This Is The Kit est le projet musical de Kate Stables (chant, banjo, guitare, basse, violon,percussions) originaire de Bristol, mais parisienne depuis une dizaine d’années, accompagnée de son collaborateur habituel Jesse D.Vernon. Le groupe sort son premier album, Krulle Bol, sur la label français Microbe en 2008 produit par John Parish que l’on retrouve par ailleurs aux manettes de ce nouvel album. Un second album suit en 2011 avec la collaboration de plusieurs artistes dont François & The Atlas Mountain ou encore Jim Barr, bassiste de Portsihead. Enfin, Bashed Out, paru en 2015 et produit par Aaron Dessner de The National, leur permet d’asseoir une certaine notoriété, l’album étant considéré comme l’un des meilleurs albums anglais de cette année-là. Pour ce nouvel opus, Kate Stables et son groupe (Rozi Plain, Jamie Whitby-Coles, Neil Smith and Jesse D Vernon) sont retournés en studio à Bristol, accompagné de John Parish. On notera également la présence à la guitare d’Aaron Dessner sur six titres de Moonshine Freeze. Ce classieux quatrième album (premier sur le label Rough Trade) s’ouvre sur le sublime Bullet Proof qui, dès les premières notes, emporte l’auditeur dans un fantastique voyage sonore teinté d’une folk chaude et réconfortante. L’atout de This Is The Kit reste comme à son habitude la voix de Kate Stables, proche de sa musique, pure et profonde.

La nouvelle parution chez ECM de la compositrice Eleni Karaindrou réunit la musique originale écrite pour la pièce de théâtre Tous des oiseaux de Wajdi Mouawad et la musique du film Bomb, A Love Story de l'acteur et réalisateur iranien Payman Maadi. Tous des oiseaux est une fresque épique du metteur en scène libano-canadien Wajdi Mouawad sur fond de conflit israélo-palestinien, explorant la question des origines et de l'identité. Créée au Théâtre national de la Colline le 17 novembre 2017, la pièce a remporté un succès phénoménal auprès du public et de la critique. Elle a reçu notamment le prestigieux Grand Prix de la critique et le prix de la meilleure création d'éléments scéniques. La musique originale d'Eleni Karaindrou, enregistrée en studio à Athènes, y joue un rôle romanesque et dramatique essentiel. La musique du film Bomb, A Love Story, dont la première a eu lieu à Téhéran le 3 février 2018, a été quant à elle nominée aux Asia Pacific Screen Awards. Dans les deux compositions, l'orchestre à cordes forme le pilier de l'oeuvre, avec le premier violon Argyo Seira, au côté de musiciens talentueux et fidèles aux projets de la compositrice. Eleni Karaindrou joue également au piano dans certaines de ses pièces. Le producteur Manfred Eicher a contribué à façonner le contour final des deux créations en studio, tel un chef d'orchestre invisible.

This Is The Kit est le projet musical de Kate Stables (chant, banjo, guitare, basse, violon,percussions) originaire de Bristol, mais parisienne depuis une dizaine d’années, accompagnée de son collaborateur habituel Jesse D.Vernon. Le groupe sort son premier album, Krulle Bol, sur la label français Microbe en 2008 produit par John Parish que l’on retrouve par ailleurs aux manettes de ce nouvel album. Un second album suit en 2011 avec la collaboration de plusieurs artistes dont François & The Atlas Mountain ou encore Jim Barr, bassiste de Portsihead. Enfin, Bashed Out, paru en 2015 et produit par Aaron Dessner de The National, leur permet d’asseoir une certaine notoriété, l’album étant considéré comme l’un des meilleurs albums anglais de cette année-là. Pour ce nouvel opus, Kate Stables et son groupe (Rozi Plain, Jamie Whitby-Coles, Neil Smith and Jesse D Vernon) sont retournés en studio à Bristol, accompagné de John Parish. On notera également la présence à la guitare d’Aaron Dessner sur six titres de Moonshine Freeze. Ce classieux quatrième album (premier sur le label Rough Trade) s’ouvre sur le sublime Bullet Proof qui, dès les premières notes, emporte l’auditeur dans un fantastique voyage sonore teinté d’une folk chaude et réconfortante. L’atout de This Is The Kit reste comme à son habitude la voix de Kate Stables, proche de sa musique, pure et profonde.

Francisco José de Castro, musicien sévillan du XVIIe siècle, abandonna sa ville natale pour Brescia, au nord de l’Italie, où il perfectionna ses études et composa de la musique de chambre. L’oeuvre de ce compositeur violoniste permet à Emilio Moreno d’explorer un nouveau volet du monde inconnu qu’est le baroque espagnol. La publication en 1695 des dix sonates en trio da camera formant les Trattenimenti armonici, opus 1 par l’un des grands éditeurs de Bologne, confirme la réputation de Castro comme continuateur du style innovant de Arcangelo Corelli. Ces oeuvres sont, à notre connaissance, les seules sonates composées par un musicien espagnol du XVIIe siècle. Les sonates, qui possèdent la forme caractéristique de la suite de danses - certaines, alla francese - précédées d’un prélude, reflètent la fascination du jeune sévillan pour le stylus phantasticus et la nouvelle virtuosité du violon italien. Ces innovations que Castro a pu goûter en Espagne, grâce au contact avec des violonistes italiens, se révélèrent dans toute leur splendeur à Brescia. Dans ces interprétations, La Real Cámara - comme toujours chez Glossa - est dirigée par deux virtuoses orfèvres en la matière, Emilio Moreno et Enrico Gatti, splendidement soutenus par Mercedes Ruiz et les frères Pablo et Aarón Zapico. Pour Moreno, Castro est « le Corelli espagnol », titre attesté par sa musique élégante et imaginative, imprégnée d’un génie harmonique et mélodique toujours influencé, et rythmé ! par sa « muse espagnole ».

Avec plus de 9 millions d'abonnés sur sa chaîne Youtube et des vidéos qui comptabilisent plus de 1,3 milliard de vues, il n'est guère exagéré de qualifier Lindsey Stirling de phénomène. D'autant que la belle n'est pas une star Rn'B dont la seule ligne sur un CV serait une plastique irréprochable : Lindsay est une violoniste et compositrice de talent, dont la polyvalence musicale l'emmène sur les chemins du classique, de la pop, du folk, de l'électro et même du hip-hop Lindsey s'est fait connaître dans l'émission America's Got Talent en juin 2010- et même si elle ne remporta pas le concours, ses prestations vibrantes et habitées marquèrent les esprits. Elle a aujourd'hui, publié trois albums et d'innombrables participations, de John Legend à Céline Dion en passant par Marina Kaye - et les plus jeunes ont adoré son dernier clip, dans lequel elle reprend le thème de la Belle et la bête en campant une Belle aussi crédible qu'Emily Watson. Sa liberté, son ouverture d'esprit, son éclectisme et sa modernité ont surtout contribué à rendre le violon très populaire auprès de ses jeunes fans, qui devraient lui faire un triomphe. Elle publie son premier album de Noel Warmer In The Winter . La violoniste férue d'électro y interprète certaines des plus célèbres chansons de Noël telles que Jingle Bell Rock, Silent Night, You're a Mean One, Mr. Grinch et Let It Snow ainsi que de nouvelles compositions. L'album bénéficie de la participation de prestigieux invités comme Sabrina Carpenter, Trombone Shorty et Alex Gaskarth du groupe All Time Low.

CLAUDIO ABBADO : SES PREMIèRES ANNéES, ENREGISTREMENTS INéDITS & 1èRES PUBLICATIONS EN CD; UN TéMOIGNAGE UNIQUE SUR LES DéBUTS DU LéGENDAIRE CHEF D'ORCHESTRE ITALIEN Les enregistrements publiés ici permettent d'entendre Claudio Abbado en tout début de carrière, tant comme pianiste que comme chef d'orchestre. Abbado était encore élève au conservatoire lorsqu'il commença à participer comme pianiste aux concerts organisés par son père Michelangelo, qui avait fondé l'Orchestre à cordes de Milan. Le Concerto en sol de Cambini, enregistré en 1955 pour la Columbia française, est publié ici pour la première fois en CD, ce qui en fait le tout premier témoignage de l'activité d'Abbado. Pendant ses années d'apprentissage, Abbado joua souvent en privé avec des amis et collègues de conservatoire comme Bruno Canino. Aux programmes de ces années figuraient souvent les concertos pour deux, trois et quatre claviers de Bach, souvent sur des pianos modernes. L'enregistrement du Concerto BWV 1065, issu d'un vinyle édité par l'Angelicum en 1962 et proposé aujourd'hui sur CD, revêt une importance particulière du fait qu'il est exécuté sur quatre clavecins. L'activité musicologique de Michelangelo Abbado l'avait conduit à publier des éditions critiques de certains concertos de Tartini. Notre CD propose le tout premier enregistrement de son fils Claudio en qualité de chef d'orchestre : trois concertos pour violon avec le magnifique Franco Gulli, l'un des plus grands solistes italiens de cette époque.

Redécouvrez les quatre albums légendaires de la Reine de la Morna, diva internationale et emblème de la musique capverdienne, dans une réédition vinyle 2018 ! Surnommée la Diva aux pieds nus, Cesaria évora a été une véritable ambassadrice de son pays à travers le monde. La chanteuse capverdienne est née le 27 août 1941 à Mindelo, au Cap-Vert. Fille d'un joueur de cavaquinho (petite guitare) et de violon, elle chante dans les bars depuis ses 14 ans. Elle est très vite remarquée pour sa voix alerte et son joli physique, et sera découverte par le compositeur et guitariste Ti Goy qui la prend sous son aile et l'emmène chanter à la radio, ou à bord des bateaux portugais ancrés dans la baie. Quand le public européen la découvre, en 1988, elle a 47 ans. Depuis, Cesaria a vendu plus de 5 millions et demi d'albums. Sa plus célèbre chanson, Sodade, chantée en créole, évoque le transfert forcé des travailleurs capverdiens dans les années 1950 vers les plantations de cacao de Sao Tomé-et-Principe. Une chanson qui se définira à jamais comme un classique dans le répertoire mondial. Après une longue vie itinérante, remplie de concerts et de tournées qui la mène aux 4 coins du monde, la reine de la morna décède en 2011 dans sa ville natale de Mindelo sur l'île de Sao Vicente. Miss Perfumado (1992) : Le quatrième album de Cesaria, vendu à plus de 300 000 exemplaires dans le monde, propulsera la chanteuse sur la scène internationale. L'album inclut les classiques Sodade et Angola, qui permettront à la diva d'obtenir son premier disque d'or en France.

Redécouvrez les quatre albums légendaires de la Reine de la Morna, diva internationale et emblème de la musique capverdienne, dans une réédition vinyle 2018 ! Surnommée la Diva aux pieds nus, Cesaria évora a été une véritable ambassadrice de son pays à travers le monde. La chanteuse capverdienne est née le 27 août 1941 à Mindelo, au Cap-Vert. Fille d'un joueur de cavaquinho (petite guitare) et de violon, elle chante dans les bars depuis ses 14 ans. Elle est très vite remarquée pour sa voix alerte et son joli physique, et sera découverte par le compositeur et guitariste Ti Goy qui la prend sous son aile et l'emmène chanter à la radio, ou à bord des bateaux portugais ancrés dans la baie. Quand le public européen la découvre, en 1988, elle a 47 ans. Depuis, Cesaria a vendu plus de 5 millions et demi d'albums. Sa plus célèbre chanson, Sodade, chantée en créole, évoque le transfert forcé des travailleurs capverdiens dans les années 1950 vers les plantations de cacao de Sao Tomé-et-Principe. Une chanson qui se définira à jamais comme un classique dans le répertoire mondial. Après une longue vie itinérante, remplie de concerts et de tournées qui la mène aux 4 coins du monde, la reine de la morna décède en 2011 dans sa ville natale de Mindelo sur l'île de Sao Vicente. Miss Perfumado (1992) : Le quatrième album de Cesaria, vendu à plus de 300 000 exemplaires dans le monde, propulsera la chanteuse sur la scène internationale. L'album inclut les classiques Sodade et Angola, qui permettront à la diva d'obtenir son premier disque d'or en France.

Certes, il y a les Quatre Saisons et tous ces concertos pour violon plus célèbres et virtuoses les uns que les autres. Mais c'est ici, dans sa production de concertos pour cordes seules (concerti per archi), qu'Antonio Vivaldi a montré son plus haut et plus pur talent d'écriture : concision, brio, profondeur et émotions immédiates. Un Vivaldi au firmament, servi ici avec passion et excellence par l'Accademia Bizantina. Les concerti per archi donnent à écouter des sensations diverses, des paysages multiformes, des petites histoires toujours nouvelles. Nous avons ici treize miniatures musicales dans lesquelles affleurent les influences de terres voisines et lointaines, et de cette mer qui entoure Venise : ainsi du concerto RV 163, appelé Conca, qui s'inspire du son de la conque marine, ou Wettertrompete, que Vivaldi avait eu l'occasion d'entendre en Bohême, et à laquelle les marins attribuaient le pouvoir d'apaiser ou de déchaîner les tempêtes. Les concertos pour viole d'amour (concerti per viola d'amore) sont d'un caractère plus mystérieux. Notamment parce que cet instrument fascinant est doté de cordes sympathiques qui vibrent de façon autonome lorsqu'on frotte les cordes mélodiques. Vivaldi, comme certaines de ses élèves - et comme Alessandro Tampieri! - était un grand virtuose de l'instrument, qui n'est toutefois utilisé que de façon anecdotique depuis le XIXe siècle. La sonorité douce, suggestive, évocatrice d'effets et de climats orientalisants de la viole d'amour trouve ici son apogée dans le poignant Largo du concerto RV 393, le final entraînant du concerto RV 394 ou le délicat Andante en ré mineur du concerto RV 395.

Yehudi Menuhin : The complete american Victor Recordings Nombre de disques : 6Yehudi Menhuin (1916-1999) Centenaire de sa naissance The Complete American Victor Recordings Entre sa naissance à New York, le 22 avril 2016 et sa disparition à Berlin le 12 mars 1999, Yehudi Menuhin, fils d'un modeste émigré russe, s'est transformé d'un enfant prodige au violon, (il fait ses débuts en concert à l'âge de 7 ans !) en une des figures majeures de la culture au XXe siècle. Il reste dans l'histoire, l'un des plus grands violonistes de son temps, mais aussi un éminent ambassadeur de la paix, ardent acteur du rapprochement entre Israël et Palestine, défenseur des droits civils, grand homme de la culture, anobli par la Reine d'Angleterre en 1993. Il sera particulièrement attaché à la France, où il vivra quelques années à partir de 1930. Il sera enrôlé dans l'armée américaine au cours de la seconde guerre mondiale, pour soutenir le moral des troupes alliées. Peu après il débutera une carrière de chef d'orchestre et créera à Paris en 1980, la fondation qui porte son nom et qui comptera parmi ses lauréats Nigel Kennedy, Laurent Korcia, Jean-Marc Luisada, notamment. Il sera fait Grand Officier de la Légion d'honneur en 1986. A l'occasion du Centenaire de sa naissance, parait le présent coffret de 6 CD, qui comprend de nombreux trésors musicaux, et des raretés comme ces 2 enregistrements inédits de 1949, de la Sonate « Printemps » et « Kreutzer » de Beethoven, où il est accompagné de sa soeur Hephzibah au piano.

Un roman profondément humain Eliott vit dans une drôle de famille, où on ne s’embrasse pas sur la joue et où on ne fête pas les anniversaires. Un jour, dans la cabane au fond du potager, Eliott trouve Yazid, un jeune terroriste qui revient de Syrie et se cache de la police. Yazid supplie Eliott de ne pas le dénoncer... Ce récit aborde un sujet d'actualité, le terrorisme, d'une manière nuancée et pédagogique. EXTRAIT La porte est toujours verrouillée, mais je sais qu’il suffit de soulever un pot où des géraniums achèvent de mourir. La clef est là, qui permet de pénétrer dans cet antre du parfait mauvais jardinier. Depuis la fin de l’été, mon père n’y met plus les pieds et je suis sûr qu’on ne m’y dérangera pas jusqu’à la fin du printemps. Cette fois, la clef n’était pas sous le pot. Ni à côté. Je l’ai cherchée à terre. Rien. Elle était sur la porte. Étrange. Avais-je oublié de la retirer la dernière fois que j’étais venu ? Non, car la porte n’était pas verrouillée. Bizarre. Il y avait quelqu’un à l’intérieur. Assis sur un sac, un garçon que je ne connaissais pas. — Que faites-vous là ? La question a résonné à mes oreilles comme une phrase de film. Mais que dire quand on est face à quelqu’un qui n’a pas à être là et qui ne justifie pas spontanément sa présence ? Pas de réponse à ma question. Je me suis approché du garçon. Il m’a regardé avec un air mauvais. Je me suis arrêté. J’attendais. À PROPOS DE L'AUTEUR Claude Raucy est né en 1939. Il a exercé le métier d'enseignant avant de se consacrer entièrement à l'écriture à partir de 1997. Il est membre de l'Association des écrivains belges, de la Société européenne de culture (Venise) et secrétaire perpétuel de l'Académie Royale Luxembourgeoise. Chez Ker, il est également l'auteur du Violon de la rue Lauriston.

Avec Morte e sepoltura di Christo de Antonio Caldara, publié par Glossa dans la foulée du récent album dédié aux concertos pour violon que Vivaldi composa sur le tard, Fabio Biondi revient à l’oratorio italien, l’une de ses prédilections. Les vénitiens Caldara et Vivaldi étaient contemporains mais suivirent des voies très différentes tracées par leur carrière. Caldara travailla longtemps à Mantoue et à Rome avant d’obtenir le poste de Vizekapellmeister à la cour viennoise de Charles VI du Saint-Empire Romain Germanique. Durant les 20 dernières années de sa vie, Caldara composa un grand nombre d’oratorios (et d’opéras), en densifiant son contrepoint et en utilisant le large éventail des couleurs instrumentales que lui offrait l’orchestre de la cour impériale. Écrit pour le Carême de 1724, Morte e sepoltura suit la structure bipartite typique de l’époque et se base sur un texte qui inclut une série de réflexions des personnages ayant participé, d’une manière ou d’une autre, à la Passion du Christ. Soulignons aussi l’importance et le nombre d’arias avec instruments obbligati. Fabio Biondi dirige le Stavanger Symphony Orchestra avec lequel il collabore assidument depuis 2006 dans les programmes de musique ancienne de cet ensemble norvégien. Quant à l’équipe vocale réunie par Biondi, elle se compose d’un choix de brillants solistes entourant Maria Grazia Schiavo et Silvia Frigato. L’essai accompagnant le disque est signé par le plus grand expert de Caldara, le musicologue Brian W Pritchard.

Après un accident de circulation, la vie de Guillemette bascule. Elle doit renoncer à son violon et se résoudre à vivre loin de sa famille et de ses amis. Elle devra tout réapprendre. Il y aura la colère, la révolte, le refus et puis, petit à petit, la découverte de choses merveilleuses à vivre malgré le handicap. Il y aura la force des rires et des larmes, la force de se regarder autrement, de s'accepter et d'accepter le regard des autres. Il y aura la volonté d'exister à nouveau grâce à l'écriture. Pour choisir finalement de revivre, de vivre en corps ! L'auteur : Il était une fois des rires, des larmes, des émotions, des étonnements, des indignations, des découvertes avec des aventures... Bref, il était une fois des histoires que Geneviève Turlais a envie de partager en écrivant des romans, des nouvelles, des poèmes, des haïkus et des lettres... Elle aime les mots qui crient, sifflent, chuchotent, chantent, dérangent ou arrangent. Beaucoup de mots qui sont mis pour un seul : liberté. L'illustratrice : Ancienne élève des Arts Décoratifs de Paris (ENSAD), Valérie Voyer crée d'abord le collectif Le PasQueBeau. Pendant plusieurs années, elle enrichit ainsi son travail de celui d'une dessinatrice, d'une designer mobilier, d'un vidéaste,... Graphiste et illustratrice, elle traduit en images les mots des autres : textes pour l'édition, sensibilisation, tout ce qui crée de « l'être ensemble ». Son travail d'illustration relève autant de la poésie que du graphisme. Influencée par surréalisme, elle pratique le collage, exploite le hasard d'une tache, se fait l'interprète du texte comme elle l'eut été d'une partition de musique.

ROADS est le premier album du Léa Castro 5tet. Le projet nait en 2010, tout d'abord en duo, quand Léa Castro débute sa collaboration avec le pianiste et violoniste Antoine Delprat. En 2013, le contrebassiste Alexandre Perrot, le batteur Ariel Tessier et le saxophoniste Rémi Fox les rejoignent. Entre compositions originales et standards revisités, le jazz se teinte de soul et de pop, reflétant le parcours d'une jeune génération de musiciens de jazz qui a écouté toutes sortes de musiques. Ils ne cachent pas l'impact reçu sur leur développement artistique de grands artistes, dont la musique déborde volontiers du cadre du Jazz comme Brad Mehldau, e.s.t., Michael Brecker, Avishai Cohen... On sent combien le quintet se réjouit en revisitant des titres des Beatles, Duran Duran ou Elliot Smith. Mais ce qui séduit d'emblée à la première écoute, c'est la voix d'alto envoûtante de Léa Castro, pleine de swing, de douceur enveloppante et de force tranquille. Influencée à la fois par de grandes dames du Jazz telles que Nina Simone, Carmen McRae ou Diane Reeves, et par les figures de la Soul que sont Otis Redding et Bill Withers, certaines de ses compositions puisent aussi leur inspiration dans un imaginaire coloré, de l'Espagne à l'Orient, sur les traces des origines Nord-Africaines de Léa Castro. L'instrumentation originale du quintet se voit déconstruite ou enrichie selon les titres, avec ou sans piano, avec violon ou flûte, batterie ou cajon, et des choeurs... On passe d'une énergie débordante à la douceur d'une musique de chambre où les timbres se mélangent subtilement, avec pour fil conducteur la voix et les émotions.

Ce n'est pas a priori pour la scène qu'est écrit cet opéra, mais pour être donné dans une église, d'où l'appellation « A Church Opera ». Un peu comme un oratorio mis en scène, mais avec une dramaturgie mouvante et de vrais personnages agissant les uns vis à vis des autres, à la différence des oratorios baroques ou classiques dans lesquels la narration prend généralement le dessus sur l'action théâtrale, et des personnages moins campés dramatiquement. Vu sous cet angle, Tobias and the Angel du britannique Jonathan Dove jette un pont entre les deux genres : le théâtre musical et le drame sacré, avec des chanteurs d'opéra auxquels sont confiés les rôles principaux, mêlés à la congrégation qui, elle, chante les choeurs et les foules. L'ensemble instrumental se limite à un orgue - statutairement disponible dans une église ! -, un violon, une contrebasse, un accordéon, une flûte, une clarinette, une harpe, une contrebasse, basta. Naturellement, l'oeuvre se doit d'être mise en scène. Jusqu'ici, des dizaines de grandes églises et cathédrales du monde anglo-saxon se la sont arrachée depuis sa création en 1999, ainsi que plusieurs salles d'opéras « normales », même si ce n'est pas le propos du compositeur et du librettiste, qui l'ont conçue pour l'acoustique, la réverbération, l'atmosphère et la fonction même des lieux de culte. En termes musicaux, Dove - le compositeur d'opéra contemporain le plus joué en Grande-Bretagne - évolue dans un monde hérité de Stravinsky, Britten, Weill, Orff, le cabaret, le klezmer, le gamelan, les minimalistes, bref, encore un personnage inclassable qui a su fabriquer son propre monde sans jamais renier les racines du siècle passé. © Abeille Musique 2010

1 - Toccata & fugue en ré mineur, bwv565 : toccata 2 - Toccata & fugue en ré mineur, bwv565 : fugue 3 - Herz und mund und tat und leben, bwv147 : jesus bleibet meine freude 4 - Suite pour orchestre n°3 en ré majeur, bwv1068 : overture 5 - Suite pour orchestre n°3 en ré majeur, bwv1068 : air 6 - Concerto pour 2 violons en ré mineur, bwv1043 : vivace 7 - Concerto pour 2 violons en ré mineur, bwv1043 : largo ma non tanto 8 - Concerto pour 2 violons en ré mineur, bwv1043 : allegro 9 - Partita pour flûte seule en la mineur, bwv1013 : allemande 10 - Jauchzet gott in allen landen, bwv51 : jauchzet gott in allen landen 11 - Suite pour violoncelle n°1 en sol majeur, bwv1007 : prelude 12 - Concerto pour clavecin en fa mineur, bwv1056 : allegro 13 - Concerto pour clavecin en fa mineur, bwv1056 : largo 14 - Concerto pour clavecin en fa mineur, bwv1056 : presto 15 - Jesu, der du meine seele, bwv78 : wir eilen mit schwachen 16 - Suite pour orchestre n°2 en si mineur, bwv1067 : menuet 17 - Suite pour orchestre n°2 en si mineur, bwv1067 : badinerie 18 - Variations goldberg, bwv988 : aria 19 - Suite pour guitare en mi mineur, bwv996 : bourrée 20 - Suite pour guitare en mi mineur, bwv996 : gigue 1 - Messe en si mineur, bwv232 : kyrie 2 - Partita pour violon n°3 en mi majeur, bwv1006 : preludio 3 - Concerto pour 4 clavecins en la mineur, bwv1065 : allegro 4 - Concerto pour 4 clavecins en la mineur, bwv1065 : largo 5 - Concerto pour 4 clavecins en la mineur, bwv1065 : allegro 6 - Passion selon saint jean, bwv245 : es ist vollbracht 7 - Nun komm' der heiden heiland, bwv659 8 - Concerto brandebourgeois n°2 en fa majeur, bwv1047 : allegro 9 - Concerto brandebourgeois n°2 en fa majeur, bwv1047 : andante 10 - Concerto brandebourgeois n°2 en fa majeur, bwv1047 : allegro assai 11 - Magnificat en ré majeur, bwv243 : magnificat 12 - Magnificat en ré majeur, bwv243 : quia fecit mihi magna 13 - Magnificat en ré majeur, bwv243 : deposuit potentes 14 - Partita n°1 en si bémol majeur, bwv825 : praeludium

8 courts-métrages d’animation en versions restaurées L’épouvantail Un épouvantail abrite dans son chapeau deux oiseaux qu’il montre à une chatte en la saluant. La chatte déguisée en vamp a raison par la violence de l’épouvantail et revêt son accoutrement. Mais l’épouvantail revenu à lui, met en fuite la chatte et la capture. Le voleur de paratonnerres Un voleur de paratonnerres sévit sur les toits de Paris, poursuivi par deux policiers moustachus. Le voleur masqué, indifférent au vertige et au danger, se joue de ses poursuivants. Seule la foudre mettra un terme à ses exploits. La flûte magique Le Sir de Massouf essaie de dormir, mais le troubadour Niglo n’arrête pas de jouer de ses instruments; alors le Sir détruit ces derniers; mais un oiseau se transforme en flûte, qui a le pouvoir de faire danser les gens juste à la mélodie. Le petit soldat Dans un magasin de jouets, par une froide nuit d’hiver, un petit acrobate tente de conquérir une poupée. Soudain, un roulement de tambour : «Ordre général de destruction des jouets». Le petit soldat part en guerre... Le marchand de notes Le marchand de notes Bicornu se fait enquiquiner par un troubadour nommé Niglo. Le diamant Le cruel professeur Savantas s’invite dans une oasis coupée du monde pour y récupérer un énorme diamant, qui constitue le totem de la population autochtone et la clef de voûte de l’équilibre magique du lieu. Le chien mélomane La révolte d’un chien amateur de musique contre son maître, le diabolique inventeur du violon ultrasonique. Les passagers de la Grande Ourse Gô et son chien Sniff sont dans un vaisseau aérien. Par inadvertance Gô met le vaisseau en marche. Le Robot Figmin pourchasse Gô et, à l’invitation de Figmin, l’aventure se termine par un excellent déjeuner.

CALYPSO a baigné très tôt dans la musique, l’art et le son, puisque qu’elle est la fille des artistes Jacno & Elli Medeiros. On a déjà pu l'apercevoir à l'écran dans les films d'Olivier Assayas, Michel Gondry, Catherine Corsini,... et l'entendre au sein du groupe electro Cinema, en duo avec Etienne Daho sur une reprise du titre Amoureux Solitaires & en duo avec Lescop lors de la soirée Tombés Pour La France à Pleyel. Pour son projet solo, CALYPSO s'est entourée du producteur Yan Wagner et de musiciens aussi divers que brillants : François Poggio (ETIENNE DAHO... ) à la guitare, Marcello Giulliani (ERIC TRUFFAZ QUARTET) à la basse, Emile Sornin (FOREVER PAVOT) à la batterie, Thomas de Pourquery (VKNG) au saxophone, Haroun Samali au violon,... Ce 2ème EP, empreint de voix cristallines et de textes affutés, nous confirme que le meilleur reste à venir avec son premier album. « Nouvelle flamme de la pop française » - LES INROCKUPTIBLES « Beauté troublante synthétique et baroque » - GRAZIA Au début de l’Hiver, CALYPSO VALOIS présentait le premier titre de son projet solo, le bien nommé Le Jour, qui mettait en lumière sa singularité artistique : pop de haute volée, langage direct, coup de foudre immédiat. Elle revient aujourd’hui présenter de nouveaux éléments fondateurs de son univers avec la sortie d’un autre 45 tours, Vis à Vie. Face A, le single Vis à Vie, immédiat et clinquant, qui navigue aux confluences du disco, guitares brillantes et violons de gala, et d’une pop mélancolique. Face B, le délicat et langoureux La Faute, ballade feutrée, bossa désarticulée, qui invite l’auditeur dans le speakeasy des pensées sombres de CALYPSO. Une deuxième plongée en eaux troubles, qui annonce un album ambitieux à paraître en Septembre chez LE LABEL - PIAS.

Une chose est sûre : Matthew Herbert est un vrai musicien. Dès son plus jeune âge, il étudie violon et piano et poursuit ses études académiques jusqu'à l'université. Parallèlement le petit Matt, se produit dans les églises et au sein de différents orchestres, dans des big bands ! C'est à cette époque que naît l'amour d'Herbert pour le Jazz et notamment dans son expression la plus festive, les big bands. Il découvre plus tard la musique électronique et ses infinies possibilités. Au milieu des années 90, Matthew travaille avec Aphex Twin, sur son premier album, puis accumule frénétiquement les projets sous nombre de pseudos; Wishmountain, Doctor Rockit et bien sûr Herbert. Il est alors totalement immergé dans le monde de la musique electronique, en est l'un des pionniers les plus innovants - samplant en live toutes sortes de sons ambiants, ce qui reste la griffe Herbert - bien que ses productions que l'on pourrait qualifier de bruitistes laissent transparaître une culture large, ou des accents jazz ou pop sont clairement perceptibles. 'Around the house', l'un des meilleurs albums de house music à ce jour, consacrera enfin Herbert en 1999. Succès confirmé par la multitude de projets auxquels il participe et les albums qui suivent et notamment Goodbye Swingtime en 2003, premier album sur lequel Herbert, chantre de l'electronica, est accompagné d'un big band jazz. Herbert offre aujourd'hui une suite à 'Goodbye Swingtime' et ré itère cette magnifique expérience avec 'There's Me And There's You'. Accompagnant jusqu'alors Dani Siciliano au chant, Herbert s'est cette fois offert les services de Eska Mtungwazi, chanteuse dont le timbre sublime se situe quelque part entre Dani Siciliano et Minnie Riperton. Mais Herbert a une autre passion : la politique. 'There's Me and There's You' est donc un étonnant recueil de protest songs jazz. Sous cet écrin musical d'une élégance presque désuète se cachent des textes d'un engagement rare et d'une modernité troublante.

Née en République Tchèque et new-yorkaise d'adoption, Marta Topferova poursuit un parcours insolite. Avec passion et sincérité, elle enracine sa musique dans l'Amérique latine et les Caraïbes, en cultivant la richesse des timbres et des styles qui y co-existent. Son nouvel album, enregistré dans son pays natal au printemps 2009, représente son témoignage artistique le plus authentique et le plus personnel. Son titre, Trova, renvoie à la fois à la racine du mot espagnol troubadour et à un célèbre mouvement musical cubain traditionnel. Il reprend le fil de Flor Nocturna (2006) qui reste l'album de sa consécration. Tout en restant fidèle à ses amours, Marta Topferova choisit d'explorer des ambiances nouvelles. Elle explique : « Je voulais jouer sur les contrastes, faire un disque entraînant, mettre en relief plus d'influences caribéennes comme le son, le boléro cubains ou la bomba portoricaine. » Elle s'est associée à Aaron Halva, un joueur de tres cubain (une guitare à trois doubles cordes métalliques), un expert de la tradition capable aussi de jouer toutes sortes de rythmes. Autour d'eux, Roland Satterwhite (violon), Pedro Giraudi (contrebasse) et Neil Ochoa (percussions). Au fil de titres qu'elle a souvent écrit, la chanteuse cultive son interprétation expressive, les langoureuses balades et son propre penchant poétique. Elle s'inspire autant des coquelicots de la campagne tchèque (La Amapola) que d'anciennes chansons cubaines (Camina y Ven Pa La Loma) ou argentines (Entre a Mi Pago Sin Colpear), s'autorisant même un boléro ancestral teinté de mambo (Mar y Cielo). Pour mieux saisir l'immédiateté de sa musique, Marta Topferova a choisi la sobriété. L'enregistrement s'est fait près de Prague au studio Sono, avec l'ingénieur du son Michal Vanis. Il émane des onze titres une approche simple, naturelle, sans contrainte, et en même temps l'intensité palpable d'une profonde sérénité. Un son chaud, organique, qui va comme un gant à cette chanteuse multiculturelle par excellence.

25 ans après son premier et légendaire enregistrement des 4 Saisons de Vivaldi, qui est encore aujourd’hui l’album classique le plus vendu au monde, Kennedy revient avec une toute nouvelle vision de l’oeuvre épique. Depuis plus de 25 ans, Nigel Kennedy est reconnu comme l’un des plus grands phénomènes du violon. Sa technique, sa virtuosité et son talent uniques, associés à un look hors-norme sur ce segment, ont ouvert de nouvelles perspectives au répertoire classique et tout particulièrement à l’oeuvre fétiche de l’artiste : Les Quatre Saisons de Vivaldi. Il y a 25 ans, la première et légendaire version de l’oeuvre de Vivaldi par Kennedy, vendue à plus de 2 millions d’exemplaires détient toujours le record Guinness Book de vente pour un album classique. Aujourd’hui, Nigel Kennedy enregistre sa vision modernisée de l’oeuvre, qui fourmille de trouvailles sonores, d’audaces anachroniques, et regorge d’une énergie nouvelle, dans le respect de la structure en concertos des Quatre Saisons. Le chef-d’oeuvre intemporel de Vivaldi reste aussi populaire et séduisant, mais devient surprenant et s’évade nettement hors de son temps, entre fureurs rythmiques et espaces lounge. Nigel Kennedy a fait appel à son propre orchestre, The Orchestra of Life, qu’il dirige. Composé de jeunes musiciens spécialisés dans les interprétations d’oeuvres contemporaines ou de jazz, l’orchestre intègre également une formation rock (guitare, basse, batterie), tout comme d’autres instruments atypiques et notamment le didgeridoo. Il s’est également entouré, pour ce projet, de Damon Reece (Massive Attack, Goldfrapp), prenant part au mix final de l’album, mais également à toute la programmation électronique de la batterie, ainsi que de Zee Gachette et Xantoné Blacq (membre du groupe d’Amy Winehouse). « Mon but est de présenter une interprétation aussi différente maintenant qu’elle l’était lorsque j’ai interprété Les Quatre Saisons pour la première fois. J’espère que vous apprécierez cette nouvelle approche, et qu'elle vous permettra de poser un nouveau regard sur cette oeuvre pilier du répertoire classique. »

Weasels Ripped My Flesh, sous sa pochette rigolote, est un disque de Frank Zappa & The Mothers Of Invention datant de 1970. L'album sera un des derniers (voire même le dernier, si je ne me trompe pas) des Mothers sous leur formation classique, à savoir Jimmy Carl Black (batteur et Indien du groupe), Roy Estrada (basse), Bunk Gardner (saxophone), Motorhead Sherwood (saxophone), Ian Underwood (saxophone), Zappa (guitare, chant), Ray Collins (chant). Don 'Sugarcane' Harris (violon) et Lowell George (guitare) participent à l'album, qui sera suivi, la même année, de Chunga's Revenge, album plus ou moins solo de Zappa (du moins, sorti sous le seul nom de Zappa). Le titre donnant son nom à l'album l'achève, et consiste en un rappel de concert (titre enregistré live) constitué de boucan infernal et assez insupportable pour les oreilles délicates, 2 minutes de carnage qui serait la manière que Zappa aurait choisie pour lancer un défi à la fameuse tradition sacro-sainte des rappels en fin de concerts. Le reste de l'album est enregistré à moitié en studio, et à moitié en live, et alterne entre morceaux expérimentaux très barges et de titres nettement plus conventionnels et accessibles, comme le cultissime My Guitar Wants To Kill Your Mama. L'album n'est pas le plus facile d'accès de Zappa (mais à côté de Lumpy Gravy ou 200 Motels, c'est assez facile d'accès quand même !). L'album se veut une sorte de suite à Burnt Weeny Sandwich, album de 1970 assez dans le même état d'esprit. Les deux albums seront d'ailleurs, un temps, vendus ensemble en un double album. totalement barré et free (Oh No, Prelude To The Afternoon Of A Sexually Aroused Gas Mask, The Eric Dolphy Memorial Barbecue, Toads Of The Short Forest), Weasels Ripped My Flesh est, sans être un des sommets de Zappa, un disque franchement bon, voire même très réussi, à conseiller aux fans. 43 minutes (un peu moins en vinyle, Didja Get Any Onya ? ayant été rallongé de moitié pour le CD - en vinyle, il ne durait que 3,42 minutes) de pure dinguerie à la Zappa de la grande époque !

Pour bien comprendre le cheminement de ma pensée, je me suis inspirée de 3 œuvres majeures présentent au Musée des Beaux Arts de Lille : Le sommeil de P. Puvis de Chavanne Le Sommeil est inspiré d’un vers de Virgile (L’Enéide) : « C’était le temps du premier repos pour les mortels accablés… ». Mais ici Puvis de Chavannes a pris quelques libertés : le tableau ne montre pas l’entrée du cheval dans la ville de Troie alors que le peuple dormait; ici, la scène montre le repos de simples paysans. La vision traitée dans les tonalités beige, bleue et rosée chères au peintre, installe une atmosphère de torpeur. A l’exception de la masse sombre des arbres au premier plan, la composition audacieuse n’est rythmée que par les seules horizontales. Ce tableau monumental (381 cm X 600 cm) peut être considéré comme le premier tableau symboliste de la peinture française. La femme au visage penché à droite n’est pas sans faire songer au Picasso de la période bleue. Le musée de Lille possède de nombreux dessins préparatoires pour cette œuvre. L'après-diner à Ornans de Gustave Courbet Les circonstances de l’exécution de ce grand tableau (195 cm x 257 cm) sont fondamentales pour en saisir l’importance et la beauté. Courbet décrit la scène : « c’était au mois de novembre, nous étions chez notre ami Cuenot, Marlet revenait de la chasse et nous avions engagé Promayet à jouer du violon devant mon père ». Courbet transforme cet après-dîner en un événement historique pour lequel il précise le moment, le nom des héros et le sujet. Cet instant de la vie du bourgeois de campagne passe ainsi à la postérité. Par son génie créatif, l’artiste a haussé au niveau de la peinture d’histoire un sujet banal qui relève de la scène de genre : un après-midi d’automne ordinaire, la nappe tachée, les convives fatigués, l’énorme chien coincé sous la chaise composent ce premier manifeste du réalisme qui aboutira, un an plus tard, à L’Enterrement à Ornans (Paris, musée d’Orsay). Le bélisaire demandant l'aumône de David Bélisaire, célèbre général byzantin, injustement compromis dans un complot contre l’Empereur et accusé de trahison, a été réduit selon la légende à la mendicité après avoir eu les yeux crevés. David choisit le moment où un de ses anciens soldats le reconnaît. La morale de la légende – à savoir l’inconstance de la Fortune et l’ingratitude de l’Empereur – était en fait une critique virulente de la monarchie, critique applaudie pas les philosophes des Lumières.

LES GLORIEUSES PREMIèRES ANNéES DU PHILHARMONIA ORCHESTRA, LE LéGENDAIRE ORCHESTRE MAISON DU LABEL EMI CLASSICS. Le légendaire producteur Walter Legge fonda l'orchestre Philharmonia en 1945, avec la volonté de doter EMI d'un orchestre maison de haut rang. Dès sa création, l'orchestre compta parmi les phalanges les plus prestigieuses, collaborant avec les plus grands musiciens, et laissant des enregistrements de référence qui firent la gloire du label. A l'occasion du 75e anniversaire de l'orchestre, Warner Classics publie un coffret 24 CD retraçant les premières années 1946-1964, où l'on retrouve les géants de la direction d'orchestre : Karajan, Furtwängler, Toscanini, Klemperer, Giulini, Cantelli... Grâce à un remastering complet à partir des bandes originales, ces enregistrements gagnent une immédiateté saisissante. En bonus, un enregistrement inédit de 2018 et un CD contenant des interviews avec quatre chefs d'orchestre emblématiques. CD 1-3 SCHUMANN Concerto pour piano · SCHUBERT Symphonie Inachevée · RESPIGHI Pini di Roma · BEETHOVEN Ouverture Egmont · Symphonies 5 & 7 · R. STRAUSS Don Juan · BARToK Musique pour cordes, percussion and celesta · SIBELIUS Symphonie n° 5 Karajan. CD 4-5 WAGNER · MAHLER Lieder eines fahrenden Gesellen · R. STRAUSS 4 Derniers Lieder · BEETHOVEN Concerto pour piano Empereur' · BARToK Concerto pour violon n°2 Furtwängler. CD 6-8 MENDELSSOHN & SCHUMANN Symphonie n°4 · MOZART Plaisanterie musicale · BRAHMS Symphonie n°3 · TCHAIKOVSKY · RAVEL Pavane pour une infante défunte · Daphnis et Chloé · DEBUSSY Prélude à l'après-midi d'un faune · Nocturnes · La Mer · DUKAS L'Apprenti sorcier Cantelli. CD 9-11 BRAHMS Ouverture Tragique · Symphonies 1-4 · Variations sur un thème de Haydn Toscanini. CD 12 TCHAIKOVSKY Sérénade Kletzki · BERLIOZ Symphonie fantastique Cluytens. CD 13 WALTON Symphonie n°1 · Concerto pour alto Walton. CD 14-16 MOZART Une petite musique de nuit · Symphonie Jupiter' · R. STRAUSS Don Juan · Till L Espiègle · BEETHOVEN Symphonie n°9 · KLEMPERER · MAHLER Symphonie n°4 · WEILL Klemperer. CD 17-19 BIZET Jeux d'enfants · FRANCK · MOUSSORGSKY Une nuit sur le Mont Chauve · TCHAIKOVSKY Symphonie n°2 · RAVEL Alborada del gracioso · VERDI Messa da Requiem · Quattro pezzi sacri · ROSSINI Ouvertures Giulini. CD 20 J. STRAUSS II Graduation Ball Mackerras · Une nuit à Venise (Ouverture) · HEUBERGER · ZELLER · Otto Ackermann · SUPPé · WALDTEUFEL · SCHÖNHERR Tänze aus Österreich H. Krips. CD 21 GLINKA Ruslan & Lyudmila Malko · WOLF-FERRARI I gioielli della Madonna Mackerras · DOHNaNYI Suite Irving · R. STRAUSS Suites de danses d après François Couperin Rodzinski. CD 22 MASSENET Méditation de Thaïs Weldon · R. STRAUSS Concerto pour cor n°2 Sawallisch · DEBUSSY Prélude à l'après-midi d'un faune Markevitch · SHOSTAKOVICH Concerto pour piano, trompette et cordes Menges · BARBER Souvenirs Kurtz. CD 23 STRAVINSKY Le Sacre du printemps · SATIE Parade Markevitch · SCHOENBERG La nuit transfigurée Salonen. CD 24 Bonus Personnalités légendaires Karajan · Cantelli · Klemperer · Giulini.

Il est revenu. Toujours le même mais plus que jamais imprévisible. Vingt ans après Boulevard (1 million d'albums vendus), quinze ans après l'album multi-platiné et couronné Tourist (2,8 millions écoulés à travers la planète) et une tournée mondiale qui l'a conduit sur plusieurs continents, Ludovic Navarre, alias St Germain, a repris le chemin des studios. Figure incontestée et respectée de la musique électronique depuis deux décennies, pionnier de la french touch, inventeur d'une deep house érudite, sensuelle et originale, St germain s'est toujours distingué par son art consommé d'un mariage subtil entre machines et instruments, racines et modernité. Une musique de fusion, marquée par son amour du blues, du jazz et des musiques noires en général, scandée de boucles électro hypnotiques et de samples de voix harmonieusement entrelacés. On n'a pas oublié son célèbre Alabama Blues, ni Rose Rouge, tube repris dans le monde entier jusque dans les concerts des Rolling Stones. Un métissage à la musicalité exceptionnelle, de Détroit, USA, à Saint Germain, France, en passant par le Mississippi et, cette fois, par l'Afrique de l'Ouest. Après l'acid jazz, le nu jazz et la deep house, place à l'afro deep selon St Germain. C'est le voyage inédit que propose ce nouvel album, inauguré par le single Real blues, qui mêle sur une trame percussive chaleureuse et endiablée, la voix du légendaire bluesman texan Lightnin' Hopkins. Un album éponyme, décoré d'une pochette originale, un masque conçu tout spécialement par Gregos, le créateur d'Urban Art qui colle ses visages souriants ou grimaçants sur les murs de Paris et d'Europe. C'est donc dans les musiques et les rythmes africains que St Germain s'en est allé puiser la genèse de ce nouvel opus. Des musiques pour la plupart originaires du Mali, qui scandent les cérémonies de la confrérie des chasseurs mandingues, fiestas rituelles où chanteurs, danseurs et musiciens célèbrent les différentes étapes de la vie. A partir de ce matériau originel, St Germain le sorcier des sons a réussi un alliage aérien et cadencé entre des instruments traditionnels comme la kora, le balafon, le violon peul, le soku, ou le n'goni (petite guitare-luth à 4 ou 6 cordes), et les plus occidentaux claviers, guitares électriques ou saxophone. Le tout parsemé des séquences et des nappes électroniques dont il a le secret. A l'image des morceaux instrumentaux Hanky Panky, Mary L et Forget Me Not, qui mêlent groove jazzy et percussions ethniques, arabesques de guitares et de n'goni, transe et danse, calme et tempête. Un contraste, tempi fougueux et mélopées agiles, que l'on retrouve dans Sttin' Here, Voilà et Family Tree qui révèlent les voix impérieuses et virvoltantes des chanteuses maliennes Nahawa Doumbia et Fanta Bagayogo, et celle du musicien Adama Coulibaly, dans la grande tradition des griots d'Afrique de l'Ouest. On connaît la passion de St Germain pour les douze mesures. Outre le Lightnin' Hopkins ( Real Blues ), c'est à R.L. Burnside, bluesman du Mississippi disparu en 2005, qu'il rend également hommage dans le morceau How Dare You Pour confectionner cet album conçu, écrit, enregistré et mixé dans le secret de son laboratoire personnel, St Germain, l'alchimiste solitaire, s'est entouré de la crème des musiciens et des chanteurs de la diaspora africaine, du Mali au Sénégal. Ainsi les virtuoses du n'goni, kamele n'goni et de la guitare Adama Coulibaly (Salif Keita), Sadio Kone et Guimba Kouyate, les joueurs de kora Cheikh Lo Ouza Diallo et Mamadou Cherif Soumano (Tiken Jah Fakoly), ou le violoniste Zoumana Tereta, ancien chauffeur de camion devenu réputé champion de l'instrument. Un casting international complété par des musiciens comme le claviériste martiniquais Didier Davidas, le percussionniste brésilien Jorge Bezerra (Joe Zawinul Syndicate), le bassiste sénégalais Alioune Wade (Ismael Lô) et le saxophoniste guadeloupéen Edouard Labor, déjà présent sur les enregistrements précédents. Masterisé dans les mythiques studios londoniens d'Abbey Road par Alex Wharton (le Live at the BBC des Beatles, Chemical Brothers, Gilberto Gil, Scott Walker etc), le nouvel album éponyme de St Germain sera suivi d'une tournée mondiale, qui débutera en novembre 2015, avec la plupart des musiciens présents sur le disque. Ludovic Navarre est revenu. Là où on ne l'attendait pas. Bienvenue dans les nouveaux contes de St Germain