrico Pieranunzi (plus de quarante albums en tant que leader en trente ans) ont vu émerger l'un des plus passionnants artistes contemporains et l'un des meilleurs pianistes du monde du jazz. Toutes les étapes qu'il a parcourues dessinent une continuité que « Wandering » restitue : des racines - le blues, ici « Teensblues » et les accents anguleux à la Thelonious Monk du thème - à l'improvisation libre - les différents volets d'« Improstinato » et d'« Improvisions ». A travers les multiples facettes que constituent chacun de ses morceaux, « Wandering » restitue un portrait d'Enrico Pieranunzi. Grâce à une magnifique maîtrise pianistique, à une dynamique étendue et à l'amplitude de sa palette sonore, l'artiste parvient à ne pas se répéter tout en restant à chaque instant lui-même.
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L’album « Time Out », réédition de l’une des meilleures ventes jazz de tous les temps, qui a valu à l’artiste une apparition en couverture du Times, est complété par « Brubeck Time », premier album studio du quartet. INTERMUSIC inaugure une nouvelle collection de produits spécialement conçus pour tous les amoureux du disque, et ce au sens large ! Avec leur souci constant d’offrir une qualité éditoriale optimale, les producteurs du label se sont penchés sur le format « Vinyl Replica » avec une première série de titres qui sont tous des classiques incontournables des répertoires jazz, soul, R’n’B, etc. ! Les albums réédités ont fait l’objet d’une attention très soignée : pochette double « gatefold » en carton épais, souspochette LP, OBI japonais avec code barre et track-list complet, nombreux bonus, notes intérieures lisibles et actualisées, etc. La restitution est minutieuse, le son remasterisé en 24 bits, le tirage limité, les artworks magnifiques ! Une série à prix doux qui devrait réconcilier les « indémordables » de la cire avec le bon vieux... CD ! L’album « Time Out », réédition de l’une des meilleures ventes jazz de tous les temps, qui a valu à l’artiste une apparition en couverture du Times, est complété par « Brubeck Time », premier album studio du quartet.
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Papillonnant à travers les genres, les continents et les collaborations, enchainant grands succès et défaites, la carrière de LIZZY MERCIER DESCLOUX fut loin d’être conventionnelle. Suspense fut le premier album sur lequel elle travailla sans son compagnon de longue date, Michel Esteban, avec qui elle quitta sa France natale pour s’installer à New York. Son label, EMI, voulait qu’elle répète le succès du fameux «Mais Où Sont Passées Les Gazelles?» et était désireux de faire d’elle une artiste plus traditionnelle en la faisant travailler avec le producteur de l’époque en vogue, John Brand, le songwritter et trompétiste du groupe MARS, Mark Cunningham et l’artiste australien James Reyne qui co-écrit One For The Soul. Suspense est un album pop chanté en anglais et en français, qui « sonne moins Lizzy que les autres, moins ouvert » selon Esteban. A la sortie du single Gueule D’Amour/Cry of Love, EMI perdit confiance en son artiste et étouffa l’album. LIZZY se retira en Corse, loin de la scène musicale, et s’éteint à l’âge de 48 ans des suites d’un cancer. Remasterisé à partir des pistes originales. Inclus un essai de la spécialiste du punk, Vivien Goldman accompagné d’interviews. Le LP inclut une carte de téléchargement et 6 titres bonus, le CD inclut l’album et 6 titres bonus.
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24,99 €
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Papillonnant à travers les genres, les continents et les collaborations, enchainant grands succès et défaites, la carrière de LIZZY MERCIER DESCLOUX fut loin d’être conventionnelle. Suspense fut le premier album sur lequel elle travailla sans son compagnon de longue date, Michel Esteban, avec qui elle quitta sa France natale pour s’installer à New York. Son label, EMI, voulait qu’elle répète le succès du fameux «Mais Où Sont Passées Les Gazelles?» et était désireux de faire d’elle une artiste plus traditionnelle en la faisant travailler avec le producteur de l’époque en vogue, John Brand, le songwritter et trompétiste du groupe MARS, Mark Cunningham et l’artiste australien James Reyne qui co-écrit One For The Soul. Suspense est un album pop chanté en anglais et en français, qui « sonne moins Lizzy que les autres, moins ouvert » selon Esteban. A la sortie du single Gueule D’Amour/Cry of Love, EMI perdit confiance en son artiste et étouffa l’album. LIZZY se retira en Corse, loin de la scène musicale, et s’éteint à l’âge de 48 ans des suites d’un cancer. Remasterisé à partir des pistes originales. Inclus un essai de la spécialiste du punk, Vivien Goldman accompagné d’interviews. Le LP inclut une carte de téléchargement et 6 titres bonus, le CD inclut l’album et 6 titres bonus.
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La ramification du légendaire groupe psychédélique Ozric Tentacles pour la première fois sur le label Madfish en CD mid-price et édition spéciale vinyle 'Cozmic Blue' ! Nodens Ictus est un groupe de musique électronique britannique formé par Ed Wynne & Joie Hinton en 1986 comme une ramification éthérée du groupe de rock psychédélique britannique Ozric Tentacles. The Cozmic Key était le premier album de Nodens en 17 ans, après qu'ils l'aient sorti en décembre 2017. The Cozmic Key consiste en 55 minutes d'heureuses aventures en spirale à travers de nombreux paysages d'une nature souvent inhabituelle. Il représente les branches ambient et electronica de l'arbre Ozrics, avec un accent sur les synthés et le séquençage qui ont suivi la musique de Technicians of the Sacred, l'album d'Ozric Tentacles sorti en 2015. Cette sortie fait suite au premier album solo d'Ed Wynne 'Shimmer into Nature' sorti en janvier dernier. Ed Wynne est, sans aucun doute, un instrumentiste doué, un visionnaire, un symphoniste prodigue et l'un des musiciens les plus influents du Royaume-Uni. Il est crédité comme l'un des piliers de la réémergence de la scène des festivals britanniques avec son groupe Ozric Tentacles, qui s'est formé au Stonehenge Free Festival 1983 et est devenu l'un des piliers du Glastonbury Festival.
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Toujours ancré dans les années 70, le groupe délivre un album « live » solide et énergique, gorgé de feeling; la flamme continue de brûler dans le coeur de ces musiciens qui ne sont pas prêts de prendre leur retraite ! A l’écoute de cet album, on constate vite qu’Uriah Heep ne s’assagit pas avec l’âge. Si les groupes-phare des années 70 ont tendance à calmer le jeu de nos jours (Deep Purple ou Aerosmith), Uriah Heep décide de prendre le temps à contrepied en appuyant sur le champignon de manière plus insistante ! Enregistré dans la salle « Koko » de Londres en mars 2014, cet album comprend les hits incontournables du groupe (45 ans de carrière !) et d’autres d’albums récents.« Enregistrer ce DVD en concert à Londres au club Koko était tout simplement fantastique » précise Mick Box. « Nos fans avaient fait le déplacement du monde entier pour être présents lors de cette soirée magique. Ils ont apporté une énergie incroyable, et c’est génial que cela ait pu être capturé en images ! Ce soir-là, on a démarré le show par deux chansons de notre tout dernier album, ‘Outsider’, et la réaction du public était immédiate. Cela nous a prouvé une nouvelle fois que nous avions les meilleurs et plus loyaux fans du monde ! ».
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Le célèbre groupe de punk/rock britannique FISHER-Z revient avec un nouvel album engagé et actuel Fischer-Z est un groupe punk/rock britannique réputé pour ses chansons mélodieuses, ses paroles poétiques, ses commentaires sociaux et politiques rusés et ses textures expérimentales. En 42 ans de carrière, le groupe a sorti 20 albums, donné plus de 3.000 concerts dans le monde et vendu plus de deux millions d'albums. FischerZ a déjà commencé en 1977 et peut être contextualisé à la fin des années 1970 dans l'école des groupes de punks intelligents, excentriques, énergiques et chargés d'accrocs qui se sont superposés aux mouvements new wave et post-punk. Le premier catalogue du groupe s'accorde parfaitement avec les productions de XTC, Talking Heads, Wire et Mission Of Burma. En 2019, Fischer-Z est toujours bien vivant ! Toujours à la hauteur de leurs façons légendaires de défier le public avec des performances théâtrales et des versions incendiaires de leurs oeuvres préférées. Swimming In Thunderstorms est un album actuel tant dans ses chansons que dans son esprit, avec des guitares rock costauds et oniriques, une atmosphère céleste et des touches artistiques et imaginatives. John Watts démontre une fois encore son talent de chanteur, guitariste et poète !
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Le célèbre groupe de punk/rock britannique FISHER-Z revient avec un nouvel album engagé et actuel Fischer-Z est un groupe punk/rock britannique réputé pour ses chansons mélodieuses, ses paroles poétiques, ses commentaires sociaux et politiques rusés et ses textures expérimentales. En 42 ans de carrière, le groupe a sorti 20 albums, donné plus de 3.000 concerts dans le monde et vendu plus de deux millions d'albums. FischerZ a déjà commencé en 1977 et peut être contextualisé à la fin des années 1970 dans l'école des groupes de punks intelligents, excentriques, énergiques et chargés d'accrocs qui se sont superposés aux mouvements new wave et post-punk. Le premier catalogue du groupe s'accorde parfaitement avec les productions de XTC, Talking Heads, Wire et Mission Of Burma. En 2019, Fischer-Z est toujours bien vivant ! Toujours à la hauteur de leurs façons légendaires de défier le public avec des performances théâtrales et des versions incendiaires de leurs oeuvres préférées. Swimming In Thunderstorms est un album actuel tant dans ses chansons que dans son esprit, avec des guitares rock costauds et oniriques, une atmosphère céleste et des touches artistiques et imaginatives. John Watts démontre une fois encore son talent de chanteur, guitariste et poète !
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Une fenêtre sur 30 ans de musique chez Real World Music Lancé il y a 30 ans, en 1989, Real World Records s'est développé pour devenir un label de musique de classe mondiale aux quatre coins du monde. Son catalogue musical, qui porte le fameux logo de la barre de couleurs, a une énorme variété de styles, d'ambiances et de genres qui ont tous en commun : la qualité de l'enregistrement, la superbe production et la musique d'une grande passion. Quand on regarde notre catalogue, on se rend compte de la chance que nous avons eue de travailler avec tant de grands artistes du monde entier. Peter Gabriel. La majorité des sorties du label ont été enregistrées dans les studios de Real World, où les espaces interactifs offrent un environnement capable de capter l'excitation et la vitalité des musiciens en concert. Quelle que soit la musique, quelle que soit la technologie, les grands disques viennent des grandes performances. Peter Gabriel. Célébrant 30 ans de découvertes et d'illuminatoin, cette fenêtre sur 30 ans de vie de Real World Music trace un chemin de la Tanzanie à la Chine, de l'Irlande au Tibet, de la Colombie à la Papouasie Nouvelle Guinée. Nous avons choisi des morceaux qui nous ont ouvert l'esprit et le coeur aux sons du monde entier - une expérience enrichissante et joyeuse.
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Après la grandiose épopée en deux parties Chronicles of the Immortals sortie il n'y a pas si longtemps, le groupe de prog métal Vanden Plas sont déjà heureux de présenter leur nouvel album, The Ghost Xperiment : AwakenIng. La sortie du neuvième album studio du quintet souligne le haut niveau de créativité artistique qu'ils ont maintenu pendant si longtemps. Musicalement, Vanden Plas offre une fois de plus une combinaison parfaite de hard et de mélodique, tandis que les arrangements orchestraux sont ici plus en arrière-plan que sur le dernier album. En même temps, le quintet se rapproche de ses racines originelles, comme The God Thing ou Far Off Grace. Il y a des éléments plus progressifs dans les chansons, similaires à ce que l'on connait des albums précédents. Les six titres, pour la plupart longs, produisent un effet impressionnant et fascinant grâce à un arrangement très orienté vers le groupe, de sorte que l'urgence claire et intense des chansons transparaît naturellement et sans prétention. L'album est une fois de plus le fruit d'une collaboration de confiance avec l'ingénieur du son Markus Teske de Bazement Studios. L'ajout de : Awakening dans le titre de l'album laisse entendre que cet album est la première partie d'un concept passionnant. La suite, The Ghost Xperiment : IIIumination devrait paraître à l'automne 2020.
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Aujourd’hui et après 30 ans de carrière, Tony Chasseur s’est imposé comme l'un des artistes incontournables de la scène musicale Antillaise. Il a chanté dans Sakiyo, groupe mythique de la fin des années 80, formé notamment avec Michel Alibo et Mario Canonge, fait partie de Malavoi durant 3 ans après le départ de Ralph Thamar et de Kassav pendant plusieurs années. Il est également à l’origine de Mizik o Peyi, le big band qui fait swinguer la musique Antillaise. En parallèle, il mène une carrière solo dont les tubes comme Sable Mouillé ou Bisou Sucré sont de grands succès. Ce triple CD/DVD enregistré le 31 octobre dernier à la Cigale à Paris est le reflet de cette carrière marquée de hits et illustre une réelle capacité à aborder tous les genres (jazz, zouk, biguine, salsa) de cette scène musicale en conservant une immense exigence qualitative. Un concert en 2 parties regroupant une palette incroyable de sons, un big band mais aussi les meilleurs musiciens Antillais : Thierry Vaton, Michel Alibo, Alain Jean-Marie, Jean-Philippe Fanfan. Plus de 2h30 de musique pour revivre un moment inoubliable et un concert qui va rester longtemps dans les mémoires.
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LE NOUVEL ALBUM DE LA SUPERSTAR DE L'ELECTRO DANCE MUSIC W : /2016ALBUM/, huitième album studio du producteur canadien d'EDM deadmau5, porte simplement le nom du répertoire dans lequel les morceaux étaient enregistrés sur l'ordinateur de Joel Zimmerman, de son vrai nom. Le DJ, nommé 6 fois aux Grammy Awards depuis le début de sa carrière en 2008, est aussi régulièrement dans les tops mondiaux des DJ les plus populaires, tout en continuant à se faire remarquer via son activité sur Twitter. L'albu.. est sorti en version digitale le 2 décembre dernier, via son label mau5trap Recordings et contient plusieurs morceaux que Zimmerman avait partagés sur son compte SoundCloud, avant que celui-ci ne se fasse hacker. Zimmerman a présenté l'albu.. en annonçant « une vibe fantaisiste, de science fiction des années 80 », qu'il attribuait à son acquisition d'un synthétiseur Prophet 10. W : /2016ALBUM/ présente une finition et une réflexion évidentes, qui le différencient largement d'un simple mix mainstream, en promouvant une vision plus Progressive des musiques électroniques. Pour Rolling Stone, « c'est la nouvelle oeuvre d'un artiste dont la capacité à bousculer les attentes est exaltante ». « Cet opus conforte deadmau5 dans sa musicalité » DJ MAG Les versions CD et vinyles seront toutes deux limitées et contiendront un morceau inédit, non présent sur la version digitale. Le vinyle sera sous la forme d'un 2LP, présenté dans un packaging deluxe.
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L'une des voix les plus iconiques et reconnaissables de la soul music est de retour, comme vous ne l'avez jamais entendue ! On a découvert Macy Gray, sa coupe afro tendance feu de brousse, son mètre 83, ses pieds immenses, ses pantalons de pyjama en pilou et son air de toujours sortir du lit, sa silhouette de basketteuse en préretraite ou d'oursonne de dessin animé. Macy Gray est hors norme, hors gabarit, surprenante. Digne héritière d'artistes tels qu'Aretha Franklin et Tina Turner, elle incarnait la nouvelle génération de la soul music. Avec sa personnalité, son charisme et sa voix phénoménale, elle est toute entière dans sa musique. Macy Gray a fait un bout de chemin depuis qu'elle s'est faite connaitre aux Transmusicales de Rennes en 1999 avec son single « I Try », issu de son premier album «On How Life Is». Après un retour remarqué en 2014 avec son album «The Way», elle revient une fois de plus sur le devant de la scène avec «Stripped». Sur cet album, elle collabore avec des formations de jazz qui incluent Ari Hoenig, Daryl Johns ou Russell Malone, qui donnent à sa voix un espace et une liberté lui permettant de briller de mille feux. Nouveaux morceaux, superbes reprises et nouveaux arrangements de ses classiques comme « I Try » se côtoient sur cet album qui a tout pour devenir intemporel.
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Le troisième album solo lyrique et narratif du leader de The Hold Steady We All Want The Same Things, le nouvel album de Craig Finn sortira le 24 mars schez Partisan Records. Il explore les thèmes de l’amour et des relations à notre époque. Selon Finn L’amour apparaît comme un véritable mystère de nos jours, la science et le progrès technologique ne peuvent nous aider à comprendre pleinement la notion d’amour et son role dans nos vies. Mais j’envisage également la recherche de l’amour comme un antidote à la solitude. On y retrouve les procédés chers à Craig Finn, à savoir des personnages aux caractères bien définis, de l’humour noir et et des compositions rock qui doivent beaucoup à Springsteen ou Dylan. Particulèrement sophistiqué au niveau des arrangements, ce nouvel album a été produit par son fidèle collaborateur Josh Kaufman. Finn est principalement connu comme étant le leader du groupe The Hold Steady avec lequel il a enregistré 6 albums acclamés par la critique. Ce nouvel album nous emmène encore plus loin dans ce monde de Craig Finn, rempli de personnages complexes et nuancés. Ces chansons parlent de gens normaux qui essaient de s’entraider et d’avancer, dans certains cas juste pour survivre; tout en essayant de délimiter l’espace que l’autre peut occuper dans sa vie.
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Pour la sortie du 11ème album d’Eels, son principal auteur/compositeur/interprète Mark Oliver Everett, nous plonge dans ce qui est peut-être son plus bel album. Un disque abouti où l’on retrouve toutes les composantes de mister E : des textes magnifiques, des arrangements somptueux et surtout des lignes mélodiques incroyables. Entre grâce et onirisme, les 13 titres qui composent « The Cautionary Tales Of Mark Oliver Everett » nous plongent dans l’intimité du chanteur, qui voulait réaliser un album très personnel. « J’ai écouté ce qu’on avait fait, et je me suis senti mal à l’aise... mais pas assez. Si je ne suis pas mal à l’aise, c’est que ce n’est pas assez vrai. J’avais besoin de creuser un peu plus profond ». Dès la première écoute, on se rend compte que l’on effleure des moments de vie, des émotions, que Mark Oliver Everett a su retranscrire avec une sincérité et une beauté sans égal. L’intimité dépouillée de ses textes, mêlée à l’orchestration symphonique des compositions, donne à cet album une force incroyable, une élégance et une délicatesse encore jamais atteinte par le groupe. Un groupe qui a d’ailleurs connu l’une des carrières les plus régulièrement encensée du monde de la musique et dont Tom Waits dit qu’il « attend avec impatience chacun de ses nouveaux disques ». Cette fois-ci plus encore qu’avant, il ne sera pas déçu.
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Appréciez la volupté des morceaux qui vous donneront l'impression de vous détendre dans un spa! 4heures de musique pour vous assurer calme et tranquilité. Inclus : BEYOND BOMBAY, Resting Place de HAANDI ou encore First Light de KARMA SOUNDZ. Disque 1 1. Tranquility - Orient Expressions 2. Dawn Meditation - Memories Of Goa 3. Adagio - Beyond Bombay 4. Relax - Prem Gulshan 5. Beyond Infinity - Orient Expressions 6. Eastern Persuasions - Tabla Temple 7. Drifting Spirits - Prem Gulshan 8. Enchanted Glade - Karma Soundz Disque 2 1. Peaceful Dawn - Hanndi 2. First Light - Karma Soundz 3. Contact - Beyond Bombay 4. Luminosity - Hanndi 5. Pale Tide - Prem Gulshan 6. Presence - Beyond Bombay 7. Cyclic Motion - Hanndi 8. Ascending Spirits - Saffron Sounds Disque 3 1. Incandescence - Beyond Bombay 2. Singerella - Karma Soundz 3. Resting Place - Hanndi 4. Airbourne - Prem Gulshan 5. Forgotten Place - Orient Expressions 6. Seclusion - Memories Of Goa 7. Calm Radiance - Prem Gulshan 8. Resonance - Hanndi Disque 4 1. Distant Memories - Akash Asher 2. Another Place - Prem Gulshan 3. Mindwaves - Akash Asher 4. Pulse - Saffron Sounds 5. Whispering Spirits - Akash Asher 6. Urban Chill - Karma Beatz 7. Affirmation - Akash Asher 8. Changing Tides - Salaam Soundclash
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17,99 €
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Avec son afrobass explosive et son rap contagieux, la Queen kenyane s'annonce comme LA nouvelle révélation R&B. Avec SHE', Muthoni Drummer Queen réinvente la formule Motown façon génération Z. Alliée au duo de beat makers suisse GR ! & Hook, la reine kenyane livre un album transversal par excellence, bourré de hits profondément humains. Ce disque parvient à extraire le meilleur du riche spectre du son afro pour créer un hybride totalement contagieux, qui fonctionne aussi bien en club qu'en radio. Enregistré en Suisse lors de sessions bootcamp, cet opus célèbre la beauté, la force, l'audace et la résilience des femmes africaines. SHE est un diamant brut, qui fait voler en éclat l'idée de genre musical avec la même légèreté que le hip-hop traitait les samples pendant son âge d'or. Voguant avec une aisance jubilatoire du hip hop au dancehall, de la rétro-soul au future r&b, sans oublier ses influences africaines, la reine de la scène urbaine de Nairobi et ses acolytes règnent sans partage sur un royaume musical hybride et décomplexé, que ne désavoueraient pas M.I.A, Beyoncé ou Lauryn Hill. Avec son flow de rappeuse et son énergie de rockeuse, Muthoni incarne une véritable fusion débridée d'éléments musicaux, au son aussi libre qu'exaltant. On tient notre nouvelle Queen', petite bombe d'énergie en pleine explosion !
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13,99 €
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Avec son afrobass explosive et son rap contagieux, la Queen kenyane s'annonce comme LA nouvelle révélation R&B. Avec SHE', Muthoni Drummer Queen réinvente la formule Motown façon génération Z. Alliée au duo de beat makers suisse GR ! & Hook, la reine kenyane livre un album transversal par excellence, bourré de hits profondément humains. Ce disque parvient à extraire le meilleur du riche spectre du son afro pour créer un hybride totalement contagieux, qui fonctionne aussi bien en club qu'en radio. Enregistré en Suisse lors de sessions bootcamp, cet opus célèbre la beauté, la force, l'audace et la résilience des femmes africaines. SHE est un diamant brut, qui fait voler en éclat l'idée de genre musical avec la même légèreté que le hip-hop traitait les samples pendant son âge d'or. Voguant avec une aisance jubilatoire du hip hop au dancehall, de la rétro-soul au future r&b, sans oublier ses influences africaines, la reine de la scène urbaine de Nairobi et ses acolytes règnent sans partage sur un royaume musical hybride et décomplexé, que ne désavoueraient pas M.I.A, Beyoncé ou Lauryn Hill. Avec son flow de rappeuse et son énergie de rockeuse, Muthoni incarne une véritable fusion débridée d'éléments musicaux, au son aussi libre qu'exaltant. On tient notre nouvelle Queen', petite bombe d'énergie en pleine explosion !
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Issus de milieux complétement opposés - l'un est le descendant d'un riche industriel allemand et l'autre un fils d'artisan - ANDRE & HANS se rencontrent sur les bancs du lycée. Tous deux passionnés par BOWIE et KENNETH ANGER, ils préfèrent sécher les cours et passent leur temps à fumer en cachette dans la salle qui sert de ciné-club. C'est dans cet endroit qu'ils rêvent d'un futur idéal, fait de voyages dans l'espace et de musique industrielle. Ils décident de partir pour Berlin l'année suivante en se demandant quel goût avait la décadence. Ils font la rencontre de MARIANNA KATZA, femme excentrique s'il en est, qui leur propose de venir vivre dans un squat d'artiste situé dans le quartier de Mitte. Marianne décide alors de présenter ANDRE & HANS à un de ses amants de l'époque : MARC BERRON, un jeune fils à papa arrogant mais doté d'une oreille incroyable ! C'est lui qui les aidera à freiner leur consommation de drogue et leur fera comprendre la voix qu'ils doivent prendre : Celle d'une musique personnelle et froide, au format pop mais avec cette urgence qui caractérise actuelle la vie des jeunes berlinois. Il les kidnappe dans son studio pendant plusieurs semaines afin d'expérimenter, de créer, de donner du sens et de trouver le son de VIOLENCE CONJUGALE !
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Ambiance sombre et sonorités 80's. Après avoir dévoilé l'EP No Bells On Sunday qui déjà annonçait un vent de changement, MARK LANEGAN et sa bande sortiront leur nouvel album, Phantom Radio, le 20 Octobre prochain. Si ses morceaux sont toujours aussi noirs et tourmentés, le rockeur multi-casquette s'est permis d'explorer plus en profondeur les sonorités de pop minimaliste qu'il gardait en mémoire depuis les années 80. L'aspect rock stoner mis de côté, Phantom Radio voit le jour comme le parfait successeur à Blues Funeral, sorti en 2012. Avec cet album, on peut dire du MARK LANEGAN BAND qu'il n'a pas radicalement changé de direction, mais qu'il a changé de bécane. Par exemple, certaines parties de batterie ont été enregistrées sans batteur, via une application pour tablette. Ainsi, derrière le très bon morceau rock Harvest Home, qui ouvre l'album, on découvre une tracklist tout aussi bonne mais beaucoup plus électronique, en atteste des titres Floor Of The Ocean ou Seventh Day. D'autres morceaux surprennent, agréablement, comme c'est le cas de I Am The Wolf, qui pourrait faire la BO d'un spaghetti western, ou de The Wild People, presque country. Le MARK LANEGAN BAND signe ici un album de très bonne facture qui ravira tout les mélomanes avertis.
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Le troisième album solo lyrique et narratif du leader de The Hold Steady We All Want The Same Things, le nouvel album de Craig Finn sortira le 24 mars schez Partisan Records. Il explore les thèmes de l’amour et des relations à notre époque. Selon Finn L’amour apparaît comme un véritable mystère de nos jours, la science et le progrès technologique ne peuvent nous aider à comprendre pleinement la notion d’amour et son role dans nos vies. Mais j’envisage également la recherche de l’amour comme un antidote à la solitude. On y retrouve les procédés chers à Craig Finn, à savoir des personnages aux caractères bien définis, de l’humour noir et et des compositions rock qui doivent beaucoup à Springsteen ou Dylan. Particulèrement sophistiqué au niveau des arrangements, ce nouvel album a été produit par son fidèle collaborateur Josh Kaufman. Finn est principalement connu comme étant le leader du groupe The Hold Steady avec lequel il a enregistré 6 albums acclamés par la critique. Ce nouvel album nous emmène encore plus loin dans ce monde de Craig Finn, rempli de personnages complexes et nuancés. Ces chansons parlent de gens normaux qui essaient de s’entraider et d’avancer, dans certains cas juste pour survivre; tout en essayant de délimiter l’espace que l’autre peut occuper dans sa vie.
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