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ENFIN ! Le nouvel album d'un des meilleurs groupes de rock français Stupor Machine marque le grand retour du mythique groupe de rock français Eiffel; un sixième album en dix-huit ans d'activité. Stupor Machine' marque l'envie d'en découdre avec une écriture au caractère bien trempé, dans un univers surréaliste et pessimiste bâti sur des axes narratifs nouveaux pour le groupe (la fable, la comédie, l'anticipation, la divagation, l'errance) et qui regroupe deux des plus belles chansons d'amour du groupe. Un nouvel album tant attendu qui saura ravir tous les fans de la première heure!
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ENFIN ! Le nouvel album d'un des meilleurs groupes de rock français Stupor Machine marque le grand retour du mythique groupe de rock français Eiffel; un sixième album en dix-huit ans d'activité. Stupor Machine' marque l'envie d'en découdre avec une écriture au caractère bien trempé, dans un univers surréaliste et pessimiste bâti sur des axes narratifs nouveaux pour le groupe (la fable, la comédie, l'anticipation, la divagation, l'errance) et qui regroupe deux des plus belles chansons d'amour du groupe. Un nouvel album tant attendu qui saura ravir tous les fans de la première heure!
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Un guitariste à l'imagination fluide et exigeante (Jazz News) Romain Pilon s'est affirmé depuis son retour en France comme l'un des visages de la nouvelle vague du jazz hexagonal. Au Berklee College, à Boston, ses études s'étaient terminées par une rencontre avec Pat Metheny et un concert en première partie de ce dernier pour lequel il fut choisi parmi plus de mille élèves du département guitare ! Du groove influencé par le hip-hop au swing élégant de Grant Green, des métriques complexes au lyrisme d’un Kurt Rosenwinkel, de l’urgence new-yorkaise à l’introspection de ballades contemplatives, Romain Pilon élabore un univers aux références intelligemment assimilées, avec une sensibilité attachante et une poésie profonde.
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Un guitariste à l'imagination fluide et exigeante (Jazz News) Romain Pilon s'est affirmé depuis son retour en France comme l'un des visages de la nouvelle vague du jazz hexagonal. Au Berklee College, à Boston, ses études s'étaient terminées par une rencontre avec Pat Metheny et un concert en première partie de ce dernier pour lequel il fut choisi parmi plus de mille élèves du département guitare ! Du groove influencé par le hip-hop au swing élégant de Grant Green, des métriques complexes au lyrisme d’un Kurt Rosenwinkel, de l’urgence new-yorkaise à l’introspection de ballades contemplatives, Romain Pilon élabore un univers aux références intelligemment assimilées, avec une sensibilité attachante et une poésie profonde.
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La re-ssortie des 2 premières mixtape de YOUNG FATHERS Tape One et Tape Two sont l’occasion pour nous de re-découvrir deux albums qui s’affirmaient hors des sentiers battus et qui encore aujourd’hui gardent toute leur pertinence. Re-masterisé par le très renommé ingénieur Mandy Parnell. Tape One a été enregistré en une semaine, initialement paru en Novembre 2011 en téléchargement libre et cassette en édition limitée. Tape Two a été enregistré quasiment dans la foulée en Janvier 2012. Un peu plus tard, le label californien basé à LA Anticon a décidé de rendre les 2 albums disponibles aux US. EN 2014, Tape Two a gagné le presigieux SAY award (album écossais de l’année =Scottish Album of the Year).
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Bailey est le nouveau projet mené de main de maître par le leader du groupe Three Lions, Nigel Bailey. Même si son nom est relativement peu connu sur la scène rock internationale, Nigel a une vaste expérience en tant qu'auteur et performeur. Ce nouveau contrat avec Frontiers va lui permettre de se faire une place en haut de l'affiche et de faire montre de ses nombreux talents. L'écoute révèle des influences similaires à celles de Three Lions, même si l'ensemble sonne légèrement plus heavy. Le son est typique de la grande vague du hard rock britannique, avec ses développements harmoniques et mélodies bien caractéristiques. Une jolie surprise pour tous les fans du genre !
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Ce groupe qui en est à sa quatrième génération de musiciens est un monument historique de la scène cubaine. Depuis 83 ans, il perpétue le son habanero et depuis 1969 date de la mort de son fondateur Ignacio Piñeiro il a ajouté son nom à son patronyme, pour rendre hommage à celui qui fut, à l'instar d'un Willie Colón, l'un des piliers de la scène musicale de l'île, l'un de ses plus grands chefs d'orchestre et auteurscompositeurs. Enregistré en janvier 2009 à Cuba, ce nouvel album contient quatorze morceaux qui brillent de mille feux. Compositions nouvelles et traditionnelles, magie des rythmes afro-cubains, arrangements pimentés de rumba, de congos et de guarachas, trompette exubérante, tout ici symbolise, au-delà des modes, des dictatures et des révolutions, la victoire éternelle de la musique.
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Joseph Moog a su se forger une très belle réputation parmi les jeunes pianistes aujourd’hui. Ses qualités d’interprétation et des choix d’oeuvres originaux ont chaque fois convaincu. La confiance acquise au cours de ces dernières années lui permet aujourd’hui d’aborder certaines oeuvres mythiques du répertoire, comme le concerto de Grieg, enregistré ici sous la direction de Nicholas Milton à la tête du Deutsche Radio Philharmonie de Saarbrucken. Le disque se conclut sur un couplage très judicieux, le concerto pour piano de Moritz Moszkowsky, contemporain allemand de Grieg, dont les passages lumineux n’ont pas eu le même destin que celui de Grieg et méritent d’être plus joués, c’est certain.
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The Pop Group fête les 40 ans du classique Y avec une réédition en 4 formats exceptionnels ! Pour fêter l'anniversaire de Y, leur premier album studio, The Pop Group réédite ce disque classique sous plusieurs formats collectors. 40 ans après la sortie de ce disque à l'influence indéniable et la créativité remarquable, c'est une version remasteriséé qui voit le jour sur le label Mute. Originellement sorti le 20 avril 1979, Y représente l'apogée du groupe dans sa non-conformité cruciale. Précédé par une large montée en notoriété de The Pop Group, l'album réalise l'énorme potentiel du groupe anglais et reste encore aujourd'hui considéré comme l'une des pierres fondatrices du mouvement post-punk.
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Au moment de l'enregistrement de Welcome to the Club, Nat King Cole était déjà reconnu par le grand public comme un chanteur et un animateur plus qu'un pianiste de jazz. Seules quelques rares exceptions, comme l'album en petite formation After Midnight, paru en 1956, mettent en vedette Nat Cole en tant que pianiste (malgré sa grande maîtrise de l'instrument). Pour le reste de sa carrière couronnée de succès (mais terminée brusquement par sa mort en 1965 à la suite d'un cancer du poumon) il a continué à chanter de plus en plus, et à jouer de moins en moins. Welcome to the Club présente Nat Cole soutenu par un big band. Bien qu'il ait été enregistré en studio, ses titres et son esprit reflètent l'intention de recréer les performances live de Nat Cole.
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La mémoire musicale de la cathédrale la plus emblématique d'Angleterre. Église du couronnement des monarques anglais depuis 1066, Westminster Abbey est un des hauts-lieux musicaux d'Angleterre. Au fil des siècles, les plus grands organistes, chanteurs et compositeurs britanniques ont entretenu des liens étroits avec l'abbaye qui joue toujours un rôle prépondérant dans la vie musicale et culturelle du royaume. D'Orlando Gibbons à Benjamin Britten, cette anthologie de deux disques incarne un parcours sonore à travers ce lieu prestigieux, des différents cloîtres à la grandiose abbatiale. Un guide musical avec son plan pour un somptueux pèlerinage à travers cinq siècles de création musicale.
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Navigation spirituelle entre blues créole, jazz et folk traditionnel de la Nouvelle Orléans The Capitalist Blues est le titre du troisième album de Leyla McCalla. Inspiré par le climat socio-politique tendu des états-Unis, il raconte les effets psychologiques et émotionnels de la vie dans une société capitaliste où l'argent est roi et les plus pauvres laissés pour compte. Refusant le pessimisme et le cynisme, et transcendant leur propre mélancolie, ces chansons véhiculent l'espoir humain sous toutes ses formes, en anglais comme en créole. The Capitalist Blues révèle un côté plus physique de la musique de McCalla, amplifié par une voix et des mélodies soulignant avec poésie ces protest songs.
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Prenez une pointe de MOGWAI, ajoutez-y une touche d’EDITORS et un zeste de SLOWDIVE et vous obtiendrez MINOR VICTORIES, le super groupe qui fait parler de lui depuis 2015. Après un premier album éponyme sorti en juin dernier, MINOR VICTORIES revient dès janvier 2017 avec sa version orchestrale, simplement nommée Orchestral Variations. Avec elle, on redécouvre les morceaux : les sons sont nus, les mélodies suggérées et les back beats absents pour ne retrouver que des éléments basiques et instrumentaux. Cette étonnante interprétation nous permet de regarder et d’écouter les choses d’une nouvelle manière. Tout simplement sublime.
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Hommage à l'un des groupes les plus éminents et influents de la scène française des années 80 / 90 par ses amis et fils spirituels, dont Massilia Sound System, Washington Dead Cats, Les Fils de Teuhpu, Marcel & Son Orchestre, Swinkels, Los Tres Puntos, Le Maximum Kouette, Les Suprêmes Dindes, Dead Pop Club, Laréplik, Les Betteraves (futurs Guérilla Poubelle), La Fraction, Sporto Kantes, David Vincent (ex-Les Amis D'Ta Femme), Lutin Bleu, René Binamé, Junior Cony, Unlogistic, Cellule X... Agrémentés d'un bon gros livret où les participants se lâchent sur les LV88, les 2 volumes de ce digipack offrent un large panorama de la scène «alternative» de ces dernières années : punk-rock, ska, reggae, dub, festif, chanson, fanfare, hardcore, émo-punk, ska-punk, techno-punk, fusion, et même métal et électro, sans oublier quelques OVNIs improbables. Pour pimenter la recette, rajoutons des origines géographiques diverses (France, Belgique, Québec), des langues également multiples (français, wallon, occitan et même anglais) et des moyens disparates (du studio cossu à la prise live) : nous n'avons surtout pas voulu d'une compilation plate, célébration insipide et prévisible où tous donneraient dans la reproduction dévôte des originaux. Revisitant les Ludwig à leur propre sauce, les groupes se sont au contraire approprié un répertoire dont, il est vrai, la diversité et l'amplitude offraient un solide pannel de choix. Ils n'ont bien sûr pas hésité à en rajouter dans le décalage et le pastiche (changements de style, samples de choix, parodies et envolées barjotes...). Pour autant, même les versions les plus allumées conservent le rythme frétillant ou nonchalant, le sens des mélodies, l'esprit pétillant et l'humour féroce des maîtres. LUDWIG VON 88 peut dormir tranquille en attendant son futur grand retour en 2088, sa descendance est bien assurée !
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Le groupe mythique Pennywise voit son premier album Pennywise être réédité en vinyle. Formé à South Bay, Los Angeles, quartier à la grande histoire Punk Rock, Pennywise débute en 1988. Le groupe s'est construit à l'international grâce à ses tournées continues et surtout à un son mélodique, ultraénergie fusionnant Surf Punk, Hardcore foudroyant et Punk de leur jeunesse. Le groupe a pérennisé sa place dans l'histoire du Punk et aujourd'hui Epitaph réédite en vinyle son premier album éponyme alors qu'un nouvel album sort le 20 avril 2018. POUR CEUX QUI AIMENT The Offspring, Bad Religion, NOFX, Rancid
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Hommage à un chef unique, Gennady Rozhdestvensky, qui nous fait découvrir la profondeur des Symphonies d’Enescu, à la tête du BBC Philharmonic. Du Bolshoï à la Scala, du Stockholm Philharmonic au Vienna Symphonic, les quanrante cinq années de carrière et une technique de baguette unique ont fait de Gennady Rozhdestvensky l’un des chefs d’orchestre les plus respectés du XXème siècle en Europe. Ce coffret consacré aux symphonies de George Enescu est un moment important pour la découverte du génial compositeur roumain, beaucoup trop méconnu avant ces enregistrements qui sont un moment important dans les quelques 400 enregistrements signés par le chef d’orchestre.
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Cet album a été enregistré au coeur du désert. Abrités d'une unique tente en peau de bête et entourés d'une vaste constellation d'étoiles scintillantes, le groupe du Niger va droit au but avec des titres rugueux et poignants abordant les menaces pesant sur leur unité et le mode de vie nomade dans cette partie du monde. Etran Finitawa, formé en 2004, s'inscrit dans le même sillon creusé par Tinariwen ou Terakaft. Armés de guitares aux riffs sinueux et d'une calebasse invitant à la transe, ils improvisent des « grooves » hypnotiques et lancinants, reflets de la chaleur suffocante et de l'horizon infini du désert. Un album pour tous les amateurs de « Desert Blues » authentique et engagé.
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Le CV de Rick Springfield en tant que musicien renommé et acteur à succès est long comme la main. Même s’il est principalement connu de l’autre côté de l’Atlantique, il a un noyau dur de fans en Europe. Dans ce nouvel album The Snake King, on découvre Springfield et ses racines blues. Les titres de ses chansons parlent d’eux-mêmes : In The Land Of The Blind ou Little Demon décrivent le voyage sinueux en terre blues que Rick a décidé de suivre, et qu’il nous invite à emprunter. Son jeu de guitare haut en couleur irrigue un nouvel opus qui distille son lot de surprises. Pour les anglophones, on vous invite à écouter attentivement les paroles, vous ne serez pas déçus !
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Entre classique, avant-garde, musique indienne ou balkanique, le Big Bang Jazz par Don Ellis fait naître un nouveau concept au travers d’influences multiculturelles. Avec cet orchestre, spécialement composé par ses soins, il enregistrera deux albums. Le premier album, « Soaring », qui fait l’objet ici d’une réédition, est un opus expérimental, qui prouve que le jazz est un genre aux multi-facettes, qui s’adapte tout autant sur des beats funk que sur des sons lyriques, plus dramatiques. Grâce à « Soaring », Don Ellis donne un tout nouveau sens au concept de Big Band Jazz ! Pour les fans de : George Russell // Gill Evans // Buddy Rich // Mel Lewis
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Sándor Végh, né en Hongrie, a été sans doute l'un des plus grands violonistes de son temps. Son crédo a toujours été Il nous faut nous réinventer, sans cesse. Ce qu'il fit avec succès puisque chacun de ses concerts était un enchantement, un moment unique qu'il savait rendre inoubliable, quel que soit le répertoire joué. Et lorsqu'il dirigeait, l'impression donnée était celle d'une véritable respiration avec l'orchestre, un partage de ce qui était sa vocation profonde, la musique. En ce sens, Sándor Végh n'interprétait pas les oeuvres qu'il jouait ou dirigeait, il les vivait et son amour pour elles leur donnait une forme sonore. Un grand moment, donc.
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Les Fontaines et les Pins de Rome du compositeur italien Ottorino Respighi sont des poèmes symphoniques qui font le portrait d'une ville légendaire en recourant à la richesse de la palette orchestrale. Dans la même veine délicieusement pastorale et descriptive, les Suites qui composent les Airs et Danses anciennes, déploient à plaisir cet univers sonore qui inspirera les compositeurs de musique de film. Transcrites par Respighi lui-même pour piano à quatre mains, les pianistes Giulio Biddau et Norberto C. Respighi, membres de la famille du compositeur, se sont emparés de ces partitions et nous en offrent un enregistrement qui rend grâce, tantôt à la poésie de l'orchestre respighien, tantôt à sa fougue.
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Babylon A.D. est fier d’être l’un des rares groupes de hard rock de la fin des années 80 à être toujours composés des mêmes musiciens : Derek Davis, auteur compositeur et chanteur, John Mathew et Ron Freschi, guitaristes et auteurs compositeurs, Jamey Pacheco, batteur et Robb Reid bassiste. Le groupe s’est formé en 1987 et célèbre leur 30ème anniversaire, avec la sortie de leur nouvel album Revelation Highway. Avec ce line-up classique pour dix morceaux de hard rock énergiques, le groupe est fidèle à sa sérieuse réputation et va séduire tous les fans avec ce nouvel opus inspiré.
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Les quatre opéras de cette production historique du Ring à La Scala de Milan ont été captés entre 2010 et 2013. Historique, cette version l'est à plus d'un titre : tout d'abord grâce à l'association unique entre le chef Daniel Barenboim et le metteur en scène Guy Cassiers, tous les deux choisis par le Théâtre de La Scala pour monter ce drame tellurique. Ensuite, grâce à la distribution définitive qui réunit sur l'ensemble des représentations le meilleur du chant wagnérien du moment : René Pape, Waltraud Meier, Lance Ryan, Nina Stemme, Simon O'Neill et Iréne Theorin. Une incroyable réussite artistique et humaine, maintenant disponible en deux coffrets de 7 DVD et 4 Blu ray.
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THE SPINTO BAND est de retour avec un 3ème album, vous vous souvenez probablement de Oh Mandy, leur hit indie, d'il y a 5 ans. Shy Pursuit est le fruit de leur approche à la savant fou où tout est possible, des couches de guitare, des sons improbables de Casio, des amplis construits pour juste une prise, de la pedal steel guitar à droite, de la clarinette basse à gauche et des harmonies vocales qui partent dans tous les sens. Une série de petites explorations, des mélodies sculptées à un seul exemplaire. Un album qui vous fera aussi penser aux TALKING HEADS, époque True Stories. Le 1er single, The Living Things vous rafraichira sûrement la mémoire quant à leur talent d'écriture.
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Don't worry, be Tatie ! Drôle et talentueuse, Marianne James est à fond ! Tatie Jambon est de retour ! Adrien et Léonie retrouvent leur Tatie Jambon, égale à elle-même, truculente, pétillante, fêtarde, elle chasse les nuages gris à grands coups de musiques éclectiques, de textes bien sentis et de références tous azimuts. Sur le thème de la recherche du Bonheur et de l'acceptation des petits plaisirs de la vie, on retrouve dans ce récit musical original des textes en phase avec les questionnements du quotidien, à travers des chansons vitaminées faites d'un subtil mélange entre légèreté de ton et profondeur des thèmes abordés. POUR CEUX QUI AIMENT Sophie Forte, Henri Dès
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Capté à Munich en Juillet 2009, voici une étonnante représentation de l'exigent opéra de Hans Pfitzner, Palestrina. 38 solistes, un grand choeur et l'orchestre philarmonique de Bavière pour une mise en scène ambitieuse de Christian Stuckl, cet opéra qui s'inscrit dans la fin du romantisme raconte l'histoire fictive de Giovanni Pierluigi da Palestrina, l'un des plus importants compositeurs de musique sacrée de la Renaissance italienne, qui, dans ce livret, craint de voir disparaître son pouvoir créatif d'artiste et sa place dans la société de l'époque. Un tourment existentiel parfaitement interprété par l'imposant Chistopher Ventris dans le rôle de Palestrina et la convaincante mise en scène résolument «pop art» de Christian Stuckl.
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Réédition d'un disque mémorable par un ensemble légendaire ! Accompagnés par un bouquet d'instrumentistes et de voix sous la direction de Claudio Cavina, les membres historiques de La Venexiana ont effectué un parcours mémorable dans cette forêt musicale qu'est la Selva morale e spirituale de Claudio Monteverdi. Au lieu de suivre l'ordre de l'édition imprimée, La Venexiana a préféré organiser son contenu en trois grands volets liturgiques ayant un caractère autonome. Les deux premiers disques incluent deux offices de vêpres, le programme du troisième disque se construit pour la plupart autour de la Messe a? 4 voix. Il en résulte une Missa solemnis grandiose !
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Les deux albums du groupe Vega ont été encensés par la presse rock spécialisée. Ce nouvel album a été gravé tout au long de deux sessions distinctes d'une semaine; il inclut un titre écrit par le chanteur de Def Leppard Joe Elliott, ainsi qu'un duo sur lequel Elliott apparait aux côtés du chanteur de Vega, Nick Workman. John Mitchell, le leader su groupe It Bites, a produit l'album, avant de passer la main à Harry Hess du groupe Harem Scarem pour le mastering final. Une petite bombe de hard rock mélodique et une production haut de gamme par un groupe expérimenté qui a tourné aux côtés de FM, Tesla, Saxon, Michael Schenker, etc.
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Glossa réédite à présent, dans la collection Cabinet, l’un de ses disques les plus emblématiques et, sans l’ombre d’un doute, l’un des enregistrements les plus mémorables de l’Orchestre du XVIIIe siècle de Frans Brüggen. Après une introduction longue et d’une grande beauté où résonnent la Maurerische Trauermusik et l’Adagio pour 2 clarinettes et 3 cors de basset, Brüggen effectue une lecture saisissante du Requiem - en incluant l’Introitus, le Tractus et l’Offertorium en version de plain-chant -, qui s’est imposée comme l’une des versions de référence de l’oeuvre. En ce jour de mars 1998, le Metropolitan Art Space de Tokyo vécut un moment d’authentique magie, parfaitement recueilli par les micros de la NHK Télévision y que nous pouvons à présent expérimenter avec délice.
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L'oeuvre pour piano fascinante d'Antoine Reicha revisitée par Ivan Ilic Ivan Ilic se penche sur un aspect crucial de la musique d'Antoine Reicha : la manière dont la musique contrapuntique de Bach a inspiré l'esprit éclectique et fertile de Reicha. Si la plupart des études se composent d'un prélude couplé à une fugue, leur variété offre à l'album une grande diversité, et dévoile le génie compositionnel d'Antoine Reicha. Les humeurs et textures inattendues cohabitent avec des canons sophistiqués, des chaconnes et des menuets... Les interprétations uniques d'Ilic sont soutenues par des notes de livret éclairantes, écrites par le pianiste lui-même, mettant en lumière les moments importants de la vie du compositeur.
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Le premier album du jeune talent de Baltimore : une voix héritée de Tame Impala sur des productions à la croisée de Prince et Blood Orange. Le jeune auteur/compositeur multi-instrumentiste de 19 ans Julien Chang présente son premier album en totale auto-production sur le label Transgressive (KOKOKO!, Flume, Julia Jacklin). Aux influences se situant aussi bien du côté de Georges Martin que de Quincy Jones et Dr Dre, l'artiste nous emporte dans un univers rêveur et évasif à l'aide de mélodies profondes, minutieuses et addictives. Doté d'une voix accrocheuse et d'un talent certain pour la composition, Julien Chang instaure dès les premières notes une atmosphère vaporeuse et psychédélique.
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Le premier album du jeune talent de Baltimore : une voix héritée de Tame Impala sur des productions à la croisée de Prince et Blood Orange. Le jeune auteur/compositeur multi-instrumentiste de 19 ans Julien Chang présente son premier album en totale auto-production sur le label Transgressive (KOKOKO!, Flume, Julia Jacklin). Aux influences se situant aussi bien du côté de Georges Martin que de Quincy Jones et Dr Dre, l'artiste nous emporte dans un univers rêveur et évasif à l'aide de mélodies profondes, minutieuses et addictives. Doté d'une voix accrocheuse et d'un talent certain pour la composition, Julien Chang instaure dès les premières notes une atmosphère vaporeuse et psychédélique.
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Un après The Stage Names proclamé meilleur album de l'année par Pitchfork, OKKERVIL RIVER sort son 5ème album. The Stand-Ins, traduction 'les doublures', est en fait le pendant, le frère jumeau de The Stage Names que WILL SHEF et JONATHAN MEIBURG avait hésité à sortir sous la forme d'un double album. Ainsi The Stand-Ins reprend-il les mêmes thèmes et formules : l'entertainement, l'espoir qu'il dessine et ses désillusions. L'écriture est encore une fois parfaitement maîtrisée, simple et rafraichissante. Le titre 'Lost Coastline', évoquant quant à lui les joies et les tumultes du groupe, sera le chant du cygne de MEIBURG qui quitte OKKERVIL RIVER pour se consacrer entièrement à SHEARWATER.
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Un après The Stage Names proclamé meilleur album de l'année par Pitchfork, OKKERVIL RIVER sort son 5ème album. The Stand-Ins, traduction 'les doublures', est en fait le pendant, le frère jumeau de The Stage Names que WILL SHEF et JONATHAN MEIBURG avait hésité à sortir sous la forme d'un double album. Ainsi The Stand-Ins reprend-il les mêmes thèmes et formules : l'entertainement, l'espoir qu'il dessine et ses désillusions. L'écriture est encore une fois parfaitement maîtrisée, simple et rafraichissante. Le titre 'Lost Coastline', évoquant quant à lui les joies et les tumultes du groupe, sera le chant du cygne de MEIBURG qui quitte OKKERVIL RIVER pour se consacrer entièrement à SHEARWATER.
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Avec leurs deux albums Transparent Things (2006) et Lightbulbs (2008), le duo de Brighton (devenu quatuor) s'est imposé comme l'un des meilleurs représentants de la scène électro rock aux côtés de LCD SOUNDSYSTEM ou HOT CHIP. Plébiscité par JAMES MURPHY (LCD SOUNDSYSTEM, DFA Records) ou TIGA, le groupe dessine aujourd'hui un paysage encore plus sombre que les précédents. A l'image de Sixteen Shades Of Black And Blue dont le teaser a crée le buzz sur la toile, ce nouvel opus mêle Krautrock, électro, soul et imagerie rétro-futuriste digne de DEVO. Pour la première fois entouré d'un producteur (THOM MONAHAN), FUJIYA & MIYAGI signe ici l'album électro de ce début d'année 2011.
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Le rap mélodique et funky de Mixcity Mixcity est un groupe français, originaire de Nantes, Jazz - Hiphop - Slam au groove envoûtant. Pour cet album, le clavieriste Jean-Patrick Cosset, originaire de Nantes, et son groupe Mixcity décident de revenir aux racines du groove, enrichies par cette vision moderne de l'électro hexagonale. Des moments jazzy teintés de boucles électro, des influences hip hop et pop, Mixcity est souvent comparé à Erik Truffaz ou Herbalizer. Les instruments (guitare et voix / basse / claviers / batterie) restent omniprésents et, marque de fabrique de Mixcity, proposent un répertoire ouvert, des mélodies catchy efficaces qui s'enchaînent comme un carnet de voyage aux milles couleurs.
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Redécouvrez l'adolescence au travers de la pop sublime de The Goon Sax Composé de James Harrison, Louis Forster et Riley Jones, le groupe australien a sorti en 2016 son premier album Up To Anything alors qu'ils étaient toujours au lycée. Ce succès leur a permis de faire une tournée britannique et européenne ainsi que de jouer avec Whitney, US Girls, Twerps ou encore Teenage Fanclub. Le jeune trio délivre avec personnalité une indie pop sublime et brosse avec un charme et un émerveillement poignant l'angoisse existentielle adolescente. We're Not Talking est un album réalisé par des artistes passionnés et dépassant toutes les attentes. POUR CEUX QUI AIMENT Rolling Blackouts Costal Fever, Twerps, The Clean, The Bats
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Inclus trois chef d'oeuvres du King : Elvis, King Creole et Blue Hawaii Elvis Presley (Tupelo, Mississippi, 8 janvier 1935 - Memphis, Tennessee, 16 août, 1977) a été la première véritable star du rock & roll et a eu à ce titre un impact culturel énorme sur l'histoire de la musique. Il s'est produit avec une sexualité naturelle qui a fait de lui une idole des adolescents et un modèle pour des générations de rebelles cool. Ses interprétations énergiques combinées à un mélange singulièrement puissant d'influences, durant une ère de transformation de la société américaine, l'ont rendu extrêmement populaire et controversé. Des années d'abus de médicaments ont détériorer sa santé et ont provoqué sa mort en 1977 dans sa résidence de Graceland à l'âge de 42 ans.
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Somptueux coffret consacré au claviériste et compositeur américain George Duke (1946-2013). Dans un boîtier entoilé composé de six vinyles respectant les 180 grammes, nous avons pu constater à quel point cet interprète est bien plus que le précurseur du smooth jazz. Provenant de la firme MPS, ce qui est un gage de qualité, tout oscille entre le « gros funk » entrecoupé de musique brésilienne. Entouré de quelques costauds comme la chanteuse Flora Purim, le percussionniste Airto Moreira ou le guitariste Daryl Sterman, George Duke donne des couleurs appréciables aux années de Face In Reflection, Feel, Liberated Fantaisies et le titre phare : The Era Will Prevail. Pour collectionneurs avertis.
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Navigation spirituelle entre blues créole, jazz et folk traditionnel de la Nouvelle Orléans The Capitalist Blues est le titre du troisième album de Leyla McCalla. Inspiré par le climat socio-politique tendu des états-Unis, il raconte les effets psychologiques et émotionnels de la vie dans une société capitaliste où l'argent est roi et les plus pauvres laissés pour compte. Refusant le pessimisme et le cynisme, et transcendant leur propre mélancolie, ces chansons véhiculent l'espoir humain sous toutes ses formes, en anglais comme en créole. The Capitalist Blues révèle un côté plus physique de la musique de McCalla, amplifié par une voix et des mélodies soulignant avec poésie ces protest songs.
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« Je est un autre » Kreisleriana op.16 : La plupart des oeuvres que Robert Schumann (1810-1856) composa pour le piano sont « les paraphrases des poèmes qu'il n'a pas écrits ». Ceci s'applique particulièrement aux « Kreisleriana » op.16 qui tirent leur nom de Kreisler, le musicien fou inventé par l'écrivain E. T. A. Hoffmann (1776-1822). L’un, Robert Schumann, est un compositeur qui écrit. L’autre, E.T.A Hoffmann, un écrivain qui compose. Pour qu’ils confluent artistiquement, encore fallait-il qu’un pont soit jeté entre eux, et c’est Schumann qui a construit ce pont avec les Kreisleriana. La dualité, le plus souvent conflictuelle, est au coeur de cette oeuvre, celle de Kreisler avec la société, de Robert avec le père de Clara, de Schumann avec Hoffmann, de Florestan et d’Eusébius, de Robert avec Schumann, anticipant le « Je est un autre » rimbaldien. « La forêt est un état d’âme » Scènes de la forêt op.82 » : Figure emblématique du romantisme allemand comme l’était ETA Hoffmann, le peintre Caspar David Friedrich était mort il y a huit ans quand Schumann composa en 1849 les « Scènes de la forêt ». Mais en écoutant cette oeuvre, il est impossible de ne pas penser à son tableau « Le chasseur dans la forêt » où figurent un oiseau au premier plan et, dans le lointain, un chasseur. Avec toute sa symbolique de mystère et d’inconscient, la forêt, « qui est un état d’âme » comme écrira si justement le philosophe Gaston Bachelard, est un des grands thèmes du romantisme et il n’y a rien d’étonnant à ce que Schumann s’en soit emparé. « Cette obscure clarté qui tombe des étoiles » Variations sur le thème des esprits WoO 24 : marquées d’un sceau tragique, les « Variations des esprits » sont la dernière oeuvre pour piano écrite de Robert Schumann. Dans la nuit du 17 au 18 février 1854, il entend des voix d’anges lui dicter un thème en mi bémol majeur insufflé par Schubert et Mendelssohn. Il le « note » quelques jours plus tard, probablement vers le 22 ou 23 février. Le 27, il poursuit son travail de variation qu’il interrompt soudain pour sortir de chez lui et il se jette dans le Rhin. Sauvé par les mariniers, il est ramené chez lui. Le 4 mars, il est interné à sa demande dans l’asile du Docteur Richarz à Endenich, près de Bonn, dont il ne sortira plus et où il mourra deux ans plus tard. Suzana Bartal est un des talents montants de la nouvelle génération. Née en 1986 à Timisoara (Roumanie) dans une famille d’origine hongroise, elle a commencé ses études musicales dans sa ville natale. Elle donne son premier récital solo à l’âge de 12 ans et à 13 ans, son premier concert en soliste avec orchestre. Elle s’installe en France en 2005 où elle étudie avec Denis Pascal, Pierre Pontier et Florent Boffard à Paris et à Lyon au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse. Entre 2011 et 2014 Suzana se perfectionne auprès de Peter Frankl à l’Université Yale aux Etats-Unis où elle enseigne également en 2013 et 2014. Elle est distinguée par le Prix d’excellence Harriet Gibbs de l’Université Yale. En 2013, Suzana Bartal a remporté le concours New York Concert Artists Concerto Competition et a fait ses débuts avec orchestre à New York. Elle a également gagné le Woolsey Concerto Competition, ce qui lui a permis de se produire avec orchestre sous la direction de Peter Oundjian. Lauréate de la prestigieus bourse de la Yamaha Music Foundation of Europe, Suzana a également bénéficié du soutien de la Fondation Nadia et Lili Boulanger, de l’ADAMI et de la Williamson Foundation.
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Power Crazy est le quatrième album des hard rockers britanniques The Treatment. Couplant puissance sonore et goût fou pour les riffs infectieux, The Treatment nous offre le meilleur du hard rock. La première écoute révèle instantanément les ingrédients essentiels d'un album de hard rock classique : des riffs, des refrains énormes et des chansons qui vont droit au but. Power Crazy est le premier album de The Treatment avec le nouveau chanteur Tom Rampton. Avec sa voix râpeuse qui rappelle le son classique de Bon Scott, vous pouvez être assuré qu'il sait comment monter haut sur l'attaque de guitare des guitaristes Tao et Tagore Grey.
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Né en Arizona, TIM DARCY est aujourd’hui installé à Montréal, ville dans laquelle il a étudié et surtout, rencontré les membres de son groupe Ought, en 2012. Dans Saturday Night, chacun des dix morceaux de l’album est sinueusement relié au suivant. La voix de Darcy, ferme, indubitable, au phrasé lyrique, est à la base du projet. TIM DARCY en fait trop, il crie et joue le crooner, il démontre que rien n’est laissé au hasard. Et pourtant, ses chansons ont quelque chose de doux et de musical. Son lyrisme ironique flotte agilement au-dessus des refrains de guitares nasillards, terriblement accrocheurs, et des quelques éléments synthétiques de la musique. Pour ceux qui aiment : Ought, The Strokes, The Libertines, The Growlers, The Velvet Underground, The Last Shadow Puppets...
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Redécouvrez l'adolescence au travers de la pop sublime de The Goon Sax Composé de James Harrison, Louis Forster et Riley Jones, le groupe australien a sorti en 2016 son premier album Up To Anything alors qu'ils étaient toujours au lycée. Ce succès leur a permis de faire une tournée britannique et européenne ainsi que de jouer avec Whitney, US Girls, Twerps ou encore Teenage Fanclub. Le jeune trio délivre avec personnalité une indie pop sublime et brosse avec un charme et un émerveillement poignant l'angoisse existentielle adolescente. We're Not Talking est un album réalisé par des artistes passionnés et dépassant toutes les attentes. POUR CEUX QUI AIMENT Rolling Blackouts Costal Fever, Twerps, The Clean, The Bats
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Troisième album d'un des groupes les plus gonflés du 21ème siècle, HEAVY TRASH, le groupe formé par JON SPENCER (Blues Explosion, Pussy Galore, Boss Hog) et le guitare hero trash MATT VERTA-RAY (Speedball Baby). Sur Midnight Soul Serenade, Jon Spencer & Matt Verta-Ray continuent de mettre à sac le blues et le rock'n'roll 50s et 60s ainsi que le punk 70's, et personne ne le fait mieux qu'eux !Jon Spencer est un des dernier grands du rock'n'roll et Midnight Soul Serenade et à ranger à coté de Orange. Pour beaucoup de critique, Midnight Soul Serenade est son meilleur album depuis Orange
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Troisième album d'un des groupes les plus gonflés du 21ème siècle, HEAVY TRASH, le groupe formé par JON SPENCER (Blues Explosion, Pussy Galore, Boss Hog) et le guitare hero trash MATT VERTA-RAY (Speedball Baby). Sur Midnight Soul Serenade, Jon Spencer & Matt Verta-Ray continuent de mettre à sac le blues et le rock'n'roll 50s et 60s ainsi que le punk 70's, et personne ne le fait mieux qu'eux !Jon Spencer est un des dernier grands du rock'n'roll et Midnight Soul Serenade et à ranger à coté de Orange. Pour beaucoup de critique, Midnight Soul Serenade est son meilleur album depuis Orange
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Les JAGA JAZZIST, qui avaient toujours manifesté leur envie de collaborer avec un orchestre, ont sauté sur l'occasion lorsqu'ils furent présentés à l'un des orchestres les plus respectés au monde, le BRITTEN SINFONIA. Ce dernier accepta d'accompagner les dix membres de la non moins célèbre formation norvégienne saluée par l'ensemble de la presse spécialisée pour ses compositions innovantes naviguant entre Jazz et Trip-Hop. Le résultat est aujourd'hui disponible avec ce live titanesque dans lequel on redécouvre les meilleurs morceaux de JAGA JAZZIST, magnifiquement retravaillés. La musique respire la passion et chaque musicien apporte une pierre essentielle à ce colossal édifice. Un grand moment !
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L'intégrale des oeuvres pour orgue de Gaston Litaize par Marie-Ange Leurent et Eric Lebrun. Ce projet discographique rend hommage, à l'occasion du centenaire de sa naissance, à l'un des plus grands organistes du XXème siècle. Illustre virtuose aveugle, compositeur tôt reconnu par ses pairs (il a remporté le Grand Prix de Rome de composition musicale), responsable des émissions religieuses de l'ORTF durant plusieurs décennies, Gaston Litaize occupe une place de choix dans l'histoire de la musique sacrée. Les excellents organistes M.A. Leurent et E. Lebrun, ses anciens élèves, rendent hommage à l'un des plus grands organistes du XXème siècle avec cet enregistrement de l'ensemble de ses oeuvres.
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Ce disque constitue le troisième enregistrement harmonia mundi consacré à Thierry Pécou, dont la Symphonie du Jaguar avait déjà obtenu un Diapason d'or remarqué en 2010. Le compositeur d'ascendance caribéenne n'a eu de cesse d'élargir ses sources d'inspiration vers l'Amérique latine, notamment en direction du Mexique dont on entend les échos dans L'Arbre aux fleurs ou dans Soleil-Tigre. Mais c'est bel et bien le Brésil qui est à l'origine du concerto carnaval Tremendum, oeuvre phare du programme présentée ici dans une nouvelle version réalisée spécialement par Pécou pour les Percussions Claviers de Lyon.
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Amanda Somerville est une chanteuse et compositrice américaine, bien connue pour ses collaborations avec de nombreux groupes de métal célèbres, parmi lesquels Avantasia, Epica, Kamelot ou After Forever, sans oublier son travail incroyable avec le chanteur d'Helloween Michael Kiske dans le cadre du projet Kiske/Somerville. Avec sa tessiture allant de tenor à soprano, l'artiste est capable de chanter dans des registres très divers, même si Trillium est fermement ancré dans le métal. Les fans du premier album de Trillium, Alloy, ainsi que d'artistes comme The Dark Element, Tarja, ou Cellar Darling trouveront sûrement leur bonheur avec ce bel album.
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DECOUVREZ LE PROJET DE RACHEL GOSWELL (SLOWDIVE) ET STEVE CLARKE The Soft Cavalry, composé de Steve Clarke et de sa femme Rachel Goswell (Slowdive), présente leur premier projet éponyme. Enregistré avec la participation du pianiste Jesse Chandler (Mercury Rev, Midlake), du guitariste Tom Livermore, du batteur Stuart Wilkinson et du producteur/frère de Steve Michael, l'album oscille entre introspection amoureuse et exercice de création grâce au talent de Steve catalysé par Rachel. Entre Pink Floyd, Talk Talk et R.E.M., l'album est une balade émouvante et mélancolique qui forme pour les deux artistes un aboutissement créatif.
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DECOUVREZ LE PROJET DE RACHEL GOSWELL (SLOWDIVE) ET STEVE CLARKE The Soft Cavalry, composé de Steve Clarke et de sa femme Rachel Goswell (Slowdive), présente leur premier projet éponyme. Enregistré avec la participation du pianiste Jesse Chandler (Mercury Rev, Midlake), du guitariste Tom Livermore, du batteur Stuart Wilkinson et du producteur/frère de Steve Michael, l'album oscille entre introspection amoureuse et exercice de création grâce au talent de Steve catalysé par Rachel. Entre Pink Floyd, Talk Talk et R.E.M., l'album est une balade émouvante et mélancolique qui forme pour les deux artistes un aboutissement créatif.
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La musique médiévale portée par une jubilation du jeu instrumental, c'est la promesse du duo Anne-Suse Enßle et Philipp Lamprecht Le Duo Enßle-Lamprecht présente une mosaïque d’oeuvres médiévales profanes et sacrées et les fait revivre avec pour notre ouïe contemporaine. Avec des sonorités intrumentales captivantes et une vraie richesse de timbre, ils emportent l’auditeur dans un autre monde. Ce qui anime le duo Anne-Suse Enßle (flûte à bec) et Philipp Lamprecht (percussions) c’est avant tout un véritable plaisir de jouer. Avec une pléthore d’instruments, regroupant les flûtes et les instruments de percussion les plus variés, ils retissent la trame de nos habitudes auditives, entre musique médiévale et musique expérimentale.
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KARIN et OLOF DREIJER, la fratrie suédoise composant le duo THE KNIFE, proposent enfin la version du live mémorable de leur dernier album Shaking The Habitual au Terminal 5 à New-York. Le groupe déconstruit toutes les conventions attachées à la musique électronique en créant un spectacle total immergeant le spectateur dans la danse et le psychédélisme. THE KNIFE se transforme le temps d’un show en une troupe unie de 11 danseurs, chanteurs, et musiciens qui invite à la fête chorégraphiée. A l’aide d’instruments pop créés spécialement pour l’occasion par Bella Rune et de chorégraphies puisant aussi bien dans la comédie musicale de Broadway que de Bollywood, THE KNIFE allie savamment performance électronique et concert live.
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La musique néo-grégorienne d'Arvo Pärt subtilement interprétée par Viktoria Mullova Consacré à la musique pour violon d'Arvo Pärt, le nouvel album de Viktoria Mullova explore les oeuvres issues de l'étude de la musique médiévale sacrée. Ces pièces sont qualifiées par Pärt lui-même de style tintinnabuli; concept qu'il a développé dans les années 1970 et qui fait référence aux trois notes d'une triade qui résonnent telles des cloches. Le compositeur minimaliste ne travaille qu'avec peu d'éléments : une ou deux voix, une tonalité spécifique, des battements silencieux... Devenues des pièces emblématiques du répertoire contemporain, les oeuvres de Pärt présentes sur cet album ont été enregistrées en présence du compositeur.
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Le disque officiel de la Folle Journée de Nantes est une rencontre au sommet sur les chants d’exil de Schubert Balade musicale en compagnie de la pianiste Claire-Marie Le Guay et du violoncelliste François Salque qui rendent hommage à Schubert. Sur le thème du cheminement de l’exil, la paire chambriste met en oeuvre toutes ses qualités d’expression pour donner à des lieds de Schubert, dont le célèbre Wanderer, une lecture instrumentale dans laquelle le violoncelle prend la place de la voix humaine. Avec un choix très raffiné du répertoire, des mélodies éternelles, un romantisme jamais surjoué et une science du son, le duo Marie- Claire Le Guay et François Salque nous livrent le meilleur de Schubert, en partition et en esprit.
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POST ART ROCK PROGRESSIF TRANSALPIN DE PREMIERE CLASSE Formé en Italie en 2002 par Giancarlo Erra, Nosound élabore une musique originale et attractive à base d'éléments puisés aussi bien dans le rock progressif, que l'ambiant ou encore le post rock. Cette nouvelle galette s'avère être l'outil idéal pour découvrir le riche univers de Nosound, puisque cet album est une relecture live de quelques uns des meilleurs morceaux de leur discographie. Enregistré l'été 2014 sur l'ile de Ténérife en haut de l'observatoire Teide dans le cadre du festival Starmus. Le DVD bonus contient un mix 5.1 du concert ainsi qu'un docu de 35 minutes avec 5 titres filmés de ce concert.
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Né en Arizona, TIM DARCY est aujourd’hui installé à Montréal, ville dans laquelle il a étudié et surtout, rencontré les membres de son groupe Ought, en 2012. Dans Saturday Night, chacun des dix morceaux de l’album est sinueusement relié au suivant. La voix de Darcy, ferme, indubitable, au phrasé lyrique, est à la base du projet. TIM DARCY en fait trop, il crie et joue le crooner, il démontre que rien n’est laissé au hasard. Et pourtant, ses chansons ont quelque chose de doux et de musical. Son lyrisme ironique flotte agilement au-dessus des refrains de guitares nasillards, terriblement accrocheurs, et des quelques éléments synthétiques de la musique. Pour ceux qui aiment : Ought, The Strokes, The Libertines, The Growlers, The Velvet Underground, The Last Shadow Puppets...
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« Tristeza on Guitar » est l'album qui a révélé internationalement Baden Powell. Le guitariste, auteur de « Samba triste » quelques années avant, poursuit son chemin dans son style caractéristique entre swing et samba. L’album dans son entier est un jeu d’alternance entre bossa nova (style que l’artiste lui-même a contribué à définir) et racines africaines et amérindiennes. Accompagné par des compositeurs comme Luiz Bonfa, Antonio Maria, Vinicius de Moraes ou encore par le producteur Joachim-Ernst Brendt, l’album est un gage de virtuosité et d’originalité que l’on retrouve dans les musiques brésiliennes, souvent méconnues. Pour les fans de : Vinicius De Moraes // Hermeto Pascoal // Joao bosco
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Deux ans après In the Future, disque salué unanimement à la fois par la presse et le public voici le troisième album du quintet, avec Randall Dunn (Boris, Sunn O))), Kinski) et Dave Sardy (Oasis, Wolfmother, LCD Soundsystem) à la production, Wilderness Heart et ses vignettes rock aux accents tour à tour folk et métal se retrouvent propulsés sur un piédestal. Ce nouvel album est sans conteste le disque le plus concentré du groupe, qui se démarque une nouvelle fois de ses vastes influences, de New Order à Janis Joplin, d'Alex Chilton à Dennis Wilson, pour n'en citer que quelques-uns. Un disque qui joue avec le chaud et froid entre digression heavy « Sabbathien » 70's et envolées pop !
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