Inspiré de l'éclipse solaire de 2017, ce nouveau disque de John Hiatt est un bijou de blues rock. John Hiatt a annoncé que son nouvel album, The Eclipse Sessions, sortira le 12 octobre sur New West Records. John Hiatt a écrit ce disque pendant l'éclipse solaire de 2017 et toute l'ambiance et l'atmosphère du disque s'en ressentent. Pour ce disque, John Hiatt s'est entouré de Kevin McKendre qui a produit l'album. On retrouve en invité le batteur de longue date de Hiatt, Kenneth Blevins, et le bassiste Patrick O'Hearn, ainsi que Yates McKendree qui a travaillé en tant qu'ingénieur du son sur le disque. Entre blues et folk, ce nouvel album de Hiatt est dans la pure veine de ce qu'il sait faire, et Hiatt continue de creuser son sillon dans la musique blues-rock. Pour autant, cet album marque un retour aux sources pour Hiatt qui revient à un trio bass, batterie, guitare et qui explore le blues dans sa pure tradition. A la fois métamorphose et continuité ce premier disque en 4 ans, marque une nouvelle page pour le grand guitariste américain. POUR CEUX QUI AIMENT Tom Waits, Steve Earle, Bob Dylan

Connaissez-vous, BNQT, le nouveau super-groupe indie conçu et emmené par Eric Pulido de Midlake? Le concept de BNQT (prononcer Banquet) est venu à Pulido pendant la tournée de l’album Antiphon de Midlake, en 2013 : réunir un certain nombre d'artistes contrastés mais complémentaires avec lesquels il avait partagé la scène et établir un environnement dans lequel ils pouvaient collaborer. Ce premier album comporte 10 chansons originales où chaque ‘collaborateur’ a écrit et chanté deux morceaux. On retrouve donc Ben Bridwell (Band of Horses), Alex Kapranos (Franz Ferdinand), Fran Healy (Travis), Jason Lytle (Grandaddy,) et Pulido – ainsi que les autres membres de Midlake : McKenzie Smitn (batterie), Joey McClellan (guitare) and Jesse Cnandler (clavier) qui prêtent leurs voix pour des choeurs. ‘Volume 1’ a été enregistré et produit pour la majeure partie dans le studio de Midlake à Denton, dans le Texas. Aussi curieux qu’attractif, le travail résultant est de bon goût et plein de surprises ! Pour les fans de : Midlake, Band Of Horses, Franz Ferdinand, Travis, Grandaddy

LA NOUVELLE PEPITE DU GUITARISTE DE SYMPHONY X Tête pensante et guitariste de Symphony X, Michael Romeo nous propose aujourd'hui sur la division Music Theories Recordings du label Mascot, son tout nouveau projet solo. Cet album percutant s'appuie une parfaite alchimie entre metal, rock, prog et éléments symphoniques. Romeo nous livre sa vision du célèbre romand'HG WELLS tout en rendant hommage aux compositeurs Bernard Hermann et John Williams. La production est de très haute volée et est servie par un line-up de premier ordre pour accompagner le prodigieux guitariste Michael Romeo : à la basse on trouve ainsi John JD DeServio (Black Label Society), à la batterie c'est l'expérimenté John Macaluso (Yngwie Malmsteen, Ark, James LaBrie) et au chant on découvre le prometteur Rick Castellano. Aussi laissez-vous embarquer pour un voyage sonique en première classe : de Fear of the Unknown, aux accents de science-fiction en passant par l'implacable Black à l'hybride électro-métal F*cking Robots, ce disque va ravir tous les fans du célèbre combo italien.

Le 11 janvier, Joe Satriani et ses deux acolytes des G3, John Petrucci (Dream Theater) et Phil Collen (Def Leppard), entameront à Seattle (USA) une tournée mondiale qui passera par la France au printemps. Le lancement de cette tournée sera complété, le 12 janvier, par la sortie du 16ème album studio de l'artiste : What Happens Next. Ce nouvel album réunit un trio de choc et de légende : Joe Satriani à la guitare, Glenn Hughes (Deep Purple/Black Country Communion) à la basse, et Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) à la batterie. La production de ce nouvel opus a été confiée à Mike Fraser, connu pour avoir réalisé l'enregistrement et le mixage de tous les albums d'AC/DC depuis The Razors Edge (1990), et pour avoir déjà collaboré avec Joe Satriani sur l'album Crystal Planet en 1998. What Happens Next dégage une énergie qui fera vibrer l'âme des auditeurs comme rarement de nos jours. L'album s'ouvre sur un morceau dynamique baptisé Energy puis mêle des titres comme le majestueux Thunder High On The Mountain et Smooth Soul, aux notes de guitare douces et sensuelles. Des rythmes rock époustouflants confèrent à ce nouvel album de Joe Satriani un groove incroyable qui le distingue des précédents.

Une seule et unique tv aura permis au groupe Future Islands de se faire définitivement une place au sein du monde de la musique indépendante. Cette prestation dans le Late Night Show de David Letterman en a laissé plus d’un pantois. Les déhanchements suggestifs et la voix rauque et surpuissante de Samuel T Harding, leader du groupe totalement habité, avaient alors fait le tour du web. Depuis, le groupe a tourné dans le monde entier et s’est même retrouvé, à la surprise générale sur le plateau de Vivement Dimanche Le groupe, qui hante les nuits du chanteur Christophe, n’est donc aujourd’hui plus confidentiel. The Far Field, leur cinquième album, est tout aussi luxuriant et avenant que leur précédent album Singles. Il y a toujours cette voix singulière que possède Samuel qui insuffle une dose de soul et le mélange parfait des guitares et synthés sur ces morceaux d’une évidence pop affolante. Petite nouveauté pour cet album, l’intégration d’une batterie jouée par Michael Lowry qui vient renforcer l’efficacité de cette pop romantique aux mélodies fédératrices. Un nouvel album taillé pour installer Future Islands comme l’un des groupes phares de sa génération.

Madlib a toujours été très occupé mais l'année 2010 sera certainement son année la plus ambitieuse à ce jour. Il y a d'abord ces productions rap pour Strong Arm Steady, Guilty Simpson et MED mais aussi ces 12 albums et mixes de la série Medicine Show sur son propre label Madlib Invazion. Il y a bien sûr ces rumeurs d'un nouveau Madvillain, d'un nouveau Quasimoto et d'un réel premier album en tant que Madlib... et il y a enfin The Last Electro-Acoustic Space Jazz & Percussion Ensemble ! Derrière ce nom a rallonge se cache la nouvelle expression jazz de Madlib dans la continuité de feu le Yesterdays New Quintet et de l'album Yesterdays Universe. Encore un fois Madlib se démultiplie pour incarner un groupe rendant hommage à ses héros jazz 60s et 70s à travers une multitude de reprises ou morceaux inspirés par des artistes célèbres (Roy Ayers, Pharoah Sanders, John Coletrane) et cultes (Phil Ranelin, Harry Whitaker). Avec ses Moog, sitar, vibraphone, accordéon, flûte, orgue, percussions, basse, batterie, synthé... Miles Away est un album qui ne pouvait sortir que du cerveau du crate-digger Otis Jackson Jr aka Madlib maître du Beat Konducta ! Edition limitée

APRES 22 ANS D’ABSENCE, LE GROUPE CULTE EST DE RETOUR AVEC UN DES ALBUMS LES PLUS ATTENDUS DE L’ANNEE « un pur condensé de dream-pop et de shoegaze » Les Inrocks Après 22 ans d’absence, Slowdive revient avec l’album ‘Star Roving’ à sortir chez Dead Oceans, sa première production musicale depuis les mythiques Souvlaki et Pygmalion de 1993 et 1995. Pendant leur séparation, les membres du groupe se tournent vers d’autres formations avant d’annoncer leur reformation tant attendue en 2014. Le morceau ‘Star Roving’, interprétée par Neil Halstead (chant, guitare, claviers), Christian Savill (guitare), Nick Chaplin (basse), Rachel Goswell (chant) et Simon Scott (batterie, synthétiseurs) illustre parfaitement la facilité que l’on connaît à Slowdive - plus le morceau avance, plus il s’étend et se rétracte dans un mouvement qui semble infini. Un nouvel album invitant les anciens et nouveaux fans à plonger dans les sonorités chamaniques du groupe anglais entre douce dream-pop et shoegaze Pour les fans de : Ride, My Bloody Valentine, The Jesus and Mary Chain, Spiritualized,Mazzy Star...

Mario Pierro alias Raiders (ROTLA) revient chez les Edizioni Mondo. Transmissioni est son premier LP sous ce surnom, utilisant des thèmes d'émissions télévisées fictives comme prétexte pour créer son disque le plus éclectique sur le plan musical jusqu'à présent. Au départ influencé par le baléarique et le rock progressif, ROTLA couvre de nombreux territoires en commençant par les progrès de la science, aux rythmes funky et décalés, avant de programmer sa fusée vers des machines à batterie nordiques et étranges. Une réédition dans l'univers Mondo en constante expansion et un disque dont vous ne pouvez vous lasser. Une oeuvre écologique respectueuse de l'environnement qui montre à quel point nous sommes tous petits. Le nom MONDO a ses racines dans MONDO MOVIES, un genre de film italien né dans les années 60. Les films Mondo se caractérisent par un contenu de type documentaire qui aborde plusieurs sujets sur le Monde, dans le but de produire de la musique pour la radio, le cinéma et la télévision. Les productions Mondo débutent avec quatre sorties consacrées aux paysages marins : de la faune marine au braconnage, des parcs naturels aux dunes marines.

Les amateurs de hard rock mélodique des années 80 se rappellent très certainement du groupe suédois Treat. Originaire de Stockholm, cette talentueuse formation se fit apprécier dès son premier album, Scratch And Bites en 1985. Signé chez Mercury, le groupe proposait un hard-rock mélodique intelligent et signait quelques belles pépites comme le hit Get You On The Run. Le groupe peut se rapprocher de Starbreaker ou encore Token. Le nouvel album du groupe survient après le retour en grâce de 2010, à l’occasion duquel la formation avait reçu les louanges de la presse spécialisée. Il est comme un hommage en cinémascope aux légendes du rock qui ont influencé le groupe à ses débuts : Kiss, Van Halen, Sweet, Deep Purple et UFO. La production est très bien ficelée, avec une belle production, des parties de guitares ciselées, une batterie dynamique, des claviers équilibrés et une basse qui pulse ! Les refrains sont accrocheurs, que ce soit dans les titres aux rythmes effrénés ou dans les balades langoureuses. Bref, Treat allie le feu et la glace, du gros son et des mélodies et refrains imparables ! Le rock n’est pas mort, et Treat le prouve avec un excellent nouvel album !

Le label Cam Jazz a enregistré au cours de l'été 2010 l'un de leurs artistes fétiches, le pianiste Enrico Pieranunzi, en concert au club historique du Village Vanguard à New York. A ses côtés, deux vieux compagnons de route, complices et remarquablement soudés : le regretté Paul Motian à la batterie et le contrebassiste Marc Johnson. Dans ce lieu si particulier et chargé d'histoire, les trois musiciens forment les sommets d'un triangle parfaitement équilatéral. Le discours musical est soutenu mais remarquablement subtil et équilibré, et Pieranunzi a trouvé deux partenaires idéaux pour enluminer son style rigoureux à la vitalité et à l'inventivité permanentes. Motian, notamment, est un coloriste hors pair; indubitablement, il a laissé un grand vide dans le monde du jazz. Quatre compositions personnelles et quatre standards (thèmes de Monk, Nino Rota, Rodgers and Hart, Konitz) forment un programme varié pour ces musiciens qui n'ont plus rien à prouver. Ces huit titres confirment le statut de grand maître du pianiste italien, dans la lignée de Bill Evans, McCoy Tyner ou Lennie Tristano.

Inspiré de l'éclipse solaire de 2017, ce nouveau disque de John Hiatt est un bijou de blues rock. John Hiatt a annoncé que son nouvel album, The Eclipse Sessions, sortira le 12 octobre sur New West Records. John Hiatt a écrit ce disque pendant l'éclipse solaire de 2017 et toute l'ambiance et l'atmosphère du disque s'en ressentent. Pour ce disque, John Hiatt s'est entouré de Kevin McKendre qui a produit l'album. On retrouve en invité le batteur de longue date de Hiatt, Kenneth Blevins, et le bassiste Patrick O'Hearn, ainsi que Yates McKendree qui a travaillé en tant qu'ingénieur du son sur le disque. Entre blues et folk, ce nouvel album de Hiatt est dans la pure veine de ce qu'il sait faire, et Hiatt continue de creuser son sillon dans la musique blues-rock. Pour autant, cet album marque un retour aux sources pour Hiatt qui revient à un trio bass, batterie, guitare et qui explore le blues dans sa pure tradition. A la fois métamorphose et continuité ce premier disque en 4 ans, marque une nouvelle page pour le grand guitariste américain. POUR CEUX QUI AIMENT Tom Waits, Steve Earle, Bob Dylan

Connaissez-vous, BNQT, le nouveau super-groupe indie conçu et emmené par Eric Pulido de Midlake? Le concept de BNQT (prononcer Banquet) est venu à Pulido pendant la tournée de l’album Antiphon de Midlake, en 2013 : réunir un certain nombre d'artistes contrastés mais complémentaires avec lesquels il avait partagé la scène et établir un environnement dans lequel ils pouvaient collaborer. Ce premier album comporte 10 chansons originales où chaque ‘collaborateur’ a écrit et chanté deux morceaux. On retrouve donc Ben Bridwell (Band of Horses), Alex Kapranos (Franz Ferdinand), Fran Healy (Travis), Jason Lytle (Grandaddy,) et Pulido – ainsi que les autres membres de Midlake : McKenzie Smitn (batterie), Joey McClellan (guitare) and Jesse Cnandler (clavier) qui prêtent leurs voix pour des choeurs. ‘Volume 1’ a été enregistré et produit pour la majeure partie dans le studio de Midlake à Denton, dans le Texas. Aussi curieux qu’attractif, le travail résultant est de bon goût et plein de surprises ! Pour les fans de : Midlake, Band Of Horses, Franz Ferdinand, Travis, Grandaddy

Premier album d'Erin Anne, Tough Love, sur Carpark. Cet album est un collage indiscipliné et élégant de tous les éléments qui composent son vocabulaire musical : riffs follement déchiquetés et râles acoustiques lo-fi, énergie punk-rock et austérité folklorique, fantasmes et hauts-fonds new-wave théâtrale pop volée. Avec une voix narrative à la fois réfléchie et rebelle, conflictuelle et timide, l'auteur-compositeurinterprète basée à Los Angeles présente un corps qui documente courageusement le processus lent et étrange de devenir soi-même. Coproduit avec Alex Rogers (Family Hahas, Tambourines), Tough Love offre une puissante introduction à la musicalité kaléidoscopique d'Erin et à son travail imprévisible. En donnant vie à l'album, les deux collaborateurs s'inspirent d'une version antérieure de Tough Love, publiée par Erin au début de l'année 2019, en réenregistrant chaque chanson avec de la batterie live et la somptueuse collection de synthés analogiques de Rogers. En publiant sa nouvelle interprétation de Tough Love, dans toute sa splendeur frénétique, Erin espère que l'album laissera à son auditoire un sentiment de plénitude semblable à ce qu'elle a trouvé dans sa création.

Le retour Triumphant du guitariste virtuose ! Le fondateur de Triumph, célèbre groupe canadien de hard rock des 80’s aux 8 disques d’or, nous revient accompagné de son nouveau groupe RESolution9. Les membres de RESolution9 sont des musiciens issus du quartet qui accompagnent Rick live : Dave Dunlop à la guitare, Steve Skingley à la basse, et Paul DeLong à la batterie. Enregistré et mixé en grande partie aux fameux studios MetalWorks de Mississauga, la ville natale de Rick, ce disque plein de vitalité est loin d’être un simple retour aux sources ou un quelconque comeback. On y retrouve même les deux autres membres fondateurs du trio Triumph (Gil Moore et Mike Levine) qui reprennent pour la première fois du service aux côtés de Rick Emmett sur « The Grand Parade » qui résonne comme une suite au « Suitcase blues » de 1979. Enfin, le légendaire guitariste de Rush, Alex Lifeson, joue sur deux morceaux stellaires et James LaBrie de Dream Theater chante sur deux titres magiques. Ce magnifique album s’annonce comme le premier d’une fructueuse collaboration à venir entre Rick Emmett et Mascot !

Une seule et unique tv aura permis au groupe Future Islands de se faire définitivement une place au sein du monde de la musique indépendante. Cette prestation dans le Late Night Show de David Letterman en a laissé plus d’un pantois. Les déhanchements suggestifs et la voix rauque et surpuissante de Samuel T Harding, leader du groupe totalement habité, avaient alors fait le tour du web. Depuis, le groupe a tourné dans le monde entier et s’est même retrouvé, à la surprise générale sur le plateau de Vivement Dimanche Le groupe, qui hante les nuits du chanteur Christophe, n’est donc aujourd’hui plus confidentiel. The Far Field, leur cinquième album, est tout aussi luxuriant et avenant que leur précédent album Singles. Il y a toujours cette voix singulière que possède Samuel qui insuffle une dose de soul et le mélange parfait des guitares et synthés sur ces morceaux d’une évidence pop affolante. Petite nouveauté pour cet album, l’intégration d’une batterie jouée par Michael Lowry qui vient renforcer l’efficacité de cette pop romantique aux mélodies fédératrices. Un nouvel album taillé pour installer Future Islands comme l’un des groupes phares de sa génération.

MUSIQUES AFRICAINES éLECTRIQUES Né en duo saxophones / batterie à Berlin en 2009, devenu quartet électrique en 2011, Electric Vocuhila mêle des rythmiques inspirées de diverses musiques urbaines africaines comme le sébène congolais et le tsapiky malgache à une conception orchestrale issue du jazz et plus particulièrement de la musique harmolodique d'Ornette Coleman. Sur une base rythmique obstinée mais toujours mouvante, tour à tour hypnotique et frénétique, leur musique se construit librement autour de motifs répétitifs. Recherchant à la fois la concision mélodique et une forme de débordement ou de transe, le quartet développe de longues séquences faites de thèmes fulgurants, de phrasés sinueux, de riffs acérés et explosifs. Un appel joyeux et urgent à la danse. L'étrange et réjouissant groupe Electric Vocuhila. Ces musiciens viennent du jazz, option free, et jouent de la musique africaine comme si c'était du rock. De la musique africaine d'aujourd'hui, avec une prédilection pour le tsapiky malgache : tourneries de guitare électrique et rythmes fous, pour une forme de musique de transe très proche du meilleur rock, en effet. -- LES INROCKS ---

La France les a découverts dans les stades en 1ère partie d'AC/DC et de Guns N'Roses, puis dans les clubs parisiens (La Boule Noire, Le Divan du Monde) où ils ont littéralement mis le feu! Sorte de carte de visite, leur EP The Wayside (sortie en 2015) a valu à Tyler Bryant & The Shakedown les honneurs de la presse spécialisée. Rock Hard, Guitar Part, Guitar Xtreme, La Grosse Radio, Oui FM ne tarissent pas d'éloges sur les talents de ce jeune guitariste / chanteur et de sa troupe. Flanqué de ses insaisissables Shakedown - Caleb Crosby (batterie), Graham Whitford (guitare), Noah Denney (basse) - ce texan exilé à Nashville nous offre enfin un véritable nouvel album. Un disque de blues rock tonique et moderne dominé par des guitares classieuses et précises. Sa voix n'est pas en reste puisqu'elle imprime une personnalité décapante à l'ensemble des compositions, qui, sans pour autant sonner vintage respectent tout de même la tradition. Un exploit que peu de groupes réussissent à réaliser de nos jours. Pas étonnant que le petit Tyler soit adoubé par Jeff Beck, Robben Ford et quelques-unes des meilleures gâchettes du genre.

MUSIQUES AFRICAINES éLECTRIQUES Né en duo saxophones / batterie à Berlin en 2009, devenu quartet électrique en 2011, Electric Vocuhila mêle des rythmiques inspirées de diverses musiques urbaines africaines comme le sébène congolais et le tsapiky malgache à une conception orchestrale issue du jazz et plus particulièrement de la musique harmolodique d'Ornette Coleman. Sur une base rythmique obstinée mais toujours mouvante, tour à tour hypnotique et frénétique, leur musique se construit librement autour de motifs répétitifs. Recherchant à la fois la concision mélodique et une forme de débordement ou de transe, le quartet développe de longues séquences faites de thèmes fulgurants, de phrasés sinueux, de riffs acérés et explosifs. Un appel joyeux et urgent à la danse. L'étrange et réjouissant groupe Electric Vocuhila. Ces musiciens viennent du jazz, option free, et jouent de la musique africaine comme si c'était du rock. De la musique africaine d'aujourd'hui, avec une prédilection pour le tsapiky malgache : tourneries de guitare électrique et rythmes fous, pour une forme de musique de transe très proche du meilleur rock, en effet. -- LES INROCKS ---

«Tales From the Realm of the Queen of Pentacles» marque le retour en studio de l'immense songwriter américaine. A cette occasion, Suzanne Vega a enregistré dix morceaux qui transporteront l'auditeur dans son univers fait de multiples influences. Ces morceaux racontent chacun une histoire sur le monde matériel, celui des esprits ou leurs points de rencontre. Suzanne a passé ces dernières années à écrire et enregistrer ces nouveaux joyaux sur la route, entre Chicago, Londres, Prague, Los Angeles et Kyserike Station, une ancienne gare située à New York. L'album a été mixé par Kevin Killen, qui a travaillé avec Peter Gabriel et Kate Bush et produit par Gerry Leonard, collaborateur de David Bowie pendant plus d'une décennie. Pour la première fois en studio, Suzanne Vega a aussi rassemblé d'illustres musiciens pour l'accompagner. En plus de ses compagnons de longue date Mike Visceglia à la basse et Doug Yowell à la batterie, on retrouve donc, entres autres, Gail Ann Dorsey, Zachary Alford (David Bowie), Tony Levin (Peter Gabriel) ou encore Larry Campbell (Bob Dylan).

Un rock musclé, excitant et plein d'amour, dont les riffs agissent comme un remède. Le tout chanté en Français ! Corridor est un groupe de Montréal et Junior, son premier album à paraître via Sub Pop / Bonsound, a été fait hier. à peine quelques jours après avoir signé ses contrats, le groupe de rock'n'roll entrait en studio, courant contre la montre pour créer l'album le plus éblouissant, le plus spontané et le plus audacieux de sa jeune carrière : 39 minutes de fléchettes et d'esquives de guitares, d'harmonies vocales en spirale, empreintes de la nostalgie complexe d'un dimanche après-midi. Corridor n'en est pas à son premier rodéo. Junior est le troisième long jeu du groupe, qui comme les deux précédents, a été enregistré avec leur ami, réalisateur Emmanuel Ethier. Deux voix, deux guitares, une basse, une batterie : l'intemporalité du set-up de Corridor délivrant une musique musclée, excitante et pleine d'amour, dont les riffs agissent comme un remède. Junior est une joie, un miracle précipité, parce que c'est tellement amusant à écouter. Puisque cet album dure 39 minutes et qu'il y a 24 heures dans une journée, vous pouvez l'écouter 36 fois d'ici demain.

Un rock musclé, excitant et plein d'amour, dont les riffs agissent comme un remède. Le tout chanté en Français ! Corridor est un groupe de Montréal et Junior, son premier album à paraître via Sub Pop / Bonsound, a été fait hier. à peine quelques jours après avoir signé ses contrats, le groupe de rock'n'roll entrait en studio, courant contre la montre pour créer l'album le plus éblouissant, le plus spontané et le plus audacieux de sa jeune carrière : 39 minutes de fléchettes et d'esquives de guitares, d'harmonies vocales en spirale, empreintes de la nostalgie complexe d'un dimanche après-midi. Corridor n'en est pas à son premier rodéo. Junior est le troisième long jeu du groupe, qui comme les deux précédents, a été enregistré avec leur ami, réalisateur Emmanuel Ethier. Deux voix, deux guitares, une basse, une batterie : l'intemporalité du set-up de Corridor délivrant une musique musclée, excitante et pleine d'amour, dont les riffs agissent comme un remède. Junior est une joie, un miracle précipité, parce que c'est tellement amusant à écouter. Puisque cet album dure 39 minutes et qu'il y a 24 heures dans une journée, vous pouvez l'écouter 36 fois d'ici demain.

Circlesquare c'est Jeremy Shaw de Vancouver, qui vit maintenant à Berlin. Son premier album Pre-Earthquake Anthem sorti en 2003 chez Output fut comme une révélation. Nourri d'influences telles que Leonard Cohen, Pole, Angelo Badalamenti, et même Chris Isaak, Circlesquare est apparu comme un alien au milieu des artistes fluo-funk et minimalistes d'Output. Suivirent l'EP Fight Sounds en 2006 et Songs About Dancing and Drugs. Songs About Dancing and Drugs n'est pas un album de dance habituel, mais plutôt un recueil de délires opiacés : bleep techno découpée et froissée, shoegaze dans un squelette électrique et musique ambiante avec un esprit anti-pop et un coeur rock'n'roll. Toute en tensions et négations, cette musique reste toute en mesure, avec des guitares liquides, une batterie oxydée et la voix unique de Jeremy qui porte le tout. Parmi les membres live de Circlesquare on retrouve le batteur Dale Butterfield et le guitariste Trevor Larson. Les morceaux de Songs About Dancing and Drugs évoquent des promesses brisées et des potentiels gâchés, l'ennui désespéré et des révélations banales. Une oeuvre profondément sombre.

Le duo afro-futuriste Onipa sort son premier album, alliant afro grooves, sonorités électroniques et énergie débordante pour une vibrante célébration de rencontres culturelles et musicales. ONIPA signifie humain en Akan, l'ancienne langue du peuple Ashanti du Ghana. C'est un message qui prône la connexion par la collaboration : du Ghana à Londres, Onipa apporte l'énergie, le groove, les beats électroniques, l'afro futurisme, la danse et le feu! Né d'une solide collaboration entre les amis de longue date KOG (Kweku du Ghana et de la Zongo Brigade) et Tom Excell (leader, guitariste et auteur de l'excitant collectif Nubiyan Twist, les pionniers de l'afro-jazz et de la soul afrobeat), ce groupe de quatre musiciens sur scène présente KOG au chant, au balafon et aux percussions, et Tom Excell à la guitare, aux percussions et aux machines, Dwayne Kilvington (Wonky Logic) aux synthés et Finn Booth (Nubiyan Twist) à la batterie. L'album présente également des collaborations avec le rappeur sud-africain Spoek Mathambo, la star du Lesotho Morena Leraba, le maître des percussions ghanéen Afla Sackey, le rappeur britannique Syntax et les soeurs tanzaniennes Pendo & Leah Zawose, chacun ajoutant sa propre saveur au projet.

A l’occasion du 50ème anniversaire de « Miles Smiles », un des albums phares du trompettiste de légende, découvrez l’intégralité des bandes telles qu’elles furent enregistrées pour chaque titre de l’album : inclus répétitions, conversations de studio et prises alternatives partielles ou complètes dans un superbe coffret Triple Vinyle. Ce coffret illustre l’évolution musicale de Miles Davis au sein de son « second grand quintet » : Miles Davis (trompette), Wayne Shorter (saxophone), Herbie Hancock (piano), Ron Carter (basse) et Tony Williams (batterie) Cette édition « définitive » comprend aussi des prises masters figurant sur les albums « Nefertiti » (1968) et « Water Babies » (enregistré en 1967 mais sorti en 1976). On y découvre aussi une prise inédite de Masqualero ainsi qu’une version inédite de Country Son, et, cerise sur le gâteau, un enregistrement rare et unique de Miles Davis au piano, où il montre à Wayne Shorter, Blues in F (My Dying), un nouveau titre sur lequel il est en train de travailler. Ce coffret révèle la profondeur du processus d’enregistrement de l’un des plus grands musiciens de jazz au sein d’une de ses plus belles formations.

Pottery est le meilleur band que vous ne pouvez pas écouter parce que les membres refusent de sortir leur album - Vice Canada. Et bien ça y est ! Découvrez leur tout premier album. Les 11 chansons de Welcome to Bobby's Motel, le premier album de Pottery, ne vous invitent pas seulement à bouger votre corps, elles vous l'imposent. Fusionnant une énergie téméraire avec une précision minutieuse, le disque est à la fois post-punk, art-pop et acid trip, faisant allusion à tout ce qui va de Devo à Gang of Four, tout en parcourant avec audace les genres et les décennies. La musique est animée par une batterie explosive et des riffs de guitares décalés qui s'incrustent dans votre cerveau, accentués par des grooves profonds et funky ainsi que des chants entraînants. La production est tout aussi brute et sauvage, suggérant un air d'anarchie qui dément l'architecture soignée et la construction méticuleuse de la musique. Le résultat est un album rempli de performances ambitieuses et complexes qui dégagent à la fois joie et chaos, une collection qui est alternativement virtuose, chaotique et amusante. Welcome To Bobby's Motel est une invitation à se libérer, à se déconnecter, à se laisser aller, délivrée par un groupe de rock and roll qui veut juste vous voir danser.

Pottery est le meilleur band que vous ne pouvez pas écouter parce que les membres refusent de sortir leur album - Vice Canada. Et bien ça y est ! Découvrez leur tout premier album. Les 11 chansons de Welcome to Bobby's Motel, le premier album de Pottery, ne vous invitent pas seulement à bouger votre corps, elles vous l'imposent. Fusionnant une énergie téméraire avec une précision minutieuse, le disque est à la fois post-punk, art-pop et acid trip, faisant allusion à tout ce qui va de Devo à Gang of Four, tout en parcourant avec audace les genres et les décennies. La musique est animée par une batterie explosive et des riffs de guitares décalés qui s'incrustent dans votre cerveau, accentués par des grooves profonds et funky ainsi que des chants entraînants. La production est tout aussi brute et sauvage, suggérant un air d'anarchie qui dément l'architecture soignée et la construction méticuleuse de la musique. Le résultat est un album rempli de performances ambitieuses et complexes qui dégagent à la fois joie et chaos, une collection qui est alternativement virtuose, chaotique et amusante. Welcome To Bobby's Motel est une invitation à se libérer, à se déconnecter, à se laisser aller, délivrée par un groupe de rock and roll qui veut juste vous voir danser.

Il a écrit des chansons de Grizzly Bear et Department of Eagles les plus acclamées par la critique, le multi-instrumentiste et songwriter Daniel Rossen partage un tout nouveau recueil de chansons sur sa première sortie solo Silent Hour/Golden Mile. Des productions d'un musicien que vous connaissez déjà, mais qui révèlent un coeur que vous ne lui soupçonniez peut-être pas. Rossen a enregistré presque tout Silent Hour / Golden Mile tout seul dans des salles de répétition et des petits espaces à New York. Des cordes soupirantes et des percussions déferlantes du titre d'ouverture Up on High aux mosaïques de guitares et au choeur à un homme de Return to Form, Rossen a été à la fois instigateur et acteur. Il a cependant fait appel à la guitare de Scott Hirsch et aux arrangements de cor d'Ian Davis et Kris Nolte; pour la batterie propulsive du dernier titre il faut créditer Eric Slick (Dr. Dog). De façon appropriée, le nom de l'EP vient de son dernier titre, Golden Mile, un joyau qui atténue sa tristesse lyrique avec des rythmes excellents et des guitares lancinantes. « For a Silent Hour, for a Golden Mile, » chante Rossen, passant immédiatement des difficultés passées au futur infini et inconnu. « There's bliss in this mess. There's madness all around. »

Les parcours individuels d’Andy Emler, Claude Tchamitchian et Eric Echampard les placent parmi les musiciens français, voire européens, les plus reconnus. Vrai trio interactif où la musique s’élabore et se joue en commun, cet ensemble se situe à la croisée de genres musicaux riches et divers : chambriste contemporain, minimaliste, d’énergie rock et de liberté d’improvisation jazzistique, c’est une musique mûrie, aboutie et d’une finesse d’arrangement et d’architecture timbrale remarquables. Le tout possède un son unique et une dynamique créative propre, servie par trois musiciens accomplis et hors normes. ETE, pour les intimes... et les autres, trace sa voie et ouvre des perspectives nouvelles dans l’approche du trio piano, basse, batterie dont le monde du jazz est immensément riche. Cette année ce trio, salué par la presse et les publics en France et à l’étranger (tournées multiples dans les pays baltes, concerts en Allemagne et en Angleterre...) fête ses 10 ans avec ce nouvel album. Trois albums en 10 ans, c’est là l’affirmation d’un investissement musical réfléchi qui répond à une nécessité artistique essentielle pour ce trio qui continue à habiter un territoire où la musique se déploie sans retenue, ni codes. Une musique de musiciens pour toutes les oreilles ouvertes...

Avec The Sirens le saxophoniste Chris Potter signe son premier album en leader pour ECM : Musicien talentueux, Chris Potter s'est forgé au fil des années une impressionnante discographie riche d'une centaine d'apparitions en tant que sideman et de 15 albums en leader. Il a collaboré avec des musiciens comme Herbie Hancock, Pat Metheny, Jim Hall, Paul Motian, Ray Brown, John Scofield Dave Douglas, et a travaillé au sein du Mingus Big Band. Potter a enregistré sur ECM avec son mentor Dave Holland, avec Steve Swallow et Paul Motian. Il a composé pour l'occasion une oeuvre de belles mélodies et d'humeurs changeantes, inspirée par L'Odyssée d'Homère, tant dans sa dimension épique que dans son humanité intemporelle.. Ces pièces sont servies par la subtilité virtuose d'un groupe remarquablement structuré comprenant outre Potter aux saxophones ténor et soprano et à la clarinette basse, Craig Taborn au piano, David Virelles au piano réparé, au célesta et à l'harmonium, Larry Grenadier à la contrebasse et Eric Harland à la batterie. Le phrasé lyrique de Potter est soutenu par une section rythmique remarquable de dynamisme et d'inventivité tandis que les claviers projettent des taches de couleurs chatoyantes.

Inauguré autour des compositions du pianiste Emmanuel Déplaude, Ompa Bompa voit le jour en 2001 et a été nommé talent Jazz à Vienne en 2003 et 2004. Cette formation, tout en puisant dans les racines du jazz, développe un langage résolument actuel. Le groupe a trois albums à son actif : «Clap Mental» (2003), « Duke, Jungle?» (2005, répertoire créé à l'occasion de « Jazz en scène »), « To Our Dearly Beloved » (2011). Le groupe compte 7 musiciens : Julien Bertrand (trompette, bugle), Ludovic Murat (saxophone alto, soprano), Vincent Périer (saxophone ténor, clarinette, compositions, arrangements ), Franck Boyron (trombone), Emmanuel Déplaude (piano, rhodes, compositions, arrangements ), Julien Sarazin (basse ), Olivier Génin (batterie ) L'album «To Our Dearly Beloved» traduit en musique les émotions nées de la lecture de Beloved, l'un des romans les plus célèbres de Toni Morrison, qui relate l'histoire d'une ancienne esclave noire à la fin du XIXème siècle. A travers une esthétique « jazz actuel », Ompa Bompa vous invite à plonger au coeur des racines du jazz dans un opus où l'on retrouve le rythme comme célébration de la vie.

LA NOUVELLE SIGNATURE DE SONGWRITERS US DE MASCOT Ce groupe de Rock n' Roll américain tire son nom du morceau de Bob Dylan intitulé The Ballad of Hollis Brown. Formé par les natifs du Queens Mike Montali (chant/guitare) et Jonathan Bonilla (lead guitar). C'est en parcourant l'Amérique qu'ils ont trouvé leur véritable souffle, en recrutant Andrew Zehnal (batterie) à Cleveland et Adam Bock (claviers) à St. Louis. Depuis leur formation en 2009, la musique d'Hollis Brown a déjà acquis une bonne notoriété et ainsi régulièrement été utilisée pour la TV et le cinéma : pour la bande annonce du film de Michael Keaton The Founder, dans le film avec Willem Dafoe et Matt Dillon, Bad Country, dans des séries comme Kingdom ou Shameless, et pour plusieurs campagnes de pub. Le groupe a énormément tourné aux US et aussi en Europe, seul ou en première partie de groupes de l'envergure des Counting Crows, Citizen Cope, The Zombies, Jackie Greene, Heartless Bastards, Rich Robinson des Black Crowes, ou encore Jesse Malin, ce qui leur a permis de se construire une belle fan base sur les deux continents. En signant chez Mascot, le groupe devrait encore passer un cap.

LA NOUVELLE SIGNATURE DE SONGWRITERS US DE MASCOT Ce groupe de Rock n' Roll américain tire son nom du morceau de Bob Dylan intitulé The Ballad of Hollis Brown. Formé par les natifs du Queens Mike Montali (chant/guitare) et Jonathan Bonilla (lead guitar). C'est en parcourant l'Amérique qu'ils ont trouvé leur véritable souffle, en recrutant Andrew Zehnal (batterie) à Cleveland et Adam Bock (claviers) à St. Louis. Depuis leur formation en 2009, la musique d'Hollis Brown a déjà acquis une bonne notoriété et ainsi régulièrement été utilisée pour la TV et le cinéma : pour la bande annonce du film de Michael Keaton The Founder, dans le film avec Willem Dafoe et Matt Dillon, Bad Country, dans des séries comme Kingdom ou Shameless, et pour plusieurs campagnes de pub. Le groupe a énormément tourné aux US et aussi en Europe, seul ou en première partie de groupes de l'envergure des Counting Crows, Citizen Cope, The Zombies, Jackie Greene, Heartless Bastards, Rich Robinson des Black Crowes, ou encore Jesse Malin, ce qui leur a permis de se construire une belle fan base sur les deux continents. En signant chez Mascot, le groupe devrait encore passer un cap.

Carlos Santana reforme son groupe historique. En mars 2016, quelques semaines avant la sortie de l’album 'Santana IV', la formation historique de Santana investissait la scène de la House Of Blues à Las Vegas. Ils livrèrent un show d’anthologie combinant les titres du nouvel album et tous les grands classiques issus des 3 premiers disques dont 'Santana IV' est le digne successeur. Ce rendez-vous était extrêmement attendu car le groupe ne s’était pas réuni sous cette forme depuis le début des années 70. Un show lumineux où l’alchimie fonctionne entre ces musiciens d’exception, qui nous offrent avec un plaisir évident cette fusion unique de rock, de musique latine, de blues, de jazz et de rythmes africains. Formation : Carlos Santana (guitare, chant), Neal Schon (guitare, chant), Gregg Rolie (claviers, chant), Michael Shrieve (batterie), Michael Carabello (congas, choeurs), Karl Perazzo (percussions, chant), Benny Rietveld (basse) et en invité spécial Ronald Isley (chant). Inclus les hits : Jingo, Soul Sacrifice, Samba Pa Ti, Black Magic Woman, Evil Ways, Oye Como Va...

Carlos Santana reforme son groupe historique. En mars 2016, quelques semaines avant la sortie de l’album 'Santana IV', la formation historique de Santana investissait la scène de la House Of Blues à Las Vegas. Ils livrèrent un show d’anthologie combinant les titres du nouvel album et tous les grands classiques issus des 3 premiers disques dont 'Santana IV' est le digne successeur. Ce rendez-vous était extrêmement attendu car le groupe ne s’était pas réuni sous cette forme depuis le début des années 70. Un show lumineux où l’alchimie fonctionne entre ces musiciens d’exception, qui nous offrent avec un plaisir évident cette fusion unique de rock, de musique latine, de blues, de jazz et de rythmes africains. Formation : Carlos Santana (guitare, chant), Neal Schon (guitare, chant), Gregg Rolie (claviers, chant), Michael Shrieve (batterie), Michael Carabello (congas, choeurs), Karl Perazzo (percussions, chant), Benny Rietveld (basse) et en invité spécial Ronald Isley (chant). Inclus les hits : Jingo, Soul Sacrifice, Samba Pa Ti, Black Magic Woman, Evil Ways, Oye Como Va...

Plus qu’un groupe, Gang Of Four est un manifeste, un monument du rock qui n’a jamais rien considéré comme acquis. On en veut pour preuve cette renaissance réussie sublimée par la voix d’Alison Mosshart ! « Entertainment ! », leur premier album, fait partie du prestigieux classement du magazine Mojo « Record that changed the world » : une belle entrée dans la cour des grands. S’en suivra une pléiade de groupes se revendiquant du son du GOF comme R.E.M, Red Hot Chili Peppers ou encore Nirvana. Il y a un an, Andy Gill, tête pensante du combo, opère une renaissance de ce groupe légendaire. Pour se faire il appelle John ‘Gaoler’ Sterry au chant, Thomas McNiece à basse, Jonny Finnegan à la batterie (remplacant le batteur Mark Heaney) et une chanteuse de choix pour poser sa voix sur quelques titres : Alison Mosshart (The Kills, The Dead Weather). Des invités de renom participent aussi à l’aventure comme Gail Ann Dorsey, Robbie Furze de The Big Pink et le ‘guitar hero’ japonais Hotei, plus le musicien et acteur allemand Herbert Grönemeyer. Avec un son nouveau et une envie d’explorer de nouveaux terrains musicaux, « What Happens Next » semble être l’album le plus riche jamais écrit par le groupe. Et c’est reparti pour un tour !

Joachim Kühn, ténor du piano jazz, au jeu à nul autre pareil poursuit depuis déjà quatre albums son chemin musical avec deux musiciens dont les différences rendent la rencontre exceptionnelle. Trois hommes habités par la musique nous invite une nouvelle fois à partager leur conversation musicale, amicale, chaleureuse, dans laquelle chacun apporte ses fondamentaux. L'association entre le jeu fougueux du pianiste improvisateur et les mélodies marocaines et radieuses de Majid Bekkas est une vraie réussite. Le guembri, merveilleux instrument à cordes traditionnel qui remplace ici la contrebasse, s'intègre parfaitement au coeur d'un projet de jazz créatif. Ramon Lopez, l'homme batterie, dont le sang espagnol coule dans les veines, fait corps avec son instrument et contribue à l'énergie fusionnelle qui circule tout au long de l'album. Don musical, don de soi : les trois s'amusent, jouent au sens premier du terme; alternance des notes qui se télescopent, s'entrechoquent, se bousculent, modulations de la voix ou bien solo de guembri de Majid Bekkas : l'espace s'emplit d'une respiration naturelle. Un moment d'une grande intensité, renforcé par la présence d'Archie Shepp sur trois titres.

La première parution sur ECM de Shai Maestro en tant que leader (après ses débuts avec Theo Bleckmann sur Elegy) met en vedette le pianiste talentueux menant son trio superlatif avec son compatriote israélien Ofri Nehemya à la batterie et le bassiste péruvien Jorge Roeder, mais aussi en tant que soliste. Une interprétation en solo de My Second Childhood de Matti Caspi ouvre un programme de compositions originales de Maestro bien pensées, chacune avec une histoire à raconter. Entendre le Trio Shai Maestro, c'est comme se réveiller dans un nouveau monde, a suggéré All About Jazz. Expressions de joie, reflexions introspectives et une intensité accrue sont au premier plan. Grâce à son toucher particulier, Maestro peut transmettre une gamme d'émotions fugaces en une seule phrase. Une déconstruction de These Foolish Things, le seul standard de l'album, sert de prélude à What Else Needs To Happen, une sombre méditation sur la violence dans les quartiers déshérités et ses conséquences. The Dream Thief a été enregistré à Auditorio Stelio Molo RSI de Lugano en Avril 2018, et produit par Manfred Eicher, et publié à la veille d'une tournée européenne avec des concerts en Espagne, Allemagne, Pays-Bas, la Suède, la Belgique, l'Italie, la France et la Suisse.

Le premier album studio du groupe Green River maintenant disponible en CD et vinyle ! L'histoire de la montée du rock à Seattle à la fin des années 80 et début 90 commence avec Green River. Composé de Jeff Ament (basse), Mark Arm (guitare / voix), Bruce Fairweather (guitare), Stone Gossard (guitare) et Alex Shumway (batterie), le quintet a sorti trois 12'' et un 7' pendant sa brève existence. Mais l'influence de Green River sur la scène musicale de Seattle s'est largement répandue, grâce à la dispersions des membres dans des groupes tels que Pearl Jam, Mudhoney et Love Battery, ainsi que les chansons punk-glam-sludgerock qu'ils ont laissés derrière eux. Green River, formé en 1984, chevauchait de nombreux genres différents : blues, punk, rock... Le LP Rehab Doll, sorti en 1988, a été publié en un seul CD, avec quelques bonus - mais était indisponible en format vinyle pendant des années. La place de Green River dans l'histoire de la musique américaine est indiscutable, mais ces enregistrements brossent un tableau plus complet du groupe et du rock entre le milieu et la fin des années 80, alors que les idéaux plus rapides et plus forts du punk étaient en train de changer de forme.

Considéré comme l'un des plus grands musiciens de rock progressif (Prog) au monde, Neal Morse est une artiste prolifique et son désir de faire bouger les gens à travers sa musique est plus vif que jamais. Jesus Christ the Exorcist est un projet monumental dans la discographie déjà impressionnante de Neal Morse : c'est un opéra de rock progressif qu'il a écrit et produit en l'espace de 10 ans. Il rassemble les performances de Neal et un panel de chanteurs et de musiciens incroyables comme Ted Leonard, Eric Gillette, Nick D'Virgilio, Randy George, Bill Hubauer, Matt Smith, et d'autres. Jesus Christ the Exorcist propose environ deux heures de musique qui couvrent tous les spectres et tous les genres pour lesquels Neal Morse est connu et qui, bien sûr, raconteront l'Histoire de toutes les histoires. Cet opéra rock progressif est un événement marquant dans l'histoire de la musique prog. JESUS CHRIST THE EXORCIST, a été joué en avantpremière mondiale en 2018 par un ensemble de musiciens Prog Rock composé de Neal Morse (piano, guitare), Paul Bielatowicz (guitare), Bill Hubauer (piano), Randy George (basse) et Eric Gillette (batterie).

Le premier album studio du groupe Green River maintenant disponible en CD et vinyle ! L'histoire de la montée du rock à Seattle à la fin des années 80 et début 90 commence avec Green River. Composé de Jeff Ament (basse), Mark Arm (guitare / voix), Bruce Fairweather (guitare), Stone Gossard (guitare) et Alex Shumway (batterie), le quintet a sorti trois 12'' et un 7' pendant sa brève existence. Mais l'influence de Green River sur la scène musicale de Seattle s'est largement répandue, grâce à la dispersions des membres dans des groupes tels que Pearl Jam, Mudhoney et Love Battery, ainsi que les chansons punk-glam-sludgerock qu'ils ont laissés derrière eux. Green River, formé en 1984, chevauchait de nombreux genres différents : blues, punk, rock... Le LP Rehab Doll, sorti en 1988, a été publié en un seul CD, avec quelques bonus - mais était indisponible en format vinyle pendant des années. La place de Green River dans l'histoire de la musique américaine est indiscutable, mais ces enregistrements brossent un tableau plus complet du groupe et du rock entre le milieu et la fin des années 80, alors que les idéaux plus rapides et plus forts du punk étaient en train de changer de forme.

La talentueuse singer-songwriter anglaise Laura Marling présente à seulement 25 ans son cinquième album. Un album majestueux et intense, qui s'offre comme une véritable renaissance dans la discographie déjà riche de cette musicienne prodigue. Installée depuis quelques années à Los Angeles, elle rompt tout au long de ses 13 titres écrits à Joshua Tree avec le folk purement acoustique de ses débuts pour explorer des contrées musciales vastes, audacieuses et surtout plus électriques, rappelant PJ Harvey, à l'image du premier single ‘'False Hope ou encore du très beau ‘'Gurdijeff's Daughter Afin de démystifier la production, Laura a produit elle-même ‘'Short Movie, entourée de deux ingénieurs du son, Matt Ingram (qui joue également de la batterie) et Dan Cox. Une expérience qu'elle qualifie “d'agréable, mais angoissante. Pour l'enregistrement, qui s'est déroulé aux Urchin Studios à Londres, elle était accompagnée au violoncelle de son ancien collaborateur, Ruth De Turberville, de Nick Pini à la basse et de Tom Fiddle de Noah and the Whale. Le résultat est un album d'une beauté sidérante, reflet d'une période de vaste exploration pour Laura Marling, résolument unique dans le paysage musical actuel.

Carlos Santana reforme son groupe historique. En mars 2016, quelques semaines avant la sortie de l'album 'Santana IV', la formation historique de Santana investissait la scène de la House Of Blues à Las Vegas. Ils livrèrent un show d'anthologie combinant les titres du nouvel album et tous les grands classiques issus des 3 premiers disques dont 'Santana IV' est le digne successeur. Ce rendez-vous était extrêmement attendu car le groupe ne s'était pas réuni sous cette forme depuis le début des années 70. Un show lumineux où l'alchimie fonctionne entre ces musiciens d'exception, qui nous offrent avec un plaisir évident cette fusion unique de rock, de musique latine, de blues, de jazz et de rythmes africains. Formation : Carlos Santana (guitare, chant), Neal Schon (guitare, chant), Gregg Rolie (claviers, chant), Michael Shrieve (batterie), Michael Carabello (congas, choeurs), Karl Perazzo (percussions, chant), Benny Rietveld (basse) et en invité spécial Ronald Isley (chant). Inclus les hits : Jingo, Soul Sacrifice, Samba Pa Ti, Black Magic Woman, Evil Ways, Oye Como Va...

Réédition du tout premier maxi-single vinyle Raum, le bijou secret et underground le mieux gardé de (Suisse?) Grauzone depuis 1980. Inclus le titre complet tiré des bandes originales, ainsi qu'un remix pour le club de Naum Gabo (Jonnie Wilkes d'Opto et James Savage) avec l'aide de Dennis Young de Liquid Liquid et un edit du légendaire DJ Ata de Francfort (du club Robert Johnson). Le vinyle de 12 pouces est coupé à 45 tours et vient avec une pochette inédite, dessinée par l'un des membre du groupe Stephan Eicher et un autocollant Xerox fait main. Initialement paru il y a près de 40 ans sur la compilation Swiss Wave, c'est l'autre plus grand morceau de musique de Grauzone à découvrir (avec Eisbaer). Une basse uber-contagieuse à la new-yorkaise interprétée par Christian GT Trussel et une batterie frénétique de Marco Repetto se mêlant aux paroles envoûtantes de Martin Eicher et aux escapades au saxophone de Claudine Chirac pour incarner le paradis post-punk et toutes ses merveilleuses anomalies. C'est un disco avec un bord, une pop remplie de peur, c'est The Cure infusé de prototechno et d'art suisse chic. Ou peut-être est-ce simplement une chanson qui vous fera danser et c'est déjà bien.

Star du jazz allemand et nouvelle signature de Sony Masterworks, Till Brönner propose un album de standards pleins de charme et de sensualité. Till Brönner est une figure dominante du jazz allemand. Outre ses nombreuses apparitions à la télévision et à la radio, il est reconnu pour son excellent jeu de trompette, sa voix douce et chaleureuse ainsi que pour son rôle de producteur et d’arrangeur. Nominé deux fois aux Grammy Awards, il a remporté à cinq reprises l’Echo Jazz, l’une des plus grandes récompenses musicales allemandes. ‘The Good Life’, son premier album pour Sony Music, est placé sous le signe du charme et de la détente et tire essentiellement son inspiration des grands standards du jazz américain rendus célèbres par les interprétations de Frank Sinatra, Billie Holiday, Nat King Cole et bien d’autres musiciens légendaires. Till Brönner a signé lui-même deux compositions de l’album et chante sur 8 titres. L’album produit par Ruud Jacobs a été enregistré entre Los Angeles et Amsterdam avec une section rythmique de rêve composée de John Clayton à la contrebasse (qui a aussi assuré les arrangements), Anthony Wilson à la guitare, Larry Goldings au piano et Jeff Hamilton à la batterie.

Le nouvel album du légendaire guitariste allemand Le guitariste allemand Axel Rudi Pell a démarré sa carrière en 1980 avec le groupe Steeler, avec lequel il sortira 4 albums. En novembre 1988, Axel décide de former son propre groupe avec Jörg Deisinger (ex-Bonfire), le batteur Jörg Michael (Stratovarius & co), le bassiste Thomas Smuszynski (ex-U.D.O.) et le chanteur américain Charlie Huhn (Ted Nugent, Gary Moore, Victory). Depuis, en solo, Axel Rudi Pell a enchainé les albums et utilisé différents grands chanteurs, puisque Rob Rock (M.A.R.S, Impellitteri), puis Jeff Scott Soto (Yngwie Malmsteen, Journey, Talisman) et enfin Johnny Gioeli (ex-Brunette, Hardline) se succèderont à ce poste. Avec eux, le virtuose de la six cordes enregistre des petit bijoux de hard rock mélodique. The Crest s'incrit dans la grande tradition des meilleurs opus d'Axel Rudi Pell. Du hard rock mélodique chargé de superbes guitares. A ses côtés on retroyve cette fois Johnny Gioeli au chant et Mike Terrnana (Masterplan, Rage) à la batterie. A noter que la production a été confié aux bons soins de par Charlie Bauerfeind (Angra, Gamma Ray, Hammerfall...).

Blackfield V est le résultat de l'étroite collaboration entre le compositeur et musicien Israélien Aviv Geffen, et le musicien et producteur Steven Wilson. Aviv Geffen a travaillé avec des producteurs légendaires tels que Tony Visconti et Trevor Horn; il a joué en live avec U2 et Placebo, et fait actuellement parti du jury de ‘The Voice' à la télévision israélienne. Steven Wilson, après une longue carrière comme leader du très influent groupe : Porcupine Tree, a rencontré un énorme succès dans sa carrière solo : n°3 au Top 40 des albums en Angleterre, Allemange et Hollande, ainsi que 4 nominations aux Grammy Awards. Ecrit et enregistré sur une période de 18 mois en Israël et en Angleterre, Blackfield V contient 13 titres d'une durée totale de 45 mn. En plus du duo aux chants, guitares et claviers, on retrouve Tomer Z à la batterie, Eran Mitelman au clavier. La plupart des arrangements symphoniques ont été réalisés par la session orchestrale de Londres. Blackfield V est un merveilleux voyage aux mélodies accrocheuses, aux arrangements divins, et à la production exceptionnelle. En effet, le grand Alan Parsons a contribué à la production de 3 des meilleurs morceaux de l'album. Lasse Hoile a réalisé l'illustration de la pochette en accord avec Carl Glover. Les deux musiciens considèrent Blackfield V comme leur meilleure collaboration à ce jour.

Ghostpoet fait peau neuve avec son troisième album. Après la sortie du cathartique et salvateur Some Say I So I Say Light paru en 2013, Obaro Ejimiwe a.k.a. GHOSTPOET va de l'avant avec un nouvel album qui sonne comme un retour aux sources, mais aussi un nouveau départ. À bien des égards, Shedding Skin évoque le premier album de GHOSTPOET sorti en 2011 et nommé au Mercury Prize, Peanut Butter Blues & Melancholy Jam. Cependant il diffère de ce dernier en ce qu'il a été enregistré très vite, avec le groupe qui accompagne GHOSTPOET sur scène : Joe Newman à la guitare, John Blease à la batterie et John Calvert à la basse, qui a également coproduit l'album au côté de Ejimiwe. A ceux-ci viennent s'ajouter de nombreuses collaborations qui colorent l'album, parmi lesquelles celles des chanteurs Lucy Ross, Etta Bond (magnifique sur Yes, I Helped You Pack), Nadine Shah, Melanie de Biasio, et Paul Smith, chanteur de Maxïmo Park. En abordant des thèmes qui le touchent personnellement, GHOSTPOET a voulu les traduire d'un point de vue universel avec pour but de transmettre ce message : quelque soient les difficultés de la vie, rien n'est impossible à qui souhaite accomplir de grandes choses. C'est en tout cas ce qu'il a appliqué avec Shedding Skin en réalisant un album cohérent et émouvant.

La chanteuse et musicienne franco-brésilienne Dom La Nena revient deux ans après son premier album acclamé ‘’Ela’’, paru début 2013 sur Six Degrees, et un an après son featuring avec Rosemary Standley (Moriarty) pour le très beau projet ‘’Birds On Wire’’, avec son nouvel album ‘’Soyo’’, sortant le 29 juin 2015. Dans la lignée du précédent, l’artiste nous livre une pop fragile et aérienne dans le sillon de son collaborateur Piers Faccini. ‘’Soyo’’ a été entièrement composé par la musicienne, avec l’aide de son alter ego Marcelo Camelo (ex Los Hernanos). Les chansons de l’album sont ressorties avec un éclat nouveau, qui doit notamment beaucoup aux touches apportées par Camelo. Apposant de fines couches de percussions et de batterie, le musicien a contribué à donner une âme et une respiration plus brésiliennes à la musique de Dom La Nena. Avec ‘’Soyo’’, Dom La Nena affirme son identité musicale. Endossant chacune des parties vocales et instrumentales, elle a enrobé le corps de ses chansons de choeurs aériens et d’arrangements déposés à fines touches. Fidèle au violoncelle, avec lequel elle a un peu relâché le lien sans le rompre, et au piano, elle a aussi invité dans sa danse intime de petites percussions et – fait nouveau – des guitares électriques.

Blackfield V est le résultat de l'étroite collaboration entre le compositeur et musicien Israélien Aviv Geffen, et le musicien et producteur Steven Wilson. Aviv Geffen a travaillé avec des producteurs légendaires tels que Tony Visconti et Trevor Horn; il a joué en live avec U2 et Placebo, et fait actuellement parti du jury de ‘The Voice' à la télévision israélienne. Steven Wilson, après une longue carrière comme leader du très influent groupe : Porcupine Tree, a rencontré un énorme succès dans sa carrière solo : n°3 au Top 40 des albums en Angleterre, Allemange et Hollande, ainsi que 4 nominations aux Grammy Awards. Ecrit et enregistré sur une période de 18 mois en Israël et en Angleterre, Blackfield V contient 13 titres d'une durée totale de 45 mn. En plus du duo aux chants, guitares et claviers, on retrouve Tomer Z à la batterie, Eran Mitelman au clavier. La plupart des arrangements symphoniques ont été réalisés par la session orchestrale de Londres. Blackfield V est un merveilleux voyage aux mélodies accrocheuses, aux arrangements divins, et à la production exceptionnelle. En effet, le grand Alan Parsons a contribué à la production de 3 des meilleurs morceaux de l'album. Lasse Hoile a réalisé l'illustration de la pochette en accord avec Carl Glover. Les deux musiciens considèrent Blackfield V comme leur meilleure collaboration à ce jour.

BLAENAVON, le jeune groupe anglais, sort son premier album, That’s Your Lot sur Transgressive. L’histoire du premier album de BLAENAVON est relativement simple : trois adolescents qui participent à un concours de talent dans leur école, qui publient ensuite leurs chansons sur internet, se ramassent littéralement lors de leurs premiers concerts, mais qui réussissent tout de même à se constituer une fanbase dévouée et se faire acclamer par la critique. BLANEAVON c’est un groupe qui, après 6 années d’existence et la jungle tumultueuse des études et des examens, des EPs et des sollicitations des maisons de disques, finit finalement par délivrer un premier album, somptueux, palpitant et courageux. Dans les paroles il est question de doute sur soi, de désir, d’indécision romantique, de la simple pureté de l’amour platonique mais aussi de l’hédonisme, de l’abandon et de la grandeur. Ben Gregory, le guitariste chanteur, est un talent lyrique remarquable tandis que Frank Wright et Harris McMillan fournissent à la basse et à la batterie l’épine dorsale de BLAENAVON : un son ambitieux et souvent majestueux Pour mener à bien son premier album, le groupe s’est fixé une vraie rigueur de travail en multipliant les répétitions et a travaillé avec le producteur Jim Abbiss (Arctic Monkeys, Adèle, Bombay Bicycle Club). Pour les fans de : Genghar, Local Natives, Foals, JAWS...

Winter Family est un duo originaire de Jerusalem & Paris. Ruth Rosenthal & Xavier Klaine se sont rencontrés à Jaffa en 2004 et depuis, ils vivent et travaillent ensemble. Xavier développe des accords et des drones folk avec un philicorda, des harmoniums, un piano, un célesta et des grandes orgues pendant que Ruth incante, chante et psalmodie ses textes en hébreu ou en anglais et joue de la batterie. Leur univers mystique est empreint de tristesse politique et de sombre romantisme. Ensemble, ils peuvent sérieusement vous déprimer. Ils ont enregistré et joué dans des clubs, des théâtres, des galeries et des églises en Europe, à New York et en Israël et ont collaboré avec un grand nombre de chorégraphes, réalisateurs, photographes et plasticiens. Leur premier et double album Winter Family sorti en 2007 (Sub Rosa), suivi d'une version vinyle (Marienbad) avait été salué par la critique. Winter Family réside actuellement à Crown Heights, le quartier haïtien de Brooklyn. Ils enregistrent leur troisième album salsa et achèvent 'Jerusalem Plomb Durci', une performance de théâtre documentaire (La Première a eu lieu au 104 à Paris en juin 2011 et a reçu le prix du jury pour le meilleur spectacle lors du Festival Impatience - Théâtre de l'Odeon - 104 - Ateliers Berthier)

BLAENAVON, le jeune groupe anglais, sort son premier album, That’s Your Lot sur Transgressive. L’histoire du premier album de BLAENAVON est relativement simple : trois adolescents qui participent à un concours de talent dans leur école, qui publient ensuite leurs chansons sur internet, se ramassent littéralement lors de leurs premiers concerts, mais qui réussissent tout de même à se constituer une fanbase dévouée et se faire acclamer par la critique. BLANEAVON c’est un groupe qui, après 6 années d’existence et la jungle tumultueuse des études et des examens, des EPs et des sollicitations des maisons de disques, finit finalement par délivrer un premier album, somptueux, palpitant et courageux. Dans les paroles il est question de doute sur soi, de désir, d’indécision romantique, de la simple pureté de l’amour platonique mais aussi de l’hédonisme, de l’abandon et de la grandeur. Ben Gregory, le guitariste chanteur, est un talent lyrique remarquable tandis que Frank Wright et Harris McMillan fournissent à la basse et à la batterie l’épine dorsale de BLAENAVON : un son ambitieux et souvent majestueux Pour mener à bien son premier album, le groupe s’est fixé une vraie rigueur de travail en multipliant les répétitions et a travaillé avec le producteur Jim Abbiss (Arctic Monkeys, Adèle, Bombay Bicycle Club). Pour les fans de : Genghar, Local Natives, Foals, JAWS...

Star du jazz allemand et nouvelle signature de Sony Masterworks, Till Brönner propose un album de standards pleins de charme et de sensualité. Till Brönner est une figure dominante du jazz allemand. Outre ses nombreuses apparitions à la télévision et à la radio, il est reconnu pour son excellent jeu de trompette, sa voix douce et chaleureuse ainsi que pour son rôle de producteur et d’arrangeur. Nominé deux fois aux Grammy Awards, il a remporté à cinq reprises l’Echo Jazz, l’une des plus grandes récompenses musicales allemandes. ‘The Good Life’, son premier album pour Sony Music, est placé sous le signe du charme et de la détente et tire essentiellement son inspiration des grands standards du jazz américain rendus célèbres par les interprétations de Frank Sinatra, Billie Holiday, Nat King Cole et bien d’autres musiciens légendaires. Till Brönner a signé lui-même deux compositions de l’album et chante sur 8 titres. L’album produit par Ruud Jacobs a été enregistré entre Los Angeles et Amsterdam avec une section rythmique de rêve composée de John Clayton à la contrebasse (qui a aussi assuré les arrangements), Anthony Wilson à la guitare, Larry Goldings au piano et Jeff Hamilton à la batterie.

Warpaint le quator feminin de Los Angeles formé en 2004 revient avec son deuxième album «Warpaint» Après un premier EP très remarqué un premier album plébiscité, et de nombreuses tournées à travers le monde où elles ont su démontrer une technique parfaite, une énergie incroyable et un réel talent pour la scène, les filles de L.A. reviennent enfin avec un deuxième album très attendu ! Enregistré dans leur ville au studio 5 star avec Justin Smith (plus connu pour ces productions de hip hop avec Jay Z) et enregistré et produit par elles-même et Flood (producteur de renommée qui a travaillé au côté de New Order, Nick Cave & the Bad Seeds, PJ Harvey) et Nigel Godrich (Radiohead) ce nouvel opus est un condensé de rock psychédélique envoûtant où leurs voix nous transportent. On y sent leur force live mais avec une production qui nous emmène toujours un peu plus loin. Pour ajouter la touche finale, Chris Cunningham a contribué à cet album au travers des visuels et notamment la pochette de l'album. Il a passé les 2 dernières années à filmer et photographier le groupe durant l'élaboration de l'album Warpaint Warpaint est Emily Kokal (voix/guitare), Theresa Wayman (voix/guitare), Jenny Lee Lindberg (voix/basse), et Stella Mozgawa (batterie).

Guitares cinglantes, batterie puissante, le tout agrémenté d'une finesse d'écriture pop. Moaning relève la barre et délivre un rock indé de haute volée ! Que se passe-t-il lorsqu'un trio de rock abrasif troque ses guitares contre des synthés, accélère les rythmes et se penche sur l'anxiété quotidienne d'être un simple humain au XXIe siècle ? La réponse est Uneasy Laughter, le sensationnel deuxième album de Moaning, basé à Los Angeles. Le chanteur/guitariste Sean Solomon, le bassiste/clavièriste Pascal Stevenson et le batteur Andrew MacKelvie sont amis et co-conspirateurs au sein de la fertile scène DIY de L.A. depuis plus d'une décennie. Le premier album du groupe, sortie en 2018, présentait des chansons écrites pour la plupart en répétition ou déjà complètes. Il a été acclamé par Pitchfork, Stereogum et le Los Angeles Times, qui ont relevé que Moaning crée une musique angoissante pour une scène locale de plus en plus nerveuse. Sur Uneasy Laughter, ils ont relevé des défis à la fois personnels et universels en parlant de leurs sentiments et en canalisant ces émotions à travers leur musique. Nous nous connaissons depuis toujours et nous sommes très à l'aise pour essayer d'exprimer où nous en sommes. Beaucoup de groupes ne sont pas si proches selon MacKelvie.

Guitares cinglantes, batterie puissante, le tout agrémenté d'une finesse d'écriture pop. Moaning relève la barre et délivre un rock indé de haute volée ! Que se passe-t-il lorsqu'un trio de rock abrasif troque ses guitares contre des synthés, accélère les rythmes et se penche sur l'anxiété quotidienne d'être un simple humain au XXIe siècle ? La réponse est Uneasy Laughter, le sensationnel deuxième album de Moaning, basé à Los Angeles. Le chanteur/guitariste Sean Solomon, le bassiste/clavièriste Pascal Stevenson et le batteur Andrew MacKelvie sont amis et co-conspirateurs au sein de la fertile scène DIY de L.A. depuis plus d'une décennie. Le premier album du groupe, sortie en 2018, présentait des chansons écrites pour la plupart en répétition ou déjà complètes. Il a été acclamé par Pitchfork, Stereogum et le Los Angeles Times, qui ont relevé que Moaning crée une musique angoissante pour une scène locale de plus en plus nerveuse. Sur Uneasy Laughter, ils ont relevé des défis à la fois personnels et universels en parlant de leurs sentiments et en canalisant ces émotions à travers leur musique. Nous nous connaissons depuis toujours et nous sommes très à l'aise pour essayer d'exprimer où nous en sommes. Beaucoup de groupes ne sont pas si proches selon MacKelvie.

Les atouts ce pack Ampli pour guitare éléctrique Shiver : Simple d'utilisation Ultra portable avec un faible encombrement - réglages sonores - Son clair, propre et chaleureux - Delay marqué Sortie casque pour jouer en silence - Entrée auxiliaire pour jouer sur ses musiques préférées ou les diffuser depuis un smartphone - Alimentation incluse - Tous les accessoires indispensables pour la guitare électrique : Un câble Jack 6,35mm de 3m, Une accroche murale en métal (3 points de fixation, renforts de protection en mousse), Un accordeur chromatique à pince avec écran LCD couleur, Un jeu de 12 médiators de 6 épaisseurs différentes, Une sangle noire résistante, confortable et ajustable de 83cm à 145cm, Une alimentation 9V – 0,5A et Une notice d'utilisation complète et pratique Caractéristiques techniques : Puissance de sortie : 3 W. 2 canaux : Clair et Distorsion. Effet Delay réglable. 3 types d'alimentation : Adaptateur (9 V, 0,5 A fourni), 6 piles AA (non fournies), Batterie externe (5 V, 1 A, micro USB, non fournie). Entrée Jack 6,35mm pour guitare. Entrée auxiliaire Jack 3,5mm pour écouter de la musique ou jouer sur vos morceaux préférés. Sortie casque Jack 3,5mm pour la pratique silencieuse. Ultra portable : 16,6 x 12,4 x 9,8 cm. Poids (sans adaptateur) : 720g.

Le jeune groupe de Nîmes VSO formé il y a tout juste 4 ans se fait connaître de la scène indépendante du sud de la France en remportant à plusieurs reprises des tremplins locaux et nationaux comme le Buzz Booster (qui notamment avait fait émerger Némir en 2011). Leur originalité naît de leur spontanéité et de leur sincérité, leur rap intrigue et séduit par le choix de prods hors ADN pur rap : ils n’hésitent pas à intégrer de la batterie des guitares et des basses qu’ils s’amusent à jouer eux même dans leurs morceaux. Le trio VSO (Vincent, Rémi & Sylvain), amis de longue date avec Maxenss, comédien / humoriste / YouTubeur le plus prisé du moment qui lui aussi est originaire de Nîmes (collaborations multiples avec Squeezie, Seb La Frite, il intègre le cercle de l’application 'Vertigo' comme créateur de contenu) enregistrent et tournent ensemble fin 2016 le titre clippé de 'Hello haters'. Conscients du potentiel de ce titre, ils attendent mai 2017 pour le rendre public et poussent leur collaboration sur la création d’un 1er EP de 9 titres intitulé « Southcoaster ». Le clip disponible sur les chaines Youtube de Maxenss et de VSO qui eux démarraient de 0 abonné, cumule aujourd’hui plus de 1 070 000 vues. En attendant la sortie de leur premier EP le 27 octobre, le groupe a de la ressource et décide de mettre en image les dessous de leur collaboration à 4 en publiant une web-série en 4 épisodes appelée 'Warm up - les chroniques de Southcoaster'.

Robert Coyne est le fils du musicien, peintre et auteur Kevin Coyne, décédé fin 2004. Il a d'abord travaillé comme musicien, entre autres avec son père, mais aussi avec Eric Burdon, The Barracudas, Les Scientists, Amy Rigby, Spooky Tooth, Sky Saxon et Chris Wilson des Flamin 'Groovies, pour n'en nommer que quelques-uns. Out of Your Tree, son second album solo sur Meyer Records après Woodland Conspiracy en 2010, est à la fois une suite et une rupture délibérée des trois albums qu'il a enregistrés, également pour Meyer Records, avec le légendaire batteur de Can, Jaki Liebezeit, décédé en janvier 2017. Alors que la répétition mystique est commune à Out of Your Tree et à la trilogie Liebezeit, le rythme du nouvel album est plus méditatif, parfois surnaturel. Aux instrumentations de batterie et de guitare acoustique encore clairsemées s'ajoutent des éclairs de guitares, de claviers et de basse, souvent colorés avec des bandes d'écho et de réverbération évoquant le doo-wop des années 50 et le New York avant punk de Suicide, deux des principales influences de Coyne. Les percussions particulières de Werner Steinhauser, ami et collaborateur de longue date, et ancien partenaire musical de Kevin Coyne, le père de Robert, ajoute une continuité musicale et émotionnelle, tout comme le chant de la femme de Robert, Wendy, la seule autre musicienne de l'album.

Avec sa réputation de musicien, d'artiste et d'imprésario prolifique, Perry Farrell a su rester au premier plan des institutions culturelles. En tant que membre fondateur de groupes alternatifs emblématiques comme Jane's Addiction, Porno For Pyros et Satellite Party, mais aussi avec sa carrière solo, sa musique en évolution constante a inspiré des générations de musiciens. Cofondateur du Lollapalooza, Farrell a imposé un standard de qualité pour les festivals de musique polysensorielle, ressuscitant son festival itinérant adoré pour en faire le monstre international que l'on connaît aujourd'hui. Militant engagé, il canalise sa passion pour l'environnement, la politique et la spiritualité dans de nombreuses causes, dont Axis of Justice avec Tom Morello. Pour l'enregistrement de Kind Heaven, l'icône de l'alt-rock a rassemblé une sacrée équipe d'artistes : Matt Chamberlain (Soundgarden à batterie), Chris Chaney (Jane's Addiction - basse), Matt Rohde (claviers), Nick Maybury (guitare), Etty Lau Farrell (choeurs). à eux tous, ils ont formé un nouveau projet d'aventures musicales baptisé : le Perry Farrell's Kind Heaven Orchestra. Coproduit par Tony Visconti (collaborateur de Farrell et de Bowie), le disque s'illustre par des contributions de Dhani Harrison, Elliot Easton (The Cars), Taylor Hawkins (Foo Fighters) et bien d'autres encore.