River : The Joni Letters est l'hommage d'Herbie Hancock à Joni Mitchell. Herbie Hancock (piano), Wayne Shorter (saxophones soprano et ténor), Dave Holland (contrebasse), Vinnie Colaiuta (batterie), Lionel Loueke (guitare). Produit et arrangé par Larry Klein and Herbie Hancock. Avec Norah Jones, Joni Mitchell, Tina Turner, Feist, Luciana Souza, Leonard Cohen et Corinne Bailey Rae. Le quintet de Miles, les années Blue Note, Head Hunters, Rock-it, Jazzmatazz.... Herbie Hancock a traversé les époques et les courants musicaux en laissant derrière lui des chefs d'oeuvres intemporels. Vénéré par les amateurs de funk, de soul, de hip hop ou de jazz il est aujourd'hui une véritable légende vivante. Joni Mitchel est considérée comme une des plus grandes folk singer contemporaine. La beauté de ses textes et la richesse harmonique de ses musiques ont séduit bon nombre d'artistes comme Björk, Caetano Veloso, Elvis Costello, Prince, Wayne Shorter, Brad Meldhau (qui lui ont rendus un hommage discographique en ce début d'année). Joni Mitchell et Herbie Hancock tout comme Miles Davis, Wayne Shorter, Pablo Picasso et d'autres grands artistes de notre temps, partagent un besoin incessant et profond de création. Ils ont toujours eu le désir et le besoin d'innover à chaque note. Ce disque en est la preuve.

1960 : le saxophoniste fétiche de Thelonious Monk dans son plus bel album en tant que leader avec Billy Gardner (piano), Peck Morrison (Contrebasse) et Dave Bailey (batterie).

En 1967, McCoy Tyner est toujours sous le choc de ses années passées dans le quartette de John Coltrane. Cet album solo (où il s’entoure de Joe Henderson au saxo, Ron Carter à la contrebasse et retrouve son vieux compagnon Elvin Jones à la batterie) semble du coup largement imbibé de cette influence déterminante. Mais les rôles ont changé. De distributeur de ballons (Tyner joue libero dans l’équipe Coltrane), le pianiste devient attaquant et lance désormais de fulgurantes envolées, en maître incontesté du jeu. Flamboyant.

Accompagné par un trio impeccable (Albert Dailey, piano; Clint Houston, contrebasse; Billy Hart, batterie), Stan Getz revient au jazz pur. De belles envolées lyriques (Lover Man, Invitation) auxquelles on ne peut résister.

Cet album enregistré en 1957, injustement négligé pendant des années, témoigne de l’exceptionnel talent de l’immense pianiste bebop. Entre swing intense et émotion palpable il excelle ici aussi bien dans les standards que les compositions originales. Il est admirablement accompagné par George Duvivier (contrebasse) et Art Taylor (batterie).

Le plus debussien des pianistes de jazz a enregistré cet album intégralement consacré à ses propres compositions. Au piano acoustique ou électrique, il est ici accompagné par Eddie Gomez à la contrebasse et Marty Morell à la batterie. Il nous régale de quelques magnifiques versions de Waltz For Debbie, Funkarello...

Le plus debussien des pianistes de jazz a enregistré cet album intégralement consacré à ses propres compositions. Au piano acoustique ou électrique, il est ici accompagné par Eddie Gomez à la contrebasse et Marty Morell à la batterie. Il nous régale de quelques magnifiques versions de Waltz For Debbie, Funkarello...

Cet album enregistré en 1956 témoigne de l’exceptionnel talent du plus grand pianiste bebop. Entre swing intense et émotion palpable, il excelle ici aussi bien dans les standards que les compositions originales. Il est admirablement accompagné par George Duvivier (contrebasse) et Art Taylor (batterie).

Chiffon de polissage MusicNomad pour violon, violoncelle, contrebasse, etc. Conservez ou retrouvez l'aspect originel de votre violon, alto, violoncelle ou contrebasse grâce à ce chiffon en microfibre. Contenant 90 000 fibres par pouce carré (c'est beaucoup), ce tissu ne bouloche pas et sa conception sans ourlet permet d'ôter crasse et poussières sans risque de rayer votre instrument. Associé aux produits de nettoyage Music Nomad, ce chiffon vous garantit un nettoyage sûr et performant. Tous les produits de nettoyage sont fabriqués aux États-Unis et utilisent autant que possible des produits d'origine naturelle dans un soucis de préservation de l'environnement.

Cet album a été inspiré par le roman Papillon d'Henri Charrière, vendu à plus d’1 million d’exemplaires : Sanseverino revisite ainsi l'histoire de ce prisonnier accusé en 1931 d'un meurtre qu'il affirme ne pas avoir commis. L’histoire a également inspiré Franklin Schaffner qui l’a adaptée au cinéma réunissant Steve McQueen et Dustin Hoffman à l’écran. Ce nouvel enregistrement retrace donc l’histoire d’un caïd montmartrois injustement accusé de meurtre et envoyé au bagne. Papillon sera accompagné de la sortie d’une bande dessinée directement liée à l’histoire contée dans l’album. C’est un karaoké littéraire, dit le chanteur. La recette est simple : un chapitre, une chanson ! Sanseverino commence son récit en 1931, au procès d’assises au cours duquel l'accusé Papillon est envoyé au bagne, et le termine en 1944 lorsqu’il réussit sa dernière évasion. J’ai écrit l’album dans l’ordre du livre et il s’écoute donc dans l’ordre de composition. Au départ, je savais seulement quel son je voulais entendre. Dès qu’il a posé devant lui le roman et empoigné sa guitare, Sanseverino savait où il allait : Papillon serait un album bluegrass, résolument acoustique et virtuose, nourri des années de compagnonnage avec des musiciens d’exception - Christophe Cravero au violon alto, Christian Seguret à la mandoline et au violon, Jean-Marc Delon au banjo, Jidé Jouannic à la contrebasse, renforcés par Lionel Suarez à l’accordéon et Xa Mesa aux percussions.

Pendant 10 ans les membres des 2 formations se sont croisés régulièrement, ont collaboré, s’enrichissant mutuellement. C’est à l’issue de l’une de ces réunions, sur l’album Adiu Miladiu du Bal Brotto Lopez, qu’en 2016 ils décident de franchir le pas. Une tournée réunissant les deux univers voit le jour dans la foulée. Quercy-Pontoise. Difficile de trouver meilleur nom pour l’album enregistré en public cet été là. Simple boutade du chanteur des Ogres, pour présenter à la fois l’origine francilienne de sa fratrie et celle de ses confrères du sud, nous dit-on ? Pas si sûr. Car, on comprend dès la première piste, que d’un côté comme de l’autre, on prend l’affaire très au sérieux. Les Ogres, fidèles à leurs principes d’ouverture sur le monde, intègrent parfaitement à leur répertoire les sonorités et les lettres du bal occitan. Ainsi, Vous m’emmerdez !, de leur album éponyme, devient Que m’emmerdatz !. Ils adoptent les codes jusqu’à chanter dans la langue des troubadours avec un travail remarquable de prononciation. L’alternance des voix de Fred Burguière et de Guillaume Lopez, l’équilibre entre les compositions issues des 2 formations dans le choix des titres et le même attachement à la qualité des textes réconcilient Oïl et Oc. Même Allain Leprest s’en trouve occitanisé, avec sa chanson C’est peut-être, adaptée dans les deux langues. Autre témoin de cette concorde, Mon pays, co-écrite par les six musiciens de l’ensemble, rapproche avec humour les chauvinismes parisiens et gascons dans une valse populaire. Populaire et résolument festif : voilà les caractéristiques des 2 univers qui expliquent que le mariage fonctionne si bien. L’opus, tourné d’abord vers le public, fait la part belle aux tempos rapides, où s’expriment toute la virtuosité des instrumentistes et leur goût pour les mélodies d’inspiration traditionnelle. Parfois soutenues -car avec les Ogres le rock n’est jamais très loin - par la saturation d’une guitare. Tous ces musiciens sont des multi-instrumentistes. Trombone, scie musicale, contrebasse, soubassophone, piano... le large instrumentarium dont ils disposent permet d’explorer au long des 12 morceaux du disque une palette sonore exceptionnellement riche. Ce projet des soeurs et frères Burguière et du duo Cyrille Brotto et Guillaume Lopez s’avère donc être propice à la danse et autres réjouissances. Sans jamais perdre de vue la possibilité de laisser une place à des copains de passage. C’est le cas de la dernière plage de l’album, Lo pont de Nantas / Amazone, qui accueille les chanteurs languedociens Aqueles et la violoniste Alexandra Lacouchie. Donner de l’espace aux autres, cette qualité rare chez les musiciens, commune aux membres du bal de Quercy Pontoise ne s’explique pas. C’est l’envie de partage qui les réunit tous sur la même scène.

Le silence de l'exode Yom propose une traversée hypnotique d'un ailleurs mystique, à la croisée des musiques juives, orientales et moyen-orientales. Exceptionnel improvisateur et compositeur, Yom se revendique comme un nomade à l'intérieur de sa propre musique. Sa clarinette converse avec le violoncelle oriental, les percussions iraniennes, la contrebasse, chacun venant confronter ses traditions musicales à l'autre. Back to the Klezmer Yom poursuit ici la recherche ses origines plurielles  : se ressourcer à la racine et au berceau originel de la musique Klezmer, entre Turquie, Hongrie, Roumanie et Serbie. Un retour en quartet, avec Maxime Zampieri au tapan, Benoît Giffard au trombone et au tuba, et le Franco-Serbe Dario Ivkovic à l'accordéon.

Intégralité du concert donné au festival de Baalbeck (Liban) durant l'été 2003 par le trio composé de Ahmad Jamal (piano), James Cammack (contrebasse) et Idris Muhammad (batterie). En bonus interview de 20 mn de Ahmad Jamal et discographie complète.

Un album ingénieux et surprenant, pour jouer avec les mots et leur musique, de 5 à 105 ans ! Un oiseau joue de la flûte à bec, un ogre barbare mange un orgue de barbarie, un hautbois jouxte une contrebasse dans cet inventaire loufoque des instruments et de leur musique.

120 mots illustrés pour ne plus les confondre. Comment faire la différence entre une mandarine et une clémentine ? Qu'est-ce qui distingue un violoncelle d'une contrebasse ? Et le hibou, n'en a-t-il pas assez d'être pris pour une chouette ? Quelle est la nuance entre entendre et écouter ? Pour éviter ces confusions — et bien d'autres —, Sandrine Campese a imaginé de jolis dessins accompagnés de phrases mnémotechniques. A la fois instructifs, drôles et poétiques, ils invitent le jeune lecteur à utiliser le mot juste. Chaque dessin est enrichi d'explications pédagogiques et ludiques pour tout savoir sur ces faux jumeaux. Au-delà de l'aide apportée aux enfants dans leur apprentissage du vocabulaire, voici une nouvelle façon de jouer avec les mots et de donner le goût d'apprendre.

Groupe vocal et instrumental. Influences Punk, java-jazzy, rock-musette et kleizmer Membres : Bastien, Christophe, guitare, chant. Ermolieff, Cédric, batterie. Lovti, William, contrebasse. Mimoun, Simon, violon, chant. Sassigneux, Romain, clarinette. Sulpice, Olivier, banjo

La fausse d'orchestre fait de la musique avec un violoncelle, une contrebasse, une guitare sèche, une explosion, un banjo, un saxophone baryton, alto et soprano, une clarinette, une clarinette basse, une voiture, un cours de tennis, une timbale symphonique Belge de cavalerie, une sirène de police, des marées noires, des appeaux (de mouettes), une flûte traversière, une trompette, des ballons, un bugle, des percussions, un collier de chien, un sampleur, des appeaux et du chant à texte sans parole mais avec histoires, comme un cinema muet annonçant la venue des cartoons au cinéma. De la musique nourrie des vies de chacun, de la musique comme on veut et surtout comme on l'entend. Les influences sont donc multiples et assumées vu que la moyenne d'âge dépasse largement celle du moindre groupe de rock revendicatif, espèce en voie de disparition. Si nous utilisons parfois des appeaux, notre exigence n'a rien à voir avec celle d'un chasseur. Elle est, je dirai, bien plus élevée puisqu'il s'agit pour nous, non pas d'attraper la mort pour l'assiette, mais plutôt de fédérer un public autour d'une mémoire commune.. Notre but, il est vrai, ressemble à celui du chasseur, puisqu'il est de se retrouver, après le spectacle, à table, avec des convives, histoire de déguster par exemple, un plat de Langoustine voire de lièvre plombé.

LE QUATUOR MANOUCHE TZIGANE QUI DÉPASSE LES FRONTIÈRES - LA «FOLIE» SAMARABALOUF Bientôt 20 ans que les compositions du guitariste François Petit se promènent à travers le monde, toujours à la frontière des musiques tziganes et manouches. C’est désormais un violon et un violoncelle qui remplacent la fameuse « pompe manouche » de la guitare rythmique, avec toujours la « bonne vieille » contrebasse pour porter le tout. À eux quatre, ça pince, ça frotte, ça percute, ça s’envole avec toujours le même esprit fougueux et la même envie de partager. Musiques de l’Est, du Nord, du Sud, parfois rock, country, parfois lyrique et bien plus encore. Samarabalouf vous « UP » à travers sa « French World Music». 16 morceaux enregistrés au Vintage Studio, avec la crème des micros à lampe... Toujours cette base manouche et tzigane, qui dépasse de plus en plus les frontières...rumba, java, country, irlandais... 16 morceaux et 1 voyage en musique... entre la tradition du quatuor à cordes du 18e et le trio manouche... C'est désormais un violon et un violoncelle qui remplacent la fameuse pompe manouche... Musique à rêver, à danser, à rire, à s’émouvoir... avec ce 4e album studio, Samarabalouf vous propose un de ses plus grands voyages... « SWING IRRÉPROCHABLE ET COMPOSITIONS ACCROCHEUSES POUR CE GROUPE MAJEUR DE CETTE SCÈNE JAZZ SANS FRONTIÈRES. » Les Inrocks « NOUS SOMMES TOUS FOUS DE SAMARABALOUF » Télérama.fr

Guylain Deppe est un formidable pianiste qui cultive une riche palette sonore personnelle et une approche particulièrement originale de l'arrangement et de la composition. Ses influences classiques, très présentes, mais jamais envahissantes, insufflent une écriture parfaitement homogène. Il y a dans cet album un sens développé de l'improvisation interactive et une très forte expressivité, baignée de quelques empreintes parfaitement assimilées - comme les premiers enregistrements de Keith Jarrett sur ECM - ainsi qu'une admiration et une parfaite absorption des albums de la maturité, du pianiste Chick Corea. Pour arriver à ses fins Guylain s'est octroyé les services de Marc-Michel Le Bévillon à la contrebasse et de Stéphane Huchard à la batterie qui l'accompagnent au fil des duos et trios de l'album.

Laurent Coulondre, la nouvelle sensation du piano hexagonal, rend hommage à l un des musiciens qui a le plus marqué son parcours de musicien et de jazzman : Michel Petrucciani. Pour être à la hauteur du 20ème anniversaire de la disparition de ce géant et de cette sublime harmonie intergénérationnelle voguant entre modernité et tradition que Michel Petrucciani promouvait, Laurent Coulondre s entoure de Jérémy Bruyère (basse et contrebasse) et d André Ceccarelli (batterie) pour faire revivre le répertoire du pianiste de légende, et nous montre s il en était besoin que le jazz est un langage qu il maîtrise de mains de maître. La nouvelle sensation du piano hexagonal --Radio france Au delà de ses qualités de virtuosité et musicalité, c est son sens du groove qui frappe d emblée et son attaque de la note fait mouche à chaque fois --Jazz magazine Laurent Coulondre mêle invention et séduction, brasse couleurs et sonorités avec jubilation et ne se laisse jamais dépasser par sa propre virtuosité --Jazz magazine

Le pianiste coréen Heo Daeuk est né dans une famille de musiciens et a, au cours de sa jeunesse, vécu six ans en Europe où il est devenu un grand admirateur de Ravel et Debussy. Il a également découvert, en les étudiant, les passerelles existantes entre leur musique et le jazz. Après un premier album de jazz moderne sorti en Corée, Heo, accompagné des excellents Alexis Coutureau à la contrebasse et Kevin Lucchetti à la batterie, nous propose dans Sherpa des compositions originales exprimant de façon délicate et subtile la fusion du jazz et de l'Asie. A noter la présence lumineuse sur un titre de la chanteuse Youn Sun Nah, qui soutient le jeune pianiste...

Four (Acts of Love) est un album contemplatif et romantique - il fait ressurgir nos épreuves du moment et prend place dans notre univers. Cet opus est un cycle de chansons, divisé en 3 actes. On trouve sur l’album des compositions originales de Mick Harvey ainsi qu’une chanson de son collabarotaeur de longue date PJ Harvey (« Glorious ») et des interprétations de « The Story of Love » de The Saints, de « The Way Young Lovers Do » de Van Morrison, de « Summertime in New York » d’Exuma et de « Wild Hearts (Run Out of Time) » de Roy Orbison. Four (Acts of Love) est le sixième album studio solo de Mick Harvey et sort à la suite de Sketches from the Book of the Dead paru en 2011. Harvey, reconnu pour sa carrière avec The Birthday Party et Nick Cave & The Bad Seeds, est également réputé pour ses bandes originales (Chopper, To Have And To Hold, Australian Rules) et son travail de production (Anita Lane, Rowland S Howard et plus récemment l’album de PJ Harvey, Let England Shake, qui a gagné le prix Mercury). Four (Act of Love) a été enregistré à Melbourne dans les studios Grace Lane et Atlantis Sound. Rosie Westbrook à la contrebasse et JP Shilo à la guitare et au violon sont présents sur l’album.

Flamboyance et délicatesse pour ce nouvel album du Kora Jazz Trio réalisé par Eric Legnini. Malgré d'évidents liens historiques entre le jazz et la musique traditionnelle africaine, peu de projets réussissent la fusion de ces musiques... Pionnier du genre, le Kora Jazz Trio revient avec un 6ème album réalisé par l'éclectique Eric Legnini. Celui-ci sublime les compositions du pianiste Abdoulaye Diabaté, ainsi que les très belles interprétations des standards que sont Via Con me de Paolo Conté, Sodade immortalisé par Cesaria évora et Moanin' des Jazz Messengers d'Art Blakey. Pour ce Part IV du Kora Jazz Trio, la Kora a été confiée à un habitué de toutes les rencontres musicales, Chérif Soumano (Dee Dee Bridgewater, Tiken Jah Fakoli, World Kora Trio...), et pour mettre en beauté le répertoire s'ajoutent selon les titres le chant de Woz Kali, la contrebasse de Manu Marches, les percussions de Boris Caicedo, le balafon d'Adama Condé et la guitare d'Hervé Morisot (Sodade).

Premier disque réalisé à partir de mes compositions et mon univers. Cet album explore différentes facettes de mon imaginaire avec tantôt un saxophone lyrique, parfois rythmique ou juste traité comme un instrument de percussion. Les couleurs de ces pièces sont jalonnées de références musicales et culturelles. En tant qu'interprète ces compositions sont aussi le reflet d'un aboutissement musical et technique qui met en valeur la modernité du saxophone avec différents styles, influences. De la sonate au solo, en passant par un quarter mixte avec batterie, contrebasse, piano et saxophone, ce programme vous fera redécouvrir les capacités mélodiques et rythmiques de la création d'Adolphe SAX.

La musicalité naturelle d'un trio portée par l'un des plus grands pianistes du jazz européen, Giovanni Mirabassi Giovanni Mirabassi, le plus français des pianistes de jazz italiens, est un musicien singulier. Autodidacte surdoué il a réussi à créer un style personnel qui se nourrit de grands aînés, Keith Jarrett et Bill Evans. Sur ce disque aux accents nostalgiques, on retrouve la poésie de son jeu en trio avec deux musiciens qui partagent depuis plusieurs années avec lui une aventure musicale inspirée, Gianluca Renzi à la contrebasse et Lukmil Perez Herrera à la batterie. Des ballades lyriques comme Quasi Quasi au swing redoutable de La mélodie du Désastre, l'album démontre qu'avec son jeu très confiant et une imagination sans frontière, Giovanni Mirabassi est bien l'un des grands pianistes du jazz européen.

Chef d’orchestre mythique, Karel Sejna succéda en 1950 à Rafael Kubelík, à la tête de la Philharmonie Tchèque : un hommage justifié, dans une restauration sonore idéale Karel Sejna n’est guère connu en Occident : il a été pendant plusieurs années le contrebasse solo de la Philharmonie Tchèque avant d’en devenir le directeur musical, élu par ses pairs à la suite du départ vers l’Ouest de Raphaël Kubelik. Il s’inscrit dans l’héritage de Vacláv Talich et demeure une référence dans l’interprétation de Dvorák, puis de Mahler. L’inaccoutumé couplage des Symphonies N° 5 & 6 de Dvorak est proche d’une suite symphonique tchèque : dans le sillage de Beethoven et Brahms, les deux oeuvres s’imposèrent à Prague, Leipzig et Londres, mais non à la Philharmonie de Vienne, pourtant commanditaire de la symphonie N°6.

Premier album pour ce duo qui, après avoir grandi dans l'ouest de la France, vise désormais une renommée nationale. Ella/Foy, c'est Hélène au chant, à la guitare et au ukulélé, et Romain à la contrebasse, aux percussions et aux guitares; et tous les deux composent et écrivent en français et en anglais de belles ballades acoustiques d'un folk élégant et mélancolique, alternant avec des blues et des chansons plus électriques. La délicatesse des mélodies, le timbre de voix légèrement voilé d'Hélène et l'habillage plein de finesse des morceaux, notamment avec la contrebasse jouée à l'archet, l'harmonica et des choeurs subtilement distillés, font de l'écoute de Walking in the Space un beau moment de bonheur apaisé...

Une entente télépathique entre deux musiciens phares de la scène jazz française, entourés d’un casting de haut vol Après 15 ans de complicité et de concerts partagés au sein du Quartet d’Yves Rousseau et quatre albums réalisés ensemble (Fées et gestes, Sarsara, Poète, vos papiers! et Akasha) Yves Rousseau et Christophe Marguet se sont associés pour écrire la musique de ce nouveau projet. Le tandem contrebasse-batterie convie le piano acoustique et électrique, la guitare électrique et la trompette pour se confronter à une instrumentation nouvelle et créer un quintet inédit. Cette nouvelle rencontre entre ces deux musiciens et compositeurs reflète l’envie de mettre en commun leurs deux univers respectifs, de les confronter et de les enrichir mutuellement. Ils ont pour cela apporté chacun six pièces qui nous offrent une musique fraîche et lisible, électrique tout autant qu’acoustique, retrouvant la puissance d’évocation du jazz, le son et la danse, et la liberté...

Le quatrième album du pianiste et enfant prodige Indonésien A 14 ans, Joey Alexander fait un grand pas en avant avec la sortie de son quatrième album, Eclipse, illustrant l’évolution impressionnante du jeune pianiste. Un nouvel album sophistiqué qui met en scène une section rythmique de haut niveau, composée de Reuben Rogers (contrebasse) et Eric Harland (batterie), augmentée sur trois morceaux du saxophoniste Joshua Redman. Enregistré à Woodstock le 21 août 2017, le jour de la dernière éclipse totale du soleil, Eclipse s’est construit autour de cette pièce centrale du même nom, longue de plus de dix minutes. Une expression spontanée issue de l’observation de cet événement astronomique rare qui symbolise le mouvement de Joey Alexander vers une liberté nouvelle, tant musicalement que personnellement. Eclipse inclut 6 compositions originales, des réinterpréations de morceaux iconiques de John Coltrane, Bill Evans, une version solo du Blackbird des Beatles...

Deux décennies et quelques 2000 concerts après un album sorti en 1999, Debout Sur Le Zinc court toujours. Et ses refrains avec, oscillant docilement entre les bras câlins de la chanson et du rock anglo-saxon. Avec ce 9e album « Eldorado(s) », enregistré au studio Ferber (Paris), Debout Sur Le Zinc a multiplié les révolutions intimes. Idéal pour un nouveau départ. Une nouvelle feuille blanche au livre jamais achevé. Pour preuve : la fin des pochettes dessinées, un nouveau manager ou encore le départ de deux membres (Christophe, guitare rythmique et chant; William, contrebasse) remplacés par Thomas et - première présence féminine - Marie. En studio ? Edith Fambuena (Alain Bashung, Etienne Daho, Miossec) à la réalisation; Antoine Gaillet (Mademoiselle K, Julien Doré, M83) au mixage. Ou comment agir sur la forme pour influer le fond. Le résultat est un album tout en nuances, refusant les partis pris caricaturaux. Textes moins intimes mais plus ouverts / universels; ton plus joyeux mais avec chutes pourtant pessimistes; tempo plus soutenu mais sauvegardant quelques ballades; enregistrement studieux mais concerts festifs; album enregistré live mais réel soin apporté à la post-production; ou encore attelage historique / nouveaux membres mais même unité sonore. Dans toute fête, une réalité sociale. Miroir de la société, DSLZ ne peut renvoyer qu'une image complexe plutôt qu'un avis contrasté. Maintenant, après plus de 3 ans d'attente, c'est la boule au ventre et la foule en tête que le groupe remonte sur le ring !

Avec Smash, l'album qui marque ses débuts sur le label Concord Jazz, Patricia Barber assoie sa position unique dans le jazz moderne, étant à la fois une pianiste imaginative, une chanteuse surprenante et une compositrice qui innove. Avec une nouvelle équipe (son quartet de Chicago avec Larry Kohut à la contrebasse, Jon Deitemyer à la batterie et John Kregor aux guitares) et une douzaine de nouveaux titres, elle poursuit également sa croisade de deux décennies : reconquérir le terrain que des musiciens de jazz ont cédé depuis longtemps aux musiques rock et pop, à savoir, le royaume des auteurscompositeurs intelligents et engagés. Barber se distingue de ses contemporaines par la maturité du son qu'elle déploie.

Bien après l'âge du bronze véritable, un alliage nouveau est né des fonderies ligériennes : c'est le romantisme assemblé à l'after beat, les hurlements mariés à la virtuosité, le premier chant du diable soudé au rythme infernal. The Mallet-Horn Jazz Band n'invente pas de nouvel instrument, il invente un nouvel assemblage, une nouvelle sonorité née d'instruments dont l'origine se perd au fond des âges : un marimba, un vibraphone, une contrebasse, une batterie et... une horde de cors d'harmonie menée par son Maître Arkady Schilkloper. Il ne bouleverse pas le répertoire du jazz et du Big Band, il le revisite, le tord, le crie, le susurre... Ainsi, de cet ensemble, vous connaissiez déjà tout, mais vous n'avez jamais entendu cela : une section rythmique ciselée, brillante, des talents de Mogan Cornebert (batterie) et Ivan Gélugne (contrebasse à cordes), sertie de deux claviers forgés dans un métal rare : Benoit Lavollée (vibraphone) et Renaud Détruit (vibraphone), liés par les griffes des cors au spectre de couleurs, de nuances et d'ambigus si étendu. Une parure extravagante pour un répertoire de standards et de créations.

Nouvelle sortie sur WONDERFULSOUND. Les origines de ce projet sont profondément ancrées dans l'homme qui a rassemblé The Hi-Fires, l'incroyable batteur Rupert Brown. Sa carrière de percussionniste lui a permis de travailler parmi des icônes telles que Roy Ayers... Avec The Hi-Fires, son interprétation du hip-hop est libre, mais ses productions et ses arrangements entraînent chaque morceau à travers les continents de ses expériences. Le disque est établi dans un monde exotique de Kung Fu français''. C'est comme s'il crée la bande son d'un film à petit budget tourné à La Havane, Cuba. Il existe une instrumentation de cuivres exotiques inspirée du jazz et du hip-hop, mélangée avec des sonorités africaines. La musique de l'album est diverse : la scène de Bristol des années 90, un featuring avec Tallulah Smith, actrice et chef de choeur, ainsi que la chanteuse Séverine Mouletin se mêlent à des rythmes plus étouffés... On retrouve l'influence indéniable de Stereolab, sans les penchants plus obscurs. L'attitude est légère. Peut-être qu'elle s'explique par le calibre des musiciens impliqués. Joueur de sax et flûte de Terry Callier depuis 25 ans, Gary Plumley est ici au saxophone, flûtes, clarinette baryton (il est co-conspirateur, co-producteur et auteur de la moitié du disque) et partage une grande partie de la section des vents avec Andrew Norman, qui lui joue de la trompette. Le formidable et généreux fournisseur de basses fréquences, Rafe Spencer, ancre les rythmes avec sa contrebasse.

Loco Cello c'est l'aboutissement de 10 ans d'entente et d'échanges artistiques entre François Salque et Samuel Strouk. Partis à la recherche d'une nouvelle esthétique, au croisement de la musique classique et du jazz à cordes, ils ont choisi de s'entourer du brillant guitariste de jazz manouche Adrien Moignard et de son fidèle compagnon de route Jérémie Arranger à la contrebasse. Ils ont ainsi créé un quartet soudé et inédit capable de repousser les frontières entre écriture et improvisation, entre musique de chambre et jazz. S'inspirant librement du grand répertoire comme de musiques traditionnelles, Loco Cello propose un répertoire nouveau basé sur des compositions de Samuel Strouk comme sur des arrangements originaux d'oeuvres classiques. Le quartet Loco Cello passe de Felix Mendelsohnn à Django Reinhardt avec une souplesse déconcertante tout en conservant ce son original qui le caractérise. Ces années de scène et de recherches communes ont donné lieu à une musique ou la complicité et la maîtrise sont les maîtres mots. Le groupe est composé de deux guitares, un violoncelle et une contrebasse et réuni des solistes de renoms très identifiés par un public qui les suit depuis de nombreuses années.

A l’occasion de sa nouvelle production Blue Note, cet exceptionnel enregistrement public qu’est 'Passin’ Thru', Lloyd se présente à la tête de son New Quartet composé du pianiste Jason Moran, de Rogers à la contrebasse et de Harland à la batterie, un groupe chaleureux regorgeant d’intuitivité et proposant une musique tour à tour contemplative et enjouée. Tout au long de sa glorieuse carrière le saxophoniste, flûtiste, compositeur et grand mystique du jazz Charles Lloyd aura décliné sa musique à travers une myriade de formations aux configurations orchestrales extrêmement variées. Produit par Lloyd et Dorothy Darr, cet album regroupe sept compositions de Lloyd couvrant un large spectre de styles et d’humeur — du thème-titre plein de swing et de vie (enregistré la première fois en 1963 quand le saxophoniste était encore membre du Chico Hamilton Quintet) à la toute nouvelle pièce 'Shiva Prayer' sobre et nostalgique, écrite en l’honneur d’une amie chère à qui l’album est dédié.

Charles Lloyd a souvent dirigé des orchestres d'exception, et celui-ci est peut-être l'un de ses tous meilleurs. Après un premier disque live Rabo de Nube (à la fois prix des critiques et prix des lecteurs du magazine Jazz Time), voici donc un album studio de ce même quartet réunissant Jason Moran, Reuben Rogers et Eric Harland. Cette séance présente des thèmes familiers réinvestis et subtilement métamorphosés. On y trouve des nouvelles versions de Desolation Sound, Go Down Moses, Lift Every Voice, et The Water is Wide mais aussi deux superbes reprises de Thelonious Monk, Ruby My Dear et Monks Mood ainsi qu'une magnifique version très libre de la chanson des Beach Boys Caroline No. L'interaction remarquable de fluidité entre le piano, la contrebasse et la batterie crée une sorte de paysage mouvant au-dessus duquel le chant des saxophones de Lloyd flotte avec poésie.

Keith Jarrett piano Gary Peacock contrebasse Jack DeJohnette batterie L'année 2001 fut une année exceptionnelle pour le trio de Keith Jarrett : trois albums live enregistrés au cours de cette année - The Out-of-Towner, Always Let Me Go, My Foolish Heart - sont déjà parus sur ECM. Yesterdays, enregistré au Metropolitan Festival Hall de Tokyo est un quatrième opus. Le programme est composé de standards avec une forte emphase be-bop, avec notamment Scrapple From the Apple de Charlie Parler, Shaw Nuff de Parker et Gillespie, Strollin de Horace Silver. Y figure également un moment grisant de ragtime avec le You Took Advantage Of Me et de belles ballades incluant Yesterdays et Smoke Gets in Your Eyes toutes deux écrites par Jérome Kern. En bonus, l'album se termine sur une version éclatante de Stella by Starlight captée en répétition alors que Jarrett, Peacock et DeJohnette ne la jouaient que par pur plaisir.

The Creepshow est sans doute l'un des meilleurs groupes Punkabilly au monde (avec The Peacocks disons, et The Grit). L'apport du clavier dans leur son, confère une originalité certaine et un côté assez intigrant à la manière de films d'horreur, comme si leur Psychobilly avait été enregistré dans une cathédrale accompagné d' un orgue colossal en fond sonore. La deuxième originalité est sans conteste d'avoir une chanteuse et non un chanteur au sein du groupe, The Creepshow apparaît ainsi comme une alternative d'emblée intéressante. Les onze titres qui ornent l'album sont tous d'excellente qualité et ont de quoi satisfaire les amateurs de rock'n'roll rétro comme les punks à crête pas trop sectaires. Le son de contrebasse et les choeurs sont omniprésents. Le clavier qui vient se poser sporadiquement, apporte un côté lugubre à l'ensemble tout en le rendant moins sec, plus travaillé, et mieux produit. The Creepshow est donc un grand groupe, avec un son qui lui est propre, une vraie élégance, une voix irréprochable - They All Fall Down est un album chaudement recommandable.

Si toutes les compositions, totalement inédites, sont l'oeuvre de Gustavsen, ce disque met particulièrement en valeur la cohésion d'un quartet qui désormais fait corps, mais aussi la forte personnalité du saxophoniste Tore Brunborg dont le style conjugue une grande inventivité mélodique, une certaine mélancolie nordique et une sonorité résolument bluesy. Toujours aussi délicat mais très soutenu par les rythmes raffinés de la batterie de Jarle Vespestad et de la contrebasse de Mats Eilertsen, le piano de Gustavsen, subtilement teinté de gospel, distille son charme coutumier au caractère à la fois tranquille, tendre et chaleureux.

Le programme vedette de Richard Galliano Plus de 300 concerts en 3 ans ! Un line up d'enfer : Richard Galliano Tangaria Quartet Richard Galliano Accordéon Alexis Cardenas Violon Philippe Aerts Contrebasse Rafaël Mejias Percussions Invité : Hamilton de Holanda Mandoline

Steve HACKETT, c'est un peu pour une certaine catégorie de fans de GENESIS l'artiste exemplaire. Ce nouvel opus studio de Steve Hackett fait suite à Wild Orchids sorti en 2006. Enregistré dans son living avec l'aide de son claviériste Roger King, l'album est plus sombre que le précédent. Les ambiances y sont volontairement plus lancinantes. L'ancien guitariste de Genesis a invité quelques copains. Il y a par exemple Anthony Phillips à la guitare douze cordes. A la basse, on trouve un certain Chris Squire (Yes). A noter également la présence de Rob Townsend au saxo, John Hackett à la flûte, mais aussi Nick Beggs à la basse, Dick Driver à la contrebasse, Ferenc Kovacs et Christine Townsend aux violons, ainsi que Lauren King, Amanda Lehmann et Jo Lehmann aux choeurs.

Initialement sorti en 2007, cet album a marqué les esprits. En plus d'attirer l'attention des Djs, bloggeurs et critiques, il a été nominé aux Mercury Music Prize en 2008 et a remporté de nombreuses distinctions. Après le succès d'Isla en avril 2010 et une tournée aux quatre coins du globe, le groupe présente enfin la version remastérisée par John Leckie de ce fameux disque, incluant trois nouveaux morceaux live. Âgés tous les quatre d'une vingtaine d'années, les musiciens se décrivent comme un groupe « indie-rock ». Boucles, lignes de saxophone aériennes, ce fameux hang qui semble venu d'ailleurs, les cliquetis subtiles de la batterie, la force de la contrebasse épurée et la combinaison unique de leur instrumentation donnent à leur musique un son inimitable. Elle fait référence au jazz, à la musique africaine, mais ce sont les phrases répétitives de cet instrument au look rétro-futuriste avec une couleur de transe planante, qui les propulsent vers des univers évoquant Philip Glass et Steve Reich, mais aussi Radiohead ou la « scandinavian touch » du trio E.S.T.

Un duo entre tradition et modernité... Si la musique arabe est un arbre aux multiples ramifica tions, l’un de ses branchages s’appelle Sabîl. Mais au duo oud-percussions formé par Ahmad Al Khatib et Youssef Hbeisch s’adjoindront cette fois deux invités qui, à la contrebasse et au buzuq, participent à ce projet tout en légèreté. Car Zabad, c’est « l’écume des nuits », une musique tantôt contemplative, tantôt dansante; compostiton et technique puisent dans la tradition pour engendrer l’innovation, avec la curiosité confiante de celui qui s'abandonne aux mouvements du monde. Jeunes maîtres de la tradition orientale, invités des plus grands festivals de musique du monde, Ahmad et Youssef nous font découvrir les rythmiques insensées et les maquâmât délicats de cette culture musicale parmi les plus raffinées.

Nouvel album du groupe culte anglais AND ALSO THE TREES, When The Rains Come propose une relecture et une exploration de l'ensemble de son répertoire à travers 14 titres (enregistrés initialement entre 1985 et 2007), avec une formation totalement acoustique, organisée autour de la contrebasse de IAN JENKKINS, de la guitare de JUSTIN JONES et de la voix de SIMON JONES. Les interventions ponctuelles d'un accordéon, d'un violoncelle et d'un mélodica confèrent à l'ensemble d'infinies variations en clair-obscur autrefois dévolues à la seule guitare de Justin Jones. When The Rains Come est aussi le titre d'un nouveau morceau, inédit. Enregistré en 4 jours dans un manoir anglais du XIème siècle, ce projet a part dans la discographie du groupe favori de ROBERT SMITH se trouve aussi bien des accointances avec quelques grands noms du passé (LEONARD COHEN, NICK DRAKE, ARTHUR LEE ou SCOTT WALKER), qu'avec des artistes du présent (MARISSA NADLER, MATT ELLIOTT, THE YOUNG GODS ou DAVID EUGENE EDWARDS). Une belle occasion de découvrir ou redécouvrir AND ALSO THE TREES.

Si, en 2011, Dirty Radio, le premier album de SALLIE FORD & THE SOUND OUTSIDE, a créé la (bonne, très bonne) surprise, le nouveau, Untamed Beast, est une explosion rock'n'roll viscérale. Décrite comme un «croisement entre Ella Fitzgerald et Tom Waits» par le magazine anglais Uncut, SALLIE FORD s'est imposée comme l'une des voix féminines les plus marquantes du rock indépendant. Elle et son groupe, - TYLER TORNFELT (contrebasse), FORD TENNIS (batterie) et JEFFREY MUNGER (guitare) - ont enregistré les onze titres de l'album avec ADAM LANDRY et JUSTIN COLLINS (Deer Tick, Middle Brother) aux Jackpot! Studios à Portland, Oregon, leur ville d'adoption. Fini la chanteuse qui cherchait ses marques. Dans des textes directs, intelligents, et souvent salaces, SALLIE FORD malmène les notions traditionnelles de genres, dans tous les sens du terme. «Il est temps qu'une fille infiltre le monde masculin du rock'n'roll et le chope par les couilles.» On est prévenus.

Si vous cherchez une musique subversive, atypique, iconoclaste, bourrée de surprises et pourtant toujours tirée à quatre épingles d'élégance et de distinction, ces Trios de Haydn de l'ultime maturité sont pour vous. Ecrits entre 1795 et 97, ils appartiennent aux années de liberté du compositeur, un homme enfin détaché de ses éprouvantes fonctions officielles, à une époque où l'Europe entière se l'arrachait comme une star du rock. Subversion et surprise, en effet. Haydn met le feu aux conventions, qu'elles soient harmoniques, mélodiques ou formelles, inventant au passage des modèles clairement repris par Beethoven : le violent point culminant du Presto dans le Trio en ut majeur avec ses accords touffus et orchestraux, les troublantes enharmonies, les enchaînements de tonalités interdits, les neuvièmes mineures colériques... Et il invente même la walking bass du jazz, dans le second mouvement du Trio en mi majeur; imaginez cette même basse jouée en pizzicato à la contrebasse avec un léger appui sur les seconds et quatrième temps, avec au-dessus ce thème monodique, errant, chromatique et instable, confié au saxophone, et voilà l'acte de naissance du jazz blues. Le pianiste du Trio Goya joue une copie d'après un Anton Walter de 1795, le piano préféré de Mozart. Les deux autres compères empruntent les modes de jeu de la fin du XIXe siècle. Rien de tel que ces sonorités fraîches et tintinnabulantes pour faire résonner tout le génie de cette musique. © Abeille Musique 2010

Ce n'est pas a priori pour la scène qu'est écrit cet opéra, mais pour être donné dans une église, d'où l'appellation « A Church Opera ». Un peu comme un oratorio mis en scène, mais avec une dramaturgie mouvante et de vrais personnages agissant les uns vis à vis des autres, à la différence des oratorios baroques ou classiques dans lesquels la narration prend généralement le dessus sur l'action théâtrale, et des personnages moins campés dramatiquement. Vu sous cet angle, Tobias and the Angel du britannique Jonathan Dove jette un pont entre les deux genres : le théâtre musical et le drame sacré, avec des chanteurs d'opéra auxquels sont confiés les rôles principaux, mêlés à la congrégation qui, elle, chante les choeurs et les foules. L'ensemble instrumental se limite à un orgue - statutairement disponible dans une église ! -, un violon, une contrebasse, un accordéon, une flûte, une clarinette, une harpe, une contrebasse, basta. Naturellement, l'oeuvre se doit d'être mise en scène. Jusqu'ici, des dizaines de grandes églises et cathédrales du monde anglo-saxon se la sont arrachée depuis sa création en 1999, ainsi que plusieurs salles d'opéras « normales », même si ce n'est pas le propos du compositeur et du librettiste, qui l'ont conçue pour l'acoustique, la réverbération, l'atmosphère et la fonction même des lieux de culte. En termes musicaux, Dove - le compositeur d'opéra contemporain le plus joué en Grande-Bretagne - évolue dans un monde hérité de Stravinsky, Britten, Weill, Orff, le cabaret, le klezmer, le gamelan, les minimalistes, bref, encore un personnage inclassable qui a su fabriquer son propre monde sans jamais renier les racines du siècle passé. © Abeille Musique 2010

Marta Casas présente son premier album, une compilation des chansons traditionnelles et populaires d’Aragon et de Catalogne. Ces titres l’ont accompagnée toute sa jeunesse et l’ont inspirée à devenir chanteuse. La voix de Marta s’harmonise à merveille avec le tissu instrumental jazz du piano, de la contrebasse et de la batterie qui l’accompagnent.

Ben Wendel présente son nouvel album studio adapté de sa série vidéo à succès. Nommé aux Grammy Awards et co-leader du groupe Kneebody, le saxophoniste Ben Wendel sort son album studio adapté de sa série de vidéos Youtube à succès, The Seasons, acclamée par le New York Times comme un album remarquable de 2015 bien qu'elle ne fût pas réellement un projet d'album à première vue. Inspirée des compositions de Tchaikovsky, chaque piste est dédiée à un mois de l'année et à un artiste qui a contribué à inspirer la vision créative de Ben Wendel. The Seasons n'est pas seulement une représentation du temps qui passe; c'est aussi un bel indicateur de la façon dont la technologie a changé les modes de communication des artistes et de leur art. Dans ce projet enregistré en 2018 en studio, Ben Wendel a adapté chaque duo en morceaux pour quintet. Il est accompagné de Aaron Parks (piano), Matt Brewer (contrebasse), Gilad Hekselman (guitare) et Eric Harland (batterie). POUR CEUX QUI AIMENT Kneebody, Gerald Clayton, Ambrose Akinmusire, Gilad Hekselman, Eric Harland...

Si, en 2011, Dirty Radio, le premier album de SALLIE FORD & THE SOUND OUTSIDE, a créé la (bonne, très bonne) surprise, le nouveau, Untamed Beast, est une explosion rock'n'roll viscérale. Décrite comme un «croisement entre Ella Fitzgerald et Tom Waits» par le magazine anglais Uncut, SALLIE FORD s'est imposée comme l'une des voix féminines les plus marquantes du rock indépendant. Elle et son groupe, - TYLER TORNFELT (contrebasse), FORD TENNIS (batterie) et JEFFREY MUNGER (guitare) - ont enregistré les onze titres de l'album avec ADAM LANDRY et JUSTIN COLLINS (Deer Tick, Middle Brother) aux Jackpot! Studios à Portland, Oregon, leur ville d'adoption. Fini la chanteuse qui cherchait ses marques. Dans des textes directs, intelligents, et souvent salaces, SALLIE FORD malmène les notions traditionnelles de genres, dans tous les sens du terme. «Il est temps qu'une fille infiltre le monde masculin du rock'n'roll et le chope par les couilles.» On est prévenus.

Voilà une douce voix qui fait ressortir la pureté des sonorités de la langue bosniaque. La chanteuse Amira Medunjanin, qui a reçu le Prix de la Fondation Orange de la plus belle voix féminine en 2012, offre des harmonies entre Orient & Occident, accompagnée principalement d’un piano (Bojan Z, pianiste franco-serbe), d’une guitare, et d’une contrebasse. Cet album très mélodique nous plonge dans l’univers d’une charmante conteuse d’histoire. Chaque piste peut plaire aussi bien aux enfants avant d’aller dormir qu’aux adultes au réveil. Un disque de soie.

Le 30 septembre 1990, Gérard de Haro enregistre dans son studio qui ne s'appelle pas encore La Buissonne, le trio régional de Stéphan Oliva avec Claude Tchamitchian et Jean-Pierre Jullian. C'est le premier disque de Stéphan, il le produit lui-même. C'est aussi le début d'une longue et indéfectible amitié entre ces quatre artistes. Gérard est l'ingénieur du son de treize des seize disques enregistrés sous son nom par Stéphan à ce jour. Stéphan est dans plusieurs des aventures du Lousatzak de Tchamitchian, il est aussi le pianiste des merveilleux projets sudistes de Jullian sortis sur Emouvance, le label du contrebassiste, tous enregistrés par De Haro... Automne 1991, l'enregistrement du trio sort sur OWL, le prestigieux label de Jean-Jacques Pussiau. Et tout le monde s'accorde pour saluer un nouveau musicien à l'univers poétique très personnel. Automne 2008, Jean-Pierre Jullian à un projet d'oratorio et travaille également à une création pour sept musiciens et deux danseurs sur la naissance du soleil et de la lune d'après les mythes Amérindiens. Claude Tchamitchian, lui explore ses propres racines dans des duos et trios avec Gaguik Mouradian et Bijan Chemirani et participe au développement de la musique des trio et Megaoctet d'Andy Emler. Stéphan Oliva tourne en solo son projet sur Bernard Herrmann, écrit pour le cinéma et continue de creuser avec François Raulin, les origines de la musique afro-américaine. Il a aussi envie de rejouer en trio avec une contrebasse et une batterie (la dernière fois c'etait en 2000 avec Bruno Chevillon et Paul Motian). C'est tout naturellement qu'il va proposer la reformation du trio. Il écrit un nouveau répertoire, puis s'informe sur la disponibilité du studio pour l'enregistrer. Mais sans aucune idée sur la façon de commercialiser la musique. Et c'est tout aussi naturellement que Gérard de Haro lui propose de produire le projet sur son label. Dix-huit ans après leur première rencontre...

Les sessions enregistrées par Reinhardt et Grappelli à Rome en janvier et/ou février 1949 avec une rythmique italienne, constituent à la fois l'ultime témoignage sonore de leur rencontre (les deux hommes ne se retrouveront jamais plus ensemble devant un micro), et la toute dernière occasion d'entendre Django à la guitare acoustique dans un contexte orchestral. De sorte que ces faces peuvent apparaître simultanément comme un sommet (au faîte de leur maturité et de leur complicité, les deux artistes se sont rarement exprimés avec un tel brio et un tel abandon), aussi bien qu'un enregistrement de passage, à l'occasion d'un engagement de longue durée en club, en compagnie d'un trio (piano, contrebasse, batterie) qu'ils n'ont pas choisi. En somme, l'accomplissement côtoierait ici l'anecdote, les deux partenaires cultivant avant tout les plaisirs de l'instant - mais n'en est-il pas toujours un peu ainsi en jazz, pour notre plus grand bonheur?

Eberhard Weber, l'un des bassistes parmi les plus innovants de ces quarante dernières années, a donné plusieurs centaines de concerts au sein du groupe de Jan Garbarek, chacun d'entre eux renfermant des espaces solo qui, par leur structure, transcendent le genre du solo de jazz traditionnel. Résumé est un album « Live » d'un genre différent puisque Eberhard l'a « fabriqué » à partir de douze concerts donnés dans le monde entier avec ce groupe. Ce sont les enregistrements de ses solos que Weber a revisités et retravaillés pour créer un album unique dans sa façon de recomposer le flux musical. Il nous donne l'occasion d'entendre la sonorité inimitable de sa contrebasse électrique « customisée » (avec de nombreux effets sonores de delay, echos, reverbs,.). A noter la présence de Jan Garbarek au saxophone et à la flûte sur 3 titres et celle de Michael Di Pasqua à la batterie sur 1 titre.

Stefano Scodanibbio (1956-2012) a composé de la musique extraordinaire pour la contrebasse. Alisei (Alizés) présente ses compositions pour contrebasse seule, pour deux contrebasses, et pour ensemble de contrebasses. On trouvera dans le répertoire de cet album, le tout premier enregistrement mondial de Otetto, un recueil souvent époustouflant de toutes les techniques qu'il a inventées ou développées dans son oeuvre au cours de sa vie. 'C'est un grand héritage spirituel', explique Danielle Roccato, qui a co-fondé l'orchestre de contrebasse Ludus Gravis avec Scodanibbio. En tant que soliste, Roccato relève les défis de Due Pezzi Brilanti, une pièce qui pousse la virtuosité à ses plus extrêmes limites, et fait en sorte que la contrebasse chante de sa véritable voix. Da Una Certa Nebbia, composée pour deux contrebasses, est également une première sur disque et rend un hommage implicite à l'oeuvre de Morton Feldman.

Amati possède déjà une solide expérience de la scène et sa notoriété a dépassé les frontières de l'hexagone. De nombreuses places fortes du jazz l'ont déjà programmé. Pour son premier album personnel, Amati Schmitt est entouré de son frère Bronson Schmitt à la guitare rythmique, Xavier Nikq à la contrebasse et Dorado Schmitt au cajôn péruvien et au violon. Le programme est un habile et savant dosage de valses, de swing, de bossa et de balades dans la plus pure tradition Reinhardtienne. Le choix d'inscrire à son répertoire Les Copains d'abord, la plus fameuse des chansons de Georges Brassens, n'est pas le fait du hasard. Ce « Copains d'abord » sonne ici comme une sorte de « Les Anciens d'abord ». Qu'il revisite les compositions de Dorado ou celles de Django c'est toujours avec la même spontanéité, la même fraîcheur et toute l'audace insouciante et fougueuse de la jeunesse. Etranger à la moindre tentation de démonstration, Amati possède la sagesse de ceux qui servent avant de se servir. Ses propres créations sont loin de ressembler aux inconsistants « à la manière de » que nous servent le plus souvent les virtuoses précoces qui ne bluffent que les distraits. Sa sensibilité musicale, l'a conduit à suggérer plutôt que d'affirmer et son inspiration mélodique à se forger un univers personnel dans un domaine musical pourtant soumis à des codes et des rituels aussi caricaturaux qu'aliénants.

Fondamenta a réuni des musiciens et des chercheurs à travers le monde. Ces archéologues du son partagent tous cette capacité à traquer et reconnaître des enregistrements réellement exceptionnels. Après des mois de recherches, nous sommes fiers de présenter aujourd’hui la collection Lost Recordings. La remastérisation de ces pépites est confiée au procédé Phoenix Mastering (TM) mis au point pendant plusieurs années par les ingénieurs de Fondamenta, et au coeur duquel se trouvent des technologies Devialet. Ce savoir-faire nous permet de révéler des enregistrements perdus, comme s’ils venaient d’être enregistrés. Une collection nait ! Le concert, donné le 28 octobre 1967 au palais des concerts De Doelen de Rotterdam aux Pays-Bas dans le cadre d’une tournée européenne qui, une petite semaine plus tard, fera escale à la Salle Pleyel à Paris (un disque intitulé «Live in Paris, 1967» paru dans les années 80 a immortalisé cette magnifique prestation), a ceci de particulier de rompre avec le schéma habituel en présentant le quartet de Monk (avec Larry Gales à la contrebasse et Ben Riley à la batterie) augmenté sur un certain nombre de plages d’invités prestigieux, tous habitués de l’univers du pianiste : les trompettistes Ray Copeland et Clark Terry, les saxophonistes Johnny Griffin et Phil Woods et le tromboniste Jimmy Cleveland. Si ce n’est pas la première fois que Monk se produisait entouré d’une formation élargie (deux enregistrements majeurs de sa discographie attestent de son goût pour les grands ensembles : «The Thelonious Monk Orchestra at Town Hall» enregistré en 1959 et le présentant à la tête d’un tentet arrangé par Hal Overton, et «Big Band and Quartet in Concert», rendant compte d’un concert donné au Philarmonic Hall de New York en 1963 dans une configuration orchestrale similaire), le scénario imaginé lors de cette tournée s’avère pour le moins original, puisque partant du quartet originel l’espace de deux morceaux («Ruby My Dear» et «Hackensack»), la formation s’élargit progressivement aux dimensions d’un quintet (avec Ray Copeland en soliste) puis d’un octet jusqu’à constituer finalement sur «Blue Monk» un mini big band de neuf musiciens mettant en vedette le bugle virtuose et inspiré de Clark Terry. Sans prétendre à une grande sophistication d’écriture (les arrangements minimalistes et «fonctionnels» servent le plus souvent d’écrin et de relance aux interventions solistes et ne proposent jamais de relectures particulières des compositions abordées), cette formule orchestrale séduit en ce qu’elle plonge le pianiste dans un environnement instrumental riche en couleurs et contrastes offrant de nouvelles perspectives et comme un surplus de lyrisme à son style toujours plus épuré et ascétique. Les improvisations de Johnny Griffin notamment, sur «Oska T» et «Epistrophy», sont de merveilleux moments qui rappellent à quel point sa sonorité à la fois chaude et acide ainsi que son phrasé incisif se sont toujours accordés comme par magie aux préceptes «monkiens», faits d’ellipses, de parcimonie expressive et de dissonances savantes.

The Gleaners de Larry Grenadier est une oeuvre profonde et d'une grande créativité, puisant ses influences à de nombreuses sources. Son titre est une référence directe au film d'Agnès Varda The Gleaners and I (Les glaneurs et la glaneuse). En plus de ses propres pièces, parmi lesquelles un hommage à l'un des ses premiers héros, le contrebassiste Oscar Pettiford, Grenadier explore ici des compositions de George Gershwin, John Coltrane, Paul Motian, Rebecca Martin et Wolfgang Muthspiel. A l'arrivée The Gleaners, enregistré aux studios Avatar à New York en décembre 2016, sous la direction artistique de Manfred Eicher, est un apport important à la série d'albums de contrebasse solo déjà publiés par ECM.

'Tangents' est le second enregistrement du trio avec Marc Copland et Joey Baron, partenaires de longue date et dans de multiples contextes. Les trois membres contribuent au répertoire. Mais le trio revisite également le 'Blue in Green' de Miles Davis ainsi que le thème composé par Alex North pour le film de Stanley Kubrick, 'Spartacus' qui se révèle une fois encore un formidable matériau propice à l’improvisation. Tangents a été enregistré à Lugano en mai 2016 et est produit par Manfred Eicher. Au tout début de sa carrière, Peacock a repensé le rôle de la contrebasse, comme une voix mélodique indépendante. Un concept appelé à être décliné dans tous les groupes historique auxquels il a collaboré, de ceux de Paul Bley à Keith Jarrett en passant par Bill Evans. Mais le contrebassiste a aussi été un leader important et influent.

Avec The Sirens le saxophoniste Chris Potter signe son premier album en leader pour ECM : Musicien talentueux, Chris Potter s'est forgé au fil des années une impressionnante discographie riche d'une centaine d'apparitions en tant que sideman et de 15 albums en leader. Il a collaboré avec des musiciens comme Herbie Hancock, Pat Metheny, Jim Hall, Paul Motian, Ray Brown, John Scofield Dave Douglas, et a travaillé au sein du Mingus Big Band. Potter a enregistré sur ECM avec son mentor Dave Holland, avec Steve Swallow et Paul Motian. Il a composé pour l'occasion une oeuvre de belles mélodies et d'humeurs changeantes, inspirée par L'Odyssée d'Homère, tant dans sa dimension épique que dans son humanité intemporelle.. Ces pièces sont servies par la subtilité virtuose d'un groupe remarquablement structuré comprenant outre Potter aux saxophones ténor et soprano et à la clarinette basse, Craig Taborn au piano, David Virelles au piano réparé, au célesta et à l'harmonium, Larry Grenadier à la contrebasse et Eric Harland à la batterie. Le phrasé lyrique de Potter est soutenu par une section rythmique remarquable de dynamisme et d'inventivité tandis que les claviers projettent des taches de couleurs chatoyantes.