Turandot est l'ultime oeuvre de Puccini. L'intrigue se situe dans la Chine impériale. La princesse Turandot est aussi belle que cruelle et son arrogance a coûté la vie de plusieurs jeunes nobles : quiconque demande sa main risque la mort s'il ne résout pas les trois énigmes qu'elle lui soumet. À ce jour, personne n'a réussi. Et pourtant, le Prince des Tartares Calaf réussit non seulement à les résoudre, mais a également réussi à trouver la clé du coeur de l'arrogante princesse. Cette production de 1959 fait partie des enregistrements majeurs de Turandot : « Nilsson et Björling forment le couple parfait pour cet opéra. Une nouvelle fois, Leinsdorf prouve combien il faut être méticuleux pour diriger Puccini sans négliger les finesses de la partition. Et une nouvelle fois également Tebaldi fait preuve de la discipline et de sa profonde compréhension. » (Hermes Opera Encyclopedia). Pour nombre d'amateurs, cette version est tout simplement de référence, servie par une distribution exceptionnelle : Jussi Björling campe Calaf, tandis que sa compatriote Birgit Nelsson tient le rôle-titre. À leurs côtés, Renata Tebaldi est Liù et Giorgio Tozzi incarne l'empereur.

29 mai 1913, théâtre des Champs-Élysées : l'un des plus grands scandales de l'histoire de la musique agite Paris. Les Ballets Russes créent le nouveau ballet d'Igor Stravinsky et Vaslav Nijinsky, Le Sacre du Printemps. Le public révolté couvre sous les huées l'orchestre que Stravinsky a confié dans la fosse à Pierre Monteux. Pour célébrer ce centenaire, François-Xavier Roth, avec l'autorisation exceptionnelle des éditions Boosey & Hawkes et avec le concours du musicologue Louis Cyr, s'est attaché à restituer le Sacre du Printemps tel qu'il fut donné le soir du 29 mai 1913. Cette oeuvre, dont l'histoire s'entremêle avec celle de la Première Guerre mondiale, ne sera éditée que huit ans après sa création et subira, tout au long de la vie de Stravinsky, diverses modifications et corrections, de la part du compositeur et de mains étrangères. Ce travail musicologique rend à la partition ses couleurs originelles, dont on entend mieux que jamais toute la modernité et la radicalité.

Juste après le bon Dieu vient papa ! s'enthousiasme Mozart quand il parle de son père Leopold. En 2019, c'est ce père qui est célébré dans ce nouvel enregistrement : pour son 300e anniversaire, Leopold s'offre une magnifique version de sa Missa Solemnis. En rendant hommage au père, ce disque réhabilite celui qui fut pendant des siècles relégué dans l'ombre de son fils. à tel point que cette Missa Solemnis de Leopold fut longtemps attribuée au jeune Wolfgang ! Mais la messe n'est pas dite et c'est à Augsburg, sa ville natale, que l'héritage de Leopold Mozart est justement remis sur le devant de la scène à l'occasion d'un festival-anniversaire. Les musiciens de la Bayerische Kammerphilharmonie et du choeur Das Vokal Projekt font revivre cette partition rare. Sous la baguette d'Alessandro De Marchi, successeur de René Jacobs à la direction artistique du Festival de Musique ancienne d'Innsbruck, les musiciens donnent à entendre toute la saveur napolitaine de cette oeuvre. Pour qui cherchait sur le marché de l'occasion le seul enregistrement de la Missa Solemnis datant de 1982 et épuisé depuis longtemps, il y a désormais ce disque, indispensable !

Qui peut arrêter Maxim Emelyanychev ? Claviériste accompli, continuo de Teodor Currentzis, chef d'orchestre prodige fraîchement nommé à la tête du Royal Liverpool Philharmonic après une carrière remarquée à la direction d'Il Pomo d'Oro, ce musicien total brille dans tous les répertoires. Après un disque en solo consacré à Mozart au pianoforte, le jeune surdoué russe passe du clavier à la baguette dans ce programme Beethoven/Brahms. Avec sa profusion de thèmes et contrastes, la 3e Symphonie de Beethoven est un terreau fertile pour l'imagination du tempétueux chef. A la tête de l'orchestre de chambre des solistes de Nizhny Novgorod, berceau de sa carrière musicale, il déploie dans cette partition essentielle un souffle nouveau et grisant, à grand renfort de cors et trompettes naturels. Les Variations sur un thème de Haydn qui complètent cet enregistrement offrent un éclat et une fièvre toute brahmsienne. Un disque détonnant, à l'image de son chef !

La bande originale a été composée par James Horner et Simon Franglen. Le célèbre James Horner était l'un des compositeurs de films les plus prolifiques au monde ! Il nous a quitté le 22 juin 2015 et The Magnificent Seven est son dernier projet. Horner a gagné 2 Oscars (nominé 8 fois) et 2 Golden Globe Awards (nominé 5 fois) pour sa musique de Titanic de James Cameron : Meilleure Musique Originale et Meilleure Chanson originale pour My Heart Will Go On). Titanic : plus grand album de partition instrumentale dans l'Histoire, plus de 27 millions d'exemplaires vendus dans le monde ! Connu pour sa diversité stylistique, il a à son actif des dizaines de films mémorables : Avatar, A Beautiful Mind, Apollo 13, Braveheart, Légendes d'automne, Gloire, Champ of Dreams et Star Treks II et III, etc. Simon Franglen est un compositeur, arrangeur et producteur. Il a travaillé en tant qu'arrangeur sur quatre des plus gros scores de tout les temps : Avatar, Titanic, Skyfall et Spectre. Il a reçu un Grammy Award de Disque de l'Année pour son travail de production sur le single My Heart Will Go On du Titanic de James Cameron, et a reçu le Golden Globe, Grammy Award et le Prix World Soundtrack nominations pour la co-écriture et la production du score I See You pour Avatar de James Cameron. Les 7 Mercenaires, pour lequel il a co-composé et complété la partition musicale après la mort de James Horner, est le premier projet de long métrage majeur de Franglen en tant que compositeur.

Pupitre de Table K&M de la Série Pliants

Pupitre lyre pliable noir

Des enregistrements entièrement remasterisés, presque tous inédits en CD. Le pianiste chilien Claudio Arrau, un des titans du piano du 20e siècle, bien qu'honoré par une discographie abondante, voit celle-ci augmentée aujourd'hui d'une contribution majeure, avec ce coffret de 3 CD pour le prix d'1, qui rassemble des enregistrements inédits en CD (seules les sonates de Beethoven sont fugacement parues après la disparition de l'artiste en 1991). Le concerto n° 1 de Brahms ou les Sonates de Beethoven vont sans aucun doute ravir la presse et les mélomanes, d'autant que ces 3 CD ont été soigneusement remasterisés à Abbey Road. Scrupuleusement respectueux du texte bien avant la génération baroque, Arrau s'insurgea notamment contre Rachmaninov, qui modifia la partition de la seconde sonate pour piano de Chopin. Mais Arrau sut faire respirer le texte et ses interprétations qui sont des modèles de l'art de faire sonner et timbrer le piano. Ne cédant en rien aux virtuoses du clavier tels Horowitz, sa technique - héritage direct de celle de Liszt -, fait merveille dans les ouvres les plus ardues du répertoire. Sa « patte » léonine montrait une dynamique éblouissante qui, bien souvent, donnait l'impression qu'il jouait sur un clavier dont l'étendue dépassait les 88 notes. Rares sont les pianistes qui furent aussi à l'aise à la fois dans Beethoven et dans Chopin. Claudio Arrau savait les revisiter avec un souffle mélodique toujours intense, inquiet, ténu mais d'une précision psychologique exceptionnelle. Un coffret indispensable pour tout amateur de piano.

Yan Levionnois avait imposé son nom dès son premier album, avec un ffff Télérama pour «Cello Solo» paru en 2013 chez Fondamenta. Il a ensuite enregistré sous le même label «Pierrots Lunaires» avec la violoniste Mélanie Clapiès. Guillaume Bellom a un parcours atypique, puisqu’il est pianiste… et violoniste. Lui aussi a eu les honneurs de Télérama, avec un ffff en 2013 pour un enregistrement consacré à Schubert. Il a été nommé cette année aux Victoires de la Musique dans la catégorie «Révélation Instrumentale». Cet album «Cello Sonatas» est consacré au répertoire romantique allemand, avec la «Sonate pour Arpeggione de Schubert», la «Sonate n°2 de Mendelssohn» et, plus rare au disque, la «Sonate de Richard Strauss». Schubert est encore à l’honneur, avec la « Sonate pour arpeggione ». Ne cherchez pas cet instrument autour de vous, il n’en reste qu’une douzaine dans le monde, l’arpeggione étant un hybride entre la guitare (jouée avec un archet) et le violoncelle. La sonate éponyme, elle, demeure une des oeuvres majeures du compositeur viennois ! Mendelssohn a écrit cette «Sonate n°2» pour violoncelle et piano en 1843, soit presque 20 ans après celle de Schubert. Mendelssohn a commencé vite et bien : à 12 ans, il avait composé un opéra, et son célèbre «Octuor» fut écrit lorsqu’il avait... 16 ans ! Cette sonate est très classique, dans la forme et dans les inspirations musicales, un petit bijou de ce compositeur qui, au-delà de son oeuvre, aura fait redécouvrir la musique de JS Bach. Richard Strauss était lui aussi précoce : il lisait une partition avant de connaître l’alphabet... Et donc à 16 ans, compose cette sonate ! Plus tard, Richard Strauss se tournera vers les grands poèmes symphoniques, mais cette oeuvre de jeunesse reste un modèle dans sa musique de chambre, emplie de romantisme et de classicisme, et où perce déjà cet amour des couleurs orchestrales. Innovation Mondiale Si les CD du label Fondamenta vous plongent au coeur de l’émotion musicale, c’est que rien n’est laissé au hasard : depuis la salle de concert, en passant par le choix des instruments, des matériels et, naturellement, de la rigueur de leur mise en oeuvre. Puisque les systèmes d’écoute et les habitudes des mélomanes diffèrent, Fondamenta innove en vous proposant, deux disques afin de permettre à ses produits de conserver leur quintessence en toute occasion : Le Fidelity CD (Fidelity Mastering ™) est la version de référence destinée aux systèmes audio haute-fidélité. Le Mobility CD (Mobility Mastering...) est une version adaptée aux écoutes, par exemple sur ordinateur ou en voiture.

Si l'on célèbre en 2013 le quatre centième anniversaire de la mort de Gesualdo, l'une de ses dernières oeuvres restait à découvrir : le deuxième livre des Sacrae Cantiones, motets à six et sept voix, dont les parties de bassus et de sextus ont hélas disparu. Grâce à un travail de recherche aussi acharné que méthodique, James Wood est parvenu pour la première fois à reconstituer la partition, telle qu'elle aurait pu être chantée en 1603. Cette passionnante enquête aura duré trois ans; en voici le résultat sonore, tel un joyau sorti du néant !

Pour son nouvel enregistrement, Laurence Equilbey s’attaque à un sommet du répertoire sacré : le Requiem de Mozart. Composée la dernière année de sa vie et laissée inachevée, cette partition reste encore aujourd’hui auréolée de mystère. On en connaît en effet mal les conditions de composition qui seraient liées à un énigmatique commanditaire. Aux côtés d’Insula orchestra et d’accentus, l’affiche réunit la soprano Sandrine Piau, grande voix mozartienne et collaboratrice privilégiée de Laurence Equilbey et une autre voix féminine : la contralto italienne Sara Mingardo. Le baryton Christopher Purves complète cette prestigieuse distribution.

Partition Piano/voix/guiatre - Top hits 2019

A l'occasion de la réédition StudioCanal événement du film culte de Nicholas Roeg sorti en 1976, la bande-originale est rendue disponible pour la première fois 40 ans après sa parution originale. S'il est surtout connu pour la remarquable performance d'acteur de David Bowie qui marquera longtemps l'image de la star, le film, comme la musique reste aujourd'hui toujours considéré comme très avant-gardiste. Cette bande originale, longtemps égarée, ressort enfin dans une version totalement remasterisée. Outre des titres du percussionniste contemporain japonais Stomu Yamashta, c'est John Phillips des Mamas and Papas qui compose l'essentiel de la partition.

Howard Shore remplace Danny Elfman, partenaire habituel des films de Tim Burton, pour composer la musique en raison d'un différend artistique qui a opposé Burton à Elfman pendant L'Étrange Noël de monsieur Jack. La bande originale d'Ed Wood apparaît comme un score surprenant et assez original, dans lequel Howard Shore s'est livré à un exercice de style minutieux qui rend clairement hommage à l'univers musical des vieilles musiques des films de science-fiction/fantastique/horreur des années 50 à Hollywood. Ultime hommage kitsch à cette époque révolue, 'Ed Wood' est aussi une partition très « second degré » facile à percevoir même à la première écoute dans le film. Ainsi, de nombreux morceaux incluent l'utilisation d'un thérémine, instrument de musique électronique à la mode à cette époque. On peut également entendre le thème principal du Lac des cygnes lors de certaines scènes concernant Bela Lugosi, en référence au film Dracula, qui utilisait cette musique dans son générique. Le score possède aussi quelques moments plus émouvants, notamment lorsque le compositeur évoque l'amitié poignante entre Lugosi et Wood. Partition surprenante dans la filmographie très éclectique d'Howard Shore, 'Ed Wood' est ce style de BO qui devrait gagner à être plus connu (et reconnu) surtout depuis le récent succès du compositeur pour sa musique de 'The Lord of The Rings'. Un petit bijou à découvrir d'urgence !

Le nouveau film de Theo Angelopoulos, Dust of Time, est une histoire d'exil, de frontières et de séparation dont Eleni Karaindrou, qui travaile avec Angelopoulos depuis environ 25 ans, a écrit une partition musicale, aux couleurs infiniment tendres et intimes, mettant en avant le violon, le violoncelle et la harpe. L'intention de la compositrice était de pouvoir explorer et mettre en valeur l'essence du film tout en gardant une couleur sonore dépouillée pour traduire l'intemporalité de la nostalgie. Près de 100 minutes de musique ont été enregistrées pour les besoins du film. Avec un sens de la dramaturgie et un à-propos indéniables, Manfred Eicher et Eleni Karaindrou sont parvenus à réduire l'ensemble en une suite concentrée de 45 minutes, mixant les couleurs orchestrales en une palette invisible d'une extrême délicatesse. Plus qu'une bande son cette musique s'écoute comme une composition contemporaine au caractère intensément mélodique.

Triptyque sur les Mystères du Rosaire. OEuvre mystique, Le Miroir de Jésus écrit en 1923 sur des poèmes d'Henri Ghéon, est une partition tout à fait singulière par sa structure en quinze fragments où le chrétien médite sur les « mystères » vécus par la Vierge Marie face aux événements de la vie de son Fils, comme dans un « miroir » d'elle-même. Par sa formation également : mezzo-soprano, choeur de femmes, harpe et quintette à cordes. Une oeuvre rare, raffinée, à méditer autant qu'à écouter. André Caplet (1878-1925) passe trop souvent pour un épigone de Claude Debussy. En réalité, Prix de Rome 1901, chef d'orchestre de tout premier plan, mais compositeur discret, il fut une figure marquante de son temps aussi bien à Paris qu'à Boston où il fut directeur artistique de l'opéra avant de partir à la Guerre 14-18. Revenu affaibli, il se consacra à la composition laissant une oeuvre raffinée et singulière à plus d'un titre. Le Miroir de Jésus écrit en 1923 sur des poèmes d'Henri Ghéon en témoigne. La partition se présente comme une série de quinze méditations sur la vie du Christ telles que la Vierge Marie a pu les vivre comme un « miroir » d'elle-même. Une mezzo-soprano, un choeur de femmes, une harpe et un quintette à cordes apportent une couleur très particulière à cette partition qui se situe dans une tradition française qui va de Gounod à Messiaen en passant par Fauré, Debussy, Tournemire, Jehan Alain. Très rarement donné en concert depuis sa création le 22 février 1924 à Lyon, Le Miroir de Jésus paraît aujourd'hui une oeuvre foncièrement originale et moderne dans l'esprit comme dans la forme. C'est pourquoi un enregistrement de cette partition exigeante constitue toujours un événement, sujet à découvrir un compositeur trop méconnu et surtout à plonger l'auditeur dans une méditation où la musique

Julien Neel l’avait promis à la fin du Tome 8 de Lou !, il revient pour une saison 2 intitulée Lou ! Sonata. Désormais, Lou est une jeune femme confrontée à sa vie d’étudiante qui s’installe seule (enfin presque, le chat est toujours là) dans la ville de Tygre. Les joies mais aussi certaines peines de l’indépendance, les nouvelles connaissances, se perdre dans une ville qu’on ne connait pas, le retour d’une amie, Lou continue d’avancer dans sa vie et de nous questionner via ce mélange d’humour et de sensibilité dont la formule inédite en BD fût de faire grandir son héroïne en même temps que ses lecteurs. Quand Lou débutait en 2004, c’était une enfant qui vivait seule avec une maman un peu loufoque et gauche mais toujours bienveillante pour sa fille. Il s’en est passé des choses depuis sa rencontre avec Tristan, les étés avec les copains, l’arrivée d’un frère ou la crise des cristaux ! Au fil des 8 tomes de la première saison et de toutes ces rencontres, Lou s'est émancipée et affirmée. Il est maintenant temps qu'elle apprenne à se connaître en tant qu’adulte. Entre quotidien décalé et références à la pop-culture, Lou ! est une série qui fascine par sa créativité atypique qui en fait l’une des BD les plus en phase avec son époque. Si les lecteurs ont grandi depuis 15 ans, Julien Neel également, il s’y est affirmé comme un véritable auteur, capable de surprendre ses lecteurs tout en se renouvelant.Sonata c'est une référence directe à la musique. Une musique qui a toujours nourri l’univers intime de JulienNeel. Sonata c’est la promesse de mouvement dans la vie de Lou, celle d’écrire une nouvelle partition toujours ensemble et créer cette petite musique qui vous accompagnera longtemps encore après la lecture de ce premier tome de 144 pages.

Django Reinhardt est une légende. Mais Django ? celui qui réveille ? est aussi né deux fois. Une première fois dans la neige, durant l'hiver 1910 dans une famille de nomades stationnée à Liberchies, en Belgique. La seconde à Saint-Ouen, près de Paris, à l'automne 1928, quand l'incendie de sa caravane lui mutila la main gauche.Le scénariste Salva Rubio et le dessinateur Efa avaient déjà signé ensemble un remarquable biopic sur Monet en 2017, rendant hommage à l'obsession du peintre pour la lumière. De même, ce biopic consacré à la jeunesse du musicien prodige met en scène la passion et l'obstination de celui qui s'est toujours considéré comme le plus grand guitariste du monde.Dans ce récit- partition, en découpant les cases comme des accords, le dessinateur anime la romance d'une vie en vibrations aquarellées pour mieux accompagner le cheminement musical et technique de l'inventeur du jazz manouche. De la musette au jazz, du violon au banjo puis à la guitare, la destinée de Django est celle de sa main de feu, habitée par le duende qui brûle dans l'âme du musicien manouche. Celle d'un miraculé qui renaît de ses cendres, plus éblouissant que jamais. Musique !Cet ouvrage est préfacé par Thomas Dutronc et contient un dossier documenté de 16 pages.

Depuis que le temps s'est arrêté, nos héros empruntent ses couloirs à la recherche du chant de l'âme. La vieille diva pensait l'avoir composé, mais la mélodie magique est incomplète...Des indices se cachent-ils dans le chant céleste des étoiles ? A qui sait attendre, le temps ouvre ses portes, à qui sait entendre, l'univers s'ouvre à lui... . Dans ce volume, Ptolémée, astronome et musicien de la Grèce antique nous enseigne les silences en musique et les intervalles, en nous parlant des planètes et de la symphonie des sphères... Grâce à une aventure en trois volumes, un conte un peu magique, un peu fantastique, on apprend, pas à pas et de manière ludique à déchiffrer une partition de musique, à lire les notes, le rythme, à reconnaitre les intervalles... Ptolémée est le second volume de la collection Les Clefs . Chaque opus est accompagné d'un CD audio sur lequel l'histoire est racontée, les exercices, lus et chantés. Trop de personnes ont abandonné la musique à cause du solfège ! Cette collection a été imaginée pour que les enfants et leurs parents découvrent ou redécouvrent le solfège, et abandonnent définitivement l'idée que c' est rébarbatif et difficile.

Lampes K&M pour Pupitre Une lampe à 2 bras flexibles permet au musicien de focaliser la lumière sur un point particulier ou de couvrir une surface plus large. Chaque tête est équipée de 4 Leds et permet de choisir une luminosité. Une pince permet de fixer la lampe sur un pupitre ou un rebord de table. Compacte et facile d'utilisation, elle s'utilise avec 3 piles AAA.

Dix sélections du film Walt Disney de 1940 pour piano, voix et guitare. Chansons : donner un petit coup de sifflet • Hi-Diddle-Dee-Dee (La vie d'un acteur pour moi) • John honnête • Je n'ai pas de corde the Old Music Box • Quand vous voulez une étoile.

L'année 2019 marque le 25e anniversaire de l'emblématique film d'animation de Disney, Le roi lion, et elle est maintenant présentée à une nouvelle génération de téléspectateurs avec un nouveau film d'action. Notre recueil de chansons correspondant à la bande originale de la production de juillet 2019 comprend 9 chansons : Be Prepared (2019) • Can You Feel the Love Tonight • Circle of Life • Hakuna Matata • He Lives in You • I Just Can't Wait to Be King • The Lion Sleeps Tonight • Never Too Late • Spirit.

Aaaah, enfin un CD d'oeuvres rares de grands compositeurs, hélas bien trop négligés - à telle enseigne que c'est, pour la Seconde de Casella, la première discographique mondiale, aussi incroyable que cela puisse paraître. C'est que l'on ne semble pas pardonner à des musiciens italiens du début du XXe d'écrire autre chose que des opéras sirupeux ou pleurnichards (mon avis personnel... par ici les quolibets et les tomates pourries !). Casella fait partie de ces résistants à la tyrannie lyrique; Martucci - un autre grand résistant - avait conseillé au jeune musicien de poursuivre son apprentissage au Conservatoire de Paris plutôt qu'en Italie. Il y côtoiera des condisciples de la trempe de Ravel et d'Enescu dans la classe de Fauré, mais ses influences ne se limiteront jamais à la seule sphère française. A l'écoute de sa Seconde symphonie, on y décèle clairement le courant russe, et - chose plus rare - la griffe de Mahler, un compositeur alors totalement ignoré en France. Lorsque Mahler rencontra son jeune collègue à Paris en 1909, il fut surpris de voir que Casella connaissait par coeur ses symphonies; et c'est d'ailleurs grâce aux efforts de ce dernier que Mahler put donner à Paris sa Seconde symphonie le 17 avril 1910 : pour la première et unique fois dans la capitale française, apparaissait comme chef et compositeur. Six jours plus tard, Casella crée sa propre Seconde à la Salle Gaveau; sans doute le parallèle entre Mahler et Casella n'est-il pas difficile à établir, mais il ne faut pas exagérer la filiation. Casella déroule ici un tapis sonore extravagant de textures orchestrales, d'explosions délirantes, de digressions passionnées, d'ostinatos trépidants, dans une écriture tout à fait personnelle, bel et bien italienne - la tarentelle formant le second mouvement en est le meilleur exemple, même si ces tarentelles-là procèdent plutôt de la Guerre des Mondes ! Le mouvement lent épouse souvent les formes lyriques à l'italienne, avec leurs longues phrases et leurs sanglots chromatiques. L'aimable lecteur l'aura compris, voilà une oeuvre à découvrir de toute urgence, en espérant que les orchestres français voudront bien se creuser un peu plus le cortex en la programmant au répertoire. Beaucoup plus aimable, Scarlattiana de 1926 est un exemple typique de néoclassicisme dans la lignée de la Boutique fantasque de Respighi d'après des thèmes de Rossini, ou naturellement de Pulcinella de Stravinski d'après un pseudo-Pergolesi. Loin de la parodie stravinskienne, Casella cherche un parfum nouveau à cette musique vieille de deux siècles; Scarlatti en est totalement transfiguré, à peine reconnaissable, d'autant que le compositeur modifie les harmonies, les dissonances, les voix intermédiaires, et rajoute un piano solo à la partition orchestrale. Il ne s'agit donc en rien d'une simple orchestration, mais bien d'une réécriture d'après des matériaux anciens. A découvrir aussi, sans tarder. © Abeille Musique 2010

L'art subtil de la lecture historiquement informée de Leila Schayegh Leila Schayegh joue sur une copie d'un violon d'époque avec un archet original du milieu du XIXe, tandis que le piano de Jan Schultsz est un Streicher original de 1879. Les musiciens ont travaillé avec des spécialistes de la période afin de recréer l'esprit de la partition au-delà de la lettre, en se focalisant avec le plus grand soin sur les questions d'interprétation. Les deux musiciens, forts d'une lecture historiquement informée, offrent une réponse émouvante, lyrique et intuitive à ce défi musical.

On connaissait les Synthèses symphoniques réalisées par Stokowski à partir de Wagner (Tristan, Parsifal, Ring), voici donc, d'une conception radicalement différente, Aventure orchestrale de la Tétralogie de Wagner, réalisée par le compositeur néerlandais Henk De Vlieger (et percussionniste de l'Orchestre Philharmonique de la Radio des Pays-Bas). Naturellement, il ne s'agit pas de recomposer quoi que ce soit, mais de choisir dans les passages les plus saillants ceux qui sauront s'agencer dans une forme symphonique cohérente en plusieurs mouvements bien définis, sans que les transitions s'entendent le moins du monde. En quelque sorte, il s'agit d'un exercice de résumé littéraire dans lequel la substantifique moelle doit être retenue, et les digressions laissées de côté. Difficile exercice auquel De Vlieger se prête avec un étonnant brio.Cette réalisation particulièrement habile peut constituer une excellente introduction au cycle chef-d'oeuvre de Wagner, d'autant que la direction de Neeme Jarvi est superbe et la prise de son sensationnelle.En complément de programme, Siegfried Idyll qui reprend également quelques thèmes de la Tétralogie, mais dans la conception chambriste d'une aubade, bien que Neeme Järvi ait choisi d'étoffer quelque peu les cordes - la partition originale ne fait appel qu'à un quintette, en réalité, mais les raisons en tenaient à la pratique plutôt qu'à la musique : la pièce fut jouée à l'occasion du 33e anniversaire de Cosima, sur les marches de la villa des Wagner à Tribschen (au bord du lac des quatre cantons en Suisse) qui ne laissaient guère la place à un orchestre complet !

George Martin, le célèbre producteur des Beatles, nous dévoile ses compositions orchestrales. Un enregistrement qui, pour la première fois, rassemble les oeuvres majeures du compositeur et arrangeur emblématique Cet album inclus notamment la musique du film Yellow Submarine, la version orchestrale du titre Live and Let Die (l'un des titres les plus célèbres de Paul McCartney) ainsi que la partition jamais enregistrée pour le film « The Mission » (Palme d'or à Cannes en 86). « Un album inédit, mené de main de maître par Craig Leon » Au début de sa carrière, Craig Leon a été encadré par George Martin. Il y a donc une cohérence dans le fait que l’entourage de Martin ait demandé à Craig de réaliser ce projet. Comme le titre l'indique, il s'agit d'une collection de partitions et de compositions originales de la musique orchestrale originale du compositeur, arrangeur et producteur George Martin. Cet album inclus notamment la musique du film Yellow Submarine, la version orchestrale du titre Live and Let Die (l'un des titres les plus célèbres de Paul McCartney) ainsi que la partition jamais enregistrée pour le film « The Mission » (Palme d'or à Cannes en 86). L'enregistrement contient également l’Overture d'Under Milk Wood (composé avec Elton John sur un texte de Dylan Thomas) et d'autres compositions originales inédites. POUR CEUX QUI AIMENT Beatles, Craig Leon, Brian Wilson, Phil Spector, Bernard Hermann, John Barry, Wings

Alors que la musique pour cordes, percussions et célesta appartient au très grand répertoire discographique, que la suite du Mandarin merveilleux ne manque pas de représentants dans le monde de l'enregistrement, les Quatre pièces pour orchestre ici présentées aussi ne risquent pas trop la concurrence : arrêtons-nous donc un instant sur ces petits chefs-d'oeuvre de la première maturité de Bartók, écrits dès 1912 - une période où le compositeur souffre de l'incompréhension du public vis-à-vis de sa musique bien trop moderne - mais orchestrés seulement en 1921, quand il a enfin fait sa place sur la planète musicale internationale. Ces quatre pièces ne manquent pas de points communs avec d'autres ouvrages plus célèbres de la même période, à savoir Le Château de Barbe-Bleue et Le Prince de bois : une motricité diabolique, une ampleur du propos thématique très développée mais, pour le moment, sans les grandes quêtes formelles et surtout l'économie de moyens de la musique pour cordes. Cela dit, le ton magyar si typique de Bartók s'y déploie déjà à tous les coins de la partition : voilà bien un cycle à (re)découvrir avec plaisir. Et pour les curieux de comparaisons discographiques, il y aura aussi cette nouvelle lecture des deux tubes sus-nommés par l'Anglais Edward Gardner à la tête de l'Orchestre de Melbourne en Australie !

Qui dit « compositeur norvégien » dit Grieg et... c'est tout. Il est donc grand temps d'explorer plus avant le répertoire norvégien, et le premier nom venant en second est celui de Halvorsen. Ce compositeur, violoniste et chef d'orchestre étudia à Berlin et Leipzig comme il se devait en son temps les années 1880/90, puis retourna en Norvège en 1893 pour y occuper le poste de Directeur musical de l'Orchestre de Bergen, celui-là même qui lui rend ici hommage un siècle plus tard. S'il poursuit la tradition nationaliste de Grieg (dont il épousa la nièce et les principes), il intègre également une phénoménale science de l'orchestration inspirée des romantiques français, Berlioz et Bizet en tête. Découvrez sa propre Suite Holberg, hommage voilé à Grieg, une oeuvre théâtrale destinée à illustrer une pièce du dramaturge, partition délicieuse et colorée à souhait. Mais découvrez surtout sa magnifique Seconde Symphonie Fatum de 1924, oeuvre de l'ultime maturité donc, un des évidents piliers de la musique nordique au même titre que les grandes symphonies de Sibelius et Nielsen. Comment se fait-il que ce bonhomme ait été à ce point ignoré jusqu'ici ? Son ancien orchestre s'attelle donc à lui rendre justice. ©Abeille Musique 2011

Un peu avant la fortune, c'est peut-être la ruine ! Philippe Dupuy, Charles Berberian et Jean-Claude Denis : un tiercé gagnant pour une comédie romanesque.Etienne, détective privé de travail et d'amour, gagne le gros lot du loto. Mais entre posséder un ticket gagnant au fond de sa poche et déposer le véritable magot sur son compte en banque, se situe un espace temporel où la chance peut encore jouer les girouettes. Par exemple, si Etienne se rend dans une soirée et ingurgite trop d'alcool au point que ses amis lui interdisent de reprendre sa voiture, au point qu'il se trompe de ligne de RER, au point qu'il s'embrouille avec des punks qui lui volent son portefeuille... C'est le principe de l'avalanche: la boule de neige qui devient de plus en plus grosse. Mais l'avalanche ne connaît qu'une seule manière de s'arrêter : la chute au fond du ravin. Ainsi, en quelques jours, en quelques heures, Etienne, le millionnaire virtuel va peut-être voir sa vie basculer plusieurs fois.Maître de la comédie mélancolique, Jean-Claude Denis,pour une fois scénariste, joue ici une nouvelle partition où les affres de l'amour et l'effroi de l'existence - toujours chères à ses personnages - sont ici sous-tendus par un suspense des plus prosaïques : Etienne va-t-il enfin devenir millionnaire oePour interpréter et mettre en scène cette histoire aux saveurs romanesques, Philippe Dupuy et Charles Berberian réinventent leur matière graphique. Loin de Monsieur Jean et de la vie parisienne, les deux dessinateurs investissent avec une inspiration renouvelée la bonne ville de Toulouse - un lieu où la vie n'est pas toujours rose.Un peu avant la fortune marque la rencontre magistrale entre trois acteurs majeurs de la bande dessinée française contemporaine.

En 1932, les infortunés héros des drames de Pavlos se retrouvent à Paris pour dénouer la machination dont ils sont l'objet. Alban Méric, Dora Mars, Elias Cohen et Nafsika Vasli se retrouvent à Paris, seize ans après les drames passionnels qu'ils ont vécus à Pavlos, pendant la première guerre mondiale. La découverte - fortuite ? - d'une malle ayant appartenu au colonel Villemomble les replonge dans le passé et éclaire d'une lumière machiavélique les tragédies personnelles qu'ils ont vécues en Grèce. Ils vont faire ensemble les derniers pas qui les séparent de la vérité. Leur destin peut-il encore leur échapper ? Quintett - La Chute est la dernière pièce d'une partition orchestrée par Frank Giroud, qui a manipulé diaboliquement ses personnages... et ses lecteurs !

Le Messie que le monde attend depuis plus de deux mille ans est déjà sur terre. Les aveugles spirituels seront surpris et ne pourront même pas prendre part aux noces de l'Epoux. Ce témoignage apporte des preuves vérifiables et irréfutables que le Messie est déjà là. L'ère du verseau a commencé en 2007. Et le 26 avril 2010, Satan a débarqué sur terre pour jouer sa partition, jusqu'à l'atterrissage de Saint-Michel et de ses anges.

Lampes K&M pour Pupitre Equipée d'un aimant au dos de la pince, cette nouvelle référence peut désormais être fixée sur les pupitres via sa pince ou son aimant.

Le nouveau film de Paolo Sorrentino. Une musique originale de Lele Marchitelli (La Grande Bellezza, The Young Pope). Inclus le titre 'Na Gelosia' par Lele Marchitelli et interprété par Toni Servillo (dans le rôle de Berlusconi). Des balades lentes et discrètes (The Spanish, Sad Party, Vulcano), à la disco-dance rythmée d'Arabian Party jusqu'aux plages électroniques et expérimentales (I Walk Away, The Real Truth), la partition accompagne les personnages dans leurs diverses tribulations. S'y ajoute une compilation de titres allant de chansons napolitaines classiques (Scetate chanté par Sergio Bruni), à des tubes pop et rock comme ceux des Stooges, The Noisettes ou encore Agnès Obel.

Alors qu’il venait de publier une version marquante du Stabat Mater de Dvorack, le grand chef tchèque Jiri Belholavek nous a quittés en mai 2017. Cette version, grandiose et d’autant plus émouvante, de Ma Vlast (Ma patrie), ce grand poème symphonique de Smetana est l’un des tout derniers enregistrements du chef d’orchestre et de sa formation préférée. Le chef d’oeuvre de Smetana a joué un grand rôle dans l’histoire du Czech Philharmonic et cette interprétation revêt donc un sentiment et une couleur toute particulière pour l’ensemble des musiciens de l’orchestre qui s’est donné corps et âme à cette partition.

François Ozon a fait un film « girly » qui épouse les goûts de son héroïne, en couleur pastel, caméra souple et légère et chansons sentimentales. C'est pourquoi, pour suivre cette histoire il a choisi d'utiliser quatre titres de Françoise Hardy qui est pour François Ozon celle qui a le mieux exprimé les désillusions amoureuses ainsi que les doutes et les tergiversations des jeunes fi lles adolescentes. Quatre chansons comme quatre contrepoints à la fois ironiques et sentimentaux à la trajectoire tortueuse d'une adolescente en mal d'aimer. Et entre ces contrepoints, on retrouve la partition impeccable du compositeur fétiche de François Ozon, Philippe Rombi qui a su, comme pour chacun des films d'Ozon, trouver des thèmes imparables.

Porte-boisson diam. max 85 mm K&M à fxer sur tube. Supports à fixer sur un tube de diamètre maximum de 30 mm. La hauteur du support est de 80 mm et son poids est d'environ 270 grammes. L'élément de serrage protège la finition du tube.

Riccardo Muti à la tête du Chicago Symphony Orchestra pour la suite orchestrale du ballet Roméo et Juliette. Cette nouvelle production du Chicago Symphony Orchestra est consacrée à la suite pour orchestre tirée du ballet de Prokofiev, Roméo et Juliette. Sous la direction de Riccardo Muti, l’orchestre a mis cette oeuvre à son programme depuis la saison 2011- 2012. Une relation régulière, donc, avec la partition, ainsi que la connivence musicale qui unit le maestro Muti au philharmonique dans ce travail commun a permis d’aboutir à cette version singulière de la suite du Roméo et Juliette de Prokofiev. Enregistrée en concert en Octobre 2013 au Symphony Hall de Chicago, l’interprétation reproduit, avec une authentique fidélité à son compositeur, la joie, la colère puis la tristesse de l’oeuvre, le tout avec une intensité palpitante. Conçue initialement pour illustrer une chorégraphie, la performance de Riccardo Muti à la tête du Symphonique de Chicago est finalement d’avoir su lui donner une vie propre, charnelle presque, dans un enregistrement sans le ballet, bien sûr. Une nouvelle expression de la relation unique qui unit Muti aux musiciens du Symphonic Orchestra de Chicago.

Depuis plus de quarante ans, une collaboration étroite s’est établie entre le cinéaste Jacques Doillon et le compositeur Philippe Sarde, qui a signé en une trentaine d’années les musiques des plus grands réalisateurs français. On lui doit notamment l’illustration musicale de films inoubliables : «César et Rosalie» (Claude Sautet), «La Grande Bouffe» (Marco Ferreri), «La Guerre du Feu» (Jean-Jacques Annaud), «Tess» (Roman Polanski), pour ne citer qu’eux. Pour Rodin, il a réuni une petite formation constituée de solistes (violon, piano, violoncelle) qui exécutent parfaitement une partition complexe malgré une apparente simplicité. Philippe Sarde nous fait aimer sa belle musique en dessinant une oeuvre délicate et envoûtante.

Hippolyte et Aricie : un enchantement pour les yeux et les oreilles à l'Opéra Garnier Filmé au Palais Garnier en juin 2012, cette production du chef d'œuvre de Rameau dirigé par Emmanuelle Haïm,chef d'orchestre baroque,et mis en scène par Ivan Alexandre fut considérée comme une réussite majeure. Composé par un Jean-Philippe Rameau de 50 ans, cette tragédie lyrique place sur un pied d'égalité la musique, le texte et la danse. Dans cette production, la façon dont Ivan Alexandre a mis en scène, décoré et habillé les protagonistes est un pur régal. A la direction de son orchestre du Concert d'Astrée, Emmanuelle Haïm restitue à la partition toute sa fougue et sa rigueur. Anne-Catherine Gillet en Aricie est cristalline et d'une fluidité parfaite. Sarah Connoly, dans le rôle de Phèdre est particulièrement émouvante. Mention spéciale à Stéphane Degout, dans le rôle de Thésée, sa voix chaude nous faisant vivre à l'unisson ses tourments de père et de mari bafoué. Topi Lehtipuu trouve dans le personnage d'Hippolyte un rôle idéalement taillé à sa mesure. Bref, un spectacle total comme seul l'opéra sait en produire parfois !

Il a un job correct, un mariage aussi heureux que possible après 21 ans de vie commune, des enfants assez aimants. Une vie moyenne, réglée comme du papier à musique d'ascenseur. Alors, faute de ressentir ou de s'exalter, il pense. A la mort, principalement. A la vacuité de ces vies ni bonnes ni mauvaises, qui jouent la partition sans se poser de question. Il est l'homme du XXIe siècle. Et il se laisse un mois, pour voir.

Lampe de pupitre RTX sur 2 flexibles 4 Leds 2 bras flexibles avec 2 leds chacun 2 réglages d'intensité par tête (1 ou 2 led) Fonctionne avec 3 piles LR03 (incluses) Autonomie : 20 heures

Un homme aime une femme qui couche avec un autre, ce dernier croise un couple qui se déchire pendant qu'un ado attend sa fiancée draguée par un aveugle... Tel un Marivaux moderne, Martin Veyron tourne avec finesse, légèreté et flamboyance un panoramique en un seul plan-séquence des vaudevilles d'aujourd'hui, une irrésistible partition où les couples se croisent, se frôlent et s'entremêlent. Un album euphorisant comme un coup de foudre.

Tronches de vie, c'est un peu comme si Reiser avait eu un enfant illégitime avec Jean-Marie Gourio et qu'on l'ait oublié sous le comptoir du PMU de la Gare, alors il se serait mis à mi-dessiner ce qu'il entend et à mi-broder à partir de l'actualité récente sur une partition de gros rouge. Des tronches, de la vie, de l'humour avec une légère pincée de critique sociale, vous avez un bon Tronches de vie, cuvée 2019.Ça pique à la première gorgée, mais après ça passe tout seul, et à la fin on rigole de façon incontrôlable.

Vous connaissez le joueur de flûte d'Hamelin, ce sinistre escamoteur d'enfants ? Il a une descendance, quelque part dans les vases du Mississipi et les campagnes perdues du Deep South. Toppi a transposé la partition en jazz funèbre, avec des basses assassines et trilles de saxo tragique. Ami lecteur qui a le blues, évite le Baron Samedi, ne réveille pas la musique qui dort, elle n'adoucirait pas ta mort...

Pour Serenity, Wallfisch a composé une partition riche et complète et qui s'intègre parfaitement aux beaux panoramas des tropiques et de la mer. Benjamin Wallfisch a remporté de nombreux prix pour ses bandes originales (Golden Globes, BAFTA, Grammy et Emmy Awards etc...) Il a composé plus de 70 bandes originales dont dernièrement celle de Blade Runner 2049 de Denis Villeneuve, encensé par la critique. Il a également composé la bande originale de l'un des films d'horreurs les plus appréciés de ces dernières années : It réalisé par Andrés Muschietti.

Pour 'Rémi sans famille', Romaric Laurence propose une partition orchestrale de haute tenue. La bande originale comprend également le titre 'Comptine de Rémi', interprété par les Petits Chanteurs à la Croix de Bois. Il ne s'agit pas de la première collaboration entre Romaric Laurence et Antoine Blossier. Ils se sont rencontrés en 2010 et Romaric avait composé la bande originale de son film 'La traque'.

Le premier enregistrement par Valery Gergiev de l'iconique partition Petrushka de Stravinsky ! Petrushka est l'une des oeuvres les plus célèbres de Stravinsky. C'est le fruit de sa collaboration avec le mécène russe Diaghilev qui a également produit L'Oiseau de feu et le Sacre du printemps. Présentée ici dans sa version originale de 1911, la musique est haute en couleurs. A découvrir sur l'album, un autre bijou moins connu du compositeur : le Jeu de cartes (1937). Ce ballet est né de l'enthousiasme de Stravinsky pour les cartes, en particulier le poker. La musique fantaisiste met l'accent sur le Joker trompeur qui se croit imbattable, grâce à sa capacité de caméléon à devenir n'importe quelle carte... une perle !

Le disque officiel de la Folle Journée de Nantes est une rencontre au sommet sur les chants d’exil de Schubert Balade musicale en compagnie de la pianiste Claire-Marie Le Guay et du violoncelliste François Salque qui rendent hommage à Schubert. Sur le thème du cheminement de l’exil, la paire chambriste met en oeuvre toutes ses qualités d’expression pour donner à des lieds de Schubert, dont le célèbre Wanderer, une lecture instrumentale dans laquelle le violoncelle prend la place de la voix humaine. Avec un choix très raffiné du répertoire, des mélodies éternelles, un romantisme jamais surjoué et une science du son, le duo Marie- Claire Le Guay et François Salque nous livrent le meilleur de Schubert, en partition et en esprit.

Triple lauréat des Victoires de la musique classique entre 2006 et 2011, Bertrand Chamayou est l'un des pianistes français les plus en vue sur la scène internationale. Ses interprétations de deux grands corpus de Franz Liszt, les 12 Études d'exécution transcendante et les Années de pélerinage ainsi que ses récents programmes consacrés à Felix Mendelssohn et César Franck ont recueilli l'approbation de la critique et des amateurs de piano les plus exigeants. C'est dans cette suite que s'inscrit ce nouveau programme de morceaux choisis dans l'oeuvre abondante de Franz Schubert. Une nouvelle fois, la sélection opérée ne laisse aucune place à la facilité avec les deux morceaux de bravoure pianistique que constituent la Fantaisie en ut majeur opus 15, D. 760, dite Wanderer et les trois Klavierstücke, opus posthumes n°1, 2 et 3, D. 946. Par le choix de ces pièces, Bertrand Chamayou se glisse, deux siècles après, dans la peau du compositeur autrichien mort à 31 ans, qui jouait pour ses amis ses nouvelles créations dans des soirées baptisées schubertiades. La grande maîtrise du pianiste, en particulier dans le dernier mouvement Allegro de la Wanderer Fantaisie, est à la hauteur de l'exigeance requise pour son interprétation; Schubert n'annonçait-il pas : C'est le diable qui devrait jouer cela ? Outre ces oeuvres d'une grande difficulté qui surprennent par leur accomplissement doublé d'une lecture personnelle, très assurée, le programme comprend la partition magnifique et connue de Auf dem wasser zu singen (À chanter sur l'eau), D. 774 - dans sa version instrumentale -, et le remarquable Allegretto en ut mineur D. 915, à redécouvrir séance tenante. D'autres miniatures complètent le récital comme un extrait du cycle Die Schöne Mullerin (Der Müller un der Bach), une courte et profonde Litanei D. 343 et deux Ländler D. 790 et D. 366, avant la conclusion sur la charmante valse Kupelwieser Walzer en sol bémol majeur, D. Anh 1/14, absente du catalogue schubertien mais jouée en 1826 et transmise par le temps, notamment par la transcription de Richard Strauss en 1943. Bertrand Chamayou livre en tous points un travail d'expert.

Le nouveau film de George Tillman Jr. La bande originale du film, composée par Dustin O'Halloran, marque un nouveau chapitre sonore chez le compositeur (Breathe In, Lion). Pour traiter ce sujet sensible, il prend le parti de créer une partition évolutive : des douces pièces de piano auxquels se mêlent de lourds violons, il se dirige vers des tonalités électroniques et menaçantes, accompagnant l'évolution émotionnelle de Starr. L'utilisation de synthétiseurs modulaires participe à rendre l'histoire très contemporaine et crée un pont avec les nombreux morceaux hip hop présents dans le film.

Souvenirs de passages à Prague de Gidon Kremer, à l’aube d’une des plus brillantes et singulières carrières de violoniste de notre temps. Alors envoyé dans les ‘pays frères’ par le ministère de la culture soviétique, il doit alors cette relative liberté à l’onction de son maître David Oistrakh dont il illustre l’enseignement par le présent programme. Sa perfection de jeu et de style tout comme sa liberté de parole firent la joie de ses hôtes du glacis soviétique. La présence d’une mini-partition, alors manuscrite, de Alfred Schnittke anticipait déjà sur sa volonté d’illustrer d’autres musiques que celle allant de Bach à Stravinsky, enfin de son exceptionnelle générosité en s’associant à d’autres solistes’ en musique de chambre et petit orchestre. On ré-entend le faux ‘G.B.Guadagnini’ de son grand père qu’il joua dès 1963, instrument ‘patrimonial’ tout autant que le merveilleux Niccoló Amati de 1641 qu’il joue aujourd’hui.

La bande originale du film de Yann Gozlan « Un homme idéal ». Musique originale de Cyrille Aufort Avec : Pierre Niney, Ana Girardot, Thibaut Vinçon, André Marcon Cyrille Aufort, titulaire de plusieurs prix des Conservatoires de Musique de Lyon et de Paris s’est illustré en composant notamment la musique du film de Jacques Perrin et d’Eric Deroo « L’empire du milieu du sud », celle « d’Ombline » de Stéphane Cazès, du film de Nikolaj Arcel « A royal affair » co-composée avec Gabriel Yared, et dernièrement la musique du nouveau film de Luc Jaquet « La Glace et le ciel ». Pour ce thriller « Un homme idéal », Cyrille Aufort a composé une partition symphonique pour orchestre à cordes, ensemble à vents et percussions qui a su traduire au travers de figures répétitives et d’ostinatos l’aspect obsessionnel du personnage, et le destin tragique vers lequel il court inexorablement... Synopsis : Mathieu, 25 ans, aspire depuis toujours à devenir un auteur reconnu. Un rêve qui lui semble inaccessible car malgré tous ses efforts, il n’a jamais réussi à être édité. En attendant, il gagne sa vie en travaillant chez son oncle qui dirige une société de déménagement... Son destin bascule le jour où il tombe par hasard sur le manuscrit d’un vieil homme solitaire qui vient de décéder. Mathieu hésite avant finalement de s’en emparer, et de signer le texte de son nom... Devenu le nouvel espoir le plus en vue de la littérature française, et alors que l’attente autour de son second roman devient chaque jour plus pressante, Mathieu va plonger dans une spirale mensongère et criminelle pour préserver à tout prix son secret...

La bande originale du film de François Ozon Une Nouvelle amie - musique originale de Philippe Rombi. A la suite du décès de sa meilleure amie, Claire (Anaïs Demoustier) fait une profonde dépression, mais une découverte surprenante au sujet du mari (Romain Duris) de son amie va lui redonner goût à la vie. Pour Une Nouvelle amie, Philippe Rombi, le compositeur attitré de François Ozon, signe une nouvelle fois une partition impeccable. Pur mélodiste, Rombi a su, comme pour chacun des films d'Ozon, trouver des thèmes imparables. Romantisme, étrangeté, suspens, mouvement, glamour aussi, tous ces ingrédients ont été réunis par le compositeur pour construire un récit haletant et envoûtant accompagnant le jeu éblouissant des acteurs principaux du film Romain Duris et Anaïs Demoustier.

Sitôt rentrée de sa première visite à Pandorient, le monde merveilleux de la boîte à musique, Nola ne pense qu'à y retourner. Lorsqu'elle repart en cachette, elle tombe en pleine fête nationale ! Tous les habitants sont en liesse, impatients d'assister à la parade du roi Hectorian Ier. Mais une affaire plus urgente appelle Nola et ses amis : Cyprien, le fils du sorcier Anton, est devenu la cible de fréquents rackets. Qui est derrière ces chantages ? Et dans quel but ?Il n'y a pas une minute à perdre, car le danger est bien réel... On en veut au roi !Magie, mystères et merveilleux : la petite musique de Carbone et Gijé continue d'enchanter quiconque l'entend. Cette nouvelle aventure de Nola au pays fantastique de Pandorient dévoile une partition poétique teintée de périlleux secrets. La gravité n'est d'ailleurs jamais très loin : rackets, attentats... Une façon pertinente d'aborder des thèmes actuels et proches de nous.Alors, vous aussi, tournez la clef et faites le grand saut !

Larry B. Max est un des rares spécialistes du département spécial de l'IRS (International Revenue Service), tout-puissant organe de perception des impôts aux Etats-Unis...Lisant les circuits d'évasion et de blanchiment d'argent comme un pianiste virtuose une partition de Mozart, Larry dispose de tous les moyens informatiques nécessaires pour démontrer les liens entre les grosses fortunes et la grande criminalité. L'un des dossiers les plus délicats qu'il a à traiter est celui d'un richissime Juif américain connu pour son engagement dans la récupération des biens confisqués par les nazis. Epluchant les comptes de ce milliardaire, Larry entame une dangereuse remontée aux mystérieuses origines de son immense fortune...

Ces six nouvelles pièces courtes répondront aux envies et aux questionnements des adolescents lecteurs ou acteurs par leurs formes diverses et leurs thématiques fortes, propices à l'identification. Pour un théâtre d'aujourd'hui, qui parle d'aujourd'hui. En blanc de Cécile Cozzolino : une fable grinçante et rythmée où il est question de mariage et de conventions. Les Oiseaux maladroits de Françoise du Chaxel : l'appel du père absent fait remonter les souvenirs à la surface de la mémoire d'un jeune homme perdu. Il était de mai de Federica Iacobelli : cette partition sensible est une déclaration d'amour maternel sur fond d'odeurs, de mafia et de soleil siciliens. Ramassage polaire de Françoise Pillet : ce huis clos à dix-sept personnages dans un bus scolaire est explosif... à bien des égards. Rendez-vous de Marc-Emmanuel Soriano : deux ados découvrent les fourmillements amoureux, mais tentent de s'en détourner. Le tout flanqué d'une petite sœur bavarde. Un monde (qui) s'efface de Naomi Wallace : dans ce monologue, Ali, jeune irakien, est amoureux des colombes et des livres de poésie. En creux, la guerre d'Irak et une culture effacée.