Laurent Coulondre, la nouvelle sensation du piano hexagonal, rend hommage à l un des musiciens qui a le plus marqué son parcours de musicien et de jazzman : Michel Petrucciani. Pour être à la hauteur du 20ème anniversaire de la disparition de ce géant et de cette sublime harmonie intergénérationnelle voguant entre modernité et tradition que Michel Petrucciani promouvait, Laurent Coulondre s entoure de Jérémy Bruyère (basse et contrebasse) et d André Ceccarelli (batterie) pour faire revivre le répertoire du pianiste de légende, et nous montre s il en était besoin que le jazz est un langage qu il maîtrise de mains de maître. La nouvelle sensation du piano hexagonal --Radio france Au delà de ses qualités de virtuosité et musicalité, c est son sens du groove qui frappe d emblée et son attaque de la note fait mouche à chaque fois --Jazz magazine Laurent Coulondre mêle invention et séduction, brasse couleurs et sonorités avec jubilation et ne se laisse jamais dépasser par sa propre virtuosité --Jazz magazine

Zakk Wylde, leader-fondateur de Black Label Society, est certainement l'un des hommes les plus actifs dans la musique actuellement. Ce guitariste hors-pair est devenu une icône de la guitare et du hard rock au même titre que Rhoads, Page et Eddie Van Halen, grâce à l'impressionnant travail qu'il a fourni avec Ozzy Osbourne, en tant qu'artiste solo et avec ses groupes Pride and Glory et Black Label Society. En plus d'aider Ozzy à composer son prochain album, il vient de livrer le nouvel album de Black Label Society « Shot To Hell », le premier à sortir chez Roadrunner Records. Produit par Zakk et Michael Beinhorn (Ozzy, Korn, Soundgarden) et enregistré avec ses amis de longue date Craig Nunenmacher (batterie) et John « J.D » DeServio (basse), « Shot To Hell » emmène le hard rock féroce des albums de BLS (« Blessed Hellride » (2003) et « Mafia » (2005)) à un tout nouveau niveau de « brewtalité ».

«The Passage », huitième album studio de DGM avait marqué les 20 ans de collaboration des membres du groupe mais les avait aussi inscrits définitivement parmi les élites des groupes de métal progressif internationaux. Durant toute une année à travers le monde, ils ont pris part à certains des plus gros festivals de métal aux USA et au Japon mais ils ont aussi eu l’occasion de faire les premières parties de Symphony X et Pagan’s Mind sur leur tournée européenne. Avec une line-up en béton, composée par Simon Mularoni (guitariste/producteur), Marco Basile (chant), Andrea Arcangeli (basse), Fabio Costantino (batterie) et Emanuele Casali (clavier), le groupe a pu proposer rapidement des performances live singulières, et sortira le 2 Juin un CD/DVD live : « Passing stages » (CD1 : Live au Frontiers Metal Festival en Octobre 2016 / CD2 : ProgPower Festival en Septembre 2014). Cette sortie est une opportunité en or de découvrir et redécouvrir les nombreuses qualités scénique du groupe ainsi que leur excellent répertoire musical...

MINOU - 1er album « Vesperal » LAUREAT DU RADIO CROCHET 2015 FRANCE INTER Minou est un groupe, un duo qui ne fait qu’un, complice et complexe, qui donne naissance ou renaissance à une chanson pop-électro décomplexée. Tellement décomplexée que cet album, chanté tout en français, n’a rien à envier dans ses sonorités à nos amis Anglo-Saxons. Minou nous rappelle la new wave des années 80, l’indie d’outre-atlantique mais aussi ce que la pop française a de meilleur. Minou s’écoute, Minou se danse. C’est normal car leurs Rolling Stones à eux s’appellent les Daft Punk, première claque reçue, premières envies, émotions. Territoires nouveaux à explorer, la magie d’un monde à réinventer pour une génération qui a grandi et s’est libérée sur les textes de Daho ou la musique de MGMT. Ce nouveau langage, Pierre Simon et Sabine Stenkors le précise depuis leur rencontre au lycée. Plusieurs groupes et bientôt 10 ans plus tard, ce langage est devenu commun, mélange de leurs expériences et collaborations issues de cette période. Un mélange savant aussi bien organique qu’électronique, décoction curieuse et ambitieuse des genres et deux voix qui n’en font qu’une. Sonorités rêveuses, fausse naïveté et refrains tenaces, voilà une partie des éléments qui composent l’élixir de Minou et nous obligent à tomber immédiatement sous leur charme. Minou c’est un vaisseau spatial piloté, mixé, réalisé par Julien Delfaud (Phoenix, Superdiscount, Benjamin Biolay, Woodkid) qui atterrit en douceur sur un volcan synthétique cracheur de riffs, d’amour et d’espoirs. Minou réussit le pari fou de rendre nos mélancolies joyeuses, de faire danser nos doutes, de réparer nos colères et d’imaginer plus loin la promesse du mieux. Le chant est aérien et l’harmonie des voix sur chaque refrain vous emporte. Les textes sont ciselés, tortueux, cosmiques, sensibles, durs et solaires. France Inter ne s’y est pas trompé en les sélectionnant pour « La Relève », prix dont Minou furent les heureux gagnants en 2015.

Incroyablement brutal et technique ! Nouveau chef-d'oeuvre ! Considéré comme un des groupes les plus novateurs du brutal Death, NILE a su en quelques albums s'imposer comme la nouvelle valeur sûre du Death Metal américain. Mélangeant brutal Death technique et mid-tempos lourds, NILE a su par son originalité s'imposer comme un des meilleurs groupes de Death Metal des années 2000. What Should Be Not Unearthed est comme on pouvait s'y attendre une nouvelle livraison Death 100% NILE, c'est-à-dire incroyablement brutal et technique. Et en matière de Death Metal qui détruit tout avec classe, on peut dire que NILE n'a de leçon à recevoir de personne. Les guitares sont en corrélation parfaite avec la batterie, créant un ensemble homogène et unique; l'album regorge de trouvailles et de merveilles en matière de riffs, à la fois incisifs, précis, épiques, témoignant de la richesse et de la créativité de ces artistes. NILE assure sa place d'incontournable d'un Metal moderne, technique et brutal à la fois. Un indispensable de l'année 2015.

Incroyablement brutal et technique ! Nouveau chef-d'oeuvre ! Considéré comme un des groupes les plus novateurs du brutal Death, NILE a su en quelques albums s'imposer comme la nouvelle valeur sûre du Death Metal américain. Mélangeant brutal Death technique et mid-tempos lourds, NILE a su par son originalité s'imposer comme un des meilleurs groupes de Death Metal des années 2000. What Should Be Not Unearthed est comme on pouvait s'y attendre une nouvelle livraison Death 100% NILE, c'est-à-dire incroyablement brutal et technique. Et en matière de Death Metal qui détruit tout avec classe, on peut dire que NILE n'a de leçon à recevoir de personne. Les guitares sont en corrélation parfaite avec la batterie, créant un ensemble homogène et unique; l'album regorge de trouvailles et de merveilles en matière de riffs, à la fois incisifs, précis, épiques, témoignant de la richesse et de la créativité de ces artistes. NILE assure sa place d'incontournable d'un Metal moderne, technique et brutal à la fois. Un indispensable de l'année 2015.

Eric Goulden, l'homme que tout le monde connaît sous le nom de Wreckless Eric, est un exemple rare d'artiste établi qui ne s'est pas laissé séduire par les formules confortables. Exactement un an après son dernier album Construction Time & Demolition, il est de retour avec un nouvel album. Eric Goulden n'a cessé de faire de la musique après son premier album, album que les gens nomment en référence. Quarante ans plus tard, Goulden continue de faire de la musique, perspicace. Accompagné d'amis sur ce disque, notamment du guitariste Alexander Turnquist, du bassiste Tom Petersson, d'Amy Rigby au piano et aux choeurs, du joueur de cor de jazz Artie Barbato et Steve Goulding à la Batterie; inclus, la présence de Graham Parker - la première fois que lui et Eric enregistrent ensemble depuis le succès d'Eric Whole Wide World en 1976. Il a écrit ces chansons en mouvement, seul dans des motels délabrés et au bord de la piscine, dans des hôtels de villégiature en mauvais état et hors saison. Comme dans une succession de nouvelles de Raymond Carver. Disponible en CD et LP.

IMPELLITTERI créé une nouvelle aventure musicale époustouflante, très énergique et palpitante avec The Nature Of The Beast. Tant de grands groupes de métal disparaissent mais Impellitteri continue à porter le flambeau du heavy metal. Le groupe est en feu avec ses acrobaties musicales, ses riffs addictifs, ses solos de guitare déchiquetés, sa batterie speed metal, son jeu de basse bad ass et sa voix qui rappelle Dio, Dickinson, Pavarotti et Halford dans la fleur de l'âge, le tout enrobé dans de grandes chansons. Ce nouveau disque a été enregistré à Los Angeles avec Mike Plotnikoff (Van Halen, Aerosmith, In Flames), Greg Reely (Overkill, Fear Factory) et les ingénieurs Jun Murakawa et Sean Shannon. Ils ont utilisé des studios majeurs avec de grandes salles de pistage et de l'équipement analogique vintage pour capturer l'énergie et la performance musicale en direct ! The Nature of the Beast contient 10 nouvelles chansons originales et deux reprises : Symptoms of the Universe' de Black Sabbath et une version speed metal de Phantom of The Opera'.

Le trio expérimental composé de Charles Bullen, Charles Hayward et Gareth Williams déferle sur la scène rock de la fin des années 70 avec un album éponyme. Formé à Brixton, THIS HEAT est à l'origine en Angleterre des balbutiements de la culture musicale rock expérimentale. Le groupe se nourrit de scènes cosmopolites allant de Henry Cow à Hatfield And The North en passant par Gong ou Soft Machine. Pour façonner leur post-punk expérimental, les instruments classiques (basse, batterie, chant) cèdent un peu de terrain aux magnétos et claviers des trois acolytes pour aboutir à ces sonorités étranges. Durant 11 titres, les thèmes d'improvisations aux teintes très rock donnent à la musique de THIS HEAT toute sa puissance et sa profondeur. Pendant le quart de siècle qui suivra cette époque, Bullens et Hayward multiplieront les collaborations et pour Hayward principalement les expériences solo mais le premier LP de This Heat reste intact, pionnier et majeur pour toute une génération. LP 180 grammes, inclus un livret avec notes et images d'archive.

Les Liminanas sont un duo rock composé de Lionel (guitare/basse) & Marie (batterie,percus) Liminana, et leur réputation a largement dépassé Perpignan leur ville d'origine. En 7 ans, en enregistrant tout eux-mêmes à la maison, en faisant appel pour certaines parties vocales et sur scène à des guest vocaux, ils ont creusé leur voie à travers les réseaux indépendants mondiaux. Leurs 3 albums studio et leur compilation de singles & raretés ont été publiés jusqu'aux Etats-Unis sur le fameux label Trouble In Mind. Ils sont cité par Bobby Gillespie (chanteur de Primal Scream), un de leurs titres a été choisi par Franz Ferdinand pour l'une de leurs compilations et Jack White les a invités dans son studio après un concert à Nashville. Because Music réédite le 27 avril leurs 3 albums studio et la compilation de singles & titres inédits en format Vinyle + CD. L'unique format CD sera un Double CD anthologie, regroupant pour la 1ère fois l'intégrale du groupe.

Avec près de 30 ans de carrière à son actif (notamment au sein de EVERYTHING BUT THE GIRL ainsi que des MARINE GIRLS), TRACEY THORN aurait pu choisir de passer le reste de sa vie à profiter de sa famille au fin fond de la campagne anglaise. Cela aurait été mal connaître l'artiste ! Boulimique de travail et inspirée comme bien peu le sont, la Britannique a préféré nous livrer un quatrième bijou solo Tinsel And Lights. Deux ans après le magnifique Love And Its Opposite, l'Anglaise revient avec une sortie un peu particulière puisqu'elle réalise un projet lui tenant à coeur depuis plusieurs années, celui du fameux disque de Noël. Douze titres sont au programme, dont deux originaux et dix reprises de morceaux de saison Produit par EWAN PEARSON, on retrouve LEO TAYLOR (ADELE, HOT CHIP) à la batterie, STEAVE PEARCE qui avait déjà travaillé avec EBTG et GREEN de SCRITTI POLITTI qui apparaît le temps d'un duo. Décembre est encore loin, mais on tient déjà une belle idée de cadeau.

Avec près de 30 ans de carrière à son actif (notamment au sein de EVERYTHING BUT THE GIRL ainsi que des MARINE GIRLS), TRACEY THORN aurait pu choisir de passer le reste de sa vie à profiter de sa famille au fin fond de la campagne anglaise. Cela aurait été mal connaître l'artiste ! Boulimique de travail et inspirée comme bien peu le sont, la Britannique a préféré nous livrer un quatrième bijou solo Tinsel And Lights. Deux ans après le magnifique Love And Its Opposite, l'Anglaise revient avec une sortie un peu particulière puisqu'elle réalise un projet lui tenant à coeur depuis plusieurs années, celui du fameux disque de Noël. Douze titres sont au programme, dont deux originaux et dix reprises de morceaux de saison Produit par EWAN PEARSON, on retrouve LEO TAYLOR (ADELE, HOT CHIP) à la batterie, STEAVE PEARCE qui avait déjà travaillé avec EBTG et GREEN de SCRITTI POLITTI qui apparaît le temps d'un duo. Décembre est encore loin, mais on tient déjà une belle idée de cadeau.

VINCENT DUPAS joue sous le nom de MY NAME IS NOBODY depuis 2003. Vite qualifié de 'story teller' suite à la série de portraits et histoires dressés dans I hope you're well, I am & I send you my fingers (2006) dans la tradition des musiques folks, accompagné des 'Desert Foxes' (FAUSTINE SEILMAN, piano & choeurs / ERWAN FAUCHARD, basse & choeurs / FRANZL O'GAUTREAU, batterie & choeurs). En 2008, il sort un album solo, At the Wolf pit, sur lequel il aborde des sujets plus profonds comme la religion ou la vieillesse, et son jeu de guitare aux sonorités folks ne se contente plus d'Amérique mais tisse des liens avec les musiques traditionnelles écossaises ou de l'Est de l'Europe. Aujourd'hui, c'est avec BRUNO GREEN (LILIUM, HOWE GELB, MIOSSEC.) et de nouveau les DESERT FOXES qu'ils décident travailler sur la production de The Mentor, qui reçoit également les participations de JEROME LORICHON (BERG SANS NIPPLE, HERMAN DÜNE) aux percussions et à la trompette, ainsi que VASSILI CAILLOSSE (SANTA CRUZ) qui illumine les compositions de ses banjos, de la pedal steel, et autres instruments à cordes.

Le Jazz au féminin ! Lorsque l'on observe l'histoire du jazz, elle semble être majoritairement masculine. Bien sûr, il y a toujours eu des chanteuses de jazz très proéminentes, mais les instrumentistes et compositrices comme Jutta Hipp, Carla Bley ou Geri Allen sont rares. Aujourd'hui, les femmes sont de plus en plus présentes et visibles, et l'album Sisters in Jazz en est la preuve positive. Le jazz est aussi féminin. Cette courte phrase décrit très bien le nouvel album de Caecilie Norby. Pour cet album studio, la chanteuse danoise est accompagnée par des musiciennes de grande envergure : Rita Marcotulli (piano), Nicole Johänntgen (saxophone), Hildegunn oiseth (trompette), Lisa Wulff (contrebasse) et Dorota Piotrowska (batterie). Toutes les compositions ont été écrites par des femmes, des pionnières du jazz telles que Betty Carter, Abbey Lincoln, Nina Simone ou la reine des auteurs-compositeurs-interprètes, Joni Mitchell. En plus de celles-ci, deux chansons ont été composées par Caecilia Norby et une par Rita Marcotulli.

Avenged Sevenfold reprennent la parole sur le plan discographique, avec un tout nouveau titre, The Stage Depuis plusieurs jours, d’étranges projections représentant un crâne avec des ailes de chauve-souris se sont retrouvées diffusées sur les monuments historiques des principales capitales mondiales, de Londres à Sidney, en passant par Stockholm, Paris, Berlin ou Toronto. Les initiés auront reconnus le logo d’Avenged Sevenfold, a.k.a. A7X, groupe de heavy metal américain, originaire de Huntington Beach, en Californie. Fondé à la fin des années 90, A7X a longtemps été un pilier de la scène underground californienne avant d'évoluer vers une musique plus mélodique qui a permis au groupe de connaître le succès avec l'album City Of Evil puis leur album éponyme Avenged Sevenfold. M. Shadows au chant, Synyster Gates à la guitare solo, Zacky Vengeance à la guitare rythmique, Johnny Christ à la basse et The Rev puis Brooks Wackerman à la batterie, ont à ce jour sortis sept albums studio, un album live, une compilation, un DVD.

Le trio américain n’a jamais été réputé pour la bonne santé mentale de sa musique, et tant mieux. Et sur les cinq albums parus entre 2001 et 2010, aucun manque de sincérité n’est à déplorer : au contraire, Angus Andrew, Aaron Hemphill et Julian Gross se sont toujours échinés à faire de leur musique un terrain vague d’expérimentations. À l’auditeur de s’immiscer dans leur univers déséquilibré, et de se laisser convaincre. Ce qui n’est pas très difficile. Pour ce WIXIW (à prononcer wish you) successeur du réussi Sisterworld (2010), Liars a décidé de frapper un grand coup. Tout en préservant farouchement leur aura post-rock expérimentale, le groupe s’aventure dans des contrées électronico-chamaniques. D’une lenteur toute en tension, The Exact Color of Doubt introduit parfaitement ce sixième album. Après l’inquiétant Octagon, dont le tribal synthétique est pour le moins efficace, No. 1 Against the Rush s’impose grâce à ses beats accrocheurs et à un véritable potentiel tubesque - étrange mélange inspiré de new wave et de trip-hop. La suite respecte le même cahier des charges : créer une électronique transcendantale favorisée par des morceaux sous hypnose tels que Ill Valley Prodigies, Who is The Hunter et l’envoûtant Wixiw, complainte amoureuse quelque peu dérangée. Enfin, le tumultueux Brats et le folk saccadé d’Annual Moon Words ferment ce disque qui, à l’instar du reste de la discographie de Liars, divisera le public. Imbitable pour certains, passionnant pour d’autres, WIXIW témoigne cependant d’un investissement personnel hors norme. Produit par le trio avec l’aide de Daniel Miller, proche de Depeche Mode et célèbre fondateur (désormais directeur artistique) de leur label Mute, le disque n’est peut-être pas aussi dérangeant qu’il devrait l’être. Mais Liars réussit toujours à happer l’auditeur et, mieux encore, à transformer un kidnapping intempestif en plongée initiatique en eaux troubles. Bien joué. Sophie Rosemont - Copyright 2017 Music Story

Le trio américain n’a jamais été réputé pour la bonne santé mentale de sa musique, et tant mieux. Et sur les cinq albums parus entre 2001 et 2010, aucun manque de sincérité n’est à déplorer : au contraire, Angus Andrew, Aaron Hemphill et Julian Gross se sont toujours échinés à faire de leur musique un terrain vague d’expérimentations. À l’auditeur de s’immiscer dans leur univers déséquilibré, et de se laisser convaincre. Ce qui n’est pas très difficile. Pour ce WIXIW (à prononcer wish you) successeur du réussi Sisterworld (2010), Liars a décidé de frapper un grand coup. Tout en préservant farouchement leur aura post-rock expérimentale, le groupe s’aventure dans des contrées électronico-chamaniques. D’une lenteur toute en tension, The Exact Color of Doubt introduit parfaitement ce sixième album. Après l’inquiétant Octagon, dont le tribal synthétique est pour le moins efficace, No. 1 Against the Rush s’impose grâce à ses beats accrocheurs et à un véritable potentiel tubesque - étrange mélange inspiré de new wave et de trip-hop. La suite respecte le même cahier des charges : créer une électronique transcendantale favorisée par des morceaux sous hypnose tels que Ill Valley Prodigies, Who is The Hunter et l’envoûtant Wixiw, complainte amoureuse quelque peu dérangée. Enfin, le tumultueux Brats et le folk saccadé d’Annual Moon Words ferment ce disque qui, à l’instar du reste de la discographie de Liars, divisera le public. Imbitable pour certains, passionnant pour d’autres, WIXIW témoigne cependant d’un investissement personnel hors norme. Produit par le trio avec l’aide de Daniel Miller, proche de Depeche Mode et célèbre fondateur (désormais directeur artistique) de leur label Mute, le disque n’est peut-être pas aussi dérangeant qu’il devrait l’être. Mais Liars réussit toujours à happer l’auditeur et, mieux encore, à transformer un kidnapping intempestif en plongée initiatique en eaux troubles. Bien joué. Sophie Rosemont - Copyright 2017 Music Story

The Weed Tree est le deuxième album du groupe psyché-folk américain Espers, sorti en 2005. Majoritairement constitué de reprises, cet album associe des chansons folkloriques traditionnelles, comme Rosemary Lane et Black Is The Color, à des chansons de Nico, Michael Hurley, et même Blue Oyster Cult. L'ensemble se tient magnifiquement grâce à la touche unique d'Espers. L'arrivée de nouveaux membres, Helena Espvall au violoncelle et Otto Hauser à la batterie et aux percussions, a élevé l'alchimie du groupe à son plus haut niveau, créant une musique qui puise dans la tradition tout en la renouvelant. Espers fait partie d'un courant d'idées qui a autant à voir avec les révélations des années 60 ou 70 qu'avec les thèmes actuels, notamment l'autonomie et la sécurité, qui sont débattus aujourd'hui. Leur musique a conservé une vitalité mystérieuse et inconnue qui continue d'exprimer un individualisme, un optimisme et une empathie propre au groupe. L'album qui n'était plus disponible depuis la séparation du groupe en 2009 est aujourd'hui réédité par Drag City.

The Weed Tree est le deuxième album du groupe psyché-folk américain Espers, sorti en 2005. Majoritairement constitué de reprises, cet album associe des chansons folkloriques traditionnelles, comme Rosemary Lane et Black Is The Color, à des chansons de Nico, Michael Hurley, et même Blue Oyster Cult. L'ensemble se tient magnifiquement grâce à la touche unique d'Espers. L'arrivée de nouveaux membres, Helena Espvall au violoncelle et Otto Hauser à la batterie et aux percussions, a élevé l'alchimie du groupe à son plus haut niveau, créant une musique qui puise dans la tradition tout en la renouvelant. Espers fait partie d'un courant d'idées qui a autant à voir avec les révélations des années 60 ou 70 qu'avec les thèmes actuels, notamment l'autonomie et la sécurité, qui sont débattus aujourd'hui. Leur musique a conservé une vitalité mystérieuse et inconnue qui continue d'exprimer un individualisme, un optimisme et une empathie propre au groupe. L'album qui n'était plus disponible depuis la séparation du groupe en 2009 est aujourd'hui réédité par Drag City.

Bandleader, compositeur, batteur; voici déjà quelques années que Snorre Kirk a laissé son empreinte sur le jazz en Scandinavie, et même plus au sud. Après avoir été révélé en france avec Drummer and Composer (2017), puis consacré avec son successeur Beat un an plus tard (3 clés Télérama, Choc Jazz Magazine) respectivement enregistrés en septet et en sextet, le norvégien, relocalisé au Danemark, revient avec Tangerine Rhapsody en quartet, dans une formule plus épurée avec le saxophoniste américain Stephen Riley. C'est une nouvelle fois au compositeur/batteur qu'on a affaire sur Tangerine Rhapsody, en collaboration avec le ténor américain Stephen Riley et à l'équipe habituelle de Snore, réduite ici au pianiste Magnus Hjorth et au contrebassiste Anders Fjelsted. A la batterie, Snorre Kirk est un modèle de précision économe [...] Il excelle aussi aux balais, faisceaux de filaments d'acier qui donne un effet de frottement, dans une tradition qu peu de batteurs aujourd'hui savent rendre à ce point de musicalité (Sylvain Siclier, Le Monde).

Un chanteur allemand totalement inclassable accompagné par des sidemen de luxe, Greg Cohen, Joey Baron et Kurt Rosenwikel : Erik Leuthäuser est à découvrir absolument ! Pour une fois, il n'est pas exagéré de dire de cet album du chanteur Erik Leuthäuser : vous n'avez jamais rien entendu de pareil ! Ce n'est ni la virtuosité, ni le décalage complet avec les courants et les modes qui font la qualité de la musique d'Erik Leuthäuser : c'est une poésie profonde, un placement mélodique unique, un sens de la chanson intime porté par une voix sûre, des mesures impaires naturelles et les paroles en allemand qui vous prennent au coeur, par surprise. Et des accompagnateurs hors pair, Greg Cohen (basse), Kurt Rosenwikel (guitare) et Joey Baron (batterie) acteurs majeurs de la scène newyorkaise, pour mettre en musique les idées d'un musicien décidemment très original ! POUR CEUX QUI AIMENT John Zorn, Joey Baron, Greg Cohen

Pour son cinquième album intitulé National Jazz Trio Of Scotland, le prolifique outsider du jazz, Bill Wells, revient avec ses tendres accords et ses arrangements sobres. Sur Standards Vol. V il a collaboré avec Gerard Black, dont les autres activités musicales incluent le groupe Babe, François And The Atlas Mountains, Rozi Plain et Charlotte Gainsbourg. Pour beaucoup, la peinture avec laquelle Wells remplit la toile de chants, amène un contraste frappant, une impulsion énergique propulsée par les claviers et la batterie. Comme toujours avec le travail de Wells, qu'il s'agisse du surnom de NJTOS ou de son propre nom (qui apparaît généralement à côté de collaborateurs tels que Yo La Tengo, Jim O'Rourke et Annette Peacock), les éléments mélodiques et lyriques sont agrémentés d'un piano accentué par le jazz, avec accompagnements rythmiques minimes. Sur A Quiet Goodbye, ce sont les paroles de Aidan Moffat, partenaire de Wells dans Everything's Get Older (2011), lauréat du premier prix du meilleur album écossais de l'année, et membre d'Arab Strap.

Pour son cinquième album intitulé National Jazz Trio Of Scotland, le prolifique outsider du jazz, Bill Wells, revient avec ses tendres accords et ses arrangements sobres. Sur Standards Vol. V il a collaboré avec Gerard Black, dont les autres activités musicales incluent le groupe Babe, François And The Atlas Mountains, Rozi Plain et Charlotte Gainsbourg. Pour beaucoup, la peinture avec laquelle Wells remplit la toile de chants, amène un contraste frappant, une impulsion énergique propulsée par les claviers et la batterie. Comme toujours avec le travail de Wells, qu'il s'agisse du surnom de NJTOS ou de son propre nom (qui apparaît généralement à côté de collaborateurs tels que Yo La Tengo, Jim O'Rourke et Annette Peacock), les éléments mélodiques et lyriques sont agrémentés d'un piano accentué par le jazz, avec accompagnements rythmiques minimes. Sur A Quiet Goodbye, ce sont les paroles de Aidan Moffat, partenaire de Wells dans Everything's Get Older (2011), lauréat du premier prix du meilleur album écossais de l'année, et membre d'Arab Strap.

Casque audio Arctis 7 Edition 2019 -Noir, casque de gaming sans fil - PC Gamer. Un son sans fil de 2,4 GHz sans perte conçu pour les jeux nécessitant une faible latence, avec une portée allant jusqu’à 12 mètres (40 pieds) sans interférence. Le meilleur micro de gaming : le micro bidirectionnel Clearcast certifié Discord Vous entendrez le moindre son dans tous les jeux grâce à l’audio Arctis primé Son surround DTS Headphone : X v2.0 de nouvelle génération, offrant une spatialisation des sons incroyablement précise sans vous donner l'impression d'être dans un tunnel. L’autonomie de la batterie de 24 heures durera encore plus longtemps que vos plus longues sessions de jeu Compatibilité : PC : Sans fil via USB - Surround DTS Headphone : X - Prise en charge de SteelSeries Engine 3 - ChatMix - Mac : Sans fil via USB - Prise en charge de SteelSeries Engine 3 - ChatMix - PlayStation : Sans fil via USB - Switch : Sans fil via USB sur la station d’accueil - Filaire via un câble 3,5 mm en mode tablette - Mobile : Connecté par prise analogique 3,5 mm

49 SWIMMING POOLS est un groupe français évoluant dans une ligne esthétique proche d' artistes et groupes comme WILCO, FLAMING LIPS ou encore SUFJAN STEVENS. Soit des musiciens qui ont grandi avec des disques gavés de mélodies célestes et d'instrumentations boisées - pour résumer : les albums des BEATLES d'un côté, ceux de NEIL YOUNG de l'autre. La musique, ces trois amis baignent littéralement dedans. EMMANUEL TELLIER, FABIEN TESSIER et ETIENNE DUTIN, ont tous les trois joué dès l'adolescence et ont eu plusieurs projets musicaux en commun. Ils avaient notamment formé CHELSEA au début des années 90, puis MELVILLE, en 1995. Le premier album de 49 SWIMMING POOLS Triumphs And Disasters, Rewards And Fairytales se veut un disque simple, minimaliste. Sans trop d'instruments, juste ceux qui s'imposaient naturellement, piano, guitare acoustique, accordéon, sur quelques chansons une batterie pas trop bavarde, et dans la dernière ligne droite, une petite section de cuivres.

Julia Biel ne ressemble à personne d’autre : elle le prouve une fois pour toutes avec son troisième album éponyme, qui affirme son aura singulière. L’amour, la rupture, les racines, la solitude... JULIA BIEL aborde des thèmes profondément universels avec sa sensibilité à fleur de peau et, surtout, sa voix profonde, reconnaissable entre mille. JULIA BIEL est bien plus qu’une chanteuse de jazz qui explore les terrains de la pop, c’est une multi-instrumentiste surdouée à la recherche de ce que la simplicité peut offrir de plus magique. C’est ce que l’on entend sur le céleste « Always », servi par des roulements de batterie assorti d’un piano distingué, le groove cosy et cuivré de « Wasting Breath », la confession existentielle de « Critical Condition » ou encore le rythme relevé d’«Emily ». Sans oublier la somptueuse reprise du mythique « Feeling Good », entre autres interprété par Nina Simone. Brillant d’une pop jazzy hautement élégante, JULIA BIEL est le manifeste vocal et orchestral d’une musicienne désormais accomplie et dont on ne pourra désormais plus se passer. POUR CEUX QUI AIMENT AMY WINEHOUSE, JONI MITCHELL, NINA SIMONE

Ben Wendel présente son nouvel album studio adapté de sa série vidéo à succès. Nommé aux Grammy Awards et co-leader du groupe Kneebody, le saxophoniste Ben Wendel sort son album studio adapté de sa série de vidéos Youtube à succès, The Seasons, acclamée par le New York Times comme un album remarquable de 2015 bien qu'elle ne fût pas réellement un projet d'album à première vue. Inspirée des compositions de Tchaikovsky, chaque piste est dédiée à un mois de l'année et à un artiste qui a contribué à inspirer la vision créative de Ben Wendel. The Seasons n'est pas seulement une représentation du temps qui passe; c'est aussi un bel indicateur de la façon dont la technologie a changé les modes de communication des artistes et de leur art. Dans ce projet enregistré en 2018 en studio, Ben Wendel a adapté chaque duo en morceaux pour quintet. Il est accompagné de Aaron Parks (piano), Matt Brewer (contrebasse), Gilad Hekselman (guitare) et Eric Harland (batterie). POUR CEUX QUI AIMENT Kneebody, Gerald Clayton, Ambrose Akinmusire, Gilad Hekselman, Eric Harland...

« The Last Rider » est une collection de chansons originales de Ron Sexsmith qui sont tour à tour tristes, gaies, romantiques, douces-amères, légères et pleines d'esprit. Ce nouvel album marque une approche différente dans le processus d'enregistrement de Ron Sexsmith, puisqu'il l'a enregistré au studio The Bathouse sur le lac Ontario près de Toronto avec ses musiciens de tournée qu'il connait parfaitement : Don Kerr (Batterie), Jason Mercer (Basse), Dave Matheson (Claviers) et Kevin Lacroix (Guitare). L'album a été produit par Ron et Don Kerr qui sont amis et collaborateurs musicaux de longue date (depuis leur rencontre dans les années 80, lorsque tous deux étaient coursiers). « Je crois que mon son a toujours été une combinaison de Folk et de « British Invasion Artists » que j'ai toujours admirés » explique Ron. « À ce stade, c'est devenu comme une seconde nature pour moi d'écrire des courtes chansons mélodiques qui racontent tout ce qu'on a envie de dire. Mais le fait que mon groupe ait été impliqué dans cet enregistrement a apporté un plus à ces chansons. Quelque chose de spécia,l en tout cas c'est ainsi que je l'ai ressenti ».

Parfois, les projets les plus intéressants sont ceux créés dans des circonstances inhabituelles. C’est la preuve pour celui du groupe Down’N’Outz, mené par le chanteur des Def Leppard, Joe Elliott, secondé par le groupe The Quireboys. En 2009, ils se sont formés lors du concert légendaire d’hommage à Mott The Hoople au Hammersmith Odeon. Joe Elliott (au chant, à la guitare et au piano), est accompagné des membres de Quireboys : Paul Guerin à la guitare, Guy Griffin, également à la guitare, Keith Weir au piano, Phil Martini à la batterie, et pour finir Ronnie Garrity à la basse, membre de Raw Glory. S’ensuivit l’accueil enthousiaste du public, cette formation d’une nuit a créé un projet d’une vie qui sort une nouvelle pépite. Le groupe a déjà sorti deux albums uniquement en Angleterre et aux USA. Ces albums sont entièrement construits à partir de cover de musiques d’artistes tels que Mott The Hoople, British Lions et Ian Hunter. The Further Live Adventures Of... est une nouvelle sortie aux formats 2CD/DVD live et Blu-Ray, enregistrée en 2014 à Sheffield lors de la dernière tournée du groupe en Grande-Bretagne.

La valeur sûre du Death Metal américain ! Mélangeant brutal Death technique et mid-tempos lourds. Sans grande surprise, 'Vile Nilotic Rites' se veut incroyablement brutal et technique avec une profusion de de riffs torturés. Nile assure sa place d'incontournable d'un Metal moderne, technique et brutal à la fois. Nile propose ici son neuvième album studio intitulé 'Vile Nilotic Rites'. Ce dernier sortira le 1er novembre 2019 chez Nuclear Blast. Le premier titre de l'album est Long Shadows Of Dread. ' Vile Nilotic Rites' a été produit par Karl Sanders aux Serpent Headed Studios à Greenville, en Caroline du Sud, à l'exception de la batterie qui a été enregistrée aux Esoteron Music Studios à Athènes, en Grèce, avec les ingénieurs du son Jim Touras et George Dovolos. L'album a ensuite été mixé et masterisé par Mark Lewis aux MRL Studios. Pour la pochette, le groupe a décidé de travailler avec Michal (Xaay'( Loranc. Cela fait maintenant plus de 10 ans que cet artiste collabore avec le groupe.

MIKE CAMPBELL ET LES DIRTY KNOBS SORTENT LEUR PREMIER ALBUM. 'Wreckless Abandon', le premier album tant attendu du célèbre compositeur et guitariste Mike Campbell (Tom Petty et les Heartbreakers, Fleetwood Mac) avec son groupe Dirty Knobs, repousse les frontières des affinités, de l'imagination, et des genres pour enregistrer un disque de 13 chansons saturées d'un rock and roll aussi authentique que brutal. Aux côtés de Campbell, les Dirty Knobs rassemblent Jason Sinay à la guitare et au chant (Neil Diamond, Ivan Neville), Lance Morrison à la basse (Don Henley), et Matt Laug à la batterie (Slash, Alanis Morissette). Si toutes les chansons sont signées Campbell, le disque a été produit en collaboration avec George Drakoulias (Les Black Crowes, les Jayhawks). Le chanteur, compositeur, guitariste Chris Stapleton fait quelques apparitions, ainsi que Benmont Tench, fondateur de Tom Petty et les Heartbreakers. De plus, Klaus Voormann, célèbre pour sa pochette de Revolver des Beatles, s'est occupé de celle du disque.

MIKE CAMPBELL ET LES DIRTY KNOBS SORTENT LEUR PREMIER ALBUM. 'Wreckless Abandon', le premier album tant attendu du célèbre compositeur et guitariste Mike Campbell (Tom Petty et les Heartbreakers, Fleetwood Mac) avec son groupe Dirty Knobs, repousse les frontières des affinités, de l'imagination, et des genres pour enregistrer un disque de 13 chansons saturées d'un rock and roll aussi authentique que brutal. Aux côtés de Campbell, les Dirty Knobs rassemblent Jason Sinay à la guitare et au chant (Neil Diamond, Ivan Neville), Lance Morrison à la basse (Don Henley), et Matt Laug à la batterie (Slash, Alanis Morissette). Si toutes les chansons sont signées Campbell, le disque a été produit en collaboration avec George Drakoulias (Les Black Crowes, les Jayhawks). Le chanteur, compositeur, guitariste Chris Stapleton fait quelques apparitions, ainsi que Benmont Tench, fondateur de Tom Petty et les Heartbreakers. De plus, Klaus Voormann, célèbre pour sa pochette de Revolver des Beatles, s'est occupé de celle du disque.

L’histoire de Michael J. Sheehy débute en 1995 lorsqu’il fonde son premier groupe, nommé d’après un cinéma porno de Londres (Dream City Film Club). Le groupe sort trois albums chez Beggars Banquet avant de se séparer en 1999. Sheehy sort par la suite 5 albums solos et joue aussi avec les groupes The Hired Mourners et Saint Silas Intercession. Malgré des échecs commerciaux répétés et une addiction à l’alcool, Michael J. Sheehy s’accroche et fonde MIRACULOUS MULE en 2011 avec Patrick Sheehy (basse/voix) et leur ami d'enfance Ian Burns (batterie). Two Tonne Testimony fait suite à leur 1er album Deep Fried en 2013 et à leur mini album Blues Uzi en 2014. Ce nouvel opus mêle un blues aiguisé, du gospel, des éléments du rock psyché et du stoner dans un ensemble de chansons qui illustrent une période compliquée. Pour les fans de : The Black Keys, The Kills, The Heavy, Jack White, Black Rebel Motorcycle Club...

Après avoir relancé les carrières de SOLOMON BURKE et BETTYE LAVETTE, Anti sort We'll Never Turn Back, le nouvel album de MAVIS STAPLES ! Depuis plus de 50 ans MAVIS STAPLES a été une des chanteuses soul les plus influentes et importantes grâce à une voix hors du commun mais aussi de par son engagement politique indéfectible. Sur ce nouvel opus produit par RY COODER, MAVIS conjugue avec une grâce inouïe ces deux qualités. Les 12 chansons de We'll Never Turn Back sont autant de cris de révolte contre la situation sociale actuelle aux Etats-Unis mais subtilement habillés dans de superbes arrangements entre soul et gospel. RY COODER a su monté un groupe remarquable pour interpréter ces merveilles : MIKE ELIZANDO (le bassiste de DR DRE), JIM KELTNER à la batterie, la chorale sud africaine LADYSMITH BLACK MAMBAZO, les membres des FREEDOM SINGERS, RY COODER lui-même à la guitare ainsi que son fils JOAQUIN. We'll Never Turn Back est non seulement un événement mais aussi un voyage musical, à l'instar de la BO de O Brother, qui fait le lien entre spiritualité, inspiration musicale et réalisme social !

Initialement sorti en 2007, cet album a marqué les esprits. En plus d'attirer l'attention des Djs, bloggeurs et critiques, il a été nominé aux Mercury Music Prize en 2008 et a remporté de nombreuses distinctions. Après le succès d'Isla en avril 2010 et une tournée aux quatre coins du globe, le groupe présente enfin la version remastérisée par John Leckie de ce fameux disque, incluant trois nouveaux morceaux live. Âgés tous les quatre d'une vingtaine d'années, les musiciens se décrivent comme un groupe « indie-rock ». Boucles, lignes de saxophone aériennes, ce fameux hang qui semble venu d'ailleurs, les cliquetis subtiles de la batterie, la force de la contrebasse épurée et la combinaison unique de leur instrumentation donnent à leur musique un son inimitable. Elle fait référence au jazz, à la musique africaine, mais ce sont les phrases répétitives de cet instrument au look rétro-futuriste avec une couleur de transe planante, qui les propulsent vers des univers évoquant Philip Glass et Steve Reich, mais aussi Radiohead ou la « scandinavian touch » du trio E.S.T.

Dans la deuxième saison de Documentary Now! sur IFC, l'épisode Test Pattern - Final Transmission a parodié et rendu hommage au Stop Making Sense de Jonathan Demme, un documentaire sur un concert de Talking Heads. Pour correspondre à l'épisode original, les réalisateurs ont organisé un concert de Test Pattern à San Gabriel, en Californie. Les acteurs et humoristes Fred Armisen et Bill Hader ont formé un groupe qui, sur scène, raconte l'histoire chronologique de Test Pattern, avec des membres du groupe qui s'ajoutent au fil des chansons. Cela commence avec Fred Armisen et sa guitare sur This Is My Street, ils continuent en trio avec Bill Hader à la basse et Jon Wurster à la batterie sur Art + Student = Poor, puis les rejoignent Jon Spurney aux claviers et Maya Rudolph au chant et au synthé. La dernière chanson, Everybody's Moving Around, chantée et co-écrite par Bill Hader, est présentée comme une chanson d'un album qui n'est pas chantée par le chanteur principal. L'émission avait invité son audience à assister au concert en venant vêtu dans le style des années 80 pour rester fidèle à l'esthétique de l'époque jusqu'au bout.

Thomas Brenneck, l'ancien guitariste des Dap-kings a créé sa propre filiale Dunham Records au sein de Daptone, et son propre groupe maison le Menahan Street Band (MSB). Avec Brenneck à la guitare et d'autres pointures tels que Homer Steinweiss à la batterie, Nick Movshon à la basse, Dave Guy à la trompette et Leon Michels au sax tenor, Victor Axelrod au clavier, et Mike Deller au piano le MSB est un « super groupe » qui a su se faire remarquer par son premier album Make The Road By Walking sorti en 2008 qui fut très souvent samplé (Jay-Z pour son tube «Roc Boys (And The Winner Is)», 50 cents, etc). MSB a ensuite officié en studio et sur les scènes du monde entier auprès de Charles Bradley pour son premier album No Time For Dreaming. Avec The Crossing, Brenneck et ses acolytes font une synthèse magnifique entre James Brown et Neil Young, entre les Beatles et le Wu Tang Clan, entre RZA et Ennio Morricone, ou encore Fela et Jimi Hendrix. C'est donc une musique cinématique aux influences bien plus larges que le rayon Soul / Funk qui nous est proposé à travers ce second effort.

Parfois, les projets les plus intéressants sont ceux créés dans des circonstances inhabituelles. C’est la preuve pour celui du groupe Down’N’Outz, mené par le chanteur des Def Leppard, Joe Elliott, secondé par le groupe The Quireboys. En 2009, ils se sont formés lors du concert légendaire d’hommage à Mott The Hoople au Hammersmith Odeon. Joe Elliott (au chant, à la guitare et au piano), est accompagné des membres de Quireboys : Paul Guerin à la guitare, Guy Griffin, également à la guitare, Keith Weir au piano, Phil Martini à la batterie, et pour finir Ronnie Garrity à la basse, membre de Raw Glory. S’ensuivit l’accueil enthousiaste du public, cette formation d’une nuit a créé un projet d’une vie qui sort une nouvelle pépite. Le groupe a déjà sorti deux albums uniquement en Angleterre et aux USA. Ces albums sont entièrement construits à partir de cover de musiques d’artistes tels que Mott The Hoople, British Lions et Ian Hunter. The Further Live Adventures Of... est une nouvelle sortie aux formats 2CD/DVD live et Blu-Ray, enregistrée en 2014 à Sheffield lors de la dernière tournée du groupe en Grande-Bretagne.

Es Suuns sont originaires de Montreal. Ils possèdent quelque chose d'assez rare dans le rock, la retenue. Ben Shemie et son groupe l'utilise presque même comme un instrument à part entière. C'est particulièrement sensible dans la première chanson, Armed for Peace qui après une tension au début se libère dans un mélange de riffs et de batterie. Le groupe se forme en 2006 autour de Ben Shemie et Joe Jarmush, rejoints par Liam O'Neill et Max Henry. Cependant ils ne se considèrent que comme un vrai groupe l'année suivante, lors de leur prestation au Pop Montreal 2007. Ils entrent en studio l'année dernière avec Jace Lasek des Besnard Lakes. Jace a produit et enregistré toutes les sessions de ce premier album. Le groupe souhaitait développer une musique qui ne se résume pas seulement à l'étiquette rock indé. Jace a eu une influence majeure dans la processus de création du son du groupe. Il a été très ouvert et a su tirer le meilleur de nos idées ou des siennes commente Ben. Zeroes QC est donc un mélange de pop, post-punk et de rock expérimental, sans pour autant que le sens de la tension cher au groupe ne se perde.

Es Suuns sont originaires de Montreal. Ils possèdent quelque chose d'assez rare dans le rock, la retenue. Ben Shemie et son groupe l'utilise presque même comme un instrument à part entière. C'est particulièrement sensible dans la première chanson, Armed for Peace qui après une tension au début se libère dans un mélange de riffs et de batterie. Le groupe se forme en 2006 autour de Ben Shemie et Joe Jarmush, rejoints par Liam O'Neill et Max Henry. Cependant ils ne se considèrent que comme un vrai groupe l'année suivante, lors de leur prestation au Pop Montreal 2007. Ils entrent en studio l'année dernière avec Jace Lasek des Besnard Lakes. Jace a produit et enregistré toutes les sessions de ce premier album. Le groupe souhaitait développer une musique qui ne se résume pas seulement à l'étiquette rock indé. Jace a eu une influence majeure dans la processus de création du son du groupe. Il a été très ouvert et a su tirer le meilleur de nos idées ou des siennes commente Ben. Zeroes QC est donc un mélange de pop, post-punk et de rock expérimental, sans pour autant que le sens de la tension cher au groupe ne se perde.

L’histoire de Michael J. Sheehy débute en 1995 lorsqu’il fonde son premier groupe, nommé d’après un cinéma porno de Londres (Dream City Film Club). Le groupe sort trois albums chez Beggars Banquet avant de se séparer en 1999. Sheehy sort par la suite 5 albums solos et joue aussi avec les groupes The Hired Mourners et Saint Silas Intercession. Malgré des échecs commerciaux répétés et une addiction à l’alcool, Michael J. Sheehy s’accroche et fonde MIRACULOUS MULE en 2011 avec Patrick Sheehy (basse/voix) et leur ami d'enfance Ian Burns (batterie). Two Tonne Testimony fait suite à leur 1er album Deep Fried en 2013 et à leur mini album Blues Uzi en 2014. Ce nouvel opus mêle un blues aiguisé, du gospel, des éléments du rock psyché et du stoner dans un ensemble de chansons qui illustrent une période compliquée. Pour les fans de : The Black Keys, The Kills, The Heavy, Jack White, Black Rebel Motorcycle Club...

Ce second album de l'Américaine Lillie West offre un mélange de rock et de post punk avec des influences dream pop. Lala Lala - le projet de la musicienne de Chicago Lillie West - a signé sur Hardly Art. West a commencé Lala Lala afin de parler de choses qu'elle ressentait et avait tu jusque-là. A travers des chansons vives et des paroles tranchantes, la songwriter et guitariste de 24 ans jette un regard nuancé sur son âge adulte. Après avoir testé une poignée de nouvelles chansons sur la route, la forme finale de The Lamb'' est finalement apparue à West pendant qu'elle enregistrait au Rose Raft Studio dans la campagne de l'Illinois. West est accompagné de Emily Kempf à la bass et aux voix, de Ben Leach à la batterie, les arrangements musicaux de l'album - un mélange de post punk avec des influences dream pop avec des synthés, une drum machine, et même du saxophone - trouvent un juste milieu entre lumière et obscurité renforçant la dynamique entre chansons intimistes et titres marquants. POUR CEUX QUI AIMENT Courtney Barnett, Frankie Cosmos, Dream Wife, Chastity Belt.

Thomas Brenneck, l'ancien guitariste des Dap-kings a créé sa propre filiale Dunham Records au sein de Daptone, et son propre groupe maison le Menahan Street Band (MSB). Avec Brenneck à la guitare et d'autres pointures tels que Homer Steinweiss à la batterie, Nick Movshon à la basse, Dave Guy à la trompette et Leon Michels au sax tenor, Victor Axelrod au clavier, et Mike Deller au piano le MSB est un « super groupe » qui a su se faire remarquer par son premier album Make The Road By Walking sorti en 2008 qui fut très souvent samplé (Jay-Z pour son tube «Roc Boys (And The Winner Is)», 50 cents, etc). MSB a ensuite officié en studio et sur les scènes du monde entier auprès de Charles Bradley pour son premier album No Time For Dreaming. Avec The Crossing, Brenneck et ses acolytes font une synthèse magnifique entre James Brown et Neil Young, entre les Beatles et le Wu Tang Clan, entre RZA et Ennio Morricone, ou encore Fela et Jimi Hendrix. C'est donc une musique cinématique aux influences bien plus larges que le rayon Soul / Funk qui nous est proposé à travers ce second effort.

Formé par les musiciens Blustaeb et S.Fidelity (connus pour leurs productions sur le label phare londonien Jakarta Records - Kaytranada, Illa J...), Underground Canopy présente leur premier EP sur le label français Menace. Entièrement produit et enregistré par les deux sus-cités, le hip-hop instrumental de ce groupe de musiciens, imprégné de néo-soul et de jazz, est fortement influencé par des groupes comme Yesterday's New Quintet, BadBadNotGood et Butcher Brown. Underground Canopy s'est officiellement formé en 2016 après avoir jammé et joué des reprises de Flying Lotus, Madlib et J. Dilla pendant plusieurs années. Les membres du groupe Jonathan Aréna (Piano), Warren Dongué (Basse), Necky Gomis (Trompette), Alfredo Grooveton (Batterie) et Jeremy Talon (Guitare) se sont rencontrés dans le sud de la France et se sont immédiatement connectés grâce à leur passion commune pour le hip-hop et la musique instrumentale. Ils ont joué une douzaine de concerts à travers la France, y compris en première partie du légendaire groupe de jazz funk Cortex d'Alan Mion et du groupe de jazz japonais Wonk.

Rockit Twist console VTech - Vert translucide - 4 - 10 ans Une nouvelle façon de jouer avec cette console portable à   « twister » pour jouer sur les 4 côtés. 8 boutons “action” lumineux pour évoluer de façon différente dans les jeux : tourner, cliquer, faire des rotations, glisser, appuyer C'est simple, le bouton à   utiliser s'illumine pour guider l'enfant. Un design original, fun et compact à   emporter partout ! Un contenu riche : 15 jeux éducatifs embarqués : jeux d'arcade, de logique & d'observation, de vocabulaire et de créativité - Lecteur MP3 (3 chansons embarquées) - Possibilité de créer 3 profils - 3 compagnons virtuels dont il faut s'occuper (nourrir, laver, jouer, etc.). Plus l'enfant prend soin d'eux, plus les compagnons grandissent. Jeux additionnels à   télécharger avec mascottes à   collectionner et leur version digitale dont il faut prendre soin. Inclus : Mémoire de 4 GB, une dragonne, un câble mico USB Prise casque et emplacement carte micro SD (carte non fournie). Batterie rechargeable par USB (câble micro-USB inclus).

Rockit Twist console VTech - Rose translucide - 4 - 10 ans Une nouvelle façon de jouer avec cette console portable à   « twister » pour jouer sur les 4 côtés. 8 boutons “action” lumineux pour évoluer de façon différente dans les jeux : tourner, cliquer, faire des rotations, glisser, appuyer C'est simple, le bouton à   utiliser s'illumine pour guider l'enfant. Un design original, fun et compact à   emporter partout ! Un contenu riche : 15 jeux éducatifs embarqués : jeux d'arcade, de logique & d'observation, de vocabulaire et de créativité - Lecteur MP3 (3 chansons embarquées) - Possibilité de créer 3 profils - 3 compagnons virtuels dont il faut s'occuper (nourrir, laver, jouer, etc.). Plus l'enfant prend soin d'eux, plus les compagnons grandissent. Jeux additionnels à   télécharger avec mascottes à   collectionner et leur version digitale dont il faut prendre soin. Inclus : Mémoire de 4 GB, une dragonne, un câble mico USB Prise casque et emplacement carte micro SD (carte non fournie). Batterie rechargeable par USB (câble micro-USB inclus).

2018 sera une année à deux facettes pour Dominique A qui nous propose de suivre les deux fils rouges de sa carrière tel un diptyque. Le premier volet, Toute latitude, enregistré en groupe, fait la part belle au rock, à l'électrique et l’électronique. Il faudra attendre octobre pour découvrir la suite, « La fragilité » et ses mélodies plus acoustiques et intimistes, enregistrée en solo cette fois-ci. Ces deux sensibilités, qui font son ADN depuis 25 ans, Dominique A les exploitera sur la route dès le mois de mars au cours de deux tournées différentes qui devraient trouver un premier écho les 14 et 15 avril à la Philharmonie de Paris, lors d’un week-end exceptionnel consacré à l’artiste. Après 10 albums, dont le dernier en date, « Eleor » (2015) fut superbement accueilli, Dominique A se réinvente une nouvelle fois. « Chaque nouvel album est comme une réponse au précédent : à la douceur et la suavité revendiquées d’« Eléor », répond ainsi l’énergie et le côté up-tempo de « Toute latitude », qui s’aventure sur des terrains plus électro et électriques, avec une production plus dense, davantage tournée vers les détails et les effets. » Mais l’objectif reste le même : proposer des chansons, si possibles marquantes et mélodiques. Avec des textes globalement plus explicites que par le passé, comme en attestent des titres comme « Désert d’hiver », « Lorsque nous vivions ensemble » ou « Se décentrer ». D’autres morceaux, en mode parlé chanté, s’inscrivent dans une veine plus narrative, et privilégient une forme de tension allant crescendo, tels « Les deux côtés d’une ombre » et « Corps de ferme à l’abandon ». En fermeture de ban, le plus apaisé « Reflet », emmené par une guitare acoustique, opère un lien avec l’album qui va suivre « La fragilité ». De plus, l’univers visuel de « Toute latitude » nous accompagne dans un véritable voyage onirique, fruit d’une collaboration avec le réalisateur de films d’animations Sébastien Laudenbach, dont le long-métrage « La jeune fille sans main » a obtenu le prix du jury au festival international du film d'animation d'Annecy 2016 et a été nommé aux Césars en 2017. « Toute latitude » s’impose déjà comme une nouvelle oeuvre lumineuse du répertoire de l’une des figures incontournables de la chanson française.

Kidizoom Pixi - 6 - 13 ans Un format unique très girly pour ravir les petites filles ! Mode photo et vidéo : Une caméra double objectif pour prendre ses photos et vidéos avec ses amis ou en mode selfie. Photos en mode rafale et en panorama. Plus de 30 effets disponibles pour personnaliser ses photos ! - Thèmes vidéos animés pour créer ses propres clips. Détection des visage pour prendre des selfies avec effet retardateur Studio beauté : Cadres, tampons et nombreux effets 100% girly : 20 coiffures et 20 accessoires différents disponibles ! - Studio maquillage Autres caractéristiques : 5 jeux (miroir magique, master chef, bonne aventure, potion magique et puissance 4). Lecteur MP3 avec prise Jack pour casque audio. Résolution : 2 Méga Pixels à l’avant et à l’arrière. Contrôle parental pour limiter le temps de jeu. Écran couleur de 1.8 pouces. Emplacement carte microSD (jusqu’à 32Go) pour étendre la mémoire. Dragonne incluse. Boîte cristal. Batterie rechargeable par USB (câble micro-USB inclus). Un nouveau Kidizoom 100% Fashion ! 1 appareil photo

Ce second album de l'Américaine Lillie West offre un mélange de rock et de post punk avec des influences dream pop. Lala Lala - le projet de la musicienne de Chicago Lillie West - a signé sur Hardly Art. West a commencé Lala Lala afin de parler de choses qu'elle ressentait et avait tu jusque-là. A travers des chansons vives et des paroles tranchantes, la songwriter et guitariste de 24 ans jette un regard nuancé sur son âge adulte. Après avoir testé une poignée de nouvelles chansons sur la route, la forme finale de The Lamb'' est finalement apparue à West pendant qu'elle enregistrait au Rose Raft Studio dans la campagne de l'Illinois. West est accompagné de Emily Kempf à la bass et aux voix, de Ben Leach à la batterie, les arrangements musicaux de l'album - un mélange de post punk avec des influences dream pop avec des synthés, une drum machine, et même du saxophone - trouvent un juste milieu entre lumière et obscurité renforçant la dynamique entre chansons intimistes et titres marquants. POUR CEUX QUI AIMENT Courtney Barnett, Frankie Cosmos, Dream Wife, Chastity Belt.

LE NOUVEL ALBUM DU CHANTEUR DE BAD RELIGION EST UN EXALTANT RETOUR AUX RACINES DU FOLK ROCK AMERICAIN Millport est le troisième album de Greg Graffin, 10 ans après Cold As The Clay et 20 ans après Americad Lesiod. Cet album est au coeur de trois tendances qui se sont entrecroisées en seulement 10 jours d’enregistrement aux studios 606 et Big Bad Sound en avril 2016. La première de ces tendances est évidemment les gens : la section rythmique est faite de membres de Social Distortion. Jonny ‘Two Bags’ Wickersham, Brent Harding et David Hidalgo sont aux côtés du fondateur de Bad Religion, Brett Gurewitz à la production. 36 ans après avoir partagé la scène pour la première fois, Bad Religion et Social Distortion se voient à nouveau réunis par leur amour pour le folk rock américain. La seconde force génératrice de cet album est le choix et le son des instruments utilisés. Une vieille guitare, un violon vintage, une batterie et une basse, un banjo et une guitare électrique donnent un son magnifiquement classique à l’album. La troisième influence est personnelle : « Les gens qui m’ont introduit à la musique « d’antan» commencent eux aussi à devenir vieux... » rappelle Graffin.

2018 sera une année à deux facettes pour Dominique A qui nous propose de suivre les deux fils rouges de sa carrière tel un diptyque. Le premier volet, Toute latitude, enregistré en groupe, fait la part belle au rock, à l'électrique et l’électronique. Il faudra attendre octobre pour découvrir la suite, « La fragilité » et ses mélodies plus acoustiques et intimistes, enregistrée en solo cette fois-ci. Ces deux sensibilités, qui font son ADN depuis 25 ans, Dominique A les exploitera sur la route dès le mois de mars au cours de deux tournées différentes qui devraient trouver un premier écho les 14 et 15 avril à la Philharmonie de Paris, lors d’un week-end exceptionnel consacré à l’artiste. Après 10 albums, dont le dernier en date, « Eleor » (2015) fut superbement accueilli, Dominique A se réinvente une nouvelle fois. « Chaque nouvel album est comme une réponse au précédent : à la douceur et la suavité revendiquées d’« Eléor », répond ainsi l’énergie et le côté up-tempo de « Toute latitude », qui s’aventure sur des terrains plus électro et électriques, avec une production plus dense, davantage tournée vers les détails et les effets. » Mais l’objectif reste le même : proposer des chansons, si possibles marquantes et mélodiques. Avec des textes globalement plus explicites que par le passé, comme en attestent des titres comme « Désert d’hiver », « Lorsque nous vivions ensemble » ou « Se décentrer ». D’autres morceaux, en mode parlé chanté, s’inscrivent dans une veine plus narrative, et privilégient une forme de tension allant crescendo, tels « Les deux côtés d’une ombre » et « Corps de ferme à l’abandon ». En fermeture de ban, le plus apaisé « Reflet », emmené par une guitare acoustique, opère un lien avec l’album qui va suivre « La fragilité ». De plus, l’univers visuel de « Toute latitude » nous accompagne dans un véritable voyage onirique, fruit d’une collaboration avec le réalisateur de films d’animations Sébastien Laudenbach, dont le long-métrage « La jeune fille sans main » a obtenu le prix du jury au festival international du film d'animation d'Annecy 2016 et a été nommé aux Césars en 2017. « Toute latitude » s’impose déjà comme une nouvelle oeuvre lumineuse du répertoire de l’une des figures incontournables de la chanson française.

LE NOUVEL ALBUM DU CHANTEUR DE BAD RELIGION EST UN EXALTANT RETOUR AUX RACINES DU FOLK ROCK AMERICAIN Millport est le troisième album de Greg Graffin, 10 ans après Cold As The Clay et 20 ans après Americad Lesiod. Cet album est au coeur de trois tendances qui se sont entrecroisées en seulement 10 jours d’enregistrement aux studios 606 et Big Bad Sound en avril 2016. La première de ces tendances est évidemment les gens : la section rythmique est faite de membres de Social Distortion. Jonny ‘Two Bags’ Wickersham, Brent Harding et David Hidalgo sont aux côtés du fondateur de Bad Religion, Brett Gurewitz à la production. 36 ans après avoir partagé la scène pour la première fois, Bad Religion et Social Distortion se voient à nouveau réunis par leur amour pour le folk rock américain. La seconde force génératrice de cet album est le choix et le son des instruments utilisés. Une vieille guitare, un violon vintage, une batterie et une basse, un banjo et une guitare électrique donnent un son magnifiquement classique à l’album. La troisième influence est personnelle : « Les gens qui m’ont introduit à la musique « d’antan» commencent eux aussi à devenir vieux... » rappelle Graffin.

LA NOUVELLE PEPITE DU GUITARISTE DE SYMPHONY X Tête pensante et guitariste de Symphony X, Michael Romeo nous propose aujourd'hui sur la division Music Theories Recordings du label Mascot, son tout nouveau projet solo. Cet album percutant s'appuie une parfaite alchimie entre metal, rock, prog et éléments symphoniques. Romeo nous livre sa vision du célèbre romand'HG WELLS tout en rendant hommage aux compositeurs Bernard Hermann et John Williams. La production est de très haute volée et est servie par un line-up de premier ordre pour accompagner le prodigieux guitariste Michael Romeo : à la basse on trouve ainsi John JD DeServio (Black Label Society), à la batterie c'est l'expérimenté John Macaluso (Yngwie Malmsteen, Ark, James LaBrie) et au chant on découvre le prometteur Rick Castellano. Aussi laissez-vous embarquer pour un voyage sonique en première classe : de Fear of the Unknown, aux accents de science-fiction en passant par l'implacable Black à l'hybride électro-métal F*cking Robots, ce disque va ravir tous les fans du célèbre combo italien.

Le retour Triumphant du guitariste virtuose ! Le fondateur de Triumph, célèbre groupe canadien de hard rock des 80’s aux 8 disques d’or, nous revient accompagné de son nouveau groupe RESolution9. Les membres de RESolution9 sont des musiciens issus du quartet qui accompagnent Rick live : Dave Dunlop à la guitare, Steve Skingley à la basse, et Paul DeLong à la batterie. Enregistré et mixé en grande partie aux fameux studios MetalWorks de Mississauga, la ville natale de Rick, ce disque plein de vitalité est loin d’être un simple retour aux sources ou un quelconque comeback. On y retrouve même les deux autres membres fondateurs du trio Triumph (Gil Moore et Mike Levine) qui reprennent pour la première fois du service aux côtés de Rick Emmett sur « The Grand Parade » qui résonne comme une suite au « Suitcase blues » de 1979. Enfin, le légendaire guitariste de Rush, Alex Lifeson, joue sur deux morceaux stellaires et James LaBrie de Dream Theater chante sur deux titres magiques. Ce magnifique album s’annonce comme le premier d’une fructueuse collaboration à venir entre Rick Emmett et Mascot !

LA LEGENDE ANGLAISE DU DEATH METAL DEVOILE UN NOUVEL ALBUM MALEFIQUE Cancer fait partie des précurseurs anglais du Death Metal à la fin des années 80', début '90. On leur doit les classiques tels que To The Gory End' (1990) & Death Shall Rise' (1991). Ce sixième album studio marque les 30 ans d'existence du groupe, réunissant pour la première fois depuis 1995, les trois membres originaux : John Walker à la guitare et chant, Ian Buchanan à la basse et Carl Stokes à la batterie, Shadow Gripped propose dix titres de Death Metal Old school brutal. Il a été enregistré aux studios Foel avec Simon Efemey (Paradise Lost, Napalm Death, Amorphis) à la production et au mixage, aux côtés du groupe. Anders Nyström (Bloodbath, Katatonia) figure en invité spécial sur cet album. Ce dernier affirme que Katatonia avait l'habitude de jouer une reprise de Cancer sur scène à leurs débuts : Burning Casket' et par la suite il forma un groupe de Death Metal inspiré du premier morceau de l'album To The Gory End' (Blood Bath). Shadow Gripped est une galette dévastatrice de Death Metal dans le pur style classique de Cancer,

APRES 22 ANS D’ABSENCE, LE GROUPE CULTE EST DE RETOUR AVEC UN DES ALBUMS LES PLUS ATTENDUS DE L’ANNEE « un pur condensé de dream-pop et de shoegaze » Les Inrocks Après 22 ans d’absence, Slowdive revient avec l’album ‘Star Roving’ à sortir chez Dead Oceans, sa première production musicale depuis les mythiques Souvlaki et Pygmalion de 1993 et 1995. Pendant leur séparation, les membres du groupe se tournent vers d’autres formations avant d’annoncer leur reformation tant attendue en 2014. Le morceau ‘Star Roving’, interprétée par Neil Halstead (chant, guitare, claviers), Christian Savill (guitare), Nick Chaplin (basse), Rachel Goswell (chant) et Simon Scott (batterie, synthétiseurs) illustre parfaitement la facilité que l’on connaît à Slowdive - plus le morceau avance, plus il s’étend et se rétracte dans un mouvement qui semble infini. Un nouvel album invitant les anciens et nouveaux fans à plonger dans les sonorités chamaniques du groupe anglais entre douce dream-pop et shoegaze Pour les fans de : Ride, My Bloody Valentine, The Jesus and Mary Chain, Spiritualized,Mazzy Star...

Live in Baden-Baden, Germany 1990 est un concert inoubliable. Tourné en 1990 pour l'émission musicale classique allemande Ohne Filter, cet enregistrement témoigne déjà de la virtuosité de Steve Morse quatre ans avant qu'il ne rejoigne Deep Purple, en 1994. Accompagné de Dave LaRue (basse) et Van Romaine (batterie), les trois incomparables musiciens créent des parties instrumentales divines. Leur technique, leur jeu et leur structure incroyables déchaînent la passion du public. Lors de ce concert, ils jouent leurs titres passés, mais présentent aussi des futures titres extraits de l'album Southern Steel, qui sortira en 1991. Avec leurs titres General Lee, Ice Cakes et Sleaze Factor, ils captivent les spectateurs comme jamais auparavant. Le bonus du DVD inclut quatre titres filmés en 1998, de nouveau lors de l'émission Ohne Filter, mais cette fois Morse joue aux côtés du batteur Rod Morgenstein et du bassiste Jerry Peek. Bonus parmi les bonus : le clip officiel de Cruise Missile.

Le guru King Tuff est de retour avec un album de cosmique ! King Tuff a lui-même produit le disque et a collaboré avec Shawn Everett (War on Drugs, Alabama Shakes) sur le mixage. Pas moins accrocheur que ses précédents disques, les nouveaux titres abandonnent les récits d’orgies rock-and-roll pour se rapprocher d’arrangements expansifs, d’une diversité d'instrumentation et des textes qui tendent à nous reconnecter avec cette partie de nous-même, enfantine et créative, pas encore rongée par le cynisme. On retrouve sur le disque Ty Segall à la batterie, Jenny Lewis et Greta Morgan chant ainsi que Mikal Cronin au saxophone. Thomas considère l'expérience de cet enregistrement comme une sorte de processus de réinitialisation psychique. Je laissais les chansons me mener là où elles voulaient aller, au lieu d'essayer de les pousser dans une certaine zone. King Tuff a toujours supposé n’être que moi quand j'ai commencé, adolescent, c'était tout ce que je voulais. King Tuff n'a jamais été censé n’être qu’une chose, c'était supposé être tout. » POUR CEUX QUI AIMENT Ty Segall, Oh Sees, Black Lips, The War On Drugs

Cette édition présente le disque instrumental de B.B. King sorti en 1962, Easy Listening Blues, dixième de sa discographie. Le titre de l'album est un peu trompeur étant donné que B.B. King, qui pouvait être calme et raffiné à certains égards, a rarement enregistré de la musique que l'on pourrait qualifier de facile à écouter. Bien que cet album soit moins connu que le reste du répertoire populaire de B.B. King, il n'en est nullement inférieur. Le géant du blues imprègne chaque titre d'un spectre d'ambiances pouvant aller d'une qualité discrète à une intensité chargée. B.B. King joue avec son autorité habituelle, faisant parfois des clins d'oeil à l'engouement de l'époque pour le rock'n'roll sur des titres comme Night Long et Hully Gully. Il est accompagné par Lloyd Glenn au piano, Maxwell Davis à l'orgue, Ralph Hamilton à la basse et Jesse Sailes à la batterie. On compte peu de sorties purement instrumentales par B.B. King, ce qui fait de cet album une partie essentielle de sa discographie. En plus du chef-d'oeuvre original, cette édition contient deux titres bonus, Talkin' the Blues et le titre accrocheur de R&B 3 O'Clock Stomp.

2018 sera une année à deux facettes pour Dominique A qui nous propose de suivre les deux fils rouges de sa carrière tel un diptyque. Le premier volet, Toute latitude, enregistré en groupe, fait la part belle au rock, à l'électrique et l’électronique. Il faudra attendre octobre pour découvrir la suite, « La fragilité » et ses mélodies plus acoustiques et intimistes, enregistrée en solo cette fois-ci. Ces deux sensibilités, qui font son ADN depuis 25 ans, Dominique A les exploitera sur la route dès le mois de mars au cours de deux tournées différentes qui devraient trouver un premier écho les 14 et 15 avril à la Philharmonie de Paris, lors d’un week-end exceptionnel consacré à l’artiste. Après 10 albums, dont le dernier en date, « Eleor » (2015) fut superbement accueilli, Dominique A se réinvente une nouvelle fois. « Chaque nouvel album est comme une réponse au précédent : à la douceur et la suavité revendiquées d’« Eléor », répond ainsi l’énergie et le côté up-tempo de « Toute latitude », qui s’aventure sur des terrains plus électro et électriques, avec une production plus dense, davantage tournée vers les détails et les effets. » Mais l’objectif reste le même : proposer des chansons, si possibles marquantes et mélodiques. Avec des textes globalement plus explicites que par le passé, comme en attestent des titres comme « Désert d’hiver », « Lorsque nous vivions ensemble » ou « Se décentrer ». D’autres morceaux, en mode parlé chanté, s’inscrivent dans une veine plus narrative, et privilégient une forme de tension allant crescendo, tels « Les deux côtés d’une ombre » et « Corps de ferme à l’abandon ». En fermeture de ban, le plus apaisé « Reflet », emmené par une guitare acoustique, opère un lien avec l’album qui va suivre « La fragilité ». De plus, l’univers visuel de « Toute latitude » nous accompagne dans un véritable voyage onirique, fruit d’une collaboration avec le réalisateur de films d’animations Sébastien Laudenbach, dont le long-métrage « La jeune fille sans main » a obtenu le prix du jury au festival international du film d'animation d'Annecy 2016 et a été nommé aux Césars en 2017. « Toute latitude » s’impose déjà comme une nouvelle oeuvre lumineuse du répertoire de l’une des figures incontournables de la chanson française.