Sur un orgue, ce sont les pieds qui jouent les basses. Pour cela, Hammond propose la pédale basse XKP-200GL. Cette pédale 20 notes dispose de longues touches en bois permettant de jouer aussi bien avec les orteils qu'avec les talons. Elle peut non seulement être contrôlée par MIDI, mais également être utilisée en autonome, grâce à la source sonore intégrée. Cette dernière inclut des sons d'orgue électrique, de grand orgue, de basse électrique et de contrebasse. Ainsi, la pédale est non seulement intéressante pour les joueurs d'orgue mais aussi pour d'autres musiciens. Notez enfin que cette pédale offre la possibilité de monter une pédale d'expression (non incluse).

The most popular and well-known double bass pickup ever made by The Realist, the RLSTSB1 Copperhead uses patented technology, and designer David Gage's deep respect for the instrument, to simply capture and deliver the natural acoustic sound to the connected amplifier or PA system. With this pickup, your on-stage sound is treated to incredibly transparent colouring and a near-unbelievable dynamic response. The fitted 6.3mm TS jack output is pretty useful too.The RLSTSB1 Copperhead PickupThe Realist is renowned for providing worthy pickups for a wide array of acoustic instruments, and as such, the RLSTSB1 Copperhead piezo is the go-to for double bassists the world over. With the accurate aid of this pickup, the entire range of frequencies are faithfully registered rather than just the higher ranges, and fear of feedback or other interference and noise is efficiently countered due to nothing more than thoughtful and excellent design. This pickup can be installed on any 3/4 or 4/4 double bass without the need for any glue or hardware since it simply clips on - another perk since the position can be tweaked as preferred.

Eberhard Weber, l'un des bassistes parmi les plus innovants de ces quarante dernières années, a donné plusieurs centaines de concerts au sein du groupe de Jan Garbarek, chacun d'entre eux renfermant des espaces solo qui, par leur structure, transcendent le genre du solo de jazz traditionnel. Résumé est un album « Live » d'un genre différent puisque Eberhard l'a « fabriqué » à partir de douze concerts donnés dans le monde entier avec ce groupe. Ce sont les enregistrements de ses solos que Weber a revisités et retravaillés pour créer un album unique dans sa façon de recomposer le flux musical. Il nous donne l'occasion d'entendre la sonorité inimitable de sa contrebasse électrique « customisée » (avec de nombreux effets sonores de delay, echos, reverbs,.). A noter la présence de Jan Garbarek au saxophone et à la flûte sur 3 titres et celle de Michael Di Pasqua à la batterie sur 1 titre.

Keith Jarrett piano Gary Peacock contrebasse Jack DeJohnette batterie L'année 2001 fut une année exceptionnelle pour le trio de Keith Jarrett : trois albums live enregistrés au cours de cette année - The Out-of-Towner, Always Let Me Go, My Foolish Heart - sont déjà parus sur ECM. Yesterdays, enregistré au Metropolitan Festival Hall de Tokyo est un quatrième opus. Le programme est composé de standards avec une forte emphase be-bop, avec notamment Scrapple From the Apple de Charlie Parler, Shaw Nuff de Parker et Gillespie, Strollin de Horace Silver. Y figure également un moment grisant de ragtime avec le You Took Advantage Of Me et de belles ballades incluant Yesterdays et Smoke Gets in Your Eyes toutes deux écrites par Jérome Kern. En bonus, l'album se termine sur une version éclatante de Stella by Starlight captée en répétition alors que Jarrett, Peacock et DeJohnette ne la jouaient que par pur plaisir.

L'amplification d'instruments de musique classiques comme les violons ou les violoncelles nécessite une approche complètement différente de celle destinée à un groupe de rock. Le kit DPA d:vote™ CORE 4099 Classic Touring est un set de 4 micros conçu à cet effet. Les micros inclus dans ce set sont des modèles de haute qualité d:vote™ CORE 4099 Loud SPL. Il s'agit de micros à condensateur à petite membrane capables de capter toutes les nuances de votre instrument à une très courte distance. Pour les installer correctement sur vos instruments, des clips adaptés sont inclus. Vous trouverez 4 clips pour violon, 2 clips pour violoncelle, 1 clip pour contrebasse, 1 clip pour guitare acoustique et 2 clips pour piano. Pour compléter le tout, ce kit conçu spécialement pour les tournées est livré dans une mallette robuste de la marque Peli.

Les sessions enregistrées par Reinhardt et Grappelli à Rome en janvier et/ou février 1949 avec une rythmique italienne, constituent à la fois l'ultime témoignage sonore de leur rencontre (les deux hommes ne se retrouveront jamais plus ensemble devant un micro), et la toute dernière occasion d'entendre Django à la guitare acoustique dans un contexte orchestral. De sorte que ces faces peuvent apparaître simultanément comme un sommet (au faîte de leur maturité et de leur complicité, les deux artistes se sont rarement exprimés avec un tel brio et un tel abandon), aussi bien qu'un enregistrement de passage, à l'occasion d'un engagement de longue durée en club, en compagnie d'un trio (piano, contrebasse, batterie) qu'ils n'ont pas choisi. En somme, l'accomplissement côtoierait ici l'anecdote, les deux partenaires cultivant avant tout les plaisirs de l'instant - mais n'en est-il pas toujours un peu ainsi en jazz, pour notre plus grand bonheur?

Le quatrième album du pianiste et enfant prodige Indonésien A 14 ans, Joey Alexander fait un grand pas en avant avec la sortie de son quatrième album, Eclipse, illustrant l’évolution impressionnante du jeune pianiste. Un nouvel album sophistiqué qui met en scène une section rythmique de haut niveau, composée de Reuben Rogers (contrebasse) et Eric Harland (batterie), augmentée sur trois morceaux du saxophoniste Joshua Redman. Enregistré à Woodstock le 21 août 2017, le jour de la dernière éclipse totale du soleil, Eclipse s’est construit autour de cette pièce centrale du même nom, longue de plus de dix minutes. Une expression spontanée issue de l’observation de cet événement astronomique rare qui symbolise le mouvement de Joey Alexander vers une liberté nouvelle, tant musicalement que personnellement. Eclipse inclut 6 compositions originales, des réinterpréations de morceaux iconiques de John Coltrane, Bill Evans, une version solo du Blackbird des Beatles...

En produisant « Reciprocity », Olivier Le Goas réalise un rêve de longue date. Avec Kevin Hays au piano, Nir Felder à la guitare et Phil Donkin à la contrebasse, il s'entoure de musiciens internationalement connus et forme avec eux le quartet idéal pour interpréter ses compositions. Le batteur compose ses morceaux au piano, bien qu'il n'ait jusqu'à présent jamais utilisé cet instrument dans ses albums. Pour la première fois, il l'intègre donc à ses compositions à travers le jeu de Kevin Hays. A quatre, ils font de Reciprocity un album indispensable. Olivier Le Goas compose avec un véritable sens de la musicalité, du lyrisme, et un goût prononcé du détail. Il donne aux musiciens un réel espace de liberté, leur permettant de s'épanouir au fil des morceaux. Un album mélodique, dans lequel Olivier Le Goas joue délicatement avec les contrastes, entre groove, blues et folk.

Nouvelle adaptation de l'Arpeggione par Luigi Piovano. Récemment nommé chef attitré de l'orchestre des cordes de l'Accademia di Santa Cecilia, Luigi Piovano a concocté un programme de choix pour leur premier disque. Il a lui même réalisé une adaptation de la fameuse sonate Arpeggione de Franz Schubert, assumant avec brio le rôle de soliste sur un violoncelle piccolo à 5 cordes afin de s'approcher le plus possible de l'arpeggione et permettre ainsi l'exécution des octaves originales. La présence de l'orchestre donne une nouvelle dimension à l'oeuvre et semble si naturelle qu'on en vient à douter qu'il en fut autrement. Le quatuor La Jeune Fille et la Mort est, lui, interprété dans la version de Gustav Mahler de 1896. La force de l'ensemble orchestral est encore plus débordante que le quatuor, voire dévastatrice ! L'ajout de la contrebasse au canevas musical confère à l'oeuvre une plus grande profondeur et une plus grande dramaturgie, obscurcissant les couleurs et portant les sentiments et l'émotion aux firmaments.

Charles Lloyd a souvent dirigé des orchestres d'exception, et celui-ci est peut-être l'un de ses tous meilleurs. Après un premier disque live Rabo de Nube (à la fois prix des critiques et prix des lecteurs du magazine Jazz Time), voici donc un album studio de ce même quartet réunissant Jason Moran, Reuben Rogers et Eric Harland. Cette séance présente des thèmes familiers réinvestis et subtilement métamorphosés. On y trouve des nouvelles versions de Desolation Sound, Go Down Moses, Lift Every Voice, et The Water is Wide mais aussi deux superbes reprises de Thelonious Monk, Ruby My Dear et Monks Mood ainsi qu'une magnifique version très libre de la chanson des Beach Boys Caroline No. L'interaction remarquable de fluidité entre le piano, la contrebasse et la batterie crée une sorte de paysage mouvant au-dessus duquel le chant des saxophones de Lloyd flotte avec poésie.

Après avoir entendu les prestations de ce micro, plusieurs producteurs et ingénieurs de renom se sont plaints d'avoir investi inutilement des sommes considérables dans des micros vintage. En effet, le Soyuz 023 Bomblet est un micro à condensateur large membrane dont le caractère et la classe sont étrangement proches des classiques. L'essence de votre voix ou de votre instrument est magnifiée grâce aux médiums bien prononcés. Le transformateur donne une prestance supplémentaire aux basses fréquences, ce qui fait de ce micro un excellent candidat pour le violoncelle et la contrebasse, mais aussi pour les grosses caisses et les amplis basse. De plus, avec le pad d'atténuation intégré, ce micro peut également gérer les instruments les plus puissants sans distorsion. Le 023 Bomblet est fabriqué à la main dans la capitale russe du micro, Tula. Un coffret en bois très élégant est également inclus pour ranger impeccablement le micro et le garder à l'abri de la poussière.

The RLSTLL1 LifeLine double bass pickup is The Realist's latest invention. This passive ceramic piezo pickup is super easy to mount and offers the kind of sound many bassists seek since the tone barely strays from the acoustic foundation sound and packs ample mid and high range presence. You won't need any glue or other mounting materials to install the RLSTLL1 LifeLine because it's compatible with most standard double bass bridges and, needless to say, you won't have to worry about feedback or any interference issues either.Solid High Volume PerformanceThe Realist offer the LifeLine double bass pickup in two sizes. This is the smaller model which is compatible with bridge screws with a maximum diameter of 8mm; the XL version is meant for larger, 9.5mm bridge screws. The driving force behind The Realist, David Gage, has clearly come up with another solid set of bright-sounding pickups and, while the LifeLine models boast a bit more punch than the Copperhead Series, they're certainly no less affordable and even continue to perform well when you raise the volume to play live gigs.

A l’occasion de sa nouvelle production Blue Note, cet exceptionnel enregistrement public qu’est 'Passin’ Thru', Lloyd se présente à la tête de son New Quartet composé du pianiste Jason Moran, de Rogers à la contrebasse et de Harland à la batterie, un groupe chaleureux regorgeant d’intuitivité et proposant une musique tour à tour contemplative et enjouée. Tout au long de sa glorieuse carrière le saxophoniste, flûtiste, compositeur et grand mystique du jazz Charles Lloyd aura décliné sa musique à travers une myriade de formations aux configurations orchestrales extrêmement variées. Produit par Lloyd et Dorothy Darr, cet album regroupe sept compositions de Lloyd couvrant un large spectre de styles et d’humeur — du thème-titre plein de swing et de vie (enregistré la première fois en 1963 quand le saxophoniste était encore membre du Chico Hamilton Quintet) à la toute nouvelle pièce 'Shiva Prayer' sobre et nostalgique, écrite en l’honneur d’une amie chère à qui l’album est dédié.

Vous trouvez que les micros à condensateur petite membrane sont froids et cliniques ? Vous allez alors changer d'avis avec le set stéréo Soyuz 013 TUBE-M ! Ces micros à condensateur petite membrane possèdent la réponse transitoire rapide et la réponse hors axe impeccable que vous êtes en droit d'attendre d'un tel micro, mais grâce au transformateur de l'étage de sortie et au préampli à circuit à lampe, le son est également grandiose et empreint de musicalité. Autrement dit, vous obtenez le meilleur des deux mondes. Les instruments notoirement connus pour être délicats à enregistrer, tels qu'un piano à queue de concert ou une contrebasse, sont enregistrés par le set 013-Tube-M sans effort et dans toute leur splendeur. Les deux micros, ainsi que l'alimentation et les câbles spéciaux à 4 broches, sont livrés dans un magnifique coffret en bois provenant des vastes forêts russes.

Le M147 Tube de Neumann est un micro à condensateur équipé d'une lampe et proposant une directivité cardioïde. Utilisation du M147 TubeLa lampe amplifie le signal de la capsule d'environ 10 dB, ce qui empêche de capter les éventuelles interférences électroniques environnantes. De plus, il pourra être utilisé avec de longs câbles micro sans aucun effet sur la qualité audio.La combinaison des caractéristiques de la capsule et de la lampe rend ce micro approprié pour le chant. Il s'agit également d'un excellent micro pour n'importe quel instrument de musique solo, comme une contrebasse ou un violoncelle. La capsule possède une réponse en fréquence linéaire comprise entre 20 Hz et 20 kHz avec une légère remontée de 3 dB au-dessus de 2 kHz. Micro à lampe universel de bonne qualité En raison de sa réponse en fréquence étendue, ce micro est également capable de capter des fréquences extrêmement basses avec peu de changement de timbre. De plus, la grille protège efficacement la capsule des plosives et des bruits causés par le vent ou le souffle de la respiration.

Flamboyance et délicatesse pour ce nouvel album du Kora Jazz Trio réalisé par Eric Legnini. Malgré d'évidents liens historiques entre le jazz et la musique traditionnelle africaine, peu de projets réussissent la fusion de ces musiques... Pionnier du genre, le Kora Jazz Trio revient avec un 6ème album réalisé par l'éclectique Eric Legnini. Celui-ci sublime les compositions du pianiste Abdoulaye Diabaté, ainsi que les très belles interprétations des standards que sont Via Con me de Paolo Conté, Sodade immortalisé par Cesaria évora et Moanin' des Jazz Messengers d'Art Blakey. Pour ce Part IV du Kora Jazz Trio, la Kora a été confiée à un habitué de toutes les rencontres musicales, Chérif Soumano (Dee Dee Bridgewater, Tiken Jah Fakoli, World Kora Trio...), et pour mettre en beauté le répertoire s'ajoutent selon les titres le chant de Woz Kali, la contrebasse de Manu Marches, les percussions de Boris Caicedo, le balafon d'Adama Condé et la guitare d'Hervé Morisot (Sodade).

Johnny's Disk Record est un label de jazz indépendant dirigé par le propriétaire du jazz café Kaiunbashi No Johnny situé dans la ville de Rikuzentakata, dans la préfecture d'Iwate, au Japon. Ce label légendaire a sorti une série d'albums de haute qualité allant du jazz moderne au jazz avant-gardiste en passant par une pop singulière. Paru originellement en 1980, Taiko No Uminari est le seul album solo que le batteur Yoshimi Ueno a sorti avant de mourir. L'album inclut Sea Sound, un morceau de hard bop aux mélodies expressives avec un saxophone impressionnant interprété par Yasuaki Shimizu. On y trouve aussi Tsuchi Ningyo, un titre folk et mélancolique composé par son compagnon de label, le contrebassiste Eiji Nakayama, la ballade romantique My Spirit du pianiste Keisaku Takahashi, le jam polyrythmique Skip composé par Ueno lui-même, K.Bluse, un air bluesy avec une touche de jazz de la Nouvelle-Orléans, et Uzushio, un duo entre la contrebasse de Nakayama et la batterie d'Ueno.

Une entente télépathique entre deux musiciens phares de la scène jazz française, entourés d’un casting de haut vol Après 15 ans de complicité et de concerts partagés au sein du Quartet d’Yves Rousseau et quatre albums réalisés ensemble (Fées et gestes, Sarsara, Poète, vos papiers! et Akasha) Yves Rousseau et Christophe Marguet se sont associés pour écrire la musique de ce nouveau projet. Le tandem contrebasse-batterie convie le piano acoustique et électrique, la guitare électrique et la trompette pour se confronter à une instrumentation nouvelle et créer un quintet inédit. Cette nouvelle rencontre entre ces deux musiciens et compositeurs reflète l’envie de mettre en commun leurs deux univers respectifs, de les confronter et de les enrichir mutuellement. Ils ont pour cela apporté chacun six pièces qui nous offrent une musique fraîche et lisible, électrique tout autant qu’acoustique, retrouvant la puissance d’évocation du jazz, le son et la danse, et la liberté...

Si, en 2011, Dirty Radio, le premier album de SALLIE FORD & THE SOUND OUTSIDE, a créé la (bonne, très bonne) surprise, le nouveau, Untamed Beast, est une explosion rock'n'roll viscérale. Décrite comme un «croisement entre Ella Fitzgerald et Tom Waits» par le magazine anglais Uncut, SALLIE FORD s'est imposée comme l'une des voix féminines les plus marquantes du rock indépendant. Elle et son groupe, - TYLER TORNFELT (contrebasse), FORD TENNIS (batterie) et JEFFREY MUNGER (guitare) - ont enregistré les onze titres de l'album avec ADAM LANDRY et JUSTIN COLLINS (Deer Tick, Middle Brother) aux Jackpot! Studios à Portland, Oregon, leur ville d'adoption. Fini la chanteuse qui cherchait ses marques. Dans des textes directs, intelligents, et souvent salaces, SALLIE FORD malmène les notions traditionnelles de genres, dans tous les sens du terme. «Il est temps qu'une fille infiltre le monde masculin du rock'n'roll et le chope par les couilles.» On est prévenus.

Si, en 2011, Dirty Radio, le premier album de SALLIE FORD & THE SOUND OUTSIDE, a créé la (bonne, très bonne) surprise, le nouveau, Untamed Beast, est une explosion rock'n'roll viscérale. Décrite comme un «croisement entre Ella Fitzgerald et Tom Waits» par le magazine anglais Uncut, SALLIE FORD s'est imposée comme l'une des voix féminines les plus marquantes du rock indépendant. Elle et son groupe, - TYLER TORNFELT (contrebasse), FORD TENNIS (batterie) et JEFFREY MUNGER (guitare) - ont enregistré les onze titres de l'album avec ADAM LANDRY et JUSTIN COLLINS (Deer Tick, Middle Brother) aux Jackpot! Studios à Portland, Oregon, leur ville d'adoption. Fini la chanteuse qui cherchait ses marques. Dans des textes directs, intelligents, et souvent salaces, SALLIE FORD malmène les notions traditionnelles de genres, dans tous les sens du terme. «Il est temps qu'une fille infiltre le monde masculin du rock'n'roll et le chope par les couilles.» On est prévenus.

Laurent Coulondre, la nouvelle sensation du piano hexagonal, rend hommage à l un des musiciens qui a le plus marqué son parcours de musicien et de jazzman : Michel Petrucciani. Pour être à la hauteur du 20ème anniversaire de la disparition de ce géant et de cette sublime harmonie intergénérationnelle voguant entre modernité et tradition que Michel Petrucciani promouvait, Laurent Coulondre s entoure de Jérémy Bruyère (basse et contrebasse) et d André Ceccarelli (batterie) pour faire revivre le répertoire du pianiste de légende, et nous montre s il en était besoin que le jazz est un langage qu il maîtrise de mains de maître. La nouvelle sensation du piano hexagonal --Radio france Au delà de ses qualités de virtuosité et musicalité, c est son sens du groove qui frappe d emblée et son attaque de la note fait mouche à chaque fois --Jazz magazine Laurent Coulondre mêle invention et séduction, brasse couleurs et sonorités avec jubilation et ne se laisse jamais dépasser par sa propre virtuosité --Jazz magazine

Le SansAmp Para Driver D.I. est une boîte de direct au format pédale issue de la série SansAmp de Tech 21. Elle propose différents réglages (dont un balayage des médiums) qui vous permettent de jouer n'importe quel style de musique. Elle offre une bonne dose de chaleur au son de votre guitare acoustique ou électrique, basse, contrebasse, clavier, violon, batterie, saxophone ou voix.Entrées et sortiesSur l'entrée ligne 6,35 mm vous pouvez brancher votre instrument après quoi vous pouvez envoyer le signal vers une table de mixage via la sortie XLR. La sortie ligne vous permet d'envoyer le signal vers un ampli. Si vous souhaitez utiliser la Para Driver en tant que préampli, vous pourrez la brancher dans l'entrée Return de la boucle d'effets de l'ampli. Notez enfin que la Para Driver affiche également une sortie parallèle pour le signal non traité.

Le Jazz au féminin ! Lorsque l'on observe l'histoire du jazz, elle semble être majoritairement masculine. Bien sûr, il y a toujours eu des chanteuses de jazz très proéminentes, mais les instrumentistes et compositrices comme Jutta Hipp, Carla Bley ou Geri Allen sont rares. Aujourd'hui, les femmes sont de plus en plus présentes et visibles, et l'album Sisters in Jazz en est la preuve positive. Le jazz est aussi féminin. Cette courte phrase décrit très bien le nouvel album de Caecilie Norby. Pour cet album studio, la chanteuse danoise est accompagnée par des musiciennes de grande envergure : Rita Marcotulli (piano), Nicole Johänntgen (saxophone), Hildegunn oiseth (trompette), Lisa Wulff (contrebasse) et Dorota Piotrowska (batterie). Toutes les compositions ont été écrites par des femmes, des pionnières du jazz telles que Betty Carter, Abbey Lincoln, Nina Simone ou la reine des auteurs-compositeurs-interprètes, Joni Mitchell. En plus de celles-ci, deux chansons ont été composées par Caecilia Norby et une par Rita Marcotulli.

Nouvel album du groupe culte anglais AND ALSO THE TREES, When The Rains Come propose une relecture et une exploration de l'ensemble de son répertoire à travers 14 titres (enregistrés initialement entre 1985 et 2007), avec une formation totalement acoustique, organisée autour de la contrebasse de IAN JENKKINS, de la guitare de JUSTIN JONES et de la voix de SIMON JONES. Les interventions ponctuelles d'un accordéon, d'un violoncelle et d'un mélodica confèrent à l'ensemble d'infinies variations en clair-obscur autrefois dévolues à la seule guitare de Justin Jones. When The Rains Come est aussi le titre d'un nouveau morceau, inédit. Enregistré en 4 jours dans un manoir anglais du XIème siècle, ce projet a part dans la discographie du groupe favori de ROBERT SMITH se trouve aussi bien des accointances avec quelques grands noms du passé (LEONARD COHEN, NICK DRAKE, ARTHUR LEE ou SCOTT WALKER), qu'avec des artistes du présent (MARISSA NADLER, MATT ELLIOTT, THE YOUNG GODS ou DAVID EUGENE EDWARDS). Une belle occasion de découvrir ou redécouvrir AND ALSO THE TREES.

The Creepshow est sans doute l'un des meilleurs groupes Punkabilly au monde (avec The Peacocks disons, et The Grit). L'apport du clavier dans leur son, confère une originalité certaine et un côté assez intigrant à la manière de films d'horreur, comme si leur Psychobilly avait été enregistré dans une cathédrale accompagné d' un orgue colossal en fond sonore. La deuxième originalité est sans conteste d'avoir une chanteuse et non un chanteur au sein du groupe, The Creepshow apparaît ainsi comme une alternative d'emblée intéressante. Les onze titres qui ornent l'album sont tous d'excellente qualité et ont de quoi satisfaire les amateurs de rock'n'roll rétro comme les punks à crête pas trop sectaires. Le son de contrebasse et les choeurs sont omniprésents. Le clavier qui vient se poser sporadiquement, apporte un côté lugubre à l'ensemble tout en le rendant moins sec, plus travaillé, et mieux produit. The Creepshow est donc un grand groupe, avec un son qui lui est propre, une vraie élégance, une voix irréprochable - They All Fall Down est un album chaudement recommandable.

Ben Wendel présente son nouvel album studio adapté de sa série vidéo à succès. Nommé aux Grammy Awards et co-leader du groupe Kneebody, le saxophoniste Ben Wendel sort son album studio adapté de sa série de vidéos Youtube à succès, The Seasons, acclamée par le New York Times comme un album remarquable de 2015 bien qu'elle ne fût pas réellement un projet d'album à première vue. Inspirée des compositions de Tchaikovsky, chaque piste est dédiée à un mois de l'année et à un artiste qui a contribué à inspirer la vision créative de Ben Wendel. The Seasons n'est pas seulement une représentation du temps qui passe; c'est aussi un bel indicateur de la façon dont la technologie a changé les modes de communication des artistes et de leur art. Dans ce projet enregistré en 2018 en studio, Ben Wendel a adapté chaque duo en morceaux pour quintet. Il est accompagné de Aaron Parks (piano), Matt Brewer (contrebasse), Gilad Hekselman (guitare) et Eric Harland (batterie). POUR CEUX QUI AIMENT Kneebody, Gerald Clayton, Ambrose Akinmusire, Gilad Hekselman, Eric Harland...

Initialement sorti en 2007, cet album a marqué les esprits. En plus d'attirer l'attention des Djs, bloggeurs et critiques, il a été nominé aux Mercury Music Prize en 2008 et a remporté de nombreuses distinctions. Après le succès d'Isla en avril 2010 et une tournée aux quatre coins du globe, le groupe présente enfin la version remastérisée par John Leckie de ce fameux disque, incluant trois nouveaux morceaux live. Âgés tous les quatre d'une vingtaine d'années, les musiciens se décrivent comme un groupe « indie-rock ». Boucles, lignes de saxophone aériennes, ce fameux hang qui semble venu d'ailleurs, les cliquetis subtiles de la batterie, la force de la contrebasse épurée et la combinaison unique de leur instrumentation donnent à leur musique un son inimitable. Elle fait référence au jazz, à la musique africaine, mais ce sont les phrases répétitives de cet instrument au look rétro-futuriste avec une couleur de transe planante, qui les propulsent vers des univers évoquant Philip Glass et Steve Reich, mais aussi Radiohead ou la « scandinavian touch » du trio E.S.T.

Four (Acts of Love) est un album contemplatif et romantique - il fait ressurgir nos épreuves du moment et prend place dans notre univers. Cet opus est un cycle de chansons, divisé en 3 actes. On trouve sur l’album des compositions originales de Mick Harvey ainsi qu’une chanson de son collabarotaeur de longue date PJ Harvey (« Glorious ») et des interprétations de « The Story of Love » de The Saints, de « The Way Young Lovers Do » de Van Morrison, de « Summertime in New York » d’Exuma et de « Wild Hearts (Run Out of Time) » de Roy Orbison. Four (Acts of Love) est le sixième album studio solo de Mick Harvey et sort à la suite de Sketches from the Book of the Dead paru en 2011. Harvey, reconnu pour sa carrière avec The Birthday Party et Nick Cave & The Bad Seeds, est également réputé pour ses bandes originales (Chopper, To Have And To Hold, Australian Rules) et son travail de production (Anita Lane, Rowland S Howard et plus récemment l’album de PJ Harvey, Let England Shake, qui a gagné le prix Mercury). Four (Act of Love) a été enregistré à Melbourne dans les studios Grace Lane et Atlantis Sound. Rosie Westbrook à la contrebasse et JP Shilo à la guitare et au violon sont présents sur l’album.

Cet album est largement inspiré par la B.O.F. du film Birdman (Grammy Award 2014 !), composée par Antonio Sanchez, et qui a révélé le batteur de Pat Metheny au grand public. Cette Meridian Suite d’une heure s’inspire de la continuité sans heurt de la bande originale du film. Avec des leitmotivs récurrents qui se transforment et se régénèrent tout au long de l’enregistrement, Antonio Sanchez a composé cette suite en gardant ses collaborateurs réguliers à l’esprit : Seamus Blake au saxophone ténor et à l’EWI (electronic wind instrument), John Escreet au piano acoustique et au Fender Rhodes, et Matt Brewer à la contrebasse et basse électrique. Adam Rogers intervient à la guitare, ainsi que la femme du batteur au chant, Thana Alexa. Ces compositions post-jazz, qui rappellent par moment la musique de Pat Metheny, empruntent au rock, au free jazz, à la musique électronique, à l’improvisation libre. A l’évidence, Antonio Sanchez a de nombreuses cordes à son arc, et, en plus d’être un batteur accompli, il s’est imposé au fil des années comme l’un des compositeurs clé qui participent activement au renouvellement du jazz et à l’effervescence internationale du genre, avec ce style de composition libre, rafraîchissant, inspiré et affranchi de toute barrière stylistique.

Avec The Sirens le saxophoniste Chris Potter signe son premier album en leader pour ECM : Musicien talentueux, Chris Potter s'est forgé au fil des années une impressionnante discographie riche d'une centaine d'apparitions en tant que sideman et de 15 albums en leader. Il a collaboré avec des musiciens comme Herbie Hancock, Pat Metheny, Jim Hall, Paul Motian, Ray Brown, John Scofield Dave Douglas, et a travaillé au sein du Mingus Big Band. Potter a enregistré sur ECM avec son mentor Dave Holland, avec Steve Swallow et Paul Motian. Il a composé pour l'occasion une oeuvre de belles mélodies et d'humeurs changeantes, inspirée par L'Odyssée d'Homère, tant dans sa dimension épique que dans son humanité intemporelle.. Ces pièces sont servies par la subtilité virtuose d'un groupe remarquablement structuré comprenant outre Potter aux saxophones ténor et soprano et à la clarinette basse, Craig Taborn au piano, David Virelles au piano réparé, au célesta et à l'harmonium, Larry Grenadier à la contrebasse et Eric Harland à la batterie. Le phrasé lyrique de Potter est soutenu par une section rythmique remarquable de dynamisme et d'inventivité tandis que les claviers projettent des taches de couleurs chatoyantes.

Joachim Kühn, ténor du piano jazz, au jeu à nul autre pareil poursuit depuis déjà quatre albums son chemin musical avec deux musiciens dont les différences rendent la rencontre exceptionnelle. Trois hommes habités par la musique nous invite une nouvelle fois à partager leur conversation musicale, amicale, chaleureuse, dans laquelle chacun apporte ses fondamentaux. L'association entre le jeu fougueux du pianiste improvisateur et les mélodies marocaines et radieuses de Majid Bekkas est une vraie réussite. Le guembri, merveilleux instrument à cordes traditionnel qui remplace ici la contrebasse, s'intègre parfaitement au coeur d'un projet de jazz créatif. Ramon Lopez, l'homme batterie, dont le sang espagnol coule dans les veines, fait corps avec son instrument et contribue à l'énergie fusionnelle qui circule tout au long de l'album. Don musical, don de soi : les trois s'amusent, jouent au sens premier du terme; alternance des notes qui se télescopent, s'entrechoquent, se bousculent, modulations de la voix ou bien solo de guembri de Majid Bekkas : l'espace s'emplit d'une respiration naturelle. Un moment d'une grande intensité, renforcé par la présence d'Archie Shepp sur trois titres.

Star du jazz allemand et nouvelle signature de Sony Masterworks, Till Brönner propose un album de standards pleins de charme et de sensualité. Till Brönner est une figure dominante du jazz allemand. Outre ses nombreuses apparitions à la télévision et à la radio, il est reconnu pour son excellent jeu de trompette, sa voix douce et chaleureuse ainsi que pour son rôle de producteur et d’arrangeur. Nominé deux fois aux Grammy Awards, il a remporté à cinq reprises l’Echo Jazz, l’une des plus grandes récompenses musicales allemandes. ‘The Good Life’, son premier album pour Sony Music, est placé sous le signe du charme et de la détente et tire essentiellement son inspiration des grands standards du jazz américain rendus célèbres par les interprétations de Frank Sinatra, Billie Holiday, Nat King Cole et bien d’autres musiciens légendaires. Till Brönner a signé lui-même deux compositions de l’album et chante sur 8 titres. L’album produit par Ruud Jacobs a été enregistré entre Los Angeles et Amsterdam avec une section rythmique de rêve composée de John Clayton à la contrebasse (qui a aussi assuré les arrangements), Anthony Wilson à la guitare, Larry Goldings au piano et Jeff Hamilton à la batterie.

En tant que bassiste, vous connaissez probablement les basses SR d'Ibanez, anciennement connue sous le nom de Soundgear. Les basses SR ont été extrêmement populaires pendant des années, en raison de leur conception relativement compacte, de leur bonne jouabilité et de leur son polyvalent. Ibanez continue sur sa lancée avec la SRH505F-NNF qui reprend l'idée des Soundgear, à quelques différences près. Cette 5 cordes n'est pas seulement un modèle fretless puisque son corps en acajou est de type semi-hollobody afin d'obtenir une résonance naturelle accrue. Ceci combiné à sa table en épicéa donne lieu à un son à la fois clair, chaud et bien défini.Système Piezo AeroSilkLa SRH505F-NNF n'est pas équipée d'un micro traditionnel mais d'un piézo qui s'accorde particulièrement bien avec sa construction semi-hollow body et sa touche fretless. Ibanez a ainsi choisi un système AeroSilk Piezo qui garantit des basses amples et solides, qui peuvent facilement convenir pour les genres les plus divers. Ainsi, si vous recherchez les possibilités et le confort d'une basse électrique à 5 cordes avec un son unique se rapprochant de celui d'une contrebasse, la Ibanez SRH505F-NNF Natural Browned Burst Flat est pile ce qu'il vous faut !

Star du jazz allemand et nouvelle signature de Sony Masterworks, Till Brönner propose un album de standards pleins de charme et de sensualité. Till Brönner est une figure dominante du jazz allemand. Outre ses nombreuses apparitions à la télévision et à la radio, il est reconnu pour son excellent jeu de trompette, sa voix douce et chaleureuse ainsi que pour son rôle de producteur et d’arrangeur. Nominé deux fois aux Grammy Awards, il a remporté à cinq reprises l’Echo Jazz, l’une des plus grandes récompenses musicales allemandes. ‘The Good Life’, son premier album pour Sony Music, est placé sous le signe du charme et de la détente et tire essentiellement son inspiration des grands standards du jazz américain rendus célèbres par les interprétations de Frank Sinatra, Billie Holiday, Nat King Cole et bien d’autres musiciens légendaires. Till Brönner a signé lui-même deux compositions de l’album et chante sur 8 titres. L’album produit par Ruud Jacobs a été enregistré entre Los Angeles et Amsterdam avec une section rythmique de rêve composée de John Clayton à la contrebasse (qui a aussi assuré les arrangements), Anthony Wilson à la guitare, Larry Goldings au piano et Jeff Hamilton à la batterie.

Amati possède déjà une solide expérience de la scène et sa notoriété a dépassé les frontières de l'hexagone. De nombreuses places fortes du jazz l'ont déjà programmé. Pour son premier album personnel, Amati Schmitt est entouré de son frère Bronson Schmitt à la guitare rythmique, Xavier Nikq à la contrebasse et Dorado Schmitt au cajôn péruvien et au violon. Le programme est un habile et savant dosage de valses, de swing, de bossa et de balades dans la plus pure tradition Reinhardtienne. Le choix d'inscrire à son répertoire Les Copains d'abord, la plus fameuse des chansons de Georges Brassens, n'est pas le fait du hasard. Ce « Copains d'abord » sonne ici comme une sorte de « Les Anciens d'abord ». Qu'il revisite les compositions de Dorado ou celles de Django c'est toujours avec la même spontanéité, la même fraîcheur et toute l'audace insouciante et fougueuse de la jeunesse. Etranger à la moindre tentation de démonstration, Amati possède la sagesse de ceux qui servent avant de se servir. Ses propres créations sont loin de ressembler aux inconsistants « à la manière de » que nous servent le plus souvent les virtuoses précoces qui ne bluffent que les distraits. Sa sensibilité musicale, l'a conduit à suggérer plutôt que d'affirmer et son inspiration mélodique à se forger un univers personnel dans un domaine musical pourtant soumis à des codes et des rituels aussi caricaturaux qu'aliénants.

La fausse d'orchestre fait de la musique avec un violoncelle, une contrebasse, une guitare sèche, une explosion, un banjo, un saxophone baryton, alto et soprano, une clarinette, une clarinette basse, une voiture, un cours de tennis, une timbale symphonique Belge de cavalerie, une sirène de police, des marées noires, des appeaux (de mouettes), une flûte traversière, une trompette, des ballons, un bugle, des percussions, un collier de chien, un sampleur, des appeaux et du chant à texte sans parole mais avec histoires, comme un cinema muet annonçant la venue des cartoons au cinéma. De la musique nourrie des vies de chacun, de la musique comme on veut et surtout comme on l'entend. Les influences sont donc multiples et assumées vu que la moyenne d'âge dépasse largement celle du moindre groupe de rock revendicatif, espèce en voie de disparition. Si nous utilisons parfois des appeaux, notre exigence n'a rien à voir avec celle d'un chasseur. Elle est, je dirai, bien plus élevée puisqu'il s'agit pour nous, non pas d'attraper la mort pour l'assiette, mais plutôt de fédérer un public autour d'une mémoire commune.. Notre but, il est vrai, ressemble à celui du chasseur, puisqu'il est de se retrouver, après le spectacle, à table, avec des convives, histoire de déguster par exemple, un plat de Langoustine voire de lièvre plombé.

LE QUATUOR MANOUCHE TZIGANE QUI DÉPASSE LES FRONTIÈRES - LA «FOLIE» SAMARABALOUF Bientôt 20 ans que les compositions du guitariste François Petit se promènent à travers le monde, toujours à la frontière des musiques tziganes et manouches. C’est désormais un violon et un violoncelle qui remplacent la fameuse « pompe manouche » de la guitare rythmique, avec toujours la « bonne vieille » contrebasse pour porter le tout. À eux quatre, ça pince, ça frotte, ça percute, ça s’envole avec toujours le même esprit fougueux et la même envie de partager. Musiques de l’Est, du Nord, du Sud, parfois rock, country, parfois lyrique et bien plus encore. Samarabalouf vous « UP » à travers sa « French World Music». 16 morceaux enregistrés au Vintage Studio, avec la crème des micros à lampe... Toujours cette base manouche et tzigane, qui dépasse de plus en plus les frontières...rumba, java, country, irlandais... 16 morceaux et 1 voyage en musique... entre la tradition du quatuor à cordes du 18e et le trio manouche... C'est désormais un violon et un violoncelle qui remplacent la fameuse pompe manouche... Musique à rêver, à danser, à rire, à s’émouvoir... avec ce 4e album studio, Samarabalouf vous propose un de ses plus grands voyages... « SWING IRRÉPROCHABLE ET COMPOSITIONS ACCROCHEUSES POUR CE GROUPE MAJEUR DE CETTE SCÈNE JAZZ SANS FRONTIÈRES. » Les Inrocks « NOUS SOMMES TOUS FOUS DE SAMARABALOUF » Télérama.fr

Nouvelle sortie sur WONDERFULSOUND. Les origines de ce projet sont profondément ancrées dans l'homme qui a rassemblé The Hi-Fires, l'incroyable batteur Rupert Brown. Sa carrière de percussionniste lui a permis de travailler parmi des icônes telles que Roy Ayers... Avec The Hi-Fires, son interprétation du hip-hop est libre, mais ses productions et ses arrangements entraînent chaque morceau à travers les continents de ses expériences. Le disque est établi dans un monde exotique de Kung Fu français''. C'est comme s'il crée la bande son d'un film à petit budget tourné à La Havane, Cuba. Il existe une instrumentation de cuivres exotiques inspirée du jazz et du hip-hop, mélangée avec des sonorités africaines. La musique de l'album est diverse : la scène de Bristol des années 90, un featuring avec Tallulah Smith, actrice et chef de choeur, ainsi que la chanteuse Séverine Mouletin se mêlent à des rythmes plus étouffés... On retrouve l'influence indéniable de Stereolab, sans les penchants plus obscurs. L'attitude est légère. Peut-être qu'elle s'explique par le calibre des musiciens impliqués. Joueur de sax et flûte de Terry Callier depuis 25 ans, Gary Plumley est ici au saxophone, flûtes, clarinette baryton (il est co-conspirateur, co-producteur et auteur de la moitié du disque) et partage une grande partie de la section des vents avec Andrew Norman, qui lui joue de la trompette. Le formidable et généreux fournisseur de basses fréquences, Rafe Spencer, ancre les rythmes avec sa contrebasse.

River : The Joni Letters est l'hommage d'Herbie Hancock à Joni Mitchell. Herbie Hancock (piano), Wayne Shorter (saxophones soprano et ténor), Dave Holland (contrebasse), Vinnie Colaiuta (batterie), Lionel Loueke (guitare). Produit et arrangé par Larry Klein and Herbie Hancock. Avec Norah Jones, Joni Mitchell, Tina Turner, Feist, Luciana Souza, Leonard Cohen et Corinne Bailey Rae. Le quintet de Miles, les années Blue Note, Head Hunters, Rock-it, Jazzmatazz.... Herbie Hancock a traversé les époques et les courants musicaux en laissant derrière lui des chefs d'oeuvres intemporels. Vénéré par les amateurs de funk, de soul, de hip hop ou de jazz il est aujourd'hui une véritable légende vivante. Joni Mitchel est considérée comme une des plus grandes folk singer contemporaine. La beauté de ses textes et la richesse harmonique de ses musiques ont séduit bon nombre d'artistes comme Björk, Caetano Veloso, Elvis Costello, Prince, Wayne Shorter, Brad Meldhau (qui lui ont rendus un hommage discographique en ce début d'année). Joni Mitchell et Herbie Hancock tout comme Miles Davis, Wayne Shorter, Pablo Picasso et d'autres grands artistes de notre temps, partagent un besoin incessant et profond de création. Ils ont toujours eu le désir et le besoin d'innover à chaque note. Ce disque en est la preuve.

L'évidence s'est faite dans l'esprit de l'artiste que certains morceaux, certains textes auraient mérité d'être mieux entendus, d'être redécouverts. C'est cela Trésors Cachés & Perles Rares. Après la collaboration pour la production du 23ème album de CharlElie Couture, Même pas Sommeil, Flying Boat et Rue Bleue repartent ensemble pour faire vivre le nouveau projet un peu hors des clous de cet artiste multiste, comme il lui plait de se définir. Présentant des adaptations, des réécritures de morceaux anciens, parfois restés dans les cartons, parfois oubliés juste des Faces B, mais surtout toujours vivants, cet album sortira le 17 avril, en même temps qu'une biographie de CharlElie écrite par David Dévérité. Pour cet album, quelques amis musiciens vont poser une nouvelle vision sur ces titres. Alice Botté, Nico Mingo, Vincent Bucher, Martin Mayer, Matthieu Denis, Jacques Gavard, Pierre Sangra, Karim Attoumane et Yamée Couture ont répondu présent·es. Et comme on n'arrête pas l'artiste dans un projet, cet enregistrement fera aussi l'objet d'un pressage en CD à la rentrée de septembre 2020, pour accompagner la tournée Solos + qui revisitera ce répertoire réinterprété, réarrangé pour piano et guitare (voire saxo, accordéon, contrebasse... au fil des rencontres)

Vous souhaitez amplifier l'ensemble de votre groupe d'une manière discrète et en ayant un son naturel ? Dans ce cas, le d:vote™ CORE 4099 Rock Touring Kit 10 de DPA répondra à vos attentes. Il est composé de 10 micros d:vote CORE 4099 Extreme SPL, d'adaptateurs XLR, de câbles d'extension et d'une grande collection de clips et de pinces pour fixer les micros sur divers instruments. Vous pourrez utiliser ces micros avec entre autres une batterie, une guitare acoustique, un piano, un violon, une contrebasse et un saxophone. L'instrument que vous possédez ne se trouve pas dans cette liste ? Pas de panique ! Plusieurs pinces universelles sont incluses dans ce kit. De plus, tous ces éléments sont rangés dans une mallette de la marque Peli, ce qui facilitera grandement le transport.Caractéristiques du micro d:vote CORE 4099Le micro d:vote CORE 4099 de DPA est un modèle à condensateur disposant d'un format extrêmement compact et d'une directivité supercardioïde. Étant donné que les instruments peuvent produire une pression acoustique différente, deux versions sont disponibles. La version Loud SPL convient aux instruments dont la pression acoustique peut atteindre 142 dB SPL. La version Extreme SPL est appropriée pour les instruments ayant une pression acoustique allant jusqu'à 152 dB SPL, comme les batteries et les trompettes. Les micros d:vote CORE 4099 sont équipés d'une connexion microdot. En utilisant un adaptateur, vous pourrez les connecter sur presque tous les systèmes sans fil.

Cet album a été inspiré par le roman Papillon d'Henri Charrière, vendu à plus d’1 million d’exemplaires : Sanseverino revisite ainsi l'histoire de ce prisonnier accusé en 1931 d'un meurtre qu'il affirme ne pas avoir commis. L’histoire a également inspiré Franklin Schaffner qui l’a adaptée au cinéma réunissant Steve McQueen et Dustin Hoffman à l’écran. Ce nouvel enregistrement retrace donc l’histoire d’un caïd montmartrois injustement accusé de meurtre et envoyé au bagne. Papillon sera accompagné de la sortie d’une bande dessinée directement liée à l’histoire contée dans l’album. C’est un karaoké littéraire, dit le chanteur. La recette est simple : un chapitre, une chanson ! Sanseverino commence son récit en 1931, au procès d’assises au cours duquel l'accusé Papillon est envoyé au bagne, et le termine en 1944 lorsqu’il réussit sa dernière évasion. J’ai écrit l’album dans l’ordre du livre et il s’écoute donc dans l’ordre de composition. Au départ, je savais seulement quel son je voulais entendre. Dès qu’il a posé devant lui le roman et empoigné sa guitare, Sanseverino savait où il allait : Papillon serait un album bluegrass, résolument acoustique et virtuose, nourri des années de compagnonnage avec des musiciens d’exception - Christophe Cravero au violon alto, Christian Seguret à la mandoline et au violon, Jean-Marc Delon au banjo, Jidé Jouannic à la contrebasse, renforcés par Lionel Suarez à l’accordéon et Xa Mesa aux percussions.

Cet album a été inspiré par le roman Papillon d'Henri Charrière, vendu à plus d’1 million d’exemplaires : Sanseverino revisite ainsi l'histoire de ce prisonnier accusé en 1931 d'un meurtre qu'il affirme ne pas avoir commis. L’histoire a également inspiré Franklin Schaffner qui l’a adaptée au cinéma réunissant Steve McQueen et Dustin Hoffman à l’écran. Ce nouvel enregistrement retrace donc l’histoire d’un caïd montmartrois injustement accusé de meurtre et envoyé au bagne. Papillon sera accompagné de la sortie d’une bande dessinée directement liée à l’histoire contée dans l’album. C’est un karaoké littéraire, dit le chanteur. La recette est simple : un chapitre, une chanson ! Sanseverino commence son récit en 1931, au procès d’assises au cours duquel l'accusé Papillon est envoyé au bagne, et le termine en 1944 lorsqu’il réussit sa dernière évasion. J’ai écrit l’album dans l’ordre du livre et il s’écoute donc dans l’ordre de composition. Au départ, je savais seulement quel son je voulais entendre. Dès qu’il a posé devant lui le roman et empoigné sa guitare, Sanseverino savait où il allait : Papillon serait un album bluegrass, résolument acoustique et virtuose, nourri des années de compagnonnage avec des musiciens d’exception - Christophe Cravero au violon alto, Christian Seguret à la mandoline et au violon, Jean-Marc Delon au banjo, Jidé Jouannic à la contrebasse, renforcés par Lionel Suarez à l’accordéon et Xa Mesa aux percussions.

Fondés en 1975 et 1983, les labels JMS et CREAM RECORDS ont toujours soutenus des artistes créatifs au profil international. Tournés vers le jazz dans toutes ses composantes, ilsrevendiquent la collaboration avec des artistes majeurs comme Henri Texier, Didier Lockwood, Martial Solal, UZEB, Allan Holdsworth, Gordon Beck, Louis Sclavis et de nombreux autres. Aujourd'hui les deux labels s'attachent à poursuivre les enregistrements de nouveaux projets avec ces artistes tout en rééditant, en CD comme en Vinyl, un fond de catalogue devenu légendaire. A l'image de sa contrebasse, Henri Texier est un pilier, un repère au milieu du jazz et de la musique en général. Après un début de carrière fulgurant, à la fin des années 1960, aux côtés des géants américains du be bop comme Bud Powell, Donald Byrd, Dexter Gordon ou Kenny Clarke, Henri Texier se situe par son originalité à l'avant -garde de la musique du monde bien avant le terme. La preuve avec ses deux premiers enregistrements effectués sur le label JMS : Amir (1975) et Varech (1977) réédités en vinyle pour satisfaire une demande venue des quatre coins du monde grâce à plusieurs DJ tels que Bonobo, Chinese Man, Be Svendsen, etc... qui utilisent des extraits de ces deux albums dans leur remix. Les compositions : Amir, Le Piroguier, Les Là -bas, l'Eléphant, Quand le Blues s'en ira, etc.. et bien d'autres sont considérés aujourd'hui comme des standards.

L'amplification d'instruments de musique classiques comme les violons ou les violoncelles nécessite une approche complètement différente de celle destinée à un groupe de rock. Le DPA d:vote™ CORE 4099 Classic Touring Kit 10 est un set de 10 micros adapté pour ce genre de situations. Les micros inclus dans ce set sont des modèles de haute qualité d:vote™ CORE 4099 Loud SPL. Ils sont capables de capter toutes les nuances de votre instrument à une très courte distance. Pour les installer correctement sur vos instruments, des clips adaptés sont inclus. Vous trouverez entre autres 8 clips pour violon, 2 clips pour violoncelle, 2 clips pour contrebasse, 4 clips pour guitare acoustique et 2 clips pour piano. Pour compléter le tout, ce kit conçu spécialement pour les tournées est livré dans une mallette robuste de la marque Peli.Caractéristiques du micro d:vote CORE 4099Le micro d:vote CORE 4099 de DPA est un modèle à condensateur disposant d'un format extrêmement compact et d'une directivité supercardioïde. Étant donné que les instruments peuvent produire une pression acoustique différente, deux versions sont disponibles. La version Loud SPL convient aux instruments dont la pression acoustique peut atteindre 142 dB SPL. La version Extreme SPL est appropriée pour les instruments ayant une pression acoustique allant jusqu'à 152 dB SPL, comme les batteries et les trompettes. Les micros d:vote CORE 4099 sont équipés d'une connexion microdot. En utilisant un adaptateur, vous pourrez les connecter sur presque tous les systèmes sans fil.

Si vous cherchez une musique subversive, atypique, iconoclaste, bourrée de surprises et pourtant toujours tirée à quatre épingles d'élégance et de distinction, ces Trios de Haydn de l'ultime maturité sont pour vous. Ecrits entre 1795 et 97, ils appartiennent aux années de liberté du compositeur, un homme enfin détaché de ses éprouvantes fonctions officielles, à une époque où l'Europe entière se l'arrachait comme une star du rock. Subversion et surprise, en effet. Haydn met le feu aux conventions, qu'elles soient harmoniques, mélodiques ou formelles, inventant au passage des modèles clairement repris par Beethoven : le violent point culminant du Presto dans le Trio en ut majeur avec ses accords touffus et orchestraux, les troublantes enharmonies, les enchaînements de tonalités interdits, les neuvièmes mineures colériques... Et il invente même la walking bass du jazz, dans le second mouvement du Trio en mi majeur; imaginez cette même basse jouée en pizzicato à la contrebasse avec un léger appui sur les seconds et quatrième temps, avec au-dessus ce thème monodique, errant, chromatique et instable, confié au saxophone, et voilà l'acte de naissance du jazz blues. Le pianiste du Trio Goya joue une copie d'après un Anton Walter de 1795, le piano préféré de Mozart. Les deux autres compères empruntent les modes de jeu de la fin du XIXe siècle. Rien de tel que ces sonorités fraîches et tintinnabulantes pour faire résonner tout le génie de cette musique. © Abeille Musique 2010

L'un de ses deux nouveaux projets, célébration des femmes qui ont bouleversé le cours de l'histoire à travers la figure emblématique d'Oum Kalthoum, véritable monument de l'histoire du peuple arabe, qu'Ibrahim a beaucoup écouté depuis son enfance. N'étant moi-même pas chanteur, j'essaie à travers mon instrument de transmettre cet amour que j'ai pour un art finalement extrêmement peu pratiqué, celui de Tarab. C'est évidemment très complexe de tenter d'expliquer ce qu'est le Tarab en musique, puisque c'est une émotion, une sensation d'extase, un art de vivre heureux, alors il m'a semblé plus judicieux de tenter une expérience, un exercice de style, celui de la traduction musicale. Avec le pianiste Frank Woeste nous avons transcrit dans un jazz assez conventionnel, mais nous l'espérons innovant de par son métissage, l'un des plus grands succès de la diva égyptienne : Alf Leila Wa Leila ( Les Mille et une Nuits). Ces mélodies arabes que nous reprenons, bien que fondamentalement traditionnelles, se mélangent très facilement aux harmonies, et aux rythmes du jazz new yorkais. Le point commun entre ces deux cultures musicales est l'improvisation, et c'est sur ce terrain que s'inscrit le dialogue. C'est le dénominateur commun qui rend l‘échange possible. Enregistré et mixé à New York avec la même équipe que l'album Wind (2011) qui était un hommage à Miles Davis, c'est en toute logique que j'ai envisagé Kalthoum comme une continuité de cette belle aventure discographique avec Larry Grenadier (Contrebasse), Clarence Penn (Batterie), Mark Turner (Saxophone) et Frank Woeste (piano).

L'un de ses deux nouveaux projets, célébration des femmes qui ont bouleversé le cours de l'histoire à travers la figure emblématique d'Oum Kalthoum, véritable monument de l'histoire du peuple arabe, qu'Ibrahim a beaucoup écouté depuis son enfance. N'étant moi-même pas chanteur, j'essaie à travers mon instrument de transmettre cet amour que j'ai pour un art finalement extrêmement peu pratiqué, celui de Tarab. C'est évidemment très complexe de tenter d'expliquer ce qu'est le Tarab en musique, puisque c'est une émotion, une sensation d'extase, un art de vivre heureux, alors il m'a semblé plus judicieux de tenter une expérience, un exercice de style, celui de la traduction musicale. Avec le pianiste Frank Woeste nous avons transcrit dans un jazz assez conventionnel, mais nous l'espérons innovant de par son métissage, l'un des plus grands succès de la diva égyptienne : Alf Leila Wa Leila ( Les Mille et une Nuits). Ces mélodies arabes que nous reprenons, bien que fondamentalement traditionnelles, se mélangent très facilement aux harmonies, et aux rythmes du jazz new yorkais. Le point commun entre ces deux cultures musicales est l'improvisation, et c'est sur ce terrain que s'inscrit le dialogue. C'est le dénominateur commun qui rend l‘échange possible. Enregistré et mixé à New York avec la même équipe que l'album Wind (2011) qui était un hommage à Miles Davis, c'est en toute logique que j'ai envisagé Kalthoum comme une continuité de cette belle aventure discographique avec Larry Grenadier (Contrebasse), Clarence Penn (Batterie), Mark Turner (Saxophone) et Frank Woeste (piano).

Les basses électriques étant directement issues de la contrebasse, il est tout naturel que celles-ci soient restées très longtemps sur un format à quatre cordes. Cependant, la technique, la musique et les habitudes évoluant sans cesse, les basses à cinq cordes se sont, par la suite, largement démocratisées. Étape supplémentaire, les basses six cordes - voir sept, huit ou plus encore - se sont creusé une place sur le marché jusqu'à apparaître de plus en plus fréquemment sur scène et en studio.LTD B-206SM : beaucoup plus de possibilitésLa LTD B-206SM est donc une basse à six cordes et 24 frettes XJ, soit une palette de notes totale assez impressionnante. Sa tessiture étendue permet ainsi de jouer de très nombreuses partitions sur un bon nombre d'octaves différentes, du très grave à l'aigu. Afin de supporter le tout, LTD a opté pour un manche vissé cinq pièces en érable et palissandre, avec touche en palissandre également. En raison des six cordes, la largeur au sillet est naturellement plus importante que sur une basse ordinaire, soit 54 mm. Au niveau du corps, on retrouve une base en frêne avec table en érable marbré qui donne à l'instrument un look particulièrement original.Deux micros humbuckers et EQ 3 bandes activeLTD a doté la B-206SM de deux humbuckers ESP Designed SB-6N combinés à un equalizer 3 bandes actif afin d'offrir un contrôle précis sur les niveaux basses, médium et  aigu, chacun disposant de son propre potentiomètre. Deux autres boutons sont destinés au volume et à la balance entre les micros. En somme, la B-206SM offre une électronique complète qui ravira les bassistes les plus pointilleux en matière de réglage du son !

Avis aux amateurs d'instruments à cordes acoustique et d'instruments à vent ! Zoom présente un multi-effet sous la forme de l'A1X Four qui propose tout ce dont vous avez besoin pour personnaliser votre son. Non seulement le son de votre guitare électro-acoustique, mais aussi le son des instruments à cordes tels que le violon et la contrebasse peuvent être rendus plus riches et/ou plus percutants. Les instruments à vent tels que les saxophones, les harmonicas et les trompettes peuvent obtenir un tout nouveau son avec le A1, notamment via sa pédale d'expression pratique. Vous avez le choix entre plus de 80 effets, dont 35 sont spécialement conçus pour être utilisés avec ces instruments de musique spécifiques. Un ampli micro MAA-1 est également inclus si vous souhaitez utiliser un micro à condensateur.Zoom A1X FourEn termes d'effets, il y en a pour tous les instrumentistes ! Les joueurs d'harmonica auront leur son Green Bullet à portée de main et vous pouvez donner à une trompette un effet wah très rapidement. De plus, les violons pourront sonner comme un quintette à cordes ou délivrer un son plus majestueux en un rien de temps. Pour les guitaristes, il existe également la possibilité de rendre leur son piézo amplifié beaucoup plus naturel à l'aide de la technologie IR intégrée. Parce que cette pédale d'effet Zoom dispose de 50 patchs utilisateur, vous disposez également de suffisamment d'espace pour expérimenter et pour enregistrer vos réglages personnels préférés. Pour les performances en solo, vous pouvez également utiliser les 68 parties rythmiques disponibles ou la fonction looper de 30 secondes.

Deux décennies et quelques 2000 concerts après un album sorti en 1999, Debout Sur Le Zinc court toujours. Et ses refrains avec, oscillant docilement entre les bras câlins de la chanson et du rock anglo-saxon. Avec ce 9e album « Eldorado(s) », enregistré au studio Ferber (Paris), Debout Sur Le Zinc a multiplié les révolutions intimes. Idéal pour un nouveau départ. Une nouvelle feuille blanche au livre jamais achevé. Pour preuve : la fin des pochettes dessinées, un nouveau manager ou encore le départ de deux membres (Christophe, guitare rythmique et chant; William, contrebasse) remplacés par Thomas et - première présence féminine - Marie. En studio ? Edith Fambuena (Alain Bashung, Etienne Daho, Miossec) à la réalisation; Antoine Gaillet (Mademoiselle K, Julien Doré, M83) au mixage. Ou comment agir sur la forme pour influer le fond. Le résultat est un album tout en nuances, refusant les partis pris caricaturaux. Textes moins intimes mais plus ouverts / universels; ton plus joyeux mais avec chutes pourtant pessimistes; tempo plus soutenu mais sauvegardant quelques ballades; enregistrement studieux mais concerts festifs; album enregistré live mais réel soin apporté à la post-production; ou encore attelage historique / nouveaux membres mais même unité sonore. Dans toute fête, une réalité sociale. Miroir de la société, DSLZ ne peut renvoyer qu'une image complexe plutôt qu'un avis contrasté. Maintenant, après plus de 3 ans d'attente, c'est la boule au ventre et la foule en tête que le groupe remonte sur le ring !

Deux décennies et quelques 2000 concerts après un album sorti en 1999, Debout Sur Le Zinc court toujours. Et ses refrains avec, oscillant docilement entre les bras câlins de la chanson et du rock anglo-saxon. Avec ce 9e album « Eldorado(s) », enregistré au studio Ferber (Paris), Debout Sur Le Zinc a multiplié les révolutions intimes. Idéal pour un nouveau départ. Une nouvelle feuille blanche au livre jamais achevé. Pour preuve : la fin des pochettes dessinées, un nouveau manager ou encore le départ de deux membres (Christophe, guitare rythmique et chant; William, contrebasse) remplacés par Thomas et - première présence féminine - Marie. En studio ? Edith Fambuena (Alain Bashung, Etienne Daho, Miossec) à la réalisation; Antoine Gaillet (Mademoiselle K, Julien Doré, M83) au mixage. Ou comment agir sur la forme pour influer le fond. Le résultat est un album tout en nuances, refusant les partis pris caricaturaux. Textes moins intimes mais plus ouverts / universels; ton plus joyeux mais avec chutes pourtant pessimistes; tempo plus soutenu mais sauvegardant quelques ballades; enregistrement studieux mais concerts festifs; album enregistré live mais réel soin apporté à la post-production; ou encore attelage historique / nouveaux membres mais même unité sonore. Dans toute fête, une réalité sociale. Miroir de la société, DSLZ ne peut renvoyer qu'une image complexe plutôt qu'un avis contrasté. Maintenant, après plus de 3 ans d'attente, c'est la boule au ventre et la foule en tête que le groupe remonte sur le ring !

Puisque dépourvue de frettes, la basse fretless demande bien plus de précision dans le jeu et une attention toute particulière doit être portée sur la justesse des notes jouées. Parfaitement lisse, le manche de ce genre de basse permet de jouer toutes les nuances d'une note ou de passer d'une note à une autre de manière très fluide, comme sur une contrebasse. Bien que la firme ESP soit souvent assimilée au milieu hard rock / heavy metal, avec cette basse fretless, le constructeur américain s'adresse davantage aux amateurs de jazz et de fusion, mais également aux adeptes de metal progressif, un style qui s'inspire d'ailleurs en partie de ces deux genres musicaux. En résulte un instrument au son chaud et au look exceptionnel ! Construction de la LTD B-204SM-FLLa LTD B-204SM-FL est donc une basse fretless dotée d'un corps en frêne à double pan coupé, d'une table en érable flammé, d'un manche en érable en 5 parties (3 parties en érable et 2 parties en palissandre, profil en U) et d'une touche en palissandre (largeur au sillet : 40 mm) qui se voit tout de même munie, à défaut de véritables frettes, de 24 repères qui aideront les novices à mieux se situer sur la touche de l'instrument. Le choix de ces bois, combinés à une électronique taillée sur mesure et à l'absence de frettes (les cordes sont en contact direct avec le bois de la touche), procure à la LTD B-204SM-FL un son chaud, riche en sustain et particulièrement dynamique. Au niveau de l'électronique, ESP a opté pour deux humbuckers SB-4 dont vous pourrez contrôler le volume, la balance et le « boost / cut » des basses, médiums et aigus. De plus, la LTD B-204SM-FL embarque un égaliseur actif 3 bandes qui vous permettra d'ajuster et d'adapter votre son afin qu'il corresponde au mieux à vos attentes !

True Meanings est le 14e album Solo de Paul Weller et 26e album de sa carrière, et on peut dire que c'est un album comme jamais il n'en a fait un auparavant. Cet album caractérisé par une orchestration luxuriante, grandiose et pourtant délicate crée une harmonie portée par Paul, dont la voix n'a jamais été aussi belle, agrémentée par des textes aussi bien sincères que profonds. Le 25 Mai dernier, Paul Weller a passé la soixantaine : une étape qui a sans aucun doute eu un impact sur l'ambiance, à la fois dans les textes et la musique sur -True Meanings- qui semble être l'album le plus personnel qu'il ait pu réaliser jusqu'ici. Cependant, c'est aussi celui qui a connu le plus de collaborations : avec un nombre d'invités plus important que sur ses dernières réalisations. A l'image des membres du Weller's band, Rod Argent de The Zombies apporte sa touche à l'orgue Hammond sur The Soul Searchers' ainsi que son piano mellotron sur White Horses'; les légendes de la folk Martin Carthy et Danny Thompson ont amené respectivement leur guitare et contrebasse sur Come Along', Little Barrie joue de la guitare sur Old Castles'; Lucy Rose amène sa voix sur Books'; et Movin On' est le résultat d'une démo sur le téléphone de Paul qui a été envoyée à Tom Doyle du White Label project. Même Noël Gallagher fait une apparition discrète. Peut être encore plus surprenant, surtout étant donné l'aspect personnel et introspectif de True Meanings', les paroles de 4 des 14 morceaux présents sur l'album ont été écris sur-mesure par d'autres artistes pour les mélodies de Paul Weller. Connor O'Brien des Villagers introduit les premiers mots de l'album sur The Soul Searchers', tandis que Bowie', Wishing Well' et le tout dernier morceau White Horses' sont le travail de Erland Cooper du groupe Erland & The Carnival.

Dépourvue de frettes, la basse fretless demande bien plus de précision dans le jeu. En effet, une attention toute particulière doit être portée sur la justesse des notes jouées. Parfaitement lisse, le manche de ce genre de basse permet de jouer toutes les nuances d'une note ou de passer d'une note à une autre de manière très fluide, comme sur une contrebasse. Bien que la firme ESP soit souvent assimilée au milieu hard rock / heavy metal, avec cette basse fretless 5 cordes, le constructeur américain s'adresse à tous les bassistes qui souhaitent enrichir leur jeu, ainsi qu'aux amateurs de jazz et de fusion, mais également aux adeptes de metal progressif, un style qui s'inspire d'ailleurs en partie de ces deux genres musicaux. En résulte un instrument au son chaud et au look exceptionnel ! Construction de la LTD B-205SM-FLLa LTD B-205SM-FL est donc une basse fretless 5 cordes dotée d'un corps en frêne à double pan coupé, d'une table en érable flammé, d'un manche en érable en 5 parties (3 parties en érable et 2 parties en palissandre, profil en U, largeur au sillet : 45 mm) et d'une touche en palissandre qui se voit tout de même munie, à défaut de véritables frettes, de 24 repères qui aideront les novices à mieux se situer sur la touche de l'instrument. Le choix de ces bois, combinés à une électronique taillée sur mesure et à l'absence de frettes (les cordes sont en contact direct avec le bois de la touche), procure à la LTD B-205SM-FL un son chaud, riche en sustain et particulièrement dynamique. ESP a opté pour une électronique passive qui sert  deux humbuckers SB-5 (manche et chevalet) dont vous pourrez contrôler le volume, la balance et le « boost / cut » des basses, médiums et aigus. De plus, la LTD B-205SM-FL embarque un égaliseur actif 3 bandes qui vous permettra d'ajuster et d'adapter votre son afin qu'il corresponde au mieux à vos besoins !

Le 30 septembre 1990, Gérard de Haro enregistre dans son studio qui ne s'appelle pas encore La Buissonne, le trio régional de Stéphan Oliva avec Claude Tchamitchian et Jean-Pierre Jullian. C'est le premier disque de Stéphan, il le produit lui-même. C'est aussi le début d'une longue et indéfectible amitié entre ces quatre artistes. Gérard est l'ingénieur du son de treize des seize disques enregistrés sous son nom par Stéphan à ce jour. Stéphan est dans plusieurs des aventures du Lousatzak de Tchamitchian, il est aussi le pianiste des merveilleux projets sudistes de Jullian sortis sur Emouvance, le label du contrebassiste, tous enregistrés par De Haro... Automne 1991, l'enregistrement du trio sort sur OWL, le prestigieux label de Jean-Jacques Pussiau. Et tout le monde s'accorde pour saluer un nouveau musicien à l'univers poétique très personnel. Automne 2008, Jean-Pierre Jullian à un projet d'oratorio et travaille également à une création pour sept musiciens et deux danseurs sur la naissance du soleil et de la lune d'après les mythes Amérindiens. Claude Tchamitchian, lui explore ses propres racines dans des duos et trios avec Gaguik Mouradian et Bijan Chemirani et participe au développement de la musique des trio et Megaoctet d'Andy Emler. Stéphan Oliva tourne en solo son projet sur Bernard Herrmann, écrit pour le cinéma et continue de creuser avec François Raulin, les origines de la musique afro-américaine. Il a aussi envie de rejouer en trio avec une contrebasse et une batterie (la dernière fois c'etait en 2000 avec Bruno Chevillon et Paul Motian). C'est tout naturellement qu'il va proposer la reformation du trio. Il écrit un nouveau répertoire, puis s'informe sur la disponibilité du studio pour l'enregistrer. Mais sans aucune idée sur la façon de commercialiser la musique. Et c'est tout aussi naturellement que Gérard de Haro lui propose de produire le projet sur son label. Dix-huit ans après leur première rencontre...

Née en République Tchèque et new-yorkaise d'adoption, Marta Topferova poursuit un parcours insolite. Avec passion et sincérité, elle enracine sa musique dans l'Amérique latine et les Caraïbes, en cultivant la richesse des timbres et des styles qui y co-existent. Son nouvel album, enregistré dans son pays natal au printemps 2009, représente son témoignage artistique le plus authentique et le plus personnel. Son titre, Trova, renvoie à la fois à la racine du mot espagnol troubadour et à un célèbre mouvement musical cubain traditionnel. Il reprend le fil de Flor Nocturna (2006) qui reste l'album de sa consécration. Tout en restant fidèle à ses amours, Marta Topferova choisit d'explorer des ambiances nouvelles. Elle explique : « Je voulais jouer sur les contrastes, faire un disque entraînant, mettre en relief plus d'influences caribéennes comme le son, le boléro cubains ou la bomba portoricaine. » Elle s'est associée à Aaron Halva, un joueur de tres cubain (une guitare à trois doubles cordes métalliques), un expert de la tradition capable aussi de jouer toutes sortes de rythmes. Autour d'eux, Roland Satterwhite (violon), Pedro Giraudi (contrebasse) et Neil Ochoa (percussions). Au fil de titres qu'elle a souvent écrit, la chanteuse cultive son interprétation expressive, les langoureuses balades et son propre penchant poétique. Elle s'inspire autant des coquelicots de la campagne tchèque (La Amapola) que d'anciennes chansons cubaines (Camina y Ven Pa La Loma) ou argentines (Entre a Mi Pago Sin Colpear), s'autorisant même un boléro ancestral teinté de mambo (Mar y Cielo). Pour mieux saisir l'immédiateté de sa musique, Marta Topferova a choisi la sobriété. L'enregistrement s'est fait près de Prague au studio Sono, avec l'ingénieur du son Michal Vanis. Il émane des onze titres une approche simple, naturelle, sans contrainte, et en même temps l'intensité palpable d'une profonde sérénité. Un son chaud, organique, qui va comme un gant à cette chanteuse multiculturelle par excellence.

Louisa Bey (voc), Olivier Louvel (g,dobro,mandoline) Alexandre Saada (p,Rhodes & Wurlitzer) Gilles Coquard (b), Xavier Desandre-Navarre (perc,dr) Invité : Hervé Meschinet (fl) Le parcours de cette artiste est éclectique. Cumulant les talents d'auteur, compositeur et chanteuse de jazz, Louisa Bey (nom de scène choisi en hommage à Abbey Lincoln) a étudié le piano classique, a pris le temps d'obtenir un DEA de droit communautaire, d'acquérir une expérience professionnelle dans la communication, puis a commencé en 2002 les cours de l'école Atla et notamment le jazz vocal se découvrant alors une passion pour cette musique qui lui permet d'exprimer et d'interpréter les émotions qui trouvent écho en elle. En octobre 2002, une rencontre est déterminante : celle de Frédéric Charbaut et de Donatienne Hantin, organisateurs du Festival Jazz à Saint- Germain-Des-Prés où Louisa donne son premier concert en 2003. Puis elle part à Tanger pour le festival Tanjazz où elle rencontre le pianiste Nico Morelli qui l'accompagne et l'encourage à lui présenter ses compositions. Il est trop tôt pour que ces deux-là travaillent ensemble, mais ce n'est qu'une question de temps...Louisa s'entoure alors du pianiste Alexandre Saada et de sa rythmique (Laurent Sériès à la batterie et Jean-Daniel Botta à la contrebasse). Après quelques concerts donnés à Paris, une nouvelle aventure Tanjazz s'annonce en mai 2004. Le quartet apprend à se connaître et l'expérience de la grande scène de la Mandoubia à Tanger restera pour tous, un grand moment. Suivent alors les clubs parisiens : le Sunside, les Sept Lézards, l'Archipel, le Café Universel, et les festivals Jazz à Saint- Germain-des-Prés et Jazz à Vienne. Le thème de Turning Me Jazz est tourné vers l'espoir et le jeu, sans perdre de vue les petites noirceurs de la vie. « Mon discours est de ne pas juger; d'exprimer par ma voix, mes textes et ma musique d'autres vies qui ne sont pas les miennes, et d'essayer d'en comprendre les émotions. Je recherche un discours universel via une multitude d'individualités. » Un jazz au caractère folk et pop autour d'une formation dont le socle est la guitare (Olivier Louvel). Le travail s'articule autour des compositions de Louisa Bey, inspirées par des artistes tels Herbie Mann, Gil Scott Heron, Joni Mitchell ou Nick Drake. L'ensemble puise sa source dans les « seventies » avec le choix d'un son plus ample et plus profond, grâce à la présence de la basse électrique, des percussions, du Rhodes, du Wurlitzer, et de la flûte. Nouvelles compositions, nouvelle formation pour ce disque dont la direction artistique a été assurée par Olivier Louvel.

Pendant 10 ans les membres des 2 formations se sont croisés régulièrement, ont collaboré, s’enrichissant mutuellement. C’est à l’issue de l’une de ces réunions, sur l’album Adiu Miladiu du Bal Brotto Lopez, qu’en 2016 ils décident de franchir le pas. Une tournée réunissant les deux univers voit le jour dans la foulée. Quercy-Pontoise. Difficile de trouver meilleur nom pour l’album enregistré en public cet été là. Simple boutade du chanteur des Ogres, pour présenter à la fois l’origine francilienne de sa fratrie et celle de ses confrères du sud, nous dit-on ? Pas si sûr. Car, on comprend dès la première piste, que d’un côté comme de l’autre, on prend l’affaire très au sérieux. Les Ogres, fidèles à leurs principes d’ouverture sur le monde, intègrent parfaitement à leur répertoire les sonorités et les lettres du bal occitan. Ainsi, Vous m’emmerdez !, de leur album éponyme, devient Que m’emmerdatz !. Ils adoptent les codes jusqu’à chanter dans la langue des troubadours avec un travail remarquable de prononciation. L’alternance des voix de Fred Burguière et de Guillaume Lopez, l’équilibre entre les compositions issues des 2 formations dans le choix des titres et le même attachement à la qualité des textes réconcilient Oïl et Oc. Même Allain Leprest s’en trouve occitanisé, avec sa chanson C’est peut-être, adaptée dans les deux langues. Autre témoin de cette concorde, Mon pays, co-écrite par les six musiciens de l’ensemble, rapproche avec humour les chauvinismes parisiens et gascons dans une valse populaire. Populaire et résolument festif : voilà les caractéristiques des 2 univers qui expliquent que le mariage fonctionne si bien. L’opus, tourné d’abord vers le public, fait la part belle aux tempos rapides, où s’expriment toute la virtuosité des instrumentistes et leur goût pour les mélodies d’inspiration traditionnelle. Parfois soutenues -car avec les Ogres le rock n’est jamais très loin - par la saturation d’une guitare. Tous ces musiciens sont des multi-instrumentistes. Trombone, scie musicale, contrebasse, soubassophone, piano... le large instrumentarium dont ils disposent permet d’explorer au long des 12 morceaux du disque une palette sonore exceptionnellement riche. Ce projet des soeurs et frères Burguière et du duo Cyrille Brotto et Guillaume Lopez s’avère donc être propice à la danse et autres réjouissances. Sans jamais perdre de vue la possibilité de laisser une place à des copains de passage. C’est le cas de la dernière plage de l’album, Lo pont de Nantas / Amazone, qui accueille les chanteurs languedociens Aqueles et la violoniste Alexandra Lacouchie. Donner de l’espace aux autres, cette qualité rare chez les musiciens, commune aux membres du bal de Quercy Pontoise ne s’explique pas. C’est l’envie de partage qui les réunit tous sur la même scène.

Fondamenta a réuni des musiciens et des chercheurs à travers le monde. Ces archéologues du son partagent tous cette capacité à traquer et reconnaître des enregistrements réellement exceptionnels. Après des mois de recherches, nous sommes fiers de présenter aujourd’hui la collection Lost Recordings. La remastérisation de ces pépites est confiée au procédé Phoenix Mastering (TM) mis au point pendant plusieurs années par les ingénieurs de Fondamenta, et au coeur duquel se trouvent des technologies Devialet. Ce savoir-faire nous permet de révéler des enregistrements perdus, comme s’ils venaient d’être enregistrés. Une collection nait ! Le concert, donné le 28 octobre 1967 au palais des concerts De Doelen de Rotterdam aux Pays-Bas dans le cadre d’une tournée européenne qui, une petite semaine plus tard, fera escale à la Salle Pleyel à Paris (un disque intitulé «Live in Paris, 1967» paru dans les années 80 a immortalisé cette magnifique prestation), a ceci de particulier de rompre avec le schéma habituel en présentant le quartet de Monk (avec Larry Gales à la contrebasse et Ben Riley à la batterie) augmenté sur un certain nombre de plages d’invités prestigieux, tous habitués de l’univers du pianiste : les trompettistes Ray Copeland et Clark Terry, les saxophonistes Johnny Griffin et Phil Woods et le tromboniste Jimmy Cleveland. Si ce n’est pas la première fois que Monk se produisait entouré d’une formation élargie (deux enregistrements majeurs de sa discographie attestent de son goût pour les grands ensembles : «The Thelonious Monk Orchestra at Town Hall» enregistré en 1959 et le présentant à la tête d’un tentet arrangé par Hal Overton, et «Big Band and Quartet in Concert», rendant compte d’un concert donné au Philarmonic Hall de New York en 1963 dans une configuration orchestrale similaire), le scénario imaginé lors de cette tournée s’avère pour le moins original, puisque partant du quartet originel l’espace de deux morceaux («Ruby My Dear» et «Hackensack»), la formation s’élargit progressivement aux dimensions d’un quintet (avec Ray Copeland en soliste) puis d’un octet jusqu’à constituer finalement sur «Blue Monk» un mini big band de neuf musiciens mettant en vedette le bugle virtuose et inspiré de Clark Terry. Sans prétendre à une grande sophistication d’écriture (les arrangements minimalistes et «fonctionnels» servent le plus souvent d’écrin et de relance aux interventions solistes et ne proposent jamais de relectures particulières des compositions abordées), cette formule orchestrale séduit en ce qu’elle plonge le pianiste dans un environnement instrumental riche en couleurs et contrastes offrant de nouvelles perspectives et comme un surplus de lyrisme à son style toujours plus épuré et ascétique. Les improvisations de Johnny Griffin notamment, sur «Oska T» et «Epistrophy», sont de merveilleux moments qui rappellent à quel point sa sonorité à la fois chaude et acide ainsi que son phrasé incisif se sont toujours accordés comme par magie aux préceptes «monkiens», faits d’ellipses, de parcimonie expressive et de dissonances savantes.